tag:blogger.com,1999:blog-64230839801877201422024-03-13T14:21:06.714+01:00 CARNETS DE DECOUVERTES DU LIEUTENANT SCHAFFERDécouvertes, redécouvertes et retournements de veste cinématographiques en tout(s) genre(s)Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.comBlogger56125tag:blogger.com,1999:blog-6423083980187720142.post-57879120003328337782017-08-18T17:31:00.002+02:002017-08-18T18:37:22.462+02:00Mise-à-jour : Top 253<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-yG-sk452KD0/WZcGZkUAiDI/AAAAAAAACpg/V_oyw_hkfigjLBS0jzSUSnDc4cv-tMxDACLcBGAs/s1600/Day%2Bfor%2BNight%2B1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="304" src="https://3.bp.blogspot.com/-yG-sk452KD0/WZcGZkUAiDI/AAAAAAAACpg/V_oyw_hkfigjLBS0jzSUSnDc4cv-tMxDACLcBGAs/s400/Day%2Bfor%2BNight%2B1.jpg" width="540" /></a></div>
<br />
La pause estivale s'y prête : c'est le moment de se livrer à l'exercice du sempiternel top. <a href="http://carnetsdulieutenant.blogspot.fr/2016/09/mise-jour-top-252.html" target="_blank">Ma dernière version</a> portait le nombre à 252 films, difficile de pousser plus loin. Alors certes, un peu plus loin, 253 : parce que je ne saurais réduire davantage... et parce qu'après tout, 252 c'est déjà trop mainstream. Comme toujours, je fais en sorte que cette synthèse me ressemble autant que possible</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
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Au programme : un certain nombre de nouveaux venus, place à quelques coups de cœurs et une poignée d'ajustement. Deux entrées fracassantes dans le top 10, le hasard - faisant toujours bien les choses - voulant qu'ils s'agisse de deux films autour de l'épopée bonapartiste : <i><b>Napoléon</b></i> d'Abel Gance et <b><i>Guerre et Pa</i></b>ix de Sergei Bondarchuk, le premier revu, et l'autre découvert. A noter, également, un joli triplé de Kurosawa, faisant s'incruster coup sur coup <i><b>Entre le Ciel et l'Enfer</b></i>, <b><i>Les Salauds dorment en pai</i></b>x et <b><i>Ran</i></b>. Et comme je suis vraiment un vieux râler qui "n'aime rien", je n'ai pas ajouté de films contemporains - bah oui eh, une réputation, ça se tient. Nah.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-L8oSUpVOjwU/WZb-qDrFGAI/AAAAAAAACok/wqGlcF7HIR0510GVxa1Yrwjbuptguj5nQCLcBGAs/s1600/napol%25C3%25A9on.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1090" data-original-width="1436" height="151" src="https://4.bp.blogspot.com/-L8oSUpVOjwU/WZb-qDrFGAI/AAAAAAAACok/wqGlcF7HIR0510GVxa1Yrwjbuptguj5nQCLcBGAs/s200/napol%25C3%25A9on.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Napoléon</b></i> (1927)</td></tr>
</tbody></table>
1)<i><b> Blade Runner</b></i> - Ridley Scott (1982)
</div>
<div style="text-align: justify;">
2) <i><b>Les Duellistes</b></i> - Ridley Scott (1977)</div>
<div style="text-align: justify;">
3) <i><b>Croix de Fer</b></i> - Sam Peckinpah (1977)</div>
<div style="text-align: justify;">
4) <i><b>La Nuit Américaine</b></i> - François Truffaut (1973)</div>
<div style="text-align: justify;">
5) <i><b>Napoléon </b></i>- Abel Gance (1927)</div>
<div style="text-align: justify;">
6) <i><b>L'Armée des ombres </b></i>- Jean-Pierre Melville (1959)</div>
<div style="text-align: justify;">
7) <b><i>Guerre et Paix</i></b> - Sergei Bondarchuk (1966)</div>
<div style="text-align: justify;">
8) <i><b>Sorcerer</b></i> - William Friedkin (1977)</div>
<div style="text-align: justify;">
9) <i><b><i><b>Das Boot</b></i> - </b></i>Wolfgang Petersen (1981)</div>
<div style="text-align: justify;">
10) <i><b><i><b>Le Désert des Tartares</b></i> </b></i>- Valerio Zurlini (1976)</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
11) <i><b>Aguirre, la colère de Dieu</b></i> - Werner Herzog (1972)</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-5CsLZg1S8uw/WZb-lzwIo_I/AAAAAAAACos/f1hOg750ZMIJDpcrSkJb9bRsCwEZjvZwQCEwYBhgL/s1600/deuxhommes.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="592" data-original-width="986" height="120" src="https://2.bp.blogspot.com/-5CsLZg1S8uw/WZb-lzwIo_I/AAAAAAAACos/f1hOg750ZMIJDpcrSkJb9bRsCwEZjvZwQCEwYBhgL/s200/deuxhommes.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Deux Hommes dans la ville</b></i> (1973)</td></tr>
</tbody></table>
12) <i><b>Pat Garrett & Billy le Kid</b></i> - Sam Peckinpah (1973)</div>
<div style="text-align: justify;">
13) <i><b> Lawrence d'Arabie</b></i> - David Lean (1962)</div>
<div style="text-align: justify;">
14 <b><i></i></b><b><i>Le Limier</i></b> - Joseph L. Mankiewicz (1972)</div>
<div style="text-align: justify;">
15)<i><b> Délivrance</b></i> - John Boorman (1972)</div>
<div style="text-align: justify;">
16) <b><i>Metropolis</i></b> - Fritz Lang (1927)
</div>
<div style="text-align: justify;">
17) <b><i>Sous le soleil de Satan</i></b> - Maurice Pialat (1987)</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
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</div>
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</div>
<div style="text-align: justify;">
18) <b><i>Le Train sifflera trois fois</i></b> - Fred Zinnemann (1952)</div>
<div style="text-align: justify;">
19) <i><b>Deux Hommes dans la ville</b></i> - José Giovanni (1973)</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
20) <b><i>La Porte du Paradis</i></b> - Michael Cimino (1980) </div>
<div style="text-align: justify;">
21) <b><i>Butch Cassidy et le Kid </i></b>- George Roy Hill (1969)</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-IsJapZJVOmI/WZb-ejYmoDI/AAAAAAAACos/fzhtvcvyH8ooxcTQqqiwGtC6Y4zAEpXsACEwYBhgL/s1600/225102.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="544" data-original-width="1280" height="85" src="https://3.bp.blogspot.com/-IsJapZJVOmI/WZb-ejYmoDI/AAAAAAAACos/fzhtvcvyH8ooxcTQqqiwGtC6Y4zAEpXsACEwYBhgL/s200/225102.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Ludwig</b></i> (1972)</td></tr>
</tbody></table>
22) <b><i>Huit et demi</i></b> - Federico Fellini (1963)</div>
<div style="text-align: justify;">
23) <i><b>L'Homme des hautes plaines</b></i> - Clint Eastwood (1973)</div>
<div style="text-align: justify;">
24) <b><i>Le Plongeon</i></b> - Frank Perry et Sidney Pollack (1968)</div>
<div style="text-align: justify;">
25) <i><b>Ludwig - Le Crépuscule des Dieux </b></i><br />
- Luchino Visconti (1972)</div>
<div style="text-align: justify;">
26) <i><b>Le Cid </b></i>- Anthony Mann (1961)</div>
<div style="text-align: justify;">
27) <i><b>Le Ventre de l'architecte</b></i> - Peter Greenaway (1987)</div>
<div style="text-align: justify;">
28) <i><b>Une partie de campagne </b></i>- Jean Renoir (1936)</div>
<div style="text-align: justify;">
29 <i><b></b></i><i><b>Impitoyable</b></i> - Clint Eastwood (1992)</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
30) <i><b>La Belle et la Bête</b></i> - Jean Cocteau (1946) </div>
<div style="text-align: justify;">
31) <i><b>L'Ours </b></i>- Jean-Jacques Annaud (1988)</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-l4yybRZJd38/WZb-dovfs6I/AAAAAAAACos/kLJDd5GEh2YaRVHVMa985y6Y94xQDoT6ACEwYBhgL/s1600/210423.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="681" data-original-width="1600" height="85" src="https://3.bp.blogspot.com/-l4yybRZJd38/WZb-dovfs6I/AAAAAAAACos/kLJDd5GEh2YaRVHVMa985y6Y94xQDoT6ACEwYBhgL/s200/210423.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Melancholia</b></i> - Lars Von Trier (2011)</td></tr>
</tbody></table>
32) <i><b>Chronos</b></i> - Ron Fricke (1985)</div>
<div style="text-align: justify;">
33) <i><b>Melancholia</b></i> - Lars Von Trier (2011)</div>
<div style="text-align: justify;">
34) <i><b>Katie Tippel </b></i>- Paul Verhoeven (1975)</div>
<div style="text-align: justify;">
35) <i><b>Rencontres du troisième type</b></i> - Steven Spielberg (1977)</div>
<div style="text-align: justify;">
36) <b><i>La Poursuite infernale</i></b> - John Ford (1946) </div>
<div style="text-align: justify;">
37) <i><b>L'Homme qui aimait les femmes</b></i><br />
- François Truffaut (1977) </div>
<div style="text-align: justify;">
38) <i><b>Cyrano de Bergerac</b></i> - Jean-Paul Rappeneau (1990)</div>
<div style="text-align: justify;">
39) <i><b>Il était une fois la révolution</b></i> - Sergio Leone (1971)</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
40) <i><b>Entre le ciel et l'enfer</b></i> - Akira Kurosawa (1963)</div>
<div style="text-align: justify;">
41) <i><b>L'Assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford</b></i><br />
- Andrew Dominik (2007) </div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-e_P8cSfAuRY/WUJ1O3eWVMI/AAAAAAAACnM/_0nklrW75IAoFv-EGu0flK9MEHEZsFX9QCPcBGAYYCw/s1600/195057.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="558" data-original-width="1318" height="84" src="https://2.bp.blogspot.com/-e_P8cSfAuRY/WUJ1O3eWVMI/AAAAAAAACnM/_0nklrW75IAoFv-EGu0flK9MEHEZsFX9QCPcBGAYYCw/s200/195057.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Entre le ciel et l'enfer</b></i> (1963)</td></tr>
</tbody></table>
42) <i><b>3h10 pour Yuma </b></i>- Delmer Daves (1957) </div>
<div style="text-align: justify;">
43) <i><b>Koyaanisqatsi </b></i>- Godfrey Reggio (1982)</div>
<div style="text-align: justify;">
44) <i><b>La 317ème Section </b></i>- Pierre Schoendoerffer (1965)</div>
<div style="text-align: justify;">
45) <i><b>L'Invasion des profanateurs de sépultures</b></i><br />
- Don Siegel (1956)</div>
<div style="text-align: justify;">
46) <i><b>A Tombeau ouvert</b></i> - Martin Scorsese (1999)</div>
<div style="text-align: justify;">
47) <i><b>Eve</b></i> - Joseph L. Mankiewicz (1950)</div>
<div style="text-align: justify;">
48) <b><i>La Planète des Singes</i></b> - Franklin J. Schaffner (1967)</div>
<div style="text-align: justify;">
49) <i><b>Black Book</b></i> - Paul Verhoeven (2006)</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
50) <i><b>Point limite</b></i> - Sidney Lumet (1964)</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-tqPNvbcC40U/WZcAk0Vnz1I/AAAAAAAACo0/ty95RpPCeP0HxpzgpZpj1T10W6gEwsMDgCLcBGAs/s1600/disque-les-parapluies-de-cherbourg41.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="865" data-original-width="1600" height="108" src="https://3.bp.blogspot.com/-tqPNvbcC40U/WZcAk0Vnz1I/AAAAAAAACo0/ty95RpPCeP0HxpzgpZpj1T10W6gEwsMDgCLcBGAs/s200/disque-les-parapluies-de-cherbourg41.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Les Parapluies de Cherbourg</b></i> (1964)</td></tr>
</tbody></table>
51)<i><b> Les Parapluies de Cherbourg</b></i> - Jacques Demy (1964)</div>
<div style="text-align: justify;">
52) <i><b>Blue Velvet</b></i> - David Lynch (1986)</div>
<div style="text-align: justify;">
53) <b><i>Les Fantastiques années 20</i></b> - Raoul Walsh (1939) </div>
<div style="text-align: justify;">
54) <i><b>The Party</b></i> - Blake Edwards (1968) </div>
<div style="text-align: justify;">
55) <i><b>Fenêtre sur cour </b></i>- Alfred Hitchcock (1954)</div>
<div style="text-align: justify;">
56) <i><b>Grizlly Man</b></i> - Werner Herzog (2005)</div>
<div style="text-align: justify;">
57) <i><b>Soleil Vert </b></i>- Richard Fleischer (1973)
</div>
<div style="text-align: justify;">
58) <i><b>La Légende de Beowulf</b></i> - Robert Zemeckis (2008)</div>
<div style="text-align: justify;">
59) <i><b>Fitzcarraldo</b></i> - Werner Herzog (1982)</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
60) <i><b>Le Guépard</b></i> - Luchino Visconti (1963)</div>
<div style="text-align: justify;">
61) <i><b>Keoma</b></i> - Enzo G. Castellari (1976)</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-iJycSjb8LtE/WZb-Z0R8dzI/AAAAAAAACos/AI4asBVcQdMUL-NrG4BccbZPGvncNwENQCEwYBhgL/s1600/158132.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="692" data-original-width="1280" height="108" src="https://4.bp.blogspot.com/-iJycSjb8LtE/WZb-Z0R8dzI/AAAAAAAACos/AI4asBVcQdMUL-NrG4BccbZPGvncNwENQCEwYBhgL/s200/158132.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Stalingrad </b></i>(1993)</td></tr>
</tbody></table>
62) <i><b>Seconds </b></i>- John Frankenheimer (1966)</div>
<div style="text-align: justify;">
63) <i><b>Les Dimanches de Ville d'Avray</b></i><br />
- Serge Bourguignon (1962)</div>
<div style="text-align: justify;">
64) <i><b>Stalingrad </b></i>- Joseph Vilsmaier (1993)</div>
<div style="text-align: justify;">
65) <i><b>Grand Prix</b></i> - John Frankenheimer (1966)
</div>
<div style="text-align: justify;">
66) <i><b>Le Juge et l'Assassin </b></i>- Bertrand Tavernier (1976)</div>
<div style="text-align: justify;">
67) <b><i>La Soufrière </i></b>- Werner Herzog (1978) </div>
<div style="text-align: justify;">
68) <i><b>Jules et Jim</b></i> - François Truffaut (1962)</div>
<div style="text-align: justify;">
69) <i><b>La Grotte des rêves perdus </b></i>- Werner Herzog (2010)</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
70) <i><b>Scènes de la vie conjugale</b></i> - Ingmar Bergman (1973)</div>
<div style="text-align: justify;">
71) <b><i>Gentleman Jim</i></b> - Raoul Walsh (1942)</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-h7tUUTqITG0/WZb-bL8FnmI/AAAAAAAACos/q6G7TTbhzrksX_nkfb14sd_4BR2oAUmuACEwYBhgL/s1600/183644.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="536" data-original-width="1280" height="83" src="https://1.bp.blogspot.com/-h7tUUTqITG0/WZb-bL8FnmI/AAAAAAAACos/q6G7TTbhzrksX_nkfb14sd_4BR2oAUmuACEwYBhgL/s200/183644.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Révélations </b></i>(1999)</td></tr>
</tbody></table>
72) <i><b>L'Homme qui tua Liberty Valance</b></i> - John Ford (1961)</div>
<div style="text-align: justify;">
73) <i><b>Le Locataire</b></i> - Roman Polanski (1976)</div>
<div style="text-align: justify;">
74) <i><b>Le Jour où la Terre s'arrêta</b></i> - Robert Wise (1951)</div>
<div style="text-align: justify;">
75) <i><b>Révélations </b></i>- Michael Mann (1999)</div>
<div style="text-align: justify;">
76) <i><b>L'Invasion des profanateurs </b></i>- Philip Kaufman (1978)</div>
<div style="text-align: justify;">
77) <i><b>Les Feux de la rampe</b></i> - Charlie Chaplin (1952)</div>
<div style="text-align: justify;">
78) <i><b>Rocco et ses frères</b></i> - Luchino Visconti (1960)</div>
<div style="text-align: justify;">
79) <i><b>Dancer in the Dark</b></i> - Lars von Trier (2000)</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
80) <i><b>L'Etrange Histoire de Benjamin Button </b></i>- David Fincher (2008)</div>
<div style="text-align: justify;">
81) <i><b> Stalker </b></i>- Andreï Tarkovski (1979)</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-6EEVuqpg-wU/WZb-cvK3fFI/AAAAAAAACos/KgLyMC4tamk4i2nMnHRCCVA7qeIwDmAYwCEwYBhgL/s1600/205886.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1200" height="150" src="https://4.bp.blogspot.com/-6EEVuqpg-wU/WZb-cvK3fFI/AAAAAAAACos/KgLyMC4tamk4i2nMnHRCCVA7qeIwDmAYwCEwYBhgL/s200/205886.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Stalker </b></i>(1979)</td></tr>
</tbody></table>
82) <i><b>La Cité des enfants perdus</b></i><br />
- Jean-Pierre Jeunet & Marc Caro (1995)</div>
<div style="text-align: justify;">
83) <i><b>Le Privé</b></i> - Robert Altman (1973)</div>
<div style="text-align: justify;">
84) <i><b>Duel</b></i> - Steven Spielberg (1971)</div>
<div style="text-align: justify;">
85) <i><b>Collateral </b></i>- Michael Mann (2004)</div>
<div style="text-align: justify;">
86) <i><b>L'Aventure de Madame Muir</b></i><br />
- Joseph L. Mankiewicz (1947)</div>
<div style="text-align: justify;">
87) <i><b>Coup de Coeur</b></i> - Francis Ford Coppola (1982)</div>
<div style="text-align: justify;">
88) <i><b>Le Testament d'Orphée</b></i> - Jean Cocteau (1959)</div>
<div style="text-align: justify;">
89) <i><b>Hiroshima mon amour</b></i> - Alain Resnais (1959)</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
90) <i><b>La Colline des potences</b></i> - Delmer Daves (1959)</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-CI_HPItIix8/WZb-VtTvIMI/AAAAAAAACos/_B6Vs7kZpA0KGpJkZOvCmQuq7Wt7b7MsgCEwYBhgL/s1600/148453.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="662" height="150" src="https://4.bp.blogspot.com/-CI_HPItIix8/WZb-VtTvIMI/AAAAAAAACos/_B6Vs7kZpA0KGpJkZOvCmQuq7Wt7b7MsgCEwYBhgL/s200/148453.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Les Croix de bois </b></i> (1932)</td></tr>
</tbody></table>
91) <i><b>Winchester '73</b></i> - Anthony Mann (1950)<br />
92) <i><b>Chungking Express</b></i> - Wong Kar-Wai (1994) <br />
93) <i><b>Seuls les Anges ont des ailes </b></i>- Howard Hawks (1939)<br />
94) <i><b>Le Salaire de la peur </b></i>- Henri-Georges Clouzot (1953)<br />
95) <i><b>Le Roi et l'Oiseau</b></i> - Paul Grimault (1980)<br />
96) <i><b>Les Croix de bois </b></i><b>- </b>Raymond Bernard (1932)<i><b> </b></i><br />
97) <i><b>Le Docteur Jivago</b></i> - David Lean (1965)<br />
98) <i><b>Fantasia </b></i><br />
<i><b> </b></i>- James Algar, Samuel Armstrong & Ford Beebe (1940)<br />
99) <i><b>Playtime</b></i> - Jacques Tati (1967)<br />
<br />
100)<b><i> Ben-Hur </i></b>- Fred Niblo (1925)<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-B7OIXVMFFV0/WZb-imTpIcI/AAAAAAAACos/Y-Z7tTa7-TQX6cCEl8M5a_OBiCBriON1wCEwYBhgL/s1600/240027.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="540" data-original-width="706" height="152" src="https://2.bp.blogspot.com/-B7OIXVMFFV0/WZb-imTpIcI/AAAAAAAACos/Y-Z7tTa7-TQX6cCEl8M5a_OBiCBriON1wCEwYBhgL/s200/240027.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><i>Ben-Hur </i></b>(1925)</td></tr>
</tbody></table>
101) <b><i>Le Train</i></b> - John Frankenheimer (1964)<br />
102) <b><i>Le Roi de cœur</i></b> - Philippe de Broca (1966)<br />
103) <i><b>A Toute épreuve</b></i> - John Woo (1992)<br />
104) <i><b>L'Intruse</b></i> - Friedrich-Wilhelm Murnau (1930)<br />
105) <i><b>Profession : Reporter</b></i> - Michaelangeo Antonioni (1975)<br />
106) <i><b>Sur les quais</b></i> - Elia Kazan (1954)<br />
107) <i><b>Alien : le huitième passager </b></i>- Ridley Scott (1979)<br />
108) <i><b>Le Cercle rouge</b></i> - Jean Pierre Melville (1970)<br />
109) <i><b>Barry Lyndon</b></i> - Stanley Kubrick (1975)<br />
<br />
110) <b><i>Papillon</i></b> - Franklin J. Schaffner (1973)<br />
111) <i><b>La Poursuite Impitoyable</b></i> - Arthur Penn (1966)<br />
112) <i><b>Shutter Island</b></i> - Martin Scorsese (2010)<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-3b4c_8d1ISw/WZcBHk-bj1I/AAAAAAAACo8/JN48iryq2iw-wnRV2VVdsw74OmUMSSXcQCLcBGAs/s1600/vlcsnap-2017-07-24-13h57m49s852.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="695" data-original-width="1600" height="86" src="https://3.bp.blogspot.com/-3b4c_8d1ISw/WZcBHk-bj1I/AAAAAAAACo8/JN48iryq2iw-wnRV2VVdsw74OmUMSSXcQCLcBGAs/s200/vlcsnap-2017-07-24-13h57m49s852.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Les Prédateurs</b></i> (1980)</td></tr>
</tbody></table>
113) <i><b>Mon nom est Personne </b></i><br />
<i><b> </b></i>- Tonino Valerii & Sergio Leone (1973)<br />
114) <i><b>Les Damnés </b></i>- Luchino Visconti (1969)<br />
115) <i><b>La Horde sauvage </b></i>- Sam Peckinpah (1969)<br />
116) <i><b>Les Prédateurs </b></i>- Tony Scott (1980)<br />
117) <i><b>Diamants sur canapé</b></i> - Blake Edwards (1961)<br />
118) <i><b>Les Forçats de la gloire </b></i>- William A. Wellman (1945)<br />
119) <i><b>Rashomon</b></i> - Akira Kurosawa (1950)<br />
<br />
120) <i><b>Quarante tueurs</b></i> - Samuel Fuller (1957) <br />
121) <i><b>A.I. Intelligence Artificielle</b></i> - Steven Spielberg (2001)<br />
122) <i><b>Elmer Gantry, le charlatan </b></i>- Richard Brooks (1960) <br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-HxEJ0sDzyY0/WZb-fAyJVtI/AAAAAAAACos/mgM72L1gCscj_1o-vdNNckwiFpSBCvUkwCEwYBhgL/s1600/225305.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="480" data-original-width="1136" height="84" src="https://3.bp.blogspot.com/-HxEJ0sDzyY0/WZb-fAyJVtI/AAAAAAAACos/mgM72L1gCscj_1o-vdNNckwiFpSBCvUkwCEwYBhgL/s200/225305.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Quarante tueurs</b></i> (1957) </td></tr>
</tbody></table>
123) <i><b>Du silence et des ombre</b></i>s - Robert Mulligan (1962)<br />
124) <i><b>La Maison du diable </b></i>- Robert Wise (1963)<br />
125) <i><b>Juge et hors-la-loi</b></i> - John Huston (1972)<br />
126)<i><b> La Charge fantastique</b></i> - Raoul Walsh (1941)<br />
127)<i><b> Mon oncle</b></i> - Jacques Tati (1958)<br />
128) <i><b>Los Angeles Plays Itself </b></i>- Thom Andersen (2003) <br />
129) <i><b>Au risque de se perdre </b></i>- Fred Zinnemann (1959)<br />
<br />
130) <i><b>Les Choses de la vie</b></i> - Claude Sautet (1970)<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-Z_c9Kh7UR5Y/WZb-t687C9I/AAAAAAAACos/hJJ5jrwGjCQS0SM90n1lgXLjllRjBxM7gCEwYBhgL/s1600/disque-coffret-claude-sautet-studiocanal13.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="965" data-original-width="1600" height="120" src="https://4.bp.blogspot.com/-Z_c9Kh7UR5Y/WZb-t687C9I/AAAAAAAACos/hJJ5jrwGjCQS0SM90n1lgXLjllRjBxM7gCEwYBhgL/s200/disque-coffret-claude-sautet-studiocanal13.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Les Choses de la vie</b></i> (1970)</td></tr>
</tbody></table>
131) <i><b>Les Proies</b></i> - Don Siegel (1971) <br />
132)<i><b> Atlantique Latitude 41</b></i> - Roy Ward Baker (1958)<br />
133) <i><b>Vivre dans la peur</b></i> - Akira Kurosawa (1955) <br />
134) <i><b>Shock Corridor </b></i>- Samuel Fuller (1963)<br />
135)<i><b> Jugement à Nuremberg</b></i> -Stanley Kramer (1961)<br />
136) <i><b>Ali </b></i>- Michael Mann (2001) <br />
137) <i><b>Mort ou vif </b></i>- Sam Raimi (1994)<br />
138) <i><b>L'Homme qui voulu être roi </b></i>- John Huston (1975)<br />
139) <i><b>Que la bête meure </b></i>- Claude Chabrol (1969) <br />
<br />
140) <i><b>Le Comte de Monte-Cristo</b></i> - Claude Autant-Lara (1961)<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-FU_sROaCxW8/WZcCGhi2g2I/AAAAAAAACpE/r7BTV3ZOhSMSMtVMNpmvJgd1em0y_F7fgCLcBGAs/s1600/212507.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1480" height="145" src="https://4.bp.blogspot.com/-FU_sROaCxW8/WZcCGhi2g2I/AAAAAAAACpE/r7BTV3ZOhSMSMtVMNpmvJgd1em0y_F7fgCLcBGAs/s200/212507.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>La Grande Parade</b></i> (1925)</td></tr>
</tbody></table>
141) <i><b>Les Innocents </b></i>- Jack Clayton <br />
142) <i><b>Kingdom of Heaven </b></i>- Ridley Scott (2004)<br />
143) <i><b>Le Président</b></i> - Henri Verneuil (1960)<br />
144)<i><b> La Balade Sauvage</b></i> - Terrence Malick (1973)<br />
145) <i><b>La Grande Parade</b></i> - King Vidor (1925)<br />
146) <i><b>Les Sentiers de la gloire</b></i> - Stanley Kubrick (1957)<br />
147) <i><b>Bunny Lake a disparu </b></i>- Otto Preminger (1965)<br />
148) <i><b>La Fiancée de Frankenstein </b></i>- James Whale (1935)<br />
149) <i><b>La Rumeur </b></i>- William Wyler (1962) <br />
<br />
150) <i><b>La Valse des pantins</b></i> - Martin Scorsese (1982)<br />
151) <i><b>Nous avons gagné ce soir </b></i>- Robert Wise (1949)<br />
152) <i><b>Une question de vie ou de mort </b></i><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-XNMJO9ceNCE/WZb-Vs0LinI/AAAAAAAACos/98ZryaIg6Io7It57uIoCYH6x7s4nVx3qwCEwYBhgL/s1600/153312.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="416" data-original-width="720" height="115" src="https://1.bp.blogspot.com/-XNMJO9ceNCE/WZb-Vs0LinI/AAAAAAAACos/98ZryaIg6Io7It57uIoCYH6x7s4nVx3qwCEwYBhgL/s200/153312.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Moonwalk One</b></i> (1970)</td></tr>
</tbody></table>
- Michael Powell & Emeric Pressburger (1946)<br />
153) <i><b>Le Jour le plus long</b></i><br />
- Ken Annakin, Andrew Marton & Bernard Wicki (1962)<br />
154) <i><b>Pale Rider, le cavalier solitaire </b></i>- Clint Eastwood (1984)<br />
155) <i><b>Le Sixième sens </b></i>- Michael Mann (1986) <br />
156) <i><b>Le Temps d'aimer et le Temps de mourir </b></i><br />
<i><b> </b></i>- Douglas Sirk (1958) <br />
157) <i><b>Zorba le Grec</b></i> - Michael Cacoyannis (1964)<br />
158) <i><b>Moonwalk One</b></i> - Theo Kamecke (1970)<br />
159) <b><i>A la poursuite d'Octobre Rouge</i></b> - John McTiernan (1990)<br />
<br />
160) <i><b>Au nom du pape roi</b></i> - Luigi Magni (1977)<br />
161) <i><b>Garde à vue</b></i> - Claude Miller (1981)<br />
162) <i><b>Le Crépuscule des Aigles </b></i>- John Guillermin (1966)<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-b6R5FOYJPjo/WZb-bh28xAI/AAAAAAAACos/mp10wzZQrY8xJ6PTcscAZQLdbnxJcncjACEwYBhgL/s1600/187381.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="480" data-original-width="841" height="113" src="https://2.bp.blogspot.com/-b6R5FOYJPjo/WZb-bh28xAI/AAAAAAAACos/mp10wzZQrY8xJ6PTcscAZQLdbnxJcncjACEwYBhgL/s200/187381.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><i>Saraband</i></b> (2003)</td></tr>
</tbody></table>
163) <i><b>J'accuse</b></i> - Abel Gance (1919)<br />
164) <i><b>All is Lost</b></i> - J.C. Chandor (2013)<br />
165) <i><b>L’Étrangleur de Boston</b></i> - Richard Fleischer (1968) <br />
166) <i><b>Les Douze Travaux d'Astérix</b></i><br />
- René Goscinny et Henri Gruel (1976)<br />
167) <i><b>Un long dimanche de fiançailles</b></i><br />
- Jean-Pierre Jeunet (2004) <br />
168) <b><i>Saraband</i></b> - Ingmar Bergman (2003)<br />
169) <i><b>Série Noire</b></i> - Alain Corneau (1979)<br />
<br />
170) <b><i>Minority Report</i></b> - Steven Spielberg (2002)<br />
171) <b><i>Paprika</i></b> - Satoshi Kon (2006)<br />
172) <b><i>Legend </i></b>- Ridley Scott (1985)<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-Al2FolfOyhc/WZcCoNfOG6I/AAAAAAAACpM/n0MkpCN3T7040X963IkkBkf2e8hBIyvkgCLcBGAs/s1600/vlcsnap-2017-08-18-16h32m40s527.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="695" data-original-width="1600" height="86" src="https://2.bp.blogspot.com/-Al2FolfOyhc/WZcCoNfOG6I/AAAAAAAACpM/n0MkpCN3T7040X963IkkBkf2e8hBIyvkgCLcBGAs/s200/vlcsnap-2017-08-18-16h32m40s527.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><i>Legend </i></b>(1985)</td></tr>
</tbody></table>
173) <b><i>L'Enfer</i></b> - Claude Chabrol (1994)<br />
174) <b><i>Reflets dans un œil d'or </i></b>- John Huston (1967)<br />
175) <b><i>La Prisonnière du désert</i></b> - John Ford (1956)<br />
176) <b><i>Batman : Le Défi </i></b>- Tim Burton (1992)<br />
177) <b><i>La Vie d'Adèle : Chapitres 1 & 2</i></b><br />
- Abdellatif Kechiche (2013)<br />
178) <b><i>Les 3 Royaumes</i></b> - John Woo (2008)<br />
179) <b><i>Monty Python : Sacré Graal ! </i></b><br />
- Terry Gilliam et Terry Jones (1975)<br />
<br />
180) <b><i>L'Evadé d'Alcatraz</i></b> - Don Siegel (1979)<br />
181) <b><i>Visitors - </i></b>Godfrey Reggio (2013)<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-vrVYsHig64c/WZb-YCb4_wI/AAAAAAAACos/micavp6GzC4fRyXAI_Vkptp0xvv2-Q6DACEwYBhgL/s1600/156492.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="667" data-original-width="1600" height="83" src="https://4.bp.blogspot.com/-vrVYsHig64c/WZb-YCb4_wI/AAAAAAAACos/micavp6GzC4fRyXAI_Vkptp0xvv2-Q6DACEwYBhgL/s200/156492.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><i>Visitors </i></b>(2013)</td></tr>
</tbody></table>
182) <b><i>Un Crime dans la tête</i></b> - John Frankenheimer (1962)<br />
183) <b><i>Rendez-vous</i></b> - Ernst Lubitsch (1940)<br />
184) <b><i>John McCabe</i></b> - Robert Altman (1971)<br />
185) <b><i>Mélodie en sous-sol</i></b> - Henri Verneuil (1963)<br />
186) <b><i>L'Impasse </i></b>- Brian De Palma (1993)<br />
187) <b><i>Les Chiens de paille </i></b>- Sam Pekinpah (1971)<br />
188) <b><i>Trois enterrements</i></b> - Tommy Lee Jones (2006)<br />
189) <b><i>La Guerre des mondes </i></b>- Steven Spielberg (2005)<br />
<br />
190)<b><i> Le Magnifique </i></b>- Philippe de Broca (1973)<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-QyGrSwudkP4/WZb-kt88MqI/AAAAAAAACos/2LtAayuld3IFQ3Zxl2GTTr8XhYsFfgIRwCEwYBhgL/s1600/29850.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="434" data-original-width="804" height="107" src="https://4.bp.blogspot.com/-QyGrSwudkP4/WZb-kt88MqI/AAAAAAAACos/2LtAayuld3IFQ3Zxl2GTTr8XhYsFfgIRwCEwYBhgL/s200/29850.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><i>Happy Together </i></b>(1997)</td></tr>
</tbody></table>
191) <b><i>La Randonnée</i></b> - Nicolas Roeg (1970)<br />
192) <b><i>Bienvenue Mister Chance</i></b> - Hal Ashby (1979)<br />
193) <b><i>Le Septième Juré </i></b>- George Lautner (1962)<br />
194)<b><i> L'Epopée de l'Everest </i></b>- J. B. L. Noel (1924)<br />
195) <b><i>Seuls sont les indomptés</i></b> - David Miller (1962)<br />
196) <b><i>Happy Together </i></b>- Wong Kar-Wai (1997)<br />
197) <b><i>L'Obsédé </i></b>- William Wyler (1965)<br />
198) <b><i>Les Salauds dorment en paix</i></b> - Akira Kurosawa (1960)<br />
199) <b><i>Paradis perdu</i></b> - Abel Gance (1940)<br />
<br />
200) <b>Valdez</b> - Edwin Sherin (1971)<br />
201) <b><i>Bastogne </i></b>- William A. Wellman (1949)<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-pNx7CZVJ6TY/WZb-gypSb4I/AAAAAAAACos/L-6RDdXX0jA_DmcJfkl0960wxWTyJHicgCEwYBhgL/s1600/228170.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="1147" height="121" src="https://3.bp.blogspot.com/-pNx7CZVJ6TY/WZb-gypSb4I/AAAAAAAACos/L-6RDdXX0jA_DmcJfkl0960wxWTyJHicgCEwYBhgL/s200/228170.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><i>Les Yeux sans visage </i></b>(1960)</td></tr>
</tbody></table>
202) <b><i>L'Homme de l'Ouest</i></b> - Anthony Mann (1958)<br />
203) <b><i>La Dernière chance</i></b> - John Huston (1972)<br />
204) <b><i>Vers sa destinée</i></b> - John Ford (1939)<br />
205) <b><i>A cause d'un assassinat </i></b>- Alan J. Pakula (1974)<br />
206) <b><i>Enquête sur un citoyen au dessus de tout soupçon </i></b><br />
<b><i>-</i></b> Elio Petri (1970)<br />
207) <b><i>Vincent, François, Paul et les autres...</i></b><br />
- Claude Sautet (1974)<br />
208) <b><i>The Lovers</i></b> - Tsui Hark (1994)<br />
209) <b><i>Les Yeux sans visage </i></b>- George Franju (1960)<br />
<br />
210)<i><b> </b></i><b><i>Le Grand silence</i></b> - Sergio Corbucci (1968)<br />
211) <b><i>Duel dans le Pacifique</i></b> - John Boorman (1968)<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-H1A_WgmcDa8/WZb-Tz7IbtI/AAAAAAAACos/FwwST8xE1DEiFIWSL2CJRerV-cwr_68LQCEwYBhgL/s1600/102453.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="495" data-original-width="800" height="123" src="https://4.bp.blogspot.com/-H1A_WgmcDa8/WZb-Tz7IbtI/AAAAAAAACos/FwwST8xE1DEiFIWSL2CJRerV-cwr_68LQCEwYBhgL/s200/102453.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><i>Soldier of Orange</i></b><i><b> </b></i>(1977)</td></tr>
</tbody></table>
212) <b><i>Au seuil de la vie </i></b>- Ingmar Bergman ( 1958)<br />
213) <b><i>Colonel Blimp </i></b><br />
- Michael Powell et Emeric Pressburger (1943)<br />
214) <b><i>L'Exorciste</i></b> - William Friedkin (1973)<br />
215) <b><i>Soldier of Orange</i></b> - Paul Verhoeven (1977)<br />
216) <i><b>Loin de la foule déchaînée </b></i>- Thomas Vinterberg (2015)<br />
317) <i><b>Une Femme sous influence</b></i> - John Cassavetes (1974)<br />
218) <i><b>Dieu seul le sait </b></i>- John Huston (1957)<br />
219) <i><b>Mystic River </b></i>- Clint Eastwood (2003)<br />
<br />
220) <i><b>Qui a peur de Virginia Woolf</b></i> - Mike Nichols (1966)<br />
221) <i><b>Le Solitaire </b></i>- Michael Mann (1981)<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-CAUmWHs4A5k/WZb-lYpKWjI/AAAAAAAACos/DRCJzCJDcmI3VK4FY_KkaeXF9Hko1MAAgCEwYBhgL/s1600/51656.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="376" data-original-width="885" height="84" src="https://2.bp.blogspot.com/-CAUmWHs4A5k/WZb-lYpKWjI/AAAAAAAACos/DRCJzCJDcmI3VK4FY_KkaeXF9Hko1MAAgCEwYBhgL/s200/51656.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Take Shelter</b></i> (2011)</td></tr>
</tbody></table>
222) <i><b>Yakuza </b></i>- Sidney Pollack (1974)<br />
223) <i><b>Celui par qui le scandale arrive</b></i> - Vincente Minelli (1961)<br />
224) <i><b>Le Château du dragon </b></i>- Joseph L. Mankiewicz (1946)<br />
225) <i><b>Take Shelter </b></i>- Jeff Nichols (2011)<br />
226) <i><b>Le Chat </b></i>- Pierre Granier-Deferre (1971)<br />
227) <i><b>La Guerre du feu </b></i>- Jean-Jacques Annaud (1981)<br />
228) <b><i>Into the Inferno</i></b> - Werner Herzog (2016)<br />
229) <i><b>Le Bouton de nacre </b></i>- Patricio Guzmán (2015)<br />
<br />
230) <i><b>Scènes de chasses en Bavière </b></i><br />
<i><b> </b></i>- Peter Fleischmann (1969)<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-OV8h4znDnUg/WZcDsbGvM2I/AAAAAAAACpU/yyRiW7PVK34LoK0jlhzRa582ocMXddWXQCLcBGAs/s1600/139500.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="480" data-original-width="640" height="150" src="https://1.bp.blogspot.com/-OV8h4znDnUg/WZcDsbGvM2I/AAAAAAAACpU/yyRiW7PVK34LoK0jlhzRa582ocMXddWXQCLcBGAs/s200/139500.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Le Général de la Rovere </b></i>(1960)</td></tr>
</tbody></table>
231) <i><b>Voyage à travers le cinéma français</b></i> - Bertrand Tavernier (2016)<br />
232) <i><b>La Chevauchée des bannis </b></i>- André De Toth (1959)<br />
233) <i><b>Quand les aigles attaquent </b></i>- Brian G. Hutton (1969)<br />
234) <i><b>Week-end of a Champion </b>- </i>Frank Simon et Roman Polanski (1972)<br />
235) <i><b>Les enfants du Paradis </b></i>- Marcel Carné (1945)<br />
236) <b><i>Peter Ibbetson</i> </b>- Henry Hathaway (1935)<br />
237) <i><b>Eyes Wide Shut </b></i>- Stanley Kubrick (1999)<br />
238) <i><b>Moonrise Kingdom </b></i>- Wes Anderson (2012)<br />
239) <i><b>Le Général de la Rovere </b></i>- Roberto Rosselini (1960)<br />
<br />
240) <b><i>L'Amant </i></b>- Jean-Jacques Annaud (1992)<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-eAhJ_aOScBY/WZb-ke-nUEI/AAAAAAAACos/ljiFquMrJ8INgceEGhDdoJDR2ghkjBN8wCEwYBhgL/s1600/239516.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="865" data-original-width="1600" height="108" src="https://1.bp.blogspot.com/-eAhJ_aOScBY/WZb-ke-nUEI/AAAAAAAACos/ljiFquMrJ8INgceEGhDdoJDR2ghkjBN8wCEwYBhgL/s200/239516.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><i>L'Amant</i></b> (1992)</td></tr>
</tbody></table>
241) <i><b>Je n'ai pas tué Lincoln </b></i>- John Ford (1936)<br />
242) <i><b>Fellini Roma </b></i>- Federico Fellini (1972)<br />
243) <i><b>Cléopâtre</b></i> - Joseph L. Mankiewicz (1963) <br />
244) <i><b>L'Ombre d'un homme</b></i> - Anthony Asquith (1951)<br />
245) <i><b>Leçons de ténèbres </b></i>- Werner Herzog (1992)<br />
246) <b><i>Ran</i></b> - Akira Kurosawa (1985)<br />
247) <i><b>L'Inspecteur Harry </b></i>- Don Siegel (1971)<br />
248) <i><b>Alexandre </b></i>- Oliver Stone (2004)<br />
249) <b><i>Boyhood </i></b>- Richard Linklater (2014)<i><b> </b></i><br />
<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-W1HaEw1B4vo/WZb-pNecDEI/AAAAAAAACos/luZx_4NCTZg6lVvQNU1Ah6kAB0-HXuFVgCEwYBhgL/s1600/disque-la-conquete-de-l-ouest28.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="551" data-original-width="1600" height="68" src="https://3.bp.blogspot.com/-W1HaEw1B4vo/WZb-pNecDEI/AAAAAAAACos/luZx_4NCTZg6lVvQNU1Ah6kAB0-HXuFVgCEwYBhgL/s200/disque-la-conquete-de-l-ouest28.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>La Conquête de l'Ouest </b></i>(1962)</td></tr>
</tbody></table>
250) <i><b>Hamlet</b></i> - Kenneth Branagh (1997)<br />
251) <b><i><span style="font-size: small;">Sátántangó</span></i></b> - Béla Tarr (1994)<br />
252) <i><b>La Conquête de l'Ouest </b></i><br />
<i><b> </b></i>- John Ford, Henry Hathaway et George Marshall (1962)<br />
253) <i><b>Homeland : Irak année zéro</b></i> - Abbas Fahdel (2015) <br />
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-6423083980187720142.post-41628664584767162152017-06-13T15:11:00.003+02:002017-06-15T13:56:05.457+02:00[Avis en vrac] Vus et revus #25<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-e_P8cSfAuRY/WUJ1O3eWVMI/AAAAAAAACm4/zMcpv1KPMIMfgVJk7E6JqS-INEXfzF9xwCLcBGAs/s1600/195057.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="558" data-original-width="1318" height="226" src="https://3.bp.blogspot.com/-e_P8cSfAuRY/WUJ1O3eWVMI/AAAAAAAACm4/zMcpv1KPMIMfgVJk7E6JqS-INEXfzF9xwCLcBGAs/s400/195057.jpg" width="540" /></a></div>
</td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><i>Entre le Ciel et l'Enfer</i></b>, d’Akira Kurosawa (1963)</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<span style="font-size: large;"><b><u>ACTUALIT</u></b></span><span style="font-size: large;"><b><u><span style="font-size: large;"><b><u>É</u></b></span>S - AU CINÉMA</u></b></span><br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-IRuajb9av_I/WRNpq3b-t_I/AAAAAAAAChA/IDHl7qGRMC4oC7hdGudgDmn4eENCSonrACLcB/s1600/IMG_20170323_0950491.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-IRuajb9av_I/WRNpq3b-t_I/AAAAAAAAChA/IDHl7qGRMC4oC7hdGudgDmn4eENCSonrACLcB/s200/IMG_20170323_0950491.jpg" width="134" /></a></div>
<b><u><i>Alien: Covenant</i>, de Ridley Scott (2017)</u></b><br />
<br />
En revenant à l’expérience séminale et matricielle d’une saga
complexe, Ridley Scott développe <i><b>Alien: Covenant</b></i> comme une nouvelle
chimère. Le fruit de <i><b>Prometheus </b></i>n’est finalement pas tant que cela sa
suite, davantage élément programmatique d’une nouvelle licence,
constituée par autant de parallèles que de croisements. Faisant jaillir
de nouveau l’esprit d’une série B acerbe, sans pitié et, d’une manière
ou d’une autre, jusqu’au-boutiste dans son esprit, le film de Scott a de
quoi déstabiliser ; tantôt brillant, tantôt raté, la création finale
est curieuse, comme une manipulation génétique qui a mal tourné, et à
laquelle, pourtant, on ne peut soustraire notre regard.<br />
<br />
Texte à lire sur ScreenMania :<br />
<a href="https://www.screenmania.fr/film-critique/alien-covenant-ridley-scott-2017">https://www.screenmania.fr/film-critique/alien-covenant-ridley-scott-2017</a><br />
<br />
Également, un article par mes soins à propos de Ridley Scott et la Bible :<br />
<a href="https://www.screenmania.fr/ridley-scott-et-la-bible/" target="_blank">https://www.screenmania.fr/ridley-scott-et-la-bible </a><br />
<br />
<b><u><br /></u></b>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-S-ESwh8mNwY/WT_XGMRgLSI/AAAAAAAAClg/zeO160L-gU8fCBIdkrkoh0SOPMbSZX6CACLcB/s1600/fautedamour.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1174" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-S-ESwh8mNwY/WT_XGMRgLSI/AAAAAAAAClg/zeO160L-gU8fCBIdkrkoh0SOPMbSZX6CACLcB/s200/fautedamour.jpg" width="146" /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<b><u><i>Faute d'amour</i>, d’Andreï
Zviaguintsev (2017)</u></b></div>
<br />
<br />
<i>Festival de Cannes - en Compétition. </i><br />
<br />
L’Europe de l’Est aura une fois de plus ébahi la compétition avec
toute la rigueur resplendissante de sa cinématographie, qu’il s’agisse
des films de Kornél Mundruczó, de Sergeï Loznitsa ou ici d’Andreï
Zviaguintsev. Faute d’amour pousse néanmoins plus loin avec la force
dramatique de son histoire, variante d’un film de kidnapping où cette
fois-ci, les parents sont égoïstes et irresponsables. Enquête macabre
mais aussi charge indirecte relativement acerbe sur la petite
bourgeoisie, Faute d’amour multiplie ses identités pour se révéler
extrêmement prenant et abouti.<br />
<br />
Texte à lire sur ScreenMania :<br />
<b> </b><a href="https://www.screenmania.fr/film-critique/faute-damour-andrei-zviaguintsev-2017/" rel="nofollow" target="_blank">https://www.screenmania.fr/film-critique/faute-damour-andrei-zviaguintsev-2017</a>
<br />
<br />
<br />
<br />
<div style="text-align: left;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-3Pyi7ep3Dlg/WT_XL1eh9MI/AAAAAAAAClk/pDRAxitGXKgPbTuufVHQFFco9gYhuHGzQCLcB/s1600/jupitersmoon.jpeg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1416" data-original-width="1001" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-3Pyi7ep3Dlg/WT_XL1eh9MI/AAAAAAAAClk/pDRAxitGXKgPbTuufVHQFFco9gYhuHGzQCLcB/s200/jupitersmoon.jpeg" width="140" /></a><b><u><i>Jupiter's Moon</i>, de Kornél Mundruczó (2017)</u></b></div>
<br />
<i>Festival de Cannes - en Compétition. </i><br />
<br />
Les films de genre qui s’invitent dans la compétition officielle
trouvent toujours le moyen d’être surprenants, à la fois dans la
synthèse qu’ils font de leur thème, et aussi leur manière de s’en
émanciper. <b><i>Jupiter’s Moon</i></b> a toutes les cartes en main : un thème fort,
un réalisateur qui a su préalablement s’imposer et par-dessus tout, une
ambition qu’on ne peut dissocier de toute la bonne volonté du film. Sous
couvert de sa virtuosité, il affiche en même temps les limites de son
raisonnement, en faisant un bel objet qui tourne trop régulièrement à
vide.<br />
<br />
Texte à lire sur ScreenMania :<br />
<a href="https://www.screenmania.fr/film-critique/jupiters-moon-kornel-mundruczo-2017" rel="nofollow" target="_blank">https://www.screenmania.fr/film-critique/jupiters-moon-kornel-mundruczo-2017</a> <br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-rMEx6JR8ffs/WT_XlEv1UUI/AAAAAAAAClo/ZOvIRGaQtLg2lv_4GucUrESXDuFjDNhTwCLcB/s1600/beguiledposter.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1080" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-rMEx6JR8ffs/WT_XlEv1UUI/AAAAAAAAClo/ZOvIRGaQtLg2lv_4GucUrESXDuFjDNhTwCLcB/s200/beguiledposter.jpg" width="135" /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<b><u><i>Les Proies</i>, de Sofia Coppola (2017)</u></b></div>
<br />
<br />
<i>Festival de Cannes - en Compétition. </i><br />
<br />
Soyons honnêtes : il est on ne peut plus tentant de coller le dernier
film de Sofia Coppola contre un mur et de le fusiller en bonne et due
forme.<i><b> Les Proies</b></i> pose toutefois la question intéressante d’un remake –
ou plutôt d’une nouvelle adaptation, pour ce que cela vaut – d’une
précédente œuvre n’en ayant pas besoin, mais dont les thématiques de
fond et de forme pourraient coller à la fille à papa préférée de la
Croisette. Hélas, Coppola endosse l’habit du moine copiste et singe
séquence par séquence l’immense film de Don Siegel. Par chance, l’ersatz
ininspiré d’un chef-d’œuvre est un film simplement médiocre, mais
pourtant son meilleur depuis<br />
.<br />
<br />
Texte à lire sur ScreenMania :<br />
<a href="https://www.screenmania.fr/film-critique/les-proies-sofia-coppola-2017" rel="nofollow" target="_blank">https://www.screenmania.fr/film-critique/les-proies-sofia-coppola-2017</a> <br />
<br />
<br />
<div style="text-align: left;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-96BHSZfswes/WT_XxIMvKWI/AAAAAAAACls/w4ujL0BONTIz2mA4qpI9HXX27IKAh4L-gCLcB/s1600/verslalumi%25C3%25A8re.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1176" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-96BHSZfswes/WT_XxIMvKWI/AAAAAAAACls/w4ujL0BONTIz2mA4qpI9HXX27IKAh4L-gCLcB/s200/verslalumi%25C3%25A8re.jpg" width="146" /></a><b><u><i>Vers la lumière</i>, de Naomi Kawase (2017)</u></b></div>
<br />
<br />
<i>Festival de Cannes - en Compétition. </i><br />
<br />
Le sujet de <i><b>Vers la lumière</b></i> est peut-être une évidence pour le cinéma
solaire de Naomi Kawase, mais il est aussi une respiration bienvenue
dans la compétition cannoise. Petit mélo mais grande déclaration d’amour
au cinéma, c’est un film à l’énergie communicative, irradiante. Par le
traitement de la cécité, Kawase se penche sur l’absence et le besoin de
lumière. Film bienveillant et sans pesanteur, complément d’un cycle sur
la sensation, Vers la lumière, sans tutoyer les sommets est résolument
agréable et émouvant.<br />
<br />
Texte à lire sur ScreenMania :<br />
<a href="https://www.screenmania.fr/film-critique/vers-la-lumiere-naomi-kawase-2017" rel="nofollow" target="_blank">https://www.screenmania.fr/film-critique/vers-la-lumiere-naomi-kawase-2017</a><br />
<br />
<br />
<div style="text-align: right;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-5m3daiv1pLI/WT_dWKlzcLI/AAAAAAAACl8/_11Hro9TvNscszeBK5Dr-A0g4jnLCPiQgCLcB/s1600/v%25C3%25A9n%25C3%25A9rable.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1178" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-5m3daiv1pLI/WT_dWKlzcLI/AAAAAAAACl8/_11Hro9TvNscszeBK5Dr-A0g4jnLCPiQgCLcB/s200/v%25C3%25A9n%25C3%25A9rable.jpg" width="146" /></a><b><u><i>Le vénérable W.</i>, de Barbet Schroeder (2017)</u></b></div>
<br />
Il y a une gradation de l'abominable absolument fascinante dans <i><b>Le Vénérable W.</b></i> : du grotesque de ce personnage, égotique à l'absurde, jusqu'aux images montrées par Barbet Schroeder, aux limites de l'insoutenable. Ca n'est pas tant que le sujet est fantastique, c'est surtout les circonstances et l’apparence générale qui le sont : le calme de ce moine bouddhiste prêchant une haine systémique et rationnelle est stupéfiant. Mais évidemment, ça n'est qu'une façade, puisque l'on a bien vu le bonhomme s'égosiller ailleurs, comme un dictateur de pacotille. Dommage, peut-être, que le documentaire ait parfois des curieux airs télévisuels ; ailleurs, la caméra de Schroeder filme quelques atmosphères fabuleuses, comme ces travellings en voiture. Le côté brut du documentaire, finalement sans grand emballage, est d'une certaine manière sa grande force, démontrant des mécanismes du pouvoir et de la manipulation que l'on a que trop bien connus, et qui pourtant, se relèvent encore tout à fait fonctionnels.<br />
<br />
<div class="" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="" style="clear: both; text-align: justify;">
<div style="text-align: left;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-3HVP5yVVM5w/WRNyuxNLm4I/AAAAAAAAChQ/AQbKJAHPB18AhWSttkiv2Qydzi4vC6r7ACEw/s1600/230764.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-3HVP5yVVM5w/WRNyuxNLm4I/AAAAAAAAChQ/AQbKJAHPB18AhWSttkiv2Qydzi4vC6r7ACEw/s200/230764.jpg" width="145" /></a><b><u><i>Voyage of Time</i>, de Terrence Malick (2017)</u></b> </div>
<br />
Alors que la période contemporaine de Malick tend à cliver son public, j'apprécie toujours autant ses œuvres. J'attendais <i><b>Voyage of Time</b></i> de pied ferme, incarnation malickienne du documentaire transcendantal. Quelle perspective ! D'autant plus si remise en perspective d'une longue genèse, héritée du projet <i>"Q" </i>que Malick a longtemps entretenu. Étonnement, le résultat est plus intime, plus simple (sans pour autant être simpliste) que l'on ne pouvait l'anticiper. Très instinctif, ce parcours au travers de la création du monde permet à Malick, d'une certaine manière, de vulgariser - positivement - son style. Paradoxalement, l'expérience n'est peut être pas aussi prenante : quand bien même il y a de quoi être subjugué par bien des séquences, envoûté par la narration de Cate Blanchett, l'extase n'est pas totale (d'un point de vue très subjectif). Le dernier acte du film, notamment avec les premiers hommes, offre toutefois un moment bienvenu et inédit, une conclusion logique et très belle. Peut-être à revoir... ? Dommage que la séance unique soit une malédiction.</div>
<div class="" style="clear: both; text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-kHEi6NOzC6U/WPyrGiAPoaI/AAAAAAAACfo/aG0eJO79PrsDX1_tbzbbyvpT4pIgOtPnwCLcB/s1600/cx3zloiucaedlkj-jpg-large.jpeg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-kHEi6NOzC6U/WPyrGiAPoaI/AAAAAAAACfo/aG0eJO79PrsDX1_tbzbbyvpT4pIgOtPnwCLcB/s200/cx3zloiucaedlkj-jpg-large.jpeg" width="128" /></a><b><u><i>Silence</i>, de Martin Scorsese (2016)</u></b></div>
<br />
Scorsese conclut d'une manière fantastique une passionnante trilogie sur la foi et le doute comme beauté autant que vice humain, après les mésestimés <i><b>La Dernière Tentation</b></i> <i><b>du Christ</b></i> et <i><b>Kundun</b></i>. Scorsese applique par ailleurs brillamment les conseils de Truffaut, voulant que chaque nouveau film soit l'opposé du précédent. Il résiste ici aux sirènes du pompier qu'implique pareille fresque historique, en recentrant ses enjeux au plus près de ses personnages. En s'intéressant à l'apostasie, à la perception de la foi selon un prisme égotique et involontairement colonialiste, Scorsese détourne ce qui pourrait sombrer dans la naïveté ou même la redite de l'épopée christique. L'épure dont il fait preuve, évidemment relative par rapport à son style, est, au sens propre du terme, sidérante. Avec intelligence, Scorsese ne se contente pas de faire un film d'ambiance sur un Japon inconnu ; c'est l'absence, c'est le silence du divin qui est l'ambiance, partagée avec les personnages d'Andrew Garfield et Adam Driver. Chaque chapitre apporte une langueur, qui, couplée à la répétition, transcende leurs interrogations, leurs doutes. Le dernier acte balaie enfin toute méprise que l'on aurait pu avoir sur les intentions et positionnements de Scorsese, se gardant bien de tout jugement, invitant surtout le spectateur à questionner la quête dont il a été témoin. Une expérience puissante.<br />
<br />
<br />
<span style="font-size: large;"><b><u>RESSORTIES</u></b></span><span style="font-size: large;"><b><u> - AU CINÉMA</u></b></span><br />
<br />
<br />
<div style="text-align: left;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-Cer3mYqSRF0/WPyrHvtZb-I/AAAAAAAACf0/I58entb-uFgWiWhpgajfEiMVl-2B92G7wCLcB/s1600/le-roi-de-coeur-poster_229463_1488.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-Cer3mYqSRF0/WPyrHvtZb-I/AAAAAAAACf0/I58entb-uFgWiWhpgajfEiMVl-2B92G7wCLcB/s200/le-roi-de-coeur-poster_229463_1488.jpg" width="158" /></a><b><u><i>Le Roi de cœur</i>, de Philippe de Broca (1966)</u></b></div>
<br />
Malgré mon affection pour Philippe de Broca, je ne m'attendais pas à trouver dans <i><b>Le Roi de Coeur</b></i> un grand film. Qu'étais-je dans l'erreur ! Poursuivant sa quête d'évasion du réel, De Broca y trouve ici son sommet aux côtés du <i><b>Magnifique</b></i>. Mais, au-delà d'un guignol désuet et hilarant, les thèmes sont graves et bouleversants - d'autant, si remis dans le contexte de sortie. Toute la mélancolie qui se dégage du film donne une étrange amertume à toutes les touches d'humour, et ce d'une manière si singulière et inimitable que l'émotion naît naturellement. Il y a une tendresse infinie dans la vision des personnages, certes grotesques, mais finalement vivants et pas moins fous que le reste du extérieur qui s'entretue dans la Grande Guerre. Il faut impérativement saluer le casting cinq étoiles : Alan Bates, évidemment, mais aussi Geneviève Bujold, dont on tombe amoureux à chaque apparition, Michel Serrault ou encore Jean-Claude Brialy qui, avec le mot de la fin, a de quoi parfaitement conclure ce magnifique film, au son de la musique de Georges Delerue et des images de Pierre Lhomme. Un film venu d'ailleurs !<br />
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<span style="font-size: large;"><b><u>EN VIDÉO</u></b></span><br />
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-fiZb4H6ro68/WT_d14HfYDI/AAAAAAAACmE/8ZZrPfiZb38ECLv9rk40NA8jwen3nOcFACLcB/s1600/entrecieletenferposter.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1492" data-original-width="1080" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-fiZb4H6ro68/WT_d14HfYDI/AAAAAAAACmE/8ZZrPfiZb38ECLv9rk40NA8jwen3nOcFACLcB/s200/entrecieletenferposter.jpg" width="144" /></a><b><u><i>Entre le Ciel et l'Enfer</i>, d'Akira Kurosasa (1963)</u></b></div>
<br />
Toujours au travers d’un regard social contemporain, Akira Kurosawa
s’attaque cette fois-ci à un dilemme moral sur fond d’éthique et de
lutte des classes. <b><i>Entre le Ciel et l’Enfer</i></b> joue une fois de plus de son
registre (ici, un film d’enquête) pour analyser tout un système de fond
en comble. Ce qui fait la richesse absolue du métrage, c’est son sens
constant de la nuance, du détail, du refus systématique de tout
manichéisme dramaturgique ou sociétal. C’est justement cette modestie de
Kurosawa, qui, quelque part entre Ciel et Enfer, ne condamne pas, mais
expose et interroge.<br />
<br />
Texte à lire sur ScreenMania :<br />
<a href="https://www.screenmania.fr/film-critique/entre-le-ciel-et-lenfer-akira-kurosawa-1963" rel="nofollow" target="_blank">https://www.screenmania.fr/film-critique/entre-le-ciel-et-lenfer-akira-kurosawa-1963</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-9Ceo4oWk3UI/WQxuyBmNnQI/AAAAAAAACgg/M1zAsnecijI_dBDQLm4opEivasLsXperACLcB/s1600/104376447_o.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-9Ceo4oWk3UI/WQxuyBmNnQI/AAAAAAAACgg/M1zAsnecijI_dBDQLm4opEivasLsXperACLcB/s200/104376447_o.jpg" width="141" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><u><i>Les Salauds dorment en paix</i>, d'Akira Kurosawa (1960)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Il faut croire que les fantômes
n’auront jamais fini de hanter le Japon. Les conflits et ambiguïtés de
la modernité du pays, traduits par Akira Kurosawa, sont troublants
autant qu’exemplaires. <i>Les Salauds dorment en paix</i> dissèque une société
verticale, puissante, inflexible, dont les fondations ont pourtant été
rongées par la corruption et le déshonneur. Alternative à<i> Hamlet</i>
défaite des touches d’humour ou des échos épiques de Shakespeare, le
film de Kurosawa est une nuance de sombre absolu, comme rarement l’on en
trouve, bien que nombreuses soient les tragédies socio-politiques qui
aimeraient s’en réclamer.<br />
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Texte à lire sur ScreenMania :</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="https://www.screenmania.fr/film-critique/les-salauds-dorment-en-paix-akira-kurosawa-1960/" target="_blank">https://www.screenmania.fr/film-critique/les-salauds-dorment-en-paix-akira-kurosawa-1960</a> </div>
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<div style="text-align: right;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-2Xd1MCZBVT0/WT_eM1QCtSI/AAAAAAAACmI/Da4aFT3pBqYveJAjRDDmaSlcbeTVu_SPQCLcB/s1600/the-left-handed-gun-poster-2.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1062" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-2Xd1MCZBVT0/WT_eM1QCtSI/AAAAAAAACmI/Da4aFT3pBqYveJAjRDDmaSlcbeTVu_SPQCLcB/s200/the-left-handed-gun-poster-2.jpg" width="132" /></a><b><u><i>Le Gaucher</i>, d'Athur Penn (1958)</u></b></div>
<br />
A
la question "c'est quoi, la modernité cinématographique ?", si
Antonioni est la réponse de mise, Arthur Penn ne vaut guère moins. <i><b>Le Gaucher</b></i>
s'inscrit avec brio un courant qu'il y aura notamment, bien plus tard,
dans les westerns du Nouvel Hollywood, de relecture baroque et
déconstruction des grands mythes de l'Ouest (Peckinpah et son <i><b>Pat Garrett & Billy le Kid</b></i>, Huston et son <i><b>Juge et hors-la-loi</b></i>...).
Paul Newman est une fois de plus brillante dans la synthèse d'une
jeunesse bienveillante mais en dérive, à l'instar de son camarade James
Dean ou lui-même dans <i><b>Le plus sauvage d'entre tous</b></i>. C'est
un cinéma fougueux, plein de rage mais aussi de tendresse, celle qu'a
Penn pour son personnage principal et ses mésaventures, aussi celle
qu'il a pour quelques beaux personnages secondaires, qui tissent une
peinture de l'Ouest complexe et touchante. Constamment moderne et
audacieux dans ses choix de mise en scène sans être tape-à-l'oeil, Penn
s'aligne sur la liberté offerte par ses personnages, justement loin des
diktats de la société qu'ils combattent. Brillant.<br />
<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-W9tiWEmE73E/WPyrHR6fMoI/AAAAAAAACfw/oBVcsExOCkcnjWJOmhyL2hWhyrInznNegCEw/s1600/time-and-tide-movie-poster-2000-1020195973.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-W9tiWEmE73E/WPyrHR6fMoI/AAAAAAAACfw/oBVcsExOCkcnjWJOmhyL2hWhyrInznNegCEw/s200/time-and-tide-movie-poster-2000-1020195973.jpg" width="131" /></a></div>
<u><b><i>Time and Tide</i>, de Tsui Hark (2000)</b></u></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
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Le cinématographe en roue libre peut-il être, en quelques sorte, un bel idéal ? C'est sensiblement la question que pose Tsui Hark dans <i><b>Time and Tide</b></i>, film ébouriffant dans tous les sens du terme. La recherche visuelle de Tsui Hark est absolument sans limites, pas même celles que pourraient lui imposer son récit, ici malléable à souhaits entre les différents tons (action, comédie, drame) et les points de vue. Bien que l'on soit rapidement largué dans cette histoire simple qui a vite fait de paraître obscure alors qu'elle file à toute berzingue, on ne manque pas de s'extasier devant la générosité d'un réalisateur qui peut enfin exprimer librement ce qu'il avait dû calmer pendant quelques années à Hollywood (encore que...). Tsui Hark capte aussi avec intelligence la métamorphose hong-kongaise, balançant alors entre deux ères. Sa manière de prendre la température de la cité demeure brillante - à l'instar de ce que fera quelques temps plus tard Johnny To dans <i><b>PTU</b></i>. Reste maintenant à s'aligner sur les pulsations stylistiques du réalisateur, ce qui n'est pas toujours évident devant une pareille déconstruction de la grammaire visuelle, à l'instar de ce qu'il a fait plus tard dans son remake de l'<b>Auberge du Dragon</b>. Film définitivement à revoir, pour en apprécier pleinement toutes les facettes.</div>
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-xC6G1vZog3c/WPyrG94UbtI/AAAAAAAACfk/XDP2rqeVAbMfmOXg8rxLTj7_6QJeHExrACEw/s1600/last_boy_scout.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-xC6G1vZog3c/WPyrG94UbtI/AAAAAAAACfk/XDP2rqeVAbMfmOXg8rxLTj7_6QJeHExrACEw/s200/last_boy_scout.jpg" width="133" /></a><b><u><i>Le Dernier Samaritain</i>, de Tony Scott (1991)</u></b></div>
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<br /></div>
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<i> Revisionnage</i>.</div>
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A tort, on déprécie souvent le travail des meilleurs films de Tony Scott devant celui de ses scénaristes, comme Quentin Tarantino pour <i><b>True Romance</b></i> ou ici Shane Black pour <i><b>Le Dernier Samaritain</b></i>. Pourtant, nulle doute que les films sont bels et bien transcendés par un auteur qui a su ses les approprier. Au-delà de l'actioner culte, Tony Scott réfléchit sur la décadence américaine des années 90 et résultante de celle des années 80. Son sens du spectacle devient méta et satirique, le complétant par ailleurs plus tard dans <i><b>Le Fan</b></i>, avec une approche très similaire. Filmant une société en train de complètement flétrir, Scott poursuit aussi sa voie d'immense formaliste, reprenant les visuels de ville enfumées façon néo-noir, évidemment pas si lointains de <b><i>Blade Runner</i></b>. L'âme du buddy-movie coexiste alors avec un film plus politique qu'il n'en a l'air, critique dans sa représentation des déviances d'un système obèse et dégénéré, bouffé par le corporatisme et abruti par le spectacle populaire... et ce, jusqu'aux héros. Génial.</div>
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<br /></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-Bgv1ZNDedfw/WPyrHQcwa4I/AAAAAAAACfs/rNlvOex-uzgEM5Q4Lk3IJiQvc0vSIKvFQCEw/s1600/maxresdefault.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-Bgv1ZNDedfw/WPyrHQcwa4I/AAAAAAAACfs/rNlvOex-uzgEM5Q4Lk3IJiQvc0vSIKvFQCEw/s200/maxresdefault.jpg" width="135" /></a></div>
<b><u><i>Mort à l'arrivée</i>, de Rudolph Maté (1950)</u></b></div>
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<br /></div>
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Impossible de ne pas penser au fait que <i><b>Mort à l'arrivée</b></i> pourrait être excellemment (encore) remaké. Avec son pitch parfait de série B (un homme empoisonné n'a plus que 48 heures pour retrouver son meurtrier), rien n'est superflu dans le développement du récit. Il est en revanche bien dommage que le dénouement et l'explication de l'affaire soient largement décevants, quand Rudolph Maté, habile faiseur, a su tenir le reste avec une efficacité plus que louable. A noter une très agréable musique de Dimitri Tiomkin, relevant l'ambiance du film. Plus curieux : la lourdeur néanmoins hilarante des sifflets dès que le héros croise une belle femme dans la première partie du film. Qu'est-ce que le monteur son avait en tête ?</div>
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<br /></div>
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<div style="text-align: right;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-w6JShzgoYdI/WPyrFidxNjI/AAAAAAAACfU/FIpF_LrkR3I5qy9HjJ7ux_ayx_ZQyESVwCEw/s1600/castle-keep-movie-poster-1969-1020209540.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-w6JShzgoYdI/WPyrFidxNjI/AAAAAAAACfU/FIpF_LrkR3I5qy9HjJ7ux_ayx_ZQyESVwCEw/s200/castle-keep-movie-poster-1969-1020209540.jpg" width="127" /></a><b><u><i>Un Château en Enfer</i>, de Sidney Pollack (1969)</u></b></div>
<br />
Film oublié, autant comme film de guerre que comme œuvre de Sidney Pollack, <i><b>Un Château en Enfer</b></i> est une curiosité résolument digne du (co)réalisateur du <i><b>Plongeon</b></i>. Avec un pitch évoquant un film traditionnel de son genre, avec défense de forteresse en prime, Pollack se détourne habilement de la voie du cinéma classique et épouse la si chérie liberté narrative du Nouvel Hollywood. Sans être un énième pensum sur l'absurdité de la guerre, Pollack trouve surtout le sujet de l'écrasement américain, de l'inculture comme annihilation suprême, de la destruction comme finalité universelle. Avec ses personnages paumés (dont Peter Falk, génial) orbitant autour du pas moins déconnecté Burt Lancaster, le récit façonne une bulle tragiquement éphémère au sein de la guerre. Finalement indescriptible à sa juste valeur, le film gagnerait à être connu, offrant par ailleurs une musique de Michel Legrand et une photgraphie d 'Henri Decaë, ce qui n'est jamais de refus.<br />
<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-Jf6hGg2AR40/WPyrFggQPvI/AAAAAAAACfc/iySiQ1H5084oFp42m4S_TyAfk705rGbUwCEw/s1600/arton33410.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-Jf6hGg2AR40/WPyrFggQPvI/AAAAAAAACfc/iySiQ1H5084oFp42m4S_TyAfk705rGbUwCEw/s200/arton33410.jpg" width="143" /></a></div>
<b><u><i>Le Soldat Laforêt</i>, de Guy Cavagnac (1972)</u></b><br />
<br />
On ne peut certainement pas faire davantage "dans son temps" que <i><b>Le Soldat Laforêt</b></i>, quand bien même l'histoire se déroule durant la Seconde Guerre mondiale. Absolu du film d'évasion, dans tous les sens du terme, de la jeunesse chevelue soixante-huitarde, le récit de Guy Cavagnac est néanmoins encore universel : fuir l'absurde de la guerre et retrouver le concret d'un bonheur simple. En se perdant dans les beaux paysages de l'Aveyron, le soldat Laforêt fait s'enivrer le spectateur d'un parfum en dehors de tout formatage absolument délicieux. Le concept a néanmoins ses limites, car passé la curiosité découverte, le métrage redevient une sorte d'objet générationnel un peu désuet, quand bien même on aimerait toujours être saisi par cet esprit de liberté, jusqu'à la fin, percutante, confirmant l'impression d'un rêve éveillé.<br />
<br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-VSXDrIn_CUA/WPyrhugwCPI/AAAAAAAACf4/qDBLQDfDeZswuYlTGOPZuKPNS0U1ofhSgCEw/s1600/DoDGWS-2.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-VSXDrIn_CUA/WPyrhugwCPI/AAAAAAAACf4/qDBLQDfDeZswuYlTGOPZuKPNS0U1ofhSgCEw/s200/DoDGWS-2.jpg" width="151" /></a><b><u><i>L’Éternel silence</i>, de Herbert Pointing (1924)</u></b></div>
<br />
Les documentaires "d'aventure" muets ont ceci d'extraordinaire que bien souvent, il s'agit de la première fois que les sujets en questions sont capturés par le cinématographe. Ceci m'avait totalement bouleversé dans <i><b>L’Épopée de L'Everest</b></i>, sorti par ailleurs la même année. Dans <i><b>L’Éternel silence</b></i>, nous (et le "nous" a son importance dans le film restitue à merveille son périple) nous embarquons pour le pôle Sud, dans une course qui relève autant de l'absurde, par désir de gloire humaine, que d'avancée scientifique. Filmées directement sur le terrain par Herbert Pointing, ou alors reconstituées d'après les notes du capitaine de l'expédition, les séquences alternent vie de l'équipage, exploration, lutte contre le grand froid, rencontre avec les pingouins... Quand bien même, par besoin technique, Poiting utilise des photographies dans son montage, aucun clivage ne se crée avec l'immersion. Les filtres photochimiques utilisées confèrent d'ailleurs autant une impression de réalisme qu'une sensation de fantasmagorie, dans ces couleurs jaunes ou cyans pétantes. Escalade inéluctable vers une issue tragique, le documentaire est autant témoignage qu'hommage... ou peut-être mise en garde, comme si la caméra avait réussi à saisir ce qui, alors, était la limite de l'homme. Un territoire interdit.<br />
<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-hgDN8l0m52k/WPyrF0gKO7I/AAAAAAAACfY/DSBLN3lQ8p8ZElNYO1lSoallCfvuRLC2gCEw/s1600/all_the_kings_men_xxlg.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-hgDN8l0m52k/WPyrF0gKO7I/AAAAAAAACfY/DSBLN3lQ8p8ZElNYO1lSoallCfvuRLC2gCEw/s200/all_the_kings_men_xxlg.jpg" width="131" /></a></div>
<b><u><i>Les Fous du roi</i>, de Robert Rossen (1949)</u></b><br />
<br />
Le scénario des <i><b>Fous du roi</b></i> est encore crevant d'actualité - j'écris ces lignes à deux jours des présidentielles. Plutôt que de s'intéresser simplement à la dénonciation de la corruption, l'adaptation de Robert Rossen creuse le sentier moral qui y conduit, à base de compromis, d'alliances, de pressions pour un meilleur futur commun. Le manichéisme, évident dans la toute première partie de l'histoire, est par la suite progressivement déconstruit, enfin sciemment reconstruit. Il est peut-être dommage que Robert Rossen, comme réalisateur, ne soit jamais à la hauteur de son écriture, s'en tenant à un conventionnel certes efficace, mais manquant de la passion, de l'ampleur, de la tragédie qu'auraient apporté un John Ford ou un Billy Wylder. Le prix du changement et de futur, enjeu central du film, se prêterait certainement à une nouvelle adaptation contemporaine, idéalement plus inspirée que celle de Steven Zaillian.<br />
<br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-YUOTB5ioSvs/WPyrGscNXOI/AAAAAAAACfg/K6eHcRiL708mPlo_m27kPKwzQLjzwlPQwCEw/s1600/knights-of-the-round-table-1953-dvd-robert-taylor-ava-gardner-973-p.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-YUOTB5ioSvs/WPyrGscNXOI/AAAAAAAACfg/K6eHcRiL708mPlo_m27kPKwzQLjzwlPQwCEw/s200/knights-of-the-round-table-1953-dvd-robert-taylor-ava-gardner-973-p.jpg" width="130" /></a><b><u><i>Les Chevaliers de la table ronde</i>, de Richard Thorpe (1953)</u></b></div>
<br />
Sans que je sois véritablement fan des kitcheries de Richard Thorpe, j'apprécie l'esprit général de ses films, comme <i><b>Ivanhoé</b></i>. Hélas, <i><b>Les Chevaliers de la table ronde</b></i>, embrassant le grand mythe d'Arthur et d'Excalibur, peine avec son statut de fresque historique au rabais. La recette est la même que pour sa précédente fresque : récit bon enfant, couleur du technicolor trichrome tartinées sur l'écran scope, et le flambant Robert Taylor jouant le preux beau gosse Lancelot, arborant les armes de Richard Cœur de Lion (?). L'ensemble du film est tellement sur des rails que certes, s'il n'y a pas lieu de réellement s'ennuyer pour peu que l'on soit preneur du genre, on est aussi déçu par le relatif manque d'ambition. La réalisation de Thorpe est certainement l'une de ses moins inspirées, quel dommage ! La quête du Graal est évacuée au profit d'intrigues internes à la Table Ronde, entre Arthur et Mordred, mais la faible teneur des personnages ne rendent pas les enjeux palpitants. Point positif notable, tout de même : la musique de <span class="_Xbe kno-fv">Miklós Rózsa, dont on reconnaît d'ores et déjà certaines structures mélodiques qu'il reprendra plus tard dans le grandiose <b><i>Le Cid </i></b>d'Anthony Mann.</span><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-7M4-s5kTKyQ/WT_emjsRgTI/AAAAAAAACmM/LlutmZQw0sMZ1umMhNv9HHTbGCCnEJLvACLcB/s1600/a%2Bstar.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1177" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-7M4-s5kTKyQ/WT_emjsRgTI/AAAAAAAACmM/LlutmZQw0sMZ1umMhNv9HHTbGCCnEJLvACLcB/s200/a%2Bstar.jpg" width="146" /></a></div>
<b><u><i>Une Étoile est née</i>, de George Cukor (1954)</u></b><br />
<br />
Ce qui transcende <i><b>Une Etoile est née</b></i>, version George Cukor, c'est finalement à quel point il se détache de la comédie musicale en s'orientant vers un grand mélo presque sirkien, amer sur Hollywood et le rêve américain. Le grand retour de Judy Garland se fait sous la marque de la mélancolie au sein d'une époque de transition, celle où les vieilles légendes s'effacent. Derrière la grande chanteuse, James Mason s'impose aussi comme, encore une fois, un grand acteur que l'on ne reconnaît jamais assez. Avant l'approche plus superficielle et peut-être plus agaçant de <i><b>My Fair Lady</b></i>, Cukor élabore une mise en scène certes virtuose, colorée, puissante, mais aussi capable d'une discrétion bienveillante et touchante, comme dans la fameuse scène du cabaret (qui n'aura pas moins demandé à Garland près de quarante prises). Non seulement il y a la performance, transcendante, mais plus encore, les personnages existent, la tragédie est humaine et bouleversante, jusqu'à la fin, sublime requiem, ou presque, d'Hollywood classique. Autre chose que le très mauvais et très superficiel <i><b>La La Land</b></i> (bim) !<br />
<br />
<br />
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-ALhTTxbuY3A/WT_e4EOXTHI/AAAAAAAACmQ/1vVfqnI29cwjz6KJtzE6SFP6pwJnxjQ2wCLcB/s1600/jubal.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="860" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-ALhTTxbuY3A/WT_e4EOXTHI/AAAAAAAACmQ/1vVfqnI29cwjz6KJtzE6SFP6pwJnxjQ2wCLcB/s200/jubal.jpg" width="143" /></a><b><u><i>L'Homme de nulle part</i>, de Delmer Daves (1956)</u></b><br />
<div style="text-align: right;">
<br /></div>
<i>Revisionnage. </i><br />
<br />
N'ayant peut-être pas la grandeur chefdoeuvresque de <i><b>3h10 pour Yuma,</b></i> <i><b>La Dernière caravane</b></i> ou <i><b>La colline des potences</b></i>, <i><b>L'Homme de nulle part</b></i>
demeure néanmoins une belle fable morale tout à l'honneur de Delmer
Daves. L’ambiguïté des personnages forts de Daves est toujours
extrêmement prenantes, notamment dans les conflits générés, sombres et à
l'issue incertaine. Le très beau casting y contribue : Glenn Ford,
Ernest Borgnine, Charles Bronson, Rod Steiger... La droiture morale et
le rachat du péché est une fois de plus au centre de l'intrigue, mais
l'alchimie inédite des personnages perfectionne les enjeux. Chez Daves,
la frontière entre Bien et Mal se déplace, est floue, ce qui est
toujours passionnant dans le western et parfaitement maîtrisé chez cet
auteur-ci.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><u></u></b></div>
<br />
<br />
<br />
<div style="text-align: right;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-CGbvfpY8ZiQ/WT_gCzW-crI/AAAAAAAACmY/LULiP7l8uKAijk8o2jX9LLVr_HSO86QfgCLcB/s1600/parapluies.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1024" data-original-width="768" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-CGbvfpY8ZiQ/WT_gCzW-crI/AAAAAAAACmY/LULiP7l8uKAijk8o2jX9LLVr_HSO86QfgCLcB/s200/parapluies.jpg" width="150" /></a><b><u><i>Les Parapluies de Cherbourg</i>, de Jacques Demy (1964)</u></b></div>
<br />
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
Vus bien plus jeune, je n'avais jamais été particulièrement touché par les films de Jacques Demy, en tout cas ses collaborations avec Catherine Deneuve. Le revisionnage des <i><b>Parapluies de Cherbourg</b></i> m'a bouleversé. Non seulement, car on y trouve un grand film musical, bonifié par le génie Michel Legrand, mais plus encore car la romance prend tout son sens dans la dureté de son contexte. Loin d'être innocent, le film de Demy parle aussi de la guerre d'Algérie et d'une génération regorgeant d'amour mais qui se cherche. Demy écrit si bien ses textes, bien que chantés, qu'ils conservent toute la dimension et toute la gravité du réel - parfois dans de simples répliques anodines, voire délibérément simplettes.La magnificence d'une romance dont les personnages ont des trajectoires qui, fatidiquement, se croisent en des points de non-retour, est absolument saisissante lorsque captée avec un tel éclat cinématographique. Quelle ampleur du drame ! C'est à l'image de la scène des adieux à la gare, à certains égards d'un pompeux remarquable, mais si beau, si intense, si passionné devant ou derrière la caméra qu'il ne peut laisser indifférent.<br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-bjJlJD3cHb8/WT_gjZq6xzI/AAAAAAAACmc/M488oH55-O8VumI9uqOlGD_wTFLiBbVHwCLcB/s1600/falaise.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="522" data-original-width="390" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-bjJlJD3cHb8/WT_gjZq6xzI/AAAAAAAACmc/M488oH55-O8VumI9uqOlGD_wTFLiBbVHwCLcB/s200/falaise.jpg" width="149" /></a></div>
<b><u><i>La Falaise mystérieuse</i>, de Lewis Allen (1944)</u></b><br />
<br />
Beau film d'atmosphère, <i><b>La Falaise mystérieuse</b></i> pourrait passer comme une série B convenue accumulant les clichés du genre, mais il faut reconsidérer le contexte : c'est davantage ce film qui a inspiré aux autres les leitmotiv du film de maison hantée. La direction artistique est admirable, quand bien même on est finalement loin du faste d'un décor gothique. Pourtant, le charme opère, dans cette bourgade coupée du monde, au bord d'une falaise, avec sa belle maison un peu trop banale pour être rassurante. L'évolution du scénario est peut-être sans grande surprise mais offre quelques agréables moments de tension. Dommage, peut-être, que la révélation finale soit un brin convenue, mais c'est aussi le revers de la médaille d'un film matriciel.<br />
<br />
<br />
<div style="text-align: right;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-attRAijAopw/WT_guhcfhDI/AAAAAAAACmk/aSox5cE4je4V3up_VgU5OizOecuwJVIEQCLcB/s1600/knock.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1070" data-original-width="785" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-attRAijAopw/WT_guhcfhDI/AAAAAAAACmk/aSox5cE4je4V3up_VgU5OizOecuwJVIEQCLcB/s200/knock.jpg" width="146" /></a><b><u><i>Knock</i>, de Guy Lefranc (1951)</u></b></div>
<b><u></u></b><br />
<br />
Si cette adaptation de <i><b>Knock </b></i>par Guy LeFranc commence avec quelques répliques bien truculentes, que l'on doit évidemment à la pièce, il faut tout de même avouer que l'ensemble est d'une paresse relative. Aux abonnées absentes, la mise en scène accomplit le miracle de rendre l'histoire laborieuse, et somme toute très convenue passée quelques moments bien sentis, grâce à Louis Jouvet. Il y a bien à tirer de cette adaptation, vite oubliée et à raison. Sans être un ratage absolu, les raisons de cet échec sont absolument incompréhensibles tant tous les ingrédients sont pourtant là.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-6423083980187720142.post-48809128344568206912017-05-08T20:27:00.001+02:002017-05-08T20:28:19.724+02:00[FDBF] Alien: Covenant et le cinéma d'auteur à 100M de dollars <div style="text-align: justify;">
<b><u>Ridley Scott contre Hollywood ?</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
La sortie d'<b><i>Alien : Covenant</i></b> (<a href="https://www.screenmania.fr/film-critique/alien-covenant-ridley-scott-2017/" target="_blank">critique par mes soins sur ScreenMania</a>) questionne non seulement l'avenir de la saga initiée par Ridley Scott en 1979, mais pousse également à s'interroger sur les circonstances de production d'un film tiraillé entre son auteur, et un studio fort vorace. Résultat mitigé s'il en est, la dernière production Scott Free offre néanmoins bien des pistes de réflexion, débattues ici avec joie dans cette nouvelle émission du <i>Festival Des Bons Films</i>. La question à un milliard de dollars est finalement celle-ci : y a-t-il encore des auteurs à Hollywood ?</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Toujours enregistrée aux Fauvettes, cette émission se tient en compagnie d'Ilan Ferry (<a href="http://www.cinemateaser.com/" target="_blank">Cinemateaser</a> / <a href="http://cinevibe.fr/" target="_blank">CinéVibe</a>), Loris Hantzis (<a href="http://ecranfantastique.fr/" target="_blank">L'Écran fantastique </a>/ <a href="http://www.laseptiemeobsession.com/" target="_blank">La Septième obsession</a>) et Simon Riaux (<a href="http://www.canalplus.fr/cinema/emissions-cinema-sur-canal/pid6306-le-cercle.html" target="_blank">Le Cercle</a> / <a href="https://www.ecranlarge.com/" target="_blank">Écran large</a>).<br />
<br />
Comme toujours, très bon visionnage !</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="304" src="https://www.youtube.com/embed/_rFAF2sg4O8" width="540"></iframe></div>
Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-6423083980187720142.post-84835642322066318202017-03-15T13:14:00.001+01:002017-03-15T13:16:04.104+01:00[FDBF] Grave vs. le cinéma français<br />
<u><b>Le Festival des Bons Films revient ensanglanté !</b></u><br />
<br />
A travers <i><b>Grave</b></i>, Julia Ducournau offre la perspective d'un débat sur le genre à la française, tabou relatif au sein de la production nationale. Comme premier long-métrage, c'est un bel effort qui mérite notre attention, suffisamment intelligent pour ne pas être prisonnier de ses références (dont Cronenberg) ou du petit buzz qui l'accompagne. Comment, alors, Ducournau inscrit son film dans le cinéma contemporain, à l'heure où la culture du genre passe souvent par une américanisation du ton.<br />
<br />
Un débat passionné avec nos chairs (...) invités : Clara Kane (<a href="http://www.goldenmoustache.com/" target="_blank">Golden Moustache</a>), Lucas Nathan Guthmann (<a href="http://www.cinematraque.com/" target="_blank">Cinématraque</a> / <a href="http://www.lebleudumiroir.fr/" target="_blank">Le Bleu du miroir</a>) et Marc Loos (<a href="http://www.cloneweb.net/" target="_blank">Cloneweb</a>).<br />
<br />
<div style="text-align: left;">
Bon visionnage !</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="293" src="https://www.youtube.com/embed/rYAM_sAeMYw" width="520"></iframe></div>
Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6423083980187720142.post-77255225140829456622017-02-07T16:43:00.000+01:002017-02-07T17:38:51.899+01:00[Avis en vrac] Vus et revus #24<br />
<div style="text-align: justify;">
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-Q_xoXBjqH2I/WJno_lrnbII/AAAAAAAACeQ/FAhkD44WP244_aaNkc3VaAAhqQ6loDzwACLcB/s1600/222441.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="408" src="https://4.bp.blogspot.com/-Q_xoXBjqH2I/WJno_lrnbII/AAAAAAAACeQ/FAhkD44WP244_aaNkc3VaAAhqQ6loDzwACLcB/s640/222441.jpg" width="540" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Napoléon</b></i>, d'Abel Gance (1927)</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<i>Hélas peu actif ces derniers temps, je publie tout de même cet article afin de revenir principalement sur mes gros coups de cœur de l'année passée, ou quelques autres films vus et revus au sujet desquels je souhaitais dire deux mots.</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-oRV37j5Xnbs/WJdqNBXwPNI/AAAAAAAACbw/r1wGTBk-ZWo-nj8jnSIALuvIvxAy2qdNwCLcB/s1600/Into-the-Inferno-600x861.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-oRV37j5Xnbs/WJdqNBXwPNI/AAAAAAAACbw/r1wGTBk-ZWo-nj8jnSIALuvIvxAy2qdNwCLcB/s200/Into-the-Inferno-600x861.jpg" width="138" /></a></div>
<b><i><u>I</u></i><u><i>nto the Inferno</i>, de Werner Herzog (2016)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Qui d'autre que l'ami Werner Herzog s'aventurera pareillement, à la frontière de la mort par carbonisation, devant des volcans actifs ? <b><i>Into the Inferno</i></b> n'est pas fabuleux seulement car il est le documentaire d'un grand voyageur en quête de territoires dangereux, mais aussi parce qu'Herzog, fort de son goût du mystique, s'intéresse à toute la culture qui orbite autour des montagnes en colère. La curiosité est alors de mise devant les bizarreries en questions, étonnantes (cette église romaine catholique en forme de poulet) ou littéralement incroyable (le culte de John Frumm). Le film pourrait durer des heures et des heures, voyageant vers l'inconnu, notamment dans son génial chapitre nord-coréen. Et si c'est peut-être une forme de frustration de désirer appesantir sur tous ces chapitres face au rythme d'Herzog, il faut reconnaître à ce dernier la grande capacité de pouvoir presque tout compiler sans perde la force formelle et spirituelle de ses images et thèmes. Et si le meilleur film de 2016 n'était pas sorti au cinéma ?</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<br />
<b><u><b><u><b><u><i>Napoléon</i>, d'Abel Ganc</u></b>e (1927)</u></b></u></b><a href="https://3.bp.blogspot.com/-WrI-wQ-ZfNc/WJdqNYe-cJI/AAAAAAAACb0/kMueeg6zSC4N99d9mPM7x8e4eGAARrfIgCLcB/s1600/napoleon_1.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-WrI-wQ-ZfNc/WJdqNYe-cJI/AAAAAAAACb0/kMueeg6zSC4N99d9mPM7x8e4eGAARrfIgCLcB/s200/napoleon_1.jpg" width="141" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>Revisionnage : j'ai eu l'immense chance de voir cette nouvelle version, fraîchement restauré par le BFI sous la direction de Kevin Brownlow, avec la musique de Carl Davis, présentée au Royal Festival Hall de Londres. </i><br />
<br />
Dans le vaste territoire des revisites de l’Histoire, les
fantasmes se confrontent à une réalité qui nous échappe. Des miettes de
son héritage, nous tissons éventuellement une fresque comme ode à la
grandeur, une célébration qui se veut à la fois anachronique et
intemporelle, soit une Histoire qui s’écrit sur l’autre. C’est celle-là
même qu’a imprimée Abel Gance lorsqu’il forgea son <b>Napoléon</b> il y a près
d’un siècle, convoitant une ampleur qui ne trouverait d’égal que face à
son propre sujet. Et quand ce dernier mit l’Europe dans son ombre, ce
fut bien, et c’est toujours, son adaptation qui met ce coup-ci le
cinématographe tout entier dans la sienne.<i> </i><br />
<i><br /></i>
Texte à lire sur Filmosphere :<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/napoleon-abel-gance-1927"><cite class="_Rm">www.filmosphere.com/movies/napoleon-abel-gance-1927</cite></a><br />
<br />
<br />
<cite></cite></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><u><i><a href="https://3.bp.blogspot.com/-qDwovIVgJu8/WJdxtmQLtNI/AAAAAAAACcE/Eh5d-Utwn8Qxok4S5PB7WEra4MDW-jnawCLcB/s1600/7rq62ir3.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-qDwovIVgJu8/WJdxtmQLtNI/AAAAAAAACcE/Eh5d-Utwn8Qxok4S5PB7WEra4MDW-jnawCLcB/s200/7rq62ir3.jpg" width="135" /></a>Stalingrad</i>, de Joseph Vilsmaier (1993)</u></b><br />
<b><u><br /></u></b>
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
<i>Le site Le Bleu du Miroir m'a offert le privilège d'une Carte Blanche, parfaite opportunité pour mettre en avant un grand film de guerre hélas un peu oublié</i>.<br />
<br />
Le paysage, désespérément blanc, ne laisse entrevoir aucun réel horizon. À terre, dans la neige, quelques silhouettes bougent : des moitiés d’hommes, ensevelis tant bien que mal dans leurs positions retranchées. La terre tremble. S’invitent dans la scène une poignée de blindés, un peu plus loin, dont on pourrait croire qu’ils ne font que passer. Le crissement des chenilles qui freinent. Ils tournent. Il s’agit désormais d’arrêter ces masses avec quelques coups de canons, quelques grenades ou quelques mines entre les mains de soldats peu confiants. Les mitrailleuses s’actionnent, les engins font feu sans même ralentir. Ils avancent lentement, mais cette langueur est terrifiante ; celle qui laisse tout le luxe d’observer sa mort droit dans les yeux.</div>
<div style="text-align: justify;">
<b><u><br /></u></b>
Texte à lire sur Le Bleu du Miroir :<br />
<a href="http://www.lebleudumiroir.fr/carte-blanche-stalingrad">http://www.lebleudumiroir.fr/carte-blanche-stalingrad</a><br />
<b><u><br /></u></b>
<b><u><br /></u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: right;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-xgT_GEKWq3c/WJdxvg_SUAI/AAAAAAAACc4/A5uhDBhb_60sXNMP_KJKFG15FmjzgDN-QCLcB/s1600/Sous-Le-Soleil-De-Satan.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-xgT_GEKWq3c/WJdxvg_SUAI/AAAAAAAACc4/A5uhDBhb_60sXNMP_KJKFG15FmjzgDN-QCLcB/s200/Sous-Le-Soleil-De-Satan.jpg" width="147" /></a><b><u><i>Sous le Soleil de Satan</i>, de Maurice Pialat (1987)</u></b></div>
<br />
Sans conteste, <i><b>Sous le Soleil de Satan</b></i> restera une expérience filmique mémorable à mes yeux. D'une part, j'ai été bouleversé par l'approche formelle de Maurice Pialat, avec ces tombes sobres remarquablement travaillés dans la lumière qui s'échappe des fenêtres, parfois comme dans un tableau de Vermeer. Il faut dire que la beauté de ces paysages quasi-désolés du Nord joue grandement. Surtout, l'intensité spirituelle du scénario, qui se mêle à la densité du jeu (ou plutôt sous-jeu) de Gérard Depardieu, amène une émotion absolument pure sur ses réflexions. Le film tout entier est une immense zone grise remplie d'incertitudes, si belles, si humaines, parfois si dangereuses, que Pialat sait absolument magnifier. C'est comme si le personnage de Depardieu était la synthèse de la ferveur de Jean-Paul Belmondo et des doutes d'Emmanuelle Riva dans <i><b>Léon Morin, prêtre</b></i> : quel plus beau mélange ? Mais il faut croire, vu les sifflets reçus lors de sa Palme d'Or, que tout le monde n'aura pas été sensible à une si belle vérité.<br />
<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-Mm5znx1M_lM/WJdx0bxRttI/AAAAAAAACdk/_kpe1G9PSxQ8G2JCgiZ0-AjFfz1iI5B6ACLcB/s1600/lo_and_behold_reveries_of_the_connected_world.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-Mm5znx1M_lM/WJdx0bxRttI/AAAAAAAACdk/_kpe1G9PSxQ8G2JCgiZ0-AjFfz1iI5B6ACLcB/s200/lo_and_behold_reveries_of_the_connected_world.jpg" width="135" /></a></div>
<b><u><i>Lo and Behold</i>, de Werner Herzog (2016)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Voilà, Werner Herzog est comme le lapin Duracell : il ne s'arrête jamais. Ici, il troque les voyages du bout du monde contre un périple virtuel dans l'au-delà d'Internet - mais <i><b>Lo and Behold</b></i> n'est peut-être pas moins mystique que ses autres œuvres. Évidemment, on peut se dire qu'Herzog est loin d'aller au bout de la question, ce qui en réalité est impossible vu la vitesse de développement de son sujet, et le fait qu'après tout, nous en soyons encore au début. Herzog ne s'intéresse pas vraiment de manière moralisatrice aux dangers d'Internet et de la technologie, bien qu'il y présente toutes ses facettes. Les interrogations - sans réelles réponses - sont dans l'absolu géniales : "Internet rêve-t-il de lui-même" ? Encore une fois, c'est aussi ici le prétexte pour faire le tour de différences communautés, parfois singulières comme ces allergiques des ondes qui vivent dans la forêt, au sein d'une zone blanche. Werner a voyagé dans le temps et dans l'espace, voilà qu'il voyage désormais dans l'ultime frontière de l'immatériel.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<br />
<div style="text-align: right;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-BpUiPSrwYkU/WJdxuQnI77I/AAAAAAAACcU/kgfycM6iI0sEJdhPWNBJ1z_h2mlXkVX5gCLcB/s1600/Ben-Hur-1925.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-BpUiPSrwYkU/WJdxuQnI77I/AAAAAAAACcU/kgfycM6iI0sEJdhPWNBJ1z_h2mlXkVX5gCLcB/s200/Ben-Hur-1925.jpg" width="135" /></a><b><u><i>Ben-Hur</i>, de Fred Niblo (1925)</u></b><b><u></u></b></div>
<br />
Devant la version de <i><b>Ben-Hur</b></i> par Fred Niblo, on est tenté
de se dire que le bon vieux William Wyler (par ailleurs déjà assistant
sur cette précédente adaptation, comme quoi) n'a rien inventé. Fred
Niblo réalise un film qui est en quelques sortes la gloire absolue des
fresques du cinéma muet. Ce qui aurait pu être un simple déploiement de
moyens techniques impressionnants (c'est déjà le cas) est aussi une
adaptation superbement bien racontée, forte en émotion, en beauté brute.
On peut alors se demander si la scène la plus impressionnante est celle
des galères, ou plus simplement, celle de la mère de Ben-Hur, lépreuse,
venant embrasser l'ombre de son enfant qui dort. Quel sublime moment
d'émotion ! Mais ne boudons pas notre plaisir non plus devant l'ampleur
du reste, et évidemment devant l'éternelle course de chars, qui d'une
part est d'une largeur relativement incommensurable, et d'autre part est
d'une inventivité cinématographique à tomber par terre, à tel point que
ce cher Wyler s'en tiendra, principalement, à la reprendre plan par
plan. Le désir d'innovation des réalisateurs du muet est saisissant,
anticipant, et de très loin, tout ce qui se ferait aujourd'hui à l'heure
des GoPro. Pour clore le spectacle, une poignée de scènes en
Technicolor, notamment celles entourant le Christ, d'une splendeur
picturale à couper le souffle, d'autant car conjuguées à la très
puissante et très wagnerienne musique de Carl Davis. Une anecdote de production délicieusement glauque veut que l'affrontement
maritime, à échelle réelle et d'une violence inouïe, ait engendré la
disparition de plusieurs figurants jouant des esclaves ayant fini à
l'eau, et n'étant curieusement jamais revenu chercher leurs vêtements
sur la plage à la fin de la journée. En voilà du spectacle pour le
peuple ! A découvrir
impérativement.</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-JbmBA9zO7Rg/WJdxujT8aSI/AAAAAAAACcc/T7tVSXT1CdA4PnF5qr1cDn4cfI-otlCHwCLcB/s1600/Le_Rouge_et_le_Noir.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-JbmBA9zO7Rg/WJdxujT8aSI/AAAAAAAACcc/T7tVSXT1CdA4PnF5qr1cDn4cfI-otlCHwCLcB/s200/Le_Rouge_et_le_Noir.jpg" width="150" /></a></div>
<b><u><i>Le Rouge et le noir</i>, de Claude Autant-Lara (1954)</u></b><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Que c'est barbant, bon sang ! Claude Autant-Lara livre une adaptation quelconque de Stendhal, qui non seulement est d'un académisme tristounet (contrairement au plus tardif <i><b>Comte de Monte Cristo</b></i> qu'il parvient à transcender) mais qui en plus n'a pas vraiment d'ampleur. La direction artistique est relativement au rabais, entre costumes kitchs et décors si vides qu'ils paraissent parfois abstraits. Gérard Philippe campe mollement Julien Sorel, réfugié derrière ses traits poupins mais incapable de profondeur dramatique, face à une Danielle Darrieux totalement mécanique. Faire du <b><i>Rouge et du noir</i></b> un film sans passion est tout de même un comble ! Quelques belles lignes s'échappent çà et là, vestiges de la densité du matériau de base, ou d'autres beaux plans suscitent l'attention, mais bien peu pour rendre palpitantes ces trois longues heures d'adaptation anecdotique, sauf peut-être pour les amateurs de "cinéma à papa" et autres vieilleries. A noter, tout de même, la belle musique de René Cloërec.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-Ei3njK0wxBE/WJdxveXHQdI/AAAAAAAACc0/U_czADDeWLglq4oQhNcS6TCVL4YinJc3QCLcB/s1600/MV5BMTUzODE2MzgyM15BMl5BanBnXkFtZTgwNzU1NDU5MTE%2540._V1_.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-Ei3njK0wxBE/WJdxveXHQdI/AAAAAAAACc0/U_czADDeWLglq4oQhNcS6TCVL4YinJc3QCLcB/s200/MV5BMTUzODE2MzgyM15BMl5BanBnXkFtZTgwNzU1NDU5MTE%2540._V1_.jpg" width="133" /></a><b><u><i>Les Disparus de Saint-Agil</i>, de Christian-Jaque (1938)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Si <i><b>Les Disparus de Saint-Agil</b></i> n'est peut-être pas la claque que j'attendais, il est la démonstration formidable d'un emploi judicieux du concept immatériel de la nostalgie. Ici, elle ne sert pas une démarche simplement passéiste ou intéressée, mais est l'authentique et le plus simple refuge devant les inéluctables ténèbres du futur. Après tout, c'est un film où les adultes ne parlent que de la guerre, et, évidement, le contexte de sortie n'est pas anecdotique. L'aventure des bambins est plus qu'autre chose un périple initiatique, pour eux de vouloir grandir et s'émanciper, quand il s'agit pour le magnifique personnage d'Erich von Stroheim de retrouver une innocence perdue. Christian-Jaque est par ailleurs un élégant formaliste, mais dont la discrétion du style confère une ambiance agréable à l'univers du récit, certainement matricielle pour les nombreux cinéastes ayant touché au "film d'orphelinat" si on peut le dire ainsi. Et comme il n'y a pas de pareille institution sans personnage haut en couleur, le délicieux Michel Simon répond bien heureusement présent.<br />
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-N-F8uD1-77c/WJdxxjj6cGI/AAAAAAAACdM/f38-3GdsuTUzoTwquEmneX4AfZIyYjmDQCLcB/s1600/bulworth_ver1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-N-F8uD1-77c/WJdxxjj6cGI/AAAAAAAACdM/f38-3GdsuTUzoTwquEmneX4AfZIyYjmDQCLcB/s200/bulworth_ver1.jpg" width="134" /></a></div>
<b><u><i>Bulworth</i>, de Warren Beatty (1998)</u></b><br />
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Quel personnage étonnant, ce Warren Beatty ! <i><b>Bulworth </b></i>est d'autant plus à voir au regard de l'actualité, comme sacré brûlot face à la politique conservatrice, qu'importe le parti. Ce qui est touchant, c'est que derrière la volonté politique de Beatty (d'autant plus à remettre en perspective lorsque l'on sait qu'il a un temps été envisagé comme candidat démocrate), il arrive néanmoins à tailler de jolis personnage, que ce soit le sien ou celui de la sublime Halle Berry. L'aventure, en plus d'être engagée, est donc touchante, est c'est le plus important. Certes, ça n'est pas le plus grand film de Warren Beatty, certes il n'y a pas le grandiose et ça n'est peut-être pas aussi engagé dans le fond que <i><b>Reds</b></i>, mais l’enthousiasme l'emporte sur les défauts de rythme ou quelques facilités scénaristiques, compensé également par la photographie de Vittorio Storaro, qui, sans être géniale, assure une fois de plus un film qui fait du bien et qui mérite d'être revu.<br />
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J'en profite pour conseiller le très bon documentaire d'Olivier Nicklaus <b><i>Warren Beatty : une obsession hollywoodienne</i></b>, qui cerne parfaitement bien les lubies et paradoxes du bonhomme.<br />
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-tfqOdI3K79I/WJdxvDubbqI/AAAAAAAACcw/RHQVNEAcvsI06ECYfkAuJU_RrwPCATwLgCLcB/s1600/MPW-55334.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-tfqOdI3K79I/WJdxvDubbqI/AAAAAAAACcw/RHQVNEAcvsI06ECYfkAuJU_RrwPCATwLgCLcB/s200/MPW-55334.jpg" width="143" /></a><b><u><i>Extrême Préjudice</i>, de Walter Hill (1987)</u></b></div>
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Walter Hill n'est guère un réalisateur surprenant, tapissant ici, comme à l'accoutumée,<i><b> Extrême Préjudice </b></i>de l'héritage de Sam Peckinpah. Mais quelle efficacité ! Efficacité scénaristique, dans un premier temps, car il faut reconnaître à Hill cette capacité constante, ou presque, à établir des enjeux et personnages éventuellement archétypaux, mais absolument attachants. Il sait s'entourer du casting adéquat, forcément, et les années 80 et 90 auront largement prouvé quel acteur exceptionnel est Nick Nolte. Pour le reste, il s'agit de faire parler la poudre dans cette revisite façon néo-western non-dissimulée de <i><b>La Horde Sauvage</b></i>. Walter Hill est de la sorte épanouit dans un film d'action viril comme il faut, avec des héros suants et des gros plans au ralenti sur des Colts 45. Un film d'action généreux, bien pensé, et avec en prime une musique de Jerry Goldsmith. Vous n'allez pas dire non ?<br />
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<a href="https://2.bp.blogspot.com/-wfXyVk3Bn-0/WJdxudw9iLI/AAAAAAAACcY/kYu5Kx3ZVYsSw_xzZgvCBtA_1P3RkVAlwCLcB/s1600/Le-grand-amour-poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-wfXyVk3Bn-0/WJdxudw9iLI/AAAAAAAACcY/kYu5Kx3ZVYsSw_xzZgvCBtA_1P3RkVAlwCLcB/s200/Le-grand-amour-poster.jpg" width="150" /></a></div>
<b><u><i>Le Grand amour</i>, de Pierre Etaix (1969)</u></b><br />
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Il aura fallu donc attendre que Pierre Etaix ne soit plus pour que je voie son très beau <i><b>Le Grand amour</b></i>. Beau, par son humour, évidemment, de comique non seulement burlesque mais en plus visuel dans le sens cinématographique ; beau, par ses personnages, cette illusion de ce petit monde, de cette histoire d'amour irréelle, mais pourtant si vraie, et un brin amère. Le rire est d'autant plus sincère, même si la plupart du temps l'émotion est seulement traduit par un sourire légèrement béat, comme celui qu'affiche Etaix lorsqu'il part en ballade champêtre à bord de son lit motorisé. Quelle inventivité de tous les instants ! Il n'y pas de meilleure leçon pour - une fois de plus - prouver tout l'intérêt formel que l'on peut injecter au sein d'une comédie, et surtout, toute la beauté pure qui peut en ressortir.<br />
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-j1m0VPqQVN0/WJdxtt6Q-NI/AAAAAAAACd4/Y0jXNe37jx0rOaGYwNlfziLogMRiTAkNQCPcB/s1600/1457493_10151842512594823_1455741642_n.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-j1m0VPqQVN0/WJdxtt6Q-NI/AAAAAAAACd4/Y0jXNe37jx0rOaGYwNlfziLogMRiTAkNQCPcB/s200/1457493_10151842512594823_1455741642_n.jpg" width="143" /></a><b><u><i>42ème rue</i>, de Lloyd Bacon (1933)</u></b></div>
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Alors que qu'il est actuellement revisité en comédie musicale au Châtelet (adaptation que j'ai par ailleurs trouvée sans grand intérêt), <i><b>42ème</b></i> rue se savoure avec plaisir, sans avoir perdu de sa modernité. Pré-Code oblige, l'intrigue est blindée de sous-entendus graveleux et laisse la part belle aux gambettes. Les dialogues sont absolument délicieux, percutants et plein de dynamisme, grâce aux personnages attachants que prend justement la peine de créer l'histoire. Quant à la partie musicale, il y a de quoi faire entre les chansons qui subsistent en tête, et les créations visuelles uniques de Busby Berkeley façonnent complètement la portée cinématographique. L'acte final est débordant d'ambition, mais n'empiète pas sur la beauté des personnages. <i>"You're getting there as a youngster, but you've got to come back as a star !"</i> : quelle émotion à ce moment-là !<br />
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<u><b><i></i></b></u><br />
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-hbnCSdwBA6s/WJdxwNNKbWI/AAAAAAAACeA/6lFiqkH2kRsOA8OdKrH2eYRPxRpI8MlngCPcB/s1600/Un_homme_et_une_femme.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-hbnCSdwBA6s/WJdxwNNKbWI/AAAAAAAACeA/6lFiqkH2kRsOA8OdKrH2eYRPxRpI8MlngCPcB/s200/Un_homme_et_une_femme.jpg" width="150" /></a><u><b><i>Un Homme et une femme</i>, de Claude Lelouch (1966)</b></u><br />
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La ressortie d'<i><b>Un Homme et une femme</b></i>, Palme d'Or du Festival de Cannes de 1966, est non seulement l'occasion de (re)découvrir une sublime romance, mais aussi de se rappeler à quel point Claude Lelouch était, mine de rien, un grand formaliste. Son scénario est d'ailleurs le prétexte parfait pour tous les débordements cinématographiques qui lui sont chers : une séquence de course voiture, du noir et blanc, du teinté, l'aube sur les planches de Deauville... Le film aurait pu être, par ailleurs, un simple exercice de style virtuose, mais Lelouch a le bon sens de ne jamais perdre de vue ses protagonistes, leur relation et surtout les superbes acteurs qui sont derrière. On serait bien tenté de dire que l'alchimie est parfaite, mais c'est encore autre chose, puisqu'il se crée entre les deux une passions dévorante assortie d'un espace gênant, qui façonne évidemment le côté tragique de l'histoire. Le dénouement final est alors d'autant plus poignant. Grande histoire, grand cinéma, grand film. Et, pour l'anecdote, c'est aussi l'occasion d'apercevoir un tout jeune Antoine Sire, auteur du récent livre <i>"Hollywood, la Cité des femmes"</i>.<br />
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-oUktReQkDG0/WJdxwsb6eHI/AAAAAAAACd4/CncdVrK62XEtobHkCqvOpAXc-hEznmMSQCPcB/s1600/amour4.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-oUktReQkDG0/WJdxwsb6eHI/AAAAAAAACd4/CncdVrK62XEtobHkCqvOpAXc-hEznmMSQCPcB/s200/amour4.jpg" width="151" /></a><b><u><i>Gueule d'amour</i>, de Jean Grémillon (1937)</u></b></div>
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Un film surprenant autant qu'il est beau. Dans son documentaire <i><b>Voyage à travers le cinéma français</b></i>, Tavernier défendait justement de la diversité de jeu de Jean Gabin. <i><b>Gueule d'Amour</b></i> en est le parfait exemple, de ce récit aux personnages attachants, qui démarre comme une comédie, évolue en romance, puis en drame, enfin en complète tragédie. Tout s'enchaîne avec un naturel brillant, sans que les ruptures de ton ne paraissent artificielles. Jean Grémillon sait filmer la transition psychologique du personnage de Gabin, passant de coureur de jupons notoire à pauvre bougre castré par l'amour de sa vie. Le duo Gabin / Mirelle Balin est superbe, iconisé dès les premiers plans de la rencontre. Certes, on ressort un peu mal de cette histoire de cœurs brisés, sans avoir vu venir le coup de poing final : tant mieux, quelque part, c'est tout ce que l'on cherche.<br />
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-r5-Ms4tG3pk/WJdxx_zAqLI/AAAAAAAACd4/DDwzrjI5iDguy2M_S0jo5g6OcqYT2zjsACPcB/s1600/deux-hommes-dans-la-ville.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-r5-Ms4tG3pk/WJdxx_zAqLI/AAAAAAAACd4/DDwzrjI5iDguy2M_S0jo5g6OcqYT2zjsACPcB/s200/deux-hommes-dans-la-ville.jpg" width="150" /></a></div>
<b><u><i>Deux hommes dans la ville</i>, de José Giovanni (1973)</u></b><br />
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On ne se remet pas de sitôt d'une épreuve comme <i><b>Deux hommes dans la ville</b></i>. Indépendamment du sujet, il y a d'emblée un certain nombre d'éléments qui rendent le film incontournable : Gabin/Delon, évidemment (à noter cette interview d'époque très drôle de Delon, où ce dernier explique <i>"l'intérêt de Deux Hommes dans la ville... c'était que Delon produise Gabin"</i>), une furtive confrontation, plus inattendue, Delon/Depardieu, ou encore l'immense musique de Philippe Sarde. Mais évidemment, le sujet et son traitement son au cœur du chef-d’œuvre, colossal réquisitoire contre la peine capitale, filmée au plus près car après tout Giovanni a lui-même séjourné dans le couloir de la mort. Avec Delon, ils donnent d'eux-mêmes pour désacraliser cette idole charismatique et rendre d'autant plus humaine, palpable, l'humiliation, l'indignation, la colère, la peur. Il n'y a même plus de mots pour qualifier les dernières minutes, sommet du tragique, d'un engagement politique et artistique bouleversant, porté par certains des meilleurs artistes que l'on a jamais eu en France. Il fallait au moins cela.<br />
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-YPpBDP-eIpE/WJdx1vdrlBI/AAAAAAAACd4/iKKJZOSMTjkg4aodeTQbNQvmAX8RpTkVACPcB/s1600/the-hanging-tree-movie-poster-1959-1020549517.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-YPpBDP-eIpE/WJdx1vdrlBI/AAAAAAAACd4/iKKJZOSMTjkg4aodeTQbNQvmAX8RpTkVACPcB/s200/the-hanging-tree-movie-poster-1959-1020549517.jpg" width="130" /></a><b><u><i>La Colline des potences</i>, de Delmer Daves (1959)</u></b></div>
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<i>Revisionnage.</i><br />
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N'y allons pas par quatre chemins : je pense que <i><b>La Colline des potences</b></i> est non seulement l'un des meilleurs westerns tournés, probablement le meilleur film du génial Delmer Daves, mais aussi un remarquable chant du cygne d'Hollywood classique et de Gary Cooper. L’ambiguïté morale de tous les personnages y est absolument fantastique, d'autant avec la manière avec laquelle Daves s'empare du thème de la communauté américaine en pleine frénésie de l'or. Bien entendu, le couple Cooper / Maria Schell, une fois de plus magnifique, tient avec un brio rare le haut de l'affiche, mais Daves ne se détourne pas des géniaux personnages secondaires qui orbitent autour, notamment celui de Karl Malden. Fin du classicisme oblige, c'est un film plein de doutes, de non-dits, de violence souterraine. En l'espace de quelques années, Gary Cooper a perdu ce physique du héros vertueux, ici beau mais incertain, vieillissant, déjà gangréné par la maladie - il décède deux ans plus tard. Tant qu'à faire, pour compléter la liste des superlatifs, une fin, étrange, bouleversante, inattendue, parmi les plus somptueuses qui soient.<br />
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-1iBlpGrsfhI/WJdx0JuEcII/AAAAAAAACd4/b8FJMTpVJxcEXYvV4Or7KQDitSMTzdu4gCPcB/s1600/les-fragments-d-antonin-poster_205054_21713.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-1iBlpGrsfhI/WJdx0JuEcII/AAAAAAAACd4/b8FJMTpVJxcEXYvV4Or7KQDitSMTzdu4gCPcB/s200/les-fragments-d-antonin-poster_205054_21713.jpg" width="146" /></a></div>
<b><u><i>Les Fragments d'Antonin</i>, de Gabriel Le Bomin (2006) </u></b><br />
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Tout petit film sur la Première Guerre Mondiale, discret et intime, <i><b>Les Fragments d'Antonin</b></i> pourrait déjà s'apprécier comme un beau complément sur le trauma, par rapport à <i><b>Un Long dimanche de fiançailles</b></i>, sorti deux ans auparavant. Ce pourrait être un peu réducteur, mais c'est déjà tout à l'honneur du film de Gabriel Le Bomin, qui s'intéresse particulièrement aux séquelles psychologiques du conflit et abordant des théories médicales complètement nouvelles pour l'époque. Le manque de moyens se ressent éventuellement, sans que cela n'entache vraiment les efforts de reconstitution et surtout la passion du réalisateur pour son sujet, qui n'a pas fini d'être d'actualité. Le côté pompeux de certains dialogues, très écrits, rappelle néanmoins intelligemment le clivage barbare qu'a représenté la Première Guerre Mondiale entre deux époques, celles des idéaux naïfs, et celle d'un présent et d'un futur défigurés à jamais. Un joli effort qui mériterait peut-être d'être redécouvert, d'autant plus qu'il est porté par une belle galerie de personnages secondaires (interprétés Niels Arelstrup, Aurélien Recoing ou encore Yann Collette).<br />
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-6Es9qHqApEE/WJdxwE3fFAI/AAAAAAAACd4/090NM8sT-A8BebyvBb1flBgEHgHJ7__oQCPcB/s1600/Une_histoire_simple.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-6Es9qHqApEE/WJdxwE3fFAI/AAAAAAAACd4/090NM8sT-A8BebyvBb1flBgEHgHJ7__oQCPcB/s200/Une_histoire_simple.jpg" width="139" /></a><b><u><i>Une Histoire simple</i>, de Claude Sautet (1972)</u></b></div>
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Chez Claude Sautet, l'équation est limpide : simple donc vrai ; vrai donc beau. <i><b>Une Histoire simple</b></i>, comme à l'accoutumée, ne s'encombre d'aucun artifice susceptible d'éloigner le spectateur de l'intensité dramatique de l'histoire et de ses superbes acteurs. Sautet a toujours su filmer au plus près, avec une discrétion littéralement émouvante. Cette chronique de déboires sentimentaux commence néanmoins sur les chapeaux de roue, avec une séquence d'avortement que l'on se prend de pleine face (mais avec une intensité très différente de celle d'<i><b>Au Seuil de la vie</b></i>, qui commence de la même manière), portée de long en large par Romy Schneider. Encore une fois, Sautet est capable, sans avoir à réellement montrer, de tout faire passer par la mélancolie du regard de ses actrices. On renoue une fois de plus avec les non-dits, les hontes intimes qui font s'auto-détruire les personnages, ces si beaux personnages, à a fois si doux, si pathétiques, parfois si brutaux, à l'image de celui campé par Claude Brasseur, autant méprisable qu'attachant, car Sautet, subtil, se réserve bien de tout jugement.<br />
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-djAqgAzlfmE/WJdxujvynmI/AAAAAAAACd4/vsF3c6UxhqQriTiWx-Mnct4Bf6y17Ec8gCPcB/s1600/Loving_Memory.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-djAqgAzlfmE/WJdxujvynmI/AAAAAAAACd4/vsF3c6UxhqQriTiWx-Mnct4Bf6y17Ec8gCPcB/s200/Loving_Memory.jpg" width="170" /></a></div>
<b><u><i>Loving Memory</i>, de Tony Scott (1971)</u></b><br />
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On ne se souvient guère du regretté Tony Scott pour ses débuts dans le cinéma d'art et d'essai britannique, et pourtant <i><b>Loving Memory</b></i> est une superbe œuvre "de jeunesse" (à l'instar de son précédent court-métrage, le fantastique <i><b>One of the Missing</b></i>). D'apparence, on pourrait croire que le film n'a rien à voir avec ceux qu'il fera plus tard, et pourtant bien des choses sont déjà là : le soucis plastique (les décors et la photographie sont ébouriffants), l'intérêt pour le prolétaire, la déconstruction d'une temporalité classique par des effets de montage... L'extrême sobriété de l'ensemble fait éventuellement toute la différence, conjuguée à une langueur certaine qui façonne complètement le travail d'ambiance convoité par Scott. En entremêlant éléments de beau et de malsain, Scott cherche d'ores et déjà à créer un style cinématographique qui a pour but de faire sortir le spectateur de sa zone de confort. Belle réussite.<br />
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<a href="https://2.bp.blogspot.com/--8sk50_hTxI/WJdx1PCEkhI/AAAAAAAACd4/CY4Fu_D0eJAbptCu6sONeTWP16lXTTR9gCPcB/s1600/pale_rider.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/--8sk50_hTxI/WJdx1PCEkhI/AAAAAAAACd4/CY4Fu_D0eJAbptCu6sONeTWP16lXTTR9gCPcB/s200/pale_rider.jpg" width="128" /></a><b><u><i>Pale Rider, le cavalier solitaire</i>, de Clint Eastwood (1985)</u></b></div>
<i><br /></i>
<i>Revisionnage.</i><br />
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Souvent un peu oubliés face aux plus connus et reconnus <i><b>L'Homme des hautes plaines</b></i>, <i><b>Josey Wales</b></i> ou encore <i><b>Impitoyable</b></i>, parmi les réalisations westerniennes de Clint Eastwood, <i><b>Pale Rider</b></i> est pourtant l'un de ses films les plus achevés et les plus majeurs. Avec une itération biblique du western crépusculaire, Eastwood embrasse la mythologie au premier degré et transcende toutes les figures et thèmes qu'il présente : le héros de nulle part, évidemment, mais aussi la communauté, l'Amérique corporatiste, le Bien et le Mal comme ensemble de zones grises. Eastwood a tout de même réussi cette performance de créer, dans ses quatre westerns, des héros solitaires qui s'apparentent au même archétype, et qui pourtant sont d'un film sur l'autre radicalement différents, dans leur objectif et leur signification. La subtilité eastwoodienne l'empêche par ailleurs de sombrer dans l'excès de style, alors que l'approche presque mystique de son histoire pourrait s'y prêter - c'est tout de même l'un de ses films les plus réussis esthétiquement. Tout est brillamment sous-entendu, comme c'est ici finalement l’œuvre d'un grand classique croisé d'un grand moderne. Eastwood, tout comme son cavalier solitaire, a de quoi rester insaisissable... <br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-4O4lzfb_Nmk/WJdxyZ3ulsI/AAAAAAAACd4/KsczhfxrDu0cPJqz_HEwHC5ODS_I1AOLQCPcB/s1600/images-w1400.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-4O4lzfb_Nmk/WJdxyZ3ulsI/AAAAAAAACd4/KsczhfxrDu0cPJqz_HEwHC5ODS_I1AOLQCPcB/s200/images-w1400.jpg" width="153" /></a></div>
<b><u><i>Sérénade à trois</i>, d'Ernst Lubitsch (1933)</u></b><br />
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Quoi de plus délicieux que le cinéma hollywoodien classique lorsqu'il se penche sur l'indécence sexuelle ? <i><b>Sérénade à trois</b></i>, c'est évidemment tout l'amour de Lutbitsch pour la suggestion et le sous-entendu. D'emblée, on pourrait croire à un trio déséquilibré dans la mesure où il n'est pas aisé pour Fredric March de tenir tête à Gary Cooper, mais l'écriture du scénario, très savamment équilibrée, remédie largement à cela, tout en laissant la part belle à Miriam Hopkins. Quand bien même le film est relativement bon enfant autour de son concept, le récit creuse tout de même un enjeu dramatique pour approfondir ses personnages et travailler, encore, les sous-entendus. On pourrait largement attendre un final correct dans un sens moral puritain, mais Lubitsch l'esquive avec un panache sans pareil l'espace d'une poignée de répliques... <i>"but I'm no gentleman !" </i>est à ressortir en toutes circonstances.<br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-0KF2e5m9FgU/WJdx1nukL4I/AAAAAAAACd4/om_-32mk1BIpJtumH4UbKrXKt9M3ZWqGgCPcB/s1600/reflectionsa1.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-0KF2e5m9FgU/WJdx1nukL4I/AAAAAAAACd4/om_-32mk1BIpJtumH4UbKrXKt9M3ZWqGgCPcB/s200/reflectionsa1.jpg" width="130" /></a><b><u><i>Reflets dans un œil d'or</i>, de John Huston (1967)</u></b></div>
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<i>Revisionnage - version dorée.</i><br />
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Parmi les différentes versions de <i><b>Reflets dans un œil d'or</b></i> (noir et blanc, couleur, chromée), je n'avais vu que celle en noir et blanc. C'est impressionnant de se dire à quel point le simple choix esthétique de la fameuse version dorée, originellement souhaitée par John Huston, bouleverse toute l'appréciation du film tant l'atmosphère change, ou tout du moins, est complètement exaltée. C'est par ailleurs là où le procédé photo-chimique développé par Huston et son chef opérateur Aldo Tonti est brillant : ça n'est pas qu'un filtre jaune, la gamme chromatique étant suffisamment travaillée pour créer cette esthétique indescriptible, incertaine, contribuant largement au génial malaise ambiant. Huston détourne brillamment le classicisme hollywoodien au travers de quelques fulgurantes ultra-modernes voire même déviantes, en faisant de même dans son filmage de l'impuissant Marlon Brando face à savoureuse Elizabeth Taylor. Un film totalement hors-normes de la part d'un réalisateur qui ne sera jamais resté sur ses acquis.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-j4zQfw5Xzik/WJdxt-5wFTI/AAAAAAAACd4/5wl4QTOJmpsR_Yni27z6Cojlz557a889ACPcB/s1600/571661.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-j4zQfw5Xzik/WJdxt-5wFTI/AAAAAAAACd4/5wl4QTOJmpsR_Yni27z6Cojlz557a889ACPcB/s200/571661.jpg" width="150" /></a></div>
<b><u><i>Les Croix de bois</i>, de Raymond Bernard (1932)</u></b><br />
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A certains égard, on pourrait penser que <i><b>Les Croix de Bois</b></i> est le pendant "réaliste" de <i><b>J'Accuse</b></i> d'Abel Gance, ou alors une sorte d'équivalent de l'adaptation d'<i><b>A l'Ouest rien de nouveau</b></i> par Lewis Milestone. C'est un film totalement bouleversant par la modernité de son approche qui traduit une vérité quasi-documentaire des plus terrifiantes. Toutes les scènes de vie et anecdotes de front sont absolument magnifique dans la description qu'elle font du quotidien infernal, et absurde, tellement absurde - à l'instar de cette séquence où les soldats écoutent, depuis leur dortoir, les Allemands creuser un tunnel juste en-dessous. Héritant de l'inventivité des cinéastes du muet, Raymond Bernard travaille une mise en scène terrassante d'avant-gardisme, dans son découpage ou ses mouvements d'appareil, parfois très brutaux et en caméra épaule. Les images fortes ne manquent pas, et ce, dès le premier plan, posant le ton. Le cérémoniel autour de la plaie encore béante du conflit est touchant et fait avec simplicité, notamment dans la scène de l'<i>Avé Maria</i>. Grand film de guerre.<br />
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-JNQUV-p_ZPs/WJdxu-GZj5I/AAAAAAAACd4/2FZtfMtM5OA4Ls2tvwxjSgT7KHoU8ApTQCPcB/s1600/MPW-42126.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-JNQUV-p_ZPs/WJdxu-GZj5I/AAAAAAAACd4/2FZtfMtM5OA4Ls2tvwxjSgT7KHoU8ApTQCPcB/s200/MPW-42126.jpg" width="131" /></a><b><u><i>Les Forçats de la Gloire</i>, de William A. Wellman (1945)</u></b></div>
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Référence du film de guerre, sobre, poignant, documentaire, <i><b>Les Forçats de la Gloire</b></i> n'a pas perdu une once de sa modernité. Wellman a toujours certes été un moderne, mais ici son film possède une force de l'authentique qui est absolument bouleversante - celle-là même qu'on retrouvera, quelques années plus tard, chez Samuel Fuller. Il y a quelque chose de sublime dans cette capacité à susciter l'émotion chez les personnages, au milieu du front, sans artifices du mélo, sans exagération dans le récit. Le film est naturellement très émouvant, dans son mélange de cruel et de beau. C'est l'alchimie la plus équilibrée à développer, et c'est par ailleurs ce qu'a bien compris une série comme <i><b>Frères d'armes</b></i>. Il est aussi exaltant de voir Robert Mitchum s'imposer avec un pareil naturel comme star, absorbant tout le magnétisme possible sans pour autant écraser les autres très beaux rôles, dont, évidemment, celui d'Ernie Pyle tenu par Burgess Meredith. L'excellent complément qu'est <i><b>Bastogne</b></i>, sorti quatre ans plus tard par le même Wellman, contribue à forger un sublime diptyque filmé au plus près des soldats.<br />
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<b><u></u></b><br />
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-3Ue54f2XJok/WJdx0qAufiI/AAAAAAAACd4/bb8VoaahYW0Hs3bh8kkrTibwaun0nihhQCPcB/s1600/media.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-3Ue54f2XJok/WJdx0qAufiI/AAAAAAAACd4/bb8VoaahYW0Hs3bh8kkrTibwaun0nihhQCPcB/s200/media.jpg" width="135" /></a></div>
<b><u><i>Que la bête meure</i>, de Claude Chabrol (1969)</u></b><br />
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Cultiver l'art du malaise dans un film est loin d'être émouvant, mais lorsque tous les ingrédients sont savamment dosés (mise en scène, direction d'acteurs, dialogues...), le résultat peut-être d'une intensité fantastique - fantastique au sens qu'on le vit presque mal. <b><i>Que la bête meure</i></b> permet à Chabrol de vérifier cette sordide équation tout le long de son film. Dès le début, forcément, brut de décoffrage, mais encore plus lorsque Jean Yanne surgit dans le récit, cultivant ni plus ni moins l'un des personnages les plus humainement affreux du cinéma. Pas de doutes : il faut qu'il meure. On ne souhaite que cela. Ce sentiment communicatif injecté par Chabrol est complètement déstabilisant. Mais le scénario est malin et ne s'en tient pas simplement là, il applique ses personnages secondaires, leur relation, la tragédie de l'histoire et son ton du réel. Quelle claque malaisante !<br />
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-4I7C1--AcNU/WJdxuwbMuqI/AAAAAAAACd4/jrnbMU8wf4IkyrZyYpt1TiHXU5cvzn_FACPcB/s1600/MPW-51944.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-4I7C1--AcNU/WJdxuwbMuqI/AAAAAAAACd4/jrnbMU8wf4IkyrZyYpt1TiHXU5cvzn_FACPcB/s200/MPW-51944.jpg" width="132" /></a><b><u><i>L'Enfer</i>, de Claude Chabrol (1994)</u></b></div>
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Il y a de quoi être dubitatif face au projet de Chabrol, cherchant à ressusciter l’œuvre inachevée d'Henri-Georges Clouzot. Peut-être parce que je n'en attendais pas grand chose, j'ai été absolument pris à la gorge par la force avec laquelle Chabrol s'empare de <i><b>L'Enfer</b></i>, ce qu'il arrive à faire de son casting et le ton, une fois de plus malaisant, qui émane de son adaptation. Béart est fantastique. Évidemment, c'était sa grande époque, elle est ici incroyable comme elle l'est chez Sautet. On croit dans son personnage, dans sa sincérité, dans sa beauté, ce qui rend sa relation avec le personnage de François Cluzet d'autant plus passionnée puis, évidemment, tragique. Parlons-en, de ce dernier : Chabrol joue merveilleusement bien de son côté un peu banal, un peu pauvre type colérique. Il en extrait une densité absolument inquiétante. Le sentiment d'ignominie devant la destruction du couple est étouffant. Chabrol insère quelques effets de style hitchcockiens bien vus car peu appuyés, ne perdant jamais de vue l'essentiel de la relation entre ses deux comédiens. Et au cas-où l'information ne serait pas assez bien passée : Béart, Béart, Béart... !<br />
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-7meFcNwSgwA/WJdxum2m6NI/AAAAAAAACd4/Irv1l9hzvyIt2EU0x_Q8fne40DqzUB80ACPcB/s1600/MPW-33910.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-7meFcNwSgwA/WJdxum2m6NI/AAAAAAAACd4/Irv1l9hzvyIt2EU0x_Q8fne40DqzUB80ACPcB/s200/MPW-33910.jpg" width="130" /></a></div>
<b><u><i>Le Cid</i>, d'Anthony Mann (1961) </u></b><br />
<i><br /></i>
<i>Revisionnage.</i><br />
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La version du <i><b>Cid</b></i> par Anthony Mann m'a toujours fait un remarquable effet, devant l'ampleur de cette fresque traditionnelle, mais plus encore son intensité dramatique. C'est là du pur Charlton Heston, intense, caverneux, mâle alpha. C'est peut-être là où le choix d'Anthony Mann - alors évincé de <b><i>Spartacus</i></b>, est intéressant pour la réalisation : évidemment, c'est d'apparence moins personnels que ses westerns âpres ou autres films noirs, mais il renforce non seulement la dimension tragique, charismatique voire même politique de l'Histoire originale. A la manière du plus tardif <i><b>La Chute de l'Empire romain</b></i>, <i><b>Le Cid</b></i> se télescope (ici plus légèrement) avec le spectre de la Guerre Froide, avec la question du fanatisme et de la peur de "l'autre". N'en reste pas moins une sublime épopée, large dans tous les sens du terme, formellement sidérante (ce violet !), grandiose notamment grâce à la musique bouleversante de Miklós Rózsa, et puis ce final, quel final... ! <i>"Mon Roi et moi"</i> glace le sang par sa pure beauté.<br />
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-TsQOPoOot4w/WJdxuBTdDNI/AAAAAAAACd4/pCVUcn90ws4yMrYAd4CPSYY83vtZwcyzgCPcB/s1600/BROWNINGVAFFVF.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-TsQOPoOot4w/WJdxuBTdDNI/AAAAAAAACd4/pCVUcn90ws4yMrYAd4CPSYY83vtZwcyzgCPcB/s200/BROWNINGVAFFVF.jpg" width="148" /></a><b><u>L'Ombre d'un homme, d'Anthony Asquith (1951)</u></b></div>
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J'ai beau adorer Truffaut, je lui en ai toujours un peu voulu d'avoir été si catégorique sur le cinéma britannique, dont il refusait l'existence ou tout du moins l'intérêt. <i><b>L'Ombre d'un homme</b></i> est un superbe exemple de drame purement britannique, qui n'aurait absolument pas la même résonance dans le cinéma américain. Certes, on pourrait penser à un équivalent du beau <i><b>Graine de violence</b></i>, mais ici la réflexion n'est pas tant portée sur le système éducatif en lui-même, ou la jeunesse, mais l'enjeu se centre davantage autour de la transmission du savoir et le métier de professeur. Anthony Asquith créé, avec Michael Redgrave, un personnage absolument incroyable. Les nuances apportées sont à l'image du travail photographique, sublime, parfois très contrasté, aux noirs très profonds, mais avec une gamme de gris remarquable. Le film est complètement tragique mais ne perd pas nécessairement le fameux flegme, ce qui le rend d'autant plus attachant. Une superbe découverte, merveilleusement écrite, réalisée, interprétée.<br />
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-9zeKopNHL98/WJdxyJqMztI/AAAAAAAACd4/18NZwQ0biFgkDPN_h2eg9GrKlbG8RC-RACPcB/s1600/grizzly_man_ver2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-9zeKopNHL98/WJdxyJqMztI/AAAAAAAACd4/18NZwQ0biFgkDPN_h2eg9GrKlbG8RC-RACPcB/s200/grizzly_man_ver2.jpg" width="135" /></a></div>
<b><u><i>Grizzly Man</i>, de Werner Herzog (2005) </u></b><br />
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Une histoire aussi singulière que celle de Timothy Treadwell ne pouvait être qu'un appel pour la caméra de Werner Herzog. <i><b>Grizzly Man</b></i> pose toujours un peu les enjeux de cette éternelle quête de la pulsion de mort, celle-là même qui attire (voire excite ?) Herzog. Marcher sur les traces de Treadwell permet de croiser toute une galerie de personnages complétant un tableau qui est résolument beau par son absurde sans limites. Les scènes avec le légiste, horribles, décalées, sont incroyables. Herzog, qui a toujours son opinion sur tout, va également chercher celles des autres à propos des mésaventures de Treadwell et de sa compagne. L'occasion, aussi, de faire un petit tour d'horizon d'une certaine Amérique. Le montage effectué avec les rushes de Treadwell révèle toute la magie tragique de l'histoire - Herzog s'en empare avec une "facilité" déconcertante. Grand Herzog, grand documentaire, grand film.<br />
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-mpqrOpmhqGE/WJdxzSKCasI/AAAAAAAACd4/Kqse5xd6HhwpqVj4H_d57GBpE5OVx3_gQCPcB/s1600/koRhiqRBR8yqfr0vATc6UGWDb3q.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-mpqrOpmhqGE/WJdxzSKCasI/AAAAAAAACd4/Kqse5xd6HhwpqVj4H_d57GBpE5OVx3_gQCPcB/s200/koRhiqRBR8yqfr0vATc6UGWDb3q.jpg" width="133" /></a><b><u><i>Leçons de Ténèbres</i>, de Werner Herzog (1993)</u></b></div>
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Devant la sidération des images de <i><b>Leçons de Ténèbres</b></i>, j'ai immédiatement repensé aux photographies des mêmes évènements par Sebastião Salgado, captant parfois certaines mêmes anecdotes de terrain ou compositions, que Wim Wenders remettait par ailleurs "en scène" dans <i><b>Le Sel de la Terre</b></i>. C'est là du Herzog dans toute sa gloire : grandiose, pompeux, extatique, "fascistoïde", comme on a auparavant aimé le cataloguer comme tel - le syndrome du fameux germain un peu trop en extase devant Wagner. Il y a peu d'intervenants, la rencontre principale se faisant avec une mère et son fils, devenu muet devant les horreurs dont il a été témoin. Herzoig broie la violence du monde avec une force cinématographique incroyable - évidemment, la <i>Marche Funèbre</i> de <i>Siegfried</i> (entre autre) n'y est pas étrangère. Balayant le paysage avec des images faite en hélicoptère, Herzog filme la terre entière s'embrasant. A plus d'une reprise, on est bouche bé, quelques minutes durant. Par ailleurs, Herzog a toujours cette capacité à trouver des anecdotes dont lui seul à le secret, comme ces pompiers, qui, une fois le feu éteint, rallument le puits, faute de savoir quoi faire d'autre. Quelle expérience ! De quoi repenser un peu à <b><i>Mad Max : Fury Road</i></b> : <i>"who killed the world ?"</i><br />
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-v_7xZyVTzJI/WJdxxlafqEI/AAAAAAAACd4/bJ_0JUKypI8tlou4pvqbHrJW3AdlXdJuACPcB/s1600/bigger-than-life-movie-poster-1956-1020674939.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-v_7xZyVTzJI/WJdxxlafqEI/AAAAAAAACd4/bJ_0JUKypI8tlou4pvqbHrJW3AdlXdJuACPcB/s200/bigger-than-life-movie-poster-1956-1020674939.jpg" width="130" /></a></div>
<b><u><i>Derrière le miroir</i>, de Nicholas Ray (1956)</u></b><br />
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<i>Revisionnage.</i><br />
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Les films de Nicholas Ray sont souvent d'une maturité morale tout à fait remarquable. <i><b>Derrière le miroir</b></i> ne ménage pas son spectateur devant la sinistre destruction d'une cellule familiale, remettant par ailleurs en cause la figure patriarcale que représente, dans un premier temps, le génial James Mason. Les films d'Hollywood classique abordant certains débordements psychologiques sont souvent résolument délicieux (un à conseiller parmi d'autres : <i><b>Pêché mortel</b></i>, de John M. Stahl), d'une part par tous les efforts appliqués à la mise en scène qui ne rend pas tout explicite ou aplati, d'autre part pour le soucis des personnages et, souvent, les brillants acteurs derrière. Barbara Rush tient ici, tant bien que mal, superbement tête à James Mason, d'autant plus lorsqu'elle est épaulée par Walter Matthau. Le torrent du récit ne laisse aucun réel répit tant l'écriture est savamment orchestrée, jusqu'au climax de l'acte final. Et puis ce scope, on ne s'en lasse pas !<br />
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Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6423083980187720142.post-80514806597458397832017-01-30T20:57:00.002+01:002017-01-30T20:59:38.441+01:00[FDBF] La La Land au pays de la comédie musicale<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<u><b>Première émission du Festival Des Bons Films de 2017 !</b></u></div>
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Bien que je n'aie pas aimé <i><b>La La Land</b></i> de Damian Chazelle, sa sortie (et le patafoin qui l'accompagne) demeure une belle occasion pour revenir sur la comédie musicale dans un <i>Festival Des Bons Films</i>, avec mon comparse Alexis. Un peu de nuances, donc, parmi ce florilège de compliments. Mais pourquoi pas... On y parle de Jacques Demy, de Francis Ford Coppola et de Stanley Donen. Et peut-être même de Tom Cruise - tant qu'à faire.<br />
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On s'interroge notamment sur la définition de la comédie musicale, son évolution et ses possibilités, tout en profitant de quelques coups de cœur musicaux.<br />
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Tout ceci en bonne compagnie, avec Hubert Charrier (<a href="https://www.lagrandeevasion.fr/">La Grande évasion</a>), Alexandre Mathis (<a href="https://www.playlistsociety.fr/">Playlist Society</a>) et Océane Zerbini (<a href="http://www.cloneweb.net/">CloneWeb</a> / <a href="https://leschroniquesdemikaelson.wordpress.com/">Les Chroniques de Mikaelson</a>) !</div>
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Bon visionnage !</div>
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="304" src="https://www.youtube.com/embed/EnjYmMcFO60" width="540"></iframe></div>
Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6423083980187720142.post-41571091526903632532017-01-18T18:53:00.000+01:002017-01-18T18:59:41.772+01:00Star Wars : quelle est la version originale de la trilogie originale ?<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-4y21Qq55PxI/WH-rDDgxKbI/AAAAAAAACa8/PFYC406OuOQ9mX-who8bzmJRdoqOWeaKgCLcB/s1600/cropped-sia-entete-blog3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="112" src="https://2.bp.blogspot.com/-4y21Qq55PxI/WH-rDDgxKbI/AAAAAAAACa8/PFYC406OuOQ9mX-who8bzmJRdoqOWeaKgCLcB/s400/cropped-sia-entete-blog3.jpg" width="540" /></a></div>
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Je profite d'un court article pour mettre en avant le travail de mon ami Alexis, <a href="https://festivaldesbonsfilms.com/" target="_blank">notamment mon partenaire du Festival Des Bons Films</a>, mais aussi tenancier du blog de recherche <a href="https://seeitagainblog.wordpress.com/" target="_blank">See It Again For The First Time</a>, consacré à l’œuvre <i><b>Star Wars</b></i> et ses diverses relectures, des auteurs aux spectateurs.<br />
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Le blog lance justement une chaîne vidéo, qui sera constituée d'essais sur les différents axes que cette thématique peut entreprendre. Dans une première vidéo, il pose la fameuse question interdite : <i>"quelle est la version originale de la trilogie originale ?", </i>l'occasion de revenir sur le complexe imbroglio des versions autour du premier épisode, <i><b>La Guerre des étoiles</b></i> (ou <i><b>Un Nouvel espoir</b></i>, c'est selon) sorti en 1977.<br />
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Bon visionnage ! <br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="304" src="https://www.youtube.com/embed/XtG-gycKiYM" width="540"></iframe></div>
Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6423083980187720142.post-73698826796690281312016-12-30T19:25:00.000+01:002017-01-13T21:53:05.690+01:00Top 2016 - Transcender l'état du monde<div style="text-align: justify;">
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-vil6H6WXWt4/WGaEu8gZV0I/AAAAAAAACaU/F08-gCxCVXgq_93qzGOQjN6pFHwRpG9AgCLcB/s1600/222737.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="297" src="https://1.bp.blogspot.com/-vil6H6WXWt4/WGaEu8gZV0I/AAAAAAAACaU/F08-gCxCVXgq_93qzGOQjN6pFHwRpG9AgCLcB/s320/222737.jpg" width="540" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"></td></tr>
</tbody></table>
La fin d'année nous fait demander ce que l'on a retenu - en l’occurrence, cinématographiquement - de ces douze derniers mois. L'exercice, ultra-subjectif, partiel et partial, implique cependant de repenser les films que l'on a appréciés, et surtout de pouvoir les mettre en parallèle, pour voir de la sorte ce qu'ils peuvent générer une fois réunis. J'aime finalement beaucoup l'enjeu du top, car il me paraît à chaque fois imprévisible. Je me laisse surprendre autant par les films que par mon propre classement, mais tant mieux.</div>
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<br /></div>
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2016, c'est la part belle au documentaire. C'est l'état du monde, vu dans des rues saccagées, par Abbas Fahdel et son <i><b>Homeland : Irak année zéro</b></i>, mais aussi dans des forêts enneigées, par Jacques Perrin dans <i><b>Les Saisons</b></i>, ou encore depuis des montagnes enflammées, par Werner Herzog, dans<i><b> Into the Inferno</b></i>. C'est l'état du futur, toujours par Herzog, qui se plonge au sein des Internets dans<i><b> Lo and Behold</b></i> ; c'est l'état du passé, par Bertrand Tavernier, dans <i><b>Voyage à travers le cinéma français</b></i>. A l'instar de ce dernier, ce sont aussi les hommages, les déclarations d'amour, de <i><b>Jodorowsky's Dune</b></i> à <i><b>Close Encounters with Vilmos Zsigmond</b></i>. Quelle année pour le documentaire !</div>
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Ceci dit, 2016 n'aura pas non plus été des plus réjouissantes, et pourtant il faut croire que j'ai aimé me réfugier dans les drames : de la gourmandise lacrymale des <i><b>Délices de Tokyo</b></i> de Naomi Kawase à la sensualité "filmnoiresque" de Pedro Almodóvar dans son <i><b>Julieta</b></i>. Il y a même <i><b>Manchester by the Sea</b></i> de Kenneth Lonergan, tout de même sacrément désespérant, ou, à échelle plus réduite si j'ose dire, <i><b>Ma Vie de Courgette</b></i> de Claude Barras. Drames de toutes formes, par ailleurs : en noir et blanc dans <i><b>Frantz</b></i> de François Ozon, en couleur mais guère plus réjouissant dans <i><b>La Fille inconnue</b></i> des frères Dardenne. Drames pas seulement réels, d'ailleurs, puisque la science-fiction a brillamment flirté avec, à deux reprises cette année : dans <i><b>Midnight Special</b></i> de Jeff Nichols, et <i><b>Premier Contact</b></i> de Denis Villeneuve. Heureusement que le drame appelle aussi souvent le beau, comme dans <i><b>Moi, Daniel Blake</b></i>, de Ken Loach.</div>
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Parlant de beau, parlons de rires, il en faut : des délires adolescents, filmés avec une infinie tendresse par Richard Linklater dans <i><b>Everybody Wants Some !!</b></i>, ou encore, avec pas moins de tendresse, celle qui fait passer Depardieu une fois de plus devant la caméra de Gustave Kervern et Benoît Delépine dans <i><b>Saint Amour</b></i> : du cinéma qui fait du bien. Et puis le grotesque, l'absurde, l'inclassable, le rire qu'on ne retrouve pas à tous les coins de rue : <i><b>Ma Loute</b></i> de Bruno Dumont autant que <i><b>La Loi de la jungle</b></i> d'Antonin Peretjatko. Pas mal.<br />
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Maintenant, il faut aussi faire le décompte un peu honteux de ce que j'ai raté : <i><b>Toni Erdmann</b></i>, <i><b>Aquarius</b></i>, <i><b>Anomalisa</b></i>, <i><b>The Strangers</b></i>, <i><b>Le Bois dont les rêves sont faits</b></i>...<br />
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En voilà-donc 25 que je retiens :<br />
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-TXCLQ4ur-H8/WGZ1b5G25pI/AAAAAAAACYI/X20R_0Bmz3g9tNdjaq_uNpgcYtHwutbawCLcB/s1600/Cx8ztVSXEAEQHTU.jpg%2Blarge.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="110" src="https://1.bp.blogspot.com/-TXCLQ4ur-H8/WGZ1b5G25pI/AAAAAAAACYI/X20R_0Bmz3g9tNdjaq_uNpgcYtHwutbawCLcB/s200/Cx8ztVSXEAEQHTU.jpg%2Blarge.jpg" width="200" /></a></div>
<b>1 - <u><i>Into de Inferno</i>, de Werner Herzog</u></b><br />
Voilà de quoi parfaitement illustrer le rapport de Herzog à l'extase, joyau tant convoité du cinématographe, entre grandeur et sidération formelle, réflexion sociétale et mythologie. Puissante expérience filmique.<br />
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-C3uFHWXiRgs/WGZ1trhSWdI/AAAAAAAACYM/65vTFoDky2sWnZcc4WPfNcW7CI0RLv-aQCLcB/s1600/223589.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="108" src="https://3.bp.blogspot.com/-C3uFHWXiRgs/WGZ1trhSWdI/AAAAAAAACYM/65vTFoDky2sWnZcc4WPfNcW7CI0RLv-aQCLcB/s200/223589.jpg" width="200" /></a></div>
<b>2 - <u><i>Voyage à travers le cinéma français</i>, de Bertrand Tavernier</u></b><br />
Dès les premiers photogrammes, l'émotion absolue devant la déclaration d'amour de Tavernier à toute cette histoire du cinématographe qui l'a parrainé. Une somptueuse et instructive quête du souvenir.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-nV3p7GccPCI/WGZ2D3YW8WI/AAAAAAAACYQ/E8Rq7hmWOps2QpyGp2KfhsAww0dszn9EQCLcB/s1600/196675.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="73" src="https://3.bp.blogspot.com/-nV3p7GccPCI/WGZ2D3YW8WI/AAAAAAAACYQ/E8Rq7hmWOps2QpyGp2KfhsAww0dszn9EQCLcB/s200/196675.jpg" width="200" /></a></div>
<b>3 -</b> <b><u><i>Les 8 Salopards</i>, de Quentin Tarantino</u></b><br />
Tarantino à son meilleur dans un huis-clos qui emprunte l'esthétique des grands espaces grâce au format super-Panavision, taillant savamment un western thrilleresque absolument délicieux.<br />
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-phbWb_oJtLM/WGZ2auwY-uI/AAAAAAAACYU/oLnEAdPFgvIc3t3jDMgU612u762IEG-PwCLcB/s1600/vlcsnap-2016-02-11-12h06m47s229.png" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="111" src="https://3.bp.blogspot.com/-phbWb_oJtLM/WGZ2auwY-uI/AAAAAAAACYU/oLnEAdPFgvIc3t3jDMgU612u762IEG-PwCLcB/s200/vlcsnap-2016-02-11-12h06m47s229.png" width="200" /></a></div>
<b>4 - <u><i>Homeland, Irak année zéro</i>, d'Abbas Fahdel</u></b><br />
Une aventure cinématographique comme rarement on en vit, nous propulsant dans un quotidien et une actualité qui nous échappent complètement. C'est dur, voire éprouvant, mais que c'est beau. Merci Abbas Fahdel.<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/homeland-irak-annee-zero-abbas-fahdel-2015/" target="_blank">Critique sur Filmosphere. </a><br />
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-vWkfFdpfiok/WGZ2uwUxcNI/AAAAAAAACYc/0jFgHkezD4cm5EAMLUVV5l3KqPXm6arlwCLcB/s1600/206427.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="107" src="https://4.bp.blogspot.com/-vWkfFdpfiok/WGZ2uwUxcNI/AAAAAAAACYc/0jFgHkezD4cm5EAMLUVV5l3KqPXm6arlwCLcB/s200/206427.jpg" width="200" /></a></div>
<b>5 - <u><i>Julieta</i>, de Pedro Almodovar</u></b><br />
Le sens du mélodrame comme je l'aime : l'esprit sirkien en filigrane, l'amour d'Almodovar pour ses personnages et actrices, l'intensité du récit qui n'en fait jamais trop, avec une grande pudeur.<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/julieta-pedro-almodovar-2016/" target="_blank">Critique sur Filmosphere</a><br />
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-pPuqw63H6iQ/WGZ3UV9O5bI/AAAAAAAACYg/9USbxoEtCGsGd1GRriWYJFkKw_xvMnpoQCLcB/s1600/220325.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="83" src="https://1.bp.blogspot.com/-pPuqw63H6iQ/WGZ3UV9O5bI/AAAAAAAACYg/9USbxoEtCGsGd1GRriWYJFkKw_xvMnpoQCLcB/s200/220325.jpg" width="200" /></a></div>
<b>6 - <u><i>Elle</i>, de Paul Verhoeven</u></b><br />
Verhoeven gratifiant le cinéma français d'un retour aux sources de son cinéma de l'époque néerlandaise, comment pourrais-je ne pas y être sensible ? Intrigant, malaisant, mais surtout délicieusement ambigu comme il se doit.<br />
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<a href="https://2.bp.blogspot.com/-D9bdJe3dqEQ/WGZ3iJar5RI/AAAAAAAACYk/ImYmuPmMZJsJOON4QfAHZABP1Z2wxf5TACLcB/s1600/202639.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="83" src="https://2.bp.blogspot.com/-D9bdJe3dqEQ/WGZ3iJar5RI/AAAAAAAACYk/ImYmuPmMZJsJOON4QfAHZABP1Z2wxf5TACLcB/s200/202639.jpg" width="200" /></a></div>
<b>7 - <u><i>Les Délices de Tokyo</i>, de Naomi Kawase</u></b><br />
Un film qui donne faim et qui fait pleurer, quelle recette parfaite ! La douceur du film de Naomi Kawase - dont j'avais détesté le précédent - est totalement enivrante, surtout d'une simplicité bouleversante.<br />
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-CjwgqiZa5wI/WGZ3rVkcyzI/AAAAAAAACYo/PjHM_Z6GrfwWX7YclR9wDOfgHxF9D5eAgCLcB/s1600/216965.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="83" src="https://4.bp.blogspot.com/-CjwgqiZa5wI/WGZ3rVkcyzI/AAAAAAAACYo/PjHM_Z6GrfwWX7YclR9wDOfgHxF9D5eAgCLcB/s200/216965.jpg" width="200" /></a></div>
<b>8 - <u><i>Nocturama</i>, de Bertrand Bonello</u></b><br />
Bonello frappe fort là où on ne l'attendait pas forcément, en dépit de son sujet, avec un film brillamment écrit et réalisé, absolument sans concessions jusqu'à sa toute fin qui a de quoi laisser bouche bée un petit moment.<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/nocturama-bertrand-bonello-2016" target="_blank">Critique sur Filmosphere</a><br />
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<a href="https://2.bp.blogspot.com/-Td942Ui8f50/WGZ4HkHX_PI/AAAAAAAACYw/miFWiDm3rUYVX5WbaMn6uMZ3FddDhIjVQCLcB/s1600/191814.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="143" src="https://2.bp.blogspot.com/-Td942Ui8f50/WGZ4HkHX_PI/AAAAAAAACYw/miFWiDm3rUYVX5WbaMn6uMZ3FddDhIjVQCLcB/s200/191814.jpg" width="200" /></a></div>
<b>9 - <u><i>The Assassin</i>, de Hou Hsiao-Hsien</u></b><br />
Hou Hsiao-Hsien troque l'épopée épique du wu xia pian contre un récit splendide, envoûtant, onirique, qui bouleverse par sa capacité de ne pas montrer ou suggérer, en faisant sa plus grande force, sa plus grande beauté, et sa meilleure réflexion sur la violence à l'image.<br />
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<a href="https://2.bp.blogspot.com/-Rd3-xzeF1Pg/WGZ4cUqOtAI/AAAAAAAACY4/w3ZH2Ael3IgKImBUG6wOCrR7gWHn9VUJQCLcB/s1600/215656.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="85" src="https://2.bp.blogspot.com/-Rd3-xzeF1Pg/WGZ4cUqOtAI/AAAAAAAACY4/w3ZH2Ael3IgKImBUG6wOCrR7gWHn9VUJQCLcB/s200/215656.jpg" width="200" /></a></div>
<b>10 - <u><i>Premier Contact</i>, de Denis Villeneuve</u></b><br />
Villeneuve poursuit son incroyable effort américain, s'ouvrant ici avec un panache colossal les portes de la science-fiction, fort d'un arsenal cinématographique à toutes épreuves, et d'une Amy Adams au sommet.<br />
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-oxM_u7ctWe0/WGZ4xKEy1QI/AAAAAAAACY8/0YA52Zxw0Jo2Kw1LXpDQX3MpZfzrcjbYACLcB/s1600/199480.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="82" src="https://4.bp.blogspot.com/-oxM_u7ctWe0/WGZ4xKEy1QI/AAAAAAAACY8/0YA52Zxw0Jo2Kw1LXpDQX3MpZfzrcjbYACLcB/s200/199480.jpg" width="200" /></a></div>
<b>11 - <u><i>Midnight Special</i>, de Jeff Nichols</u></b><br />
A la lisière de la science-fiction et du fantastique, Nichols se dévoile dans un conte sur l'enfance et le deuil, savamment influencé par ses grands mentors, mais jamais dans leur ombre. Bel exploit.<br />
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<a href="https://2.bp.blogspot.com/-smvsoBgysaY/WGZ5Efw-N1I/AAAAAAAACZA/3gyKwuheIV4bGMLNET0oYWLr0j17mCt0QCLcB/s1600/193224.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="85" src="https://2.bp.blogspot.com/-smvsoBgysaY/WGZ5Efw-N1I/AAAAAAAACZA/3gyKwuheIV4bGMLNET0oYWLr0j17mCt0QCLcB/s200/193224.jpg" width="200" /></a></div>
<b>12 - <u><i>Steve Jobs</i>, de Danny Boyle</u></b><br />
Je n'aurais jamais imaginé voir Danny Boyle dans un de mes tops, et pourtant ! Fort d'un script brillant de Sorkin et d'une interprétation parfaitement maîtrisée, Boyle gagne en maturité et livre, tout simplement, son meilleur film.<br />
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<a href="https://2.bp.blogspot.com/-r-s5yZXKssM/WGZ5dMy48II/AAAAAAAACZM/EIhrtmGni6wnyIInvJcxXMAhKrqUNMVvACLcB/s1600/217386.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="107" src="https://2.bp.blogspot.com/-r-s5yZXKssM/WGZ5dMy48II/AAAAAAAACZM/EIhrtmGni6wnyIInvJcxXMAhKrqUNMVvACLcB/s200/217386.jpg" width="200" /></a></div>
<b>13 - <u><i>Moi, Daniel Blake</i>, de Ken Loach</u></b><br />
La Palme d'Or a divisé et pourtant elle m'a beaucoup ému. Il faut reconnaître en Loach la capacité à créer des personnages à la sympathie indiscutable, contribuant à partager l'envie de lutter à leurs côtés, être impliqué à leur hauteur.<br />
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-ATCt1HD-KL8/WGZ5u08_DEI/AAAAAAAACZQ/eg9a5ywCR6Y5T9jjKs3i07mpTlkLC5R_QCLcB/s1600/219037.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="83" src="https://3.bp.blogspot.com/-ATCt1HD-KL8/WGZ5u08_DEI/AAAAAAAACZQ/eg9a5ywCR6Y5T9jjKs3i07mpTlkLC5R_QCLcB/s200/219037.jpg" width="200" /></a></div>
<b>14 - <u><i>Frantz</i>, de François Ozon</u></b><br />
La beauté du classicisme, Ozon sait la manier, écrivant intelligemment et non sans ambition un récit mélodramatique sur le trauma, porté de long en large par son interprète principale, la lumineuse Paula Beer.<br />
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-ctGzx_UheL0/WGZ59ifXXhI/AAAAAAAACZU/TZX7L_UKHnw1RP0sN8S8Am0sEnqhezgWgCLcB/s1600/187351.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="83" src="https://4.bp.blogspot.com/-ctGzx_UheL0/WGZ59ifXXhI/AAAAAAAACZU/TZX7L_UKHnw1RP0sN8S8Am0sEnqhezgWgCLcB/s200/187351.jpg" width="200" /></a></div>
<b>15 - <u><i>13 Hours</i>, de Michael Bay</u></b><br />
S'il y a certes toujours un petit Michael Bay qui traîne dans mon top, il faut avouer qu'ici il ne démérite pas. Bay se concentre sur ce qu'il sait faire de mieux : le filmage pur et dur, au service d'une ambiance démentielle et d'un propos loin d'être idiot.<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/13-hours-michael-bay-2016" target="_blank">Critique sur Filmosphere</a><br />
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-n-YUA1w0pR4/WGZ6U-oVRgI/AAAAAAAACZY/8HL8AfSriIAfNBCYqg4i2TjkNqd7vArwACLcB/s1600/226030.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="108" src="https://3.bp.blogspot.com/-n-YUA1w0pR4/WGZ6U-oVRgI/AAAAAAAACZY/8HL8AfSriIAfNBCYqg4i2TjkNqd7vArwACLcB/s200/226030.jpg" width="200" /></a></div>
<b>16 - <u><i>Paterson</i>, de Jim Jarmusch</u></b><br />
Jarmusch nous convie dans un tendre spleen urbain, un film mélancolique d'une douceur résolument attachante, porté par le magnifique duo Adam Driver / Golshifteh Farahani. Parfait pour finir l'année !<br />
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-FgOFkOIWLe4/WGZ6iMBAGVI/AAAAAAAACZc/WZDjES68ZS4VxSw3M-qa_kLfhdALxUDdACLcB/s1600/161848.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="112" src="https://3.bp.blogspot.com/-FgOFkOIWLe4/WGZ6iMBAGVI/AAAAAAAACZc/WZDjES68ZS4VxSw3M-qa_kLfhdALxUDdACLcB/s200/161848.jpg" width="200" /></a></div>
<b>17 - <u><i>Jodorowsky's Dune</i>, de Frank Pavich</u></b><br />
Le documentaire de Frank Pavich n'est pas seulement l'hommage à un film jamais fait et à ses géniteurs, mais plutôt une réflexion géniale sur une période de créativité absolument hors-du-commun, où tout était permis. Ou presque.<br />
<br />
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<a href="https://2.bp.blogspot.com/-NB8KBXvaeiQ/WGZ7NylEX6I/AAAAAAAACZg/6sxo8LgezIg2DjGViejj2H7VTv4iIiSPACLcB/s1600/219715.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="108" src="https://2.bp.blogspot.com/-NB8KBXvaeiQ/WGZ7NylEX6I/AAAAAAAACZg/6sxo8LgezIg2DjGViejj2H7VTv4iIiSPACLcB/s200/219715.jpg" width="200" /></a></div>
<b>18 - <u><i>Saint Amour,</i> de Gustave Kervern et Benoît Delépine</u></b><br />
En sortant de la salle, on va mieux : voilà les vertus du film de Kervern et Delépine, nous offrant Depardieu comme on l'aime tant, et une jolie quête initiatique dans une France rurale filmée avec plein d'amour, ce qui est bien rare.<br />
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-0xJAHKGDV8U/WGZ7gYyTx2I/AAAAAAAACZk/sx-La8nWTXImX1hkjnMQKPYJOT56HKxkQCLcB/s1600/205440.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="112" src="https://4.bp.blogspot.com/-0xJAHKGDV8U/WGZ7gYyTx2I/AAAAAAAACZk/sx-La8nWTXImX1hkjnMQKPYJOT56HKxkQCLcB/s200/205440.jpg" width="200" /></a></div>
<b>19 - <u><i>Everybody Wants Some !!</i>, de Richard Linklater</u></b><br />
Ce bon vieux Richard Linklater est toujours là pour surprendre et nous faire part de son dynamisme, ici boosté par les universitaires américains, une bande-son grandiose et un regard beau et candide sur la jeunesse.<br />
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-YEauAvF1GSk/WGZ7xqDox0I/AAAAAAAACZo/EaeDlRm6IW8-10oZ6V0GK7S3jXS_ReUUwCLcB/s1600/211566.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="86" src="https://3.bp.blogspot.com/-YEauAvF1GSk/WGZ7xqDox0I/AAAAAAAACZo/EaeDlRm6IW8-10oZ6V0GK7S3jXS_ReUUwCLcB/s200/211566.jpg" width="200" /></a></div>
<b>20 - <i><u>Sully, de Clint Eastwood</u></i></b><br />
Eastwood poursuit sa saga sur le héros américain, forgeant ici un complément à son précédent long-métrage. Formellement impressionnant, fort de son IMAX et de la mise en scène eastwoodienne, c'est aussi une belle réflexion sur la communauté.<br />
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-hvDeqP98Igg/WGZ8HdWoDPI/AAAAAAAACZs/nIBdMpMM4c02KZMOvQBe14znh3K5j8mOwCLcB/s1600/205985.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="98" src="https://4.bp.blogspot.com/-hvDeqP98Igg/WGZ8HdWoDPI/AAAAAAAACZs/nIBdMpMM4c02KZMOvQBe14znh3K5j8mOwCLcB/s200/205985.jpg" width="200" /></a></div>
<b>21 - <u><i>Café Society</i>, de Woody Allen</u></b><br />
Évidemment sans surprise, et pourtant du Allen comme on l'aime, de ses personnages gauches et attachants à son sens du dialogue non sans cynisme, la beauté des relations inachevées, et la belle photographie de Vittorio Storaro.<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/cafe-society-woody-allen-2016" target="_blank">Critique sur Filmosphere </a><br />
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-a-vimbFVMvU/WGZ8d1f0rBI/AAAAAAAACZ0/g1g_NI095PczN0sn_1Axc_WchKR3RiG8wCLcB/s1600/219442.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="110" src="https://1.bp.blogspot.com/-a-vimbFVMvU/WGZ8d1f0rBI/AAAAAAAACZ0/g1g_NI095PczN0sn_1Axc_WchKR3RiG8wCLcB/s200/219442.jpg" width="200" /></a></div>
<b>22 - <u><i>Manchester by the Sea</i>, de Kenneth Lonergan</u></b><br />
C'est larmoyant, et alors ? Et pourtant, Lonergan a ce pur esprit du mélo qui n'en fait pas trop, arrivant à s'arrêter à temps, sachant quoi montrer ou non, et pouvant compter sur le fantastique Casey Affleck pour porter l'histoire.<br />
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-MGcqIW-vStw/WGZ8mMhY-pI/AAAAAAAACZ4/vETeBpfCby4CBngkhdFYZcn95y71I1eqQCLcB/s1600/CzBwrLxWEAAEwKF.jpg%2Blarge.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="112" src="https://1.bp.blogspot.com/-MGcqIW-vStw/WGZ8mMhY-pI/AAAAAAAACZ4/vETeBpfCby4CBngkhdFYZcn95y71I1eqQCLcB/s200/CzBwrLxWEAAEwKF.jpg%2Blarge.jpg" width="200" /></a></div>
<b>23 - <u><i>Lo and Behold, reveries of the connected world</i>, de Werner Herzog</u></b><br />
Un doublé de Herzog, un ! Plongé dans l'au-delà virtuel des Internets et du monde de la technologie, Herzog y retrouve les racines de la modernité et s'interroge quant à notre futur, devenu désormais immatériel, imprévisible. <i>"Internet rêve-t-il de lui-même ?"</i><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-BEoHwjsvdGM/WGZ9p-ZbjXI/AAAAAAAACaA/TxO2ZwB-_2YHUf_5v7vZXnu_HX1qXILkwCLcB/s1600/ma_loute_2452.jpeg_north_1160x630_white.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="108" src="https://1.bp.blogspot.com/-BEoHwjsvdGM/WGZ9p-ZbjXI/AAAAAAAACaA/TxO2ZwB-_2YHUf_5v7vZXnu_HX1qXILkwCLcB/s200/ma_loute_2452.jpeg_north_1160x630_white.jpg" width="200" /></a></div>
<b>24 - <u><i>Ma Loute</i>, de Bruno Dumont</u></b><br />
Savamment grinçant et mesuré dans sa roue libre, le film de Dumont est délicieusement anormal, jusqu'à en être parfois à la limite du supportable. Mais tant mieux, quoi de mieux que sortir des gonds dans un sentier aussi balisé que la comédie ?<br />
<br />
<br />
<br />
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-k4oGrsjqdsQ/WGZ-8wRGEBI/AAAAAAAACaE/xLkctDLrB0gPwsCaIg6RiRlT39y41Kv-QCLcB/s1600/207255.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="108" src="https://2.bp.blogspot.com/-k4oGrsjqdsQ/WGZ-8wRGEBI/AAAAAAAACaE/xLkctDLrB0gPwsCaIg6RiRlT39y41Kv-QCLcB/s200/207255.jpg" width="200" /></a><b>25 - <u><i>La Tortue rouge</i>, de Michael Dudok de Wit</u></b><br />
Dudok de Wit livre une recette exemplaire de l'animation : universelle, sans dialogues, simple et d'une beauté étourdissante. Largement de quoi conférer tout un bel intérêt à cette revisite onirique d'une épopée crusoesque. <br />
<br />
<br />
<br />
Et puisque c'est de rigueur, dans le folklore du top, voici, tant qu'à faire, le top10 (non ordonné) de mon fond de poubelle cru 2016 : <i><b>Ben-Hur</b></i>, <i><b>Assassin's Creed</b></i>, <i><b>Nerve</b></i>, <i><b>Free State of Jones</b></i>, <i><b>Ghostbusters</b></i>, <i><b>Gods of Egypt</b></i>, <i><b>Warcraft</b></i>, <i><b>Captain America : Civil War</b></i>, <i><b>Tarzan</b></i>, et <i><b>Independance Day : Resurgence</b></i>.<br />
<br />
Maintenant, il faut penser à 2017...<br />
<br />
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<a href="https://2.bp.blogspot.com/-PB7J3xIvFfc/WGaF1lvugTI/AAAAAAAACaY/JIsAf_Kg534mfcBvOv4IfHTMiEv9Lh-YgCLcB/s1600/vlcsnap-2016-12-19-19h56m38s340.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="233" src="https://2.bp.blogspot.com/-PB7J3xIvFfc/WGaF1lvugTI/AAAAAAAACaY/JIsAf_Kg534mfcBvOv4IfHTMiEv9Lh-YgCLcB/s320/vlcsnap-2016-12-19-19h56m38s340.jpg" width="540" /></a></div>
</div>
Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6423083980187720142.post-78040461342474878162016-09-15T19:25:00.000+02:002016-09-15T20:31:22.030+02:00Mise-à-jour : top 252 !<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-vobTkfStwwA/VRWWowm-v9I/AAAAAAAAA_k/sxqGm_JTiYIaqpaQQGeGzou1Zj1ksPQ_gCPcB/s1600/vlcsnap-2015-03-27-18h42m23s172.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="225" src="https://4.bp.blogspot.com/-vobTkfStwwA/VRWWowm-v9I/AAAAAAAAA_k/sxqGm_JTiYIaqpaQQGeGzou1Zj1ksPQ_gCPcB/s320/vlcsnap-2015-03-27-18h42m23s172.jpg" width="540" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"J'ai vu tant de choses, que vous, humains, ne pourriez pas croire..."</i></td></tr>
</tbody></table>
<br />
Cela faisait désormais bien longtemps que je souhaitais me lancer dans pareille entreprise, une longue liste de mes films préférés et de mes divers coups de cœur que je souhaitais mettre en avant. De 50 à 151, de 151 à 252. 252, un peu par hasard d'ailleurs, car je ne pouvais finalement pas en enlever davantage. Évidemment, depuis mon dernier top, beaucoup n'ont pas bougé, peu ont été totalement éjectés, la faute à une envie de tout conjuguer afin que cela représente aussi bien que possible mes affinités globales, et pas simplement mes amours du moments.<br />
<br />
C'est un équilibre, aussi honnête que possible, entre des monuments et d'autres films plus imparfaits qui me tiennent tout autant à cœur, donc évidemment, il ne faut pas s'étonner s'il y a des absents. J'annonce de suite : pas de <i>Citizen Kane</i>, <i>Vertigo, Le Mépris</i>, <i>L'arrivée d'un train en gare de la Ciotat</i>...<br />
<br />
Comme c'est une grosse liste, elle est aussi à décanter, en attendant quelques menus changements.<br />
<br />
Quelques chiffres, pour agrémenter ces lettres...<br />
<br />
<ul>
<li><b><u>Réalisateurs les plus représentés (3 films ou plus)</u></b> : </li>
</ul>
- 6 films : John Ford, Steven Spielberg.<br />
- 5 films : John Huston, Ridley Scott, Paul Verhoeven, Michael Mann, Joseph L. Mankiewicz.<br />
- 4 films : Werner Herzog, Luchino Visconti, Clint Eastwood, John Frankenheimer, Don Siegel.<br />
- 3 films : Sam Peckinpah, François Truffaut, Jean-Jacques Annaud, Anthony Mann, Roman Polanski, Raoul Walsh, Ingmar Bergman, Martin Scorsese, Robert Wise.<br />
<ul>
<li><b><u>Nombre de films représentés par décennies</u></b> :</li>
</ul>
- Années 10 : 1 film.<br />
- Années 20 : 2 films.<br />
- Années 30 : 9 films<br />
- Années 40 : 16 films.<br />
- Années 50 : 25 films<br />
- Années 60 : 59 films. <br />
- Années 70 : 60 films.<br />
- Années 80 : 23 films.<br />
- Années 90 : 24 films.<br />
- Années 2000 : 19 films.<br />
- Années 2010 : 15 films.<br />
<ul>
<li><b><u>Pays représentés</u></b> : </li>
</ul>
- Etats-Unis : 145 films.<br />
- France : 43 films.<br />
- Royaume-Uni : 18 films.<br />
- Italie : 15 films.<br />
- Allemagne : 8 films.<br />
- Chine / Hong-Kong : 5 films.<br />
- Pays-Bas : 4 films.<br />
- Japon : 3 films.<br />
- Suède : 3 films.<br />
- Australie : 2 films.<br />
- Danemark : 2 films.<br />
- Hongrie : 1 film.<br />
- Irak : 1 film.<br />
- Russie : 1 film.<br />
- Chili : 1 film.<br />
- Grèce : 1 film.<br />
<ul>
<li><b><u>Genre le plus représenté</u></b> : western (30 films). </li>
</ul>
<br />
<br />
1)<i><b> Blade Runner</b></i> - Ridley Scott (1982)</div>
<div style="text-align: justify;">
2) <i><b>Les Duellistes</b></i> - Ridley Scott (1977)</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-yiDTl1P56vw/V9rMbdgrcgI/AAAAAAAACWE/RIUJsCLKLhIV4PvkxhhYhMtkOY62twW0QCLcB/s1600/85356.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="83" src="https://1.bp.blogspot.com/-yiDTl1P56vw/V9rMbdgrcgI/AAAAAAAACWE/RIUJsCLKLhIV4PvkxhhYhMtkOY62twW0QCLcB/s200/85356.jpg" width="200" /></a>3) <i><b>Croix de Fer</b></i> - Sam Peckinpah (1977)</div>
<div style="text-align: justify;">
4) <i><b>La Nuit Américaine</b></i> - François Truffaut (1973)</div>
<div style="text-align: justify;">
5) <i><b>Sorcerer</b></i> - William Friedkin (1977)</div>
<div style="text-align: justify;">
6) <i><b><i><b>Das Boot</b></i> - </b></i>Wolfgang Petersen (1981)</div>
<div style="text-align: justify;">
7) <i><b>L'Armée des ombres </b></i>- Jean-Pierre Melville (1959)</div>
<div style="text-align: justify;">
8) <i><b>Pat Garrett & Billy le Kid</b></i> - Sam Peckinpah (1973)</div>
<div style="text-align: justify;">
9) <i><b>Aguirre, la colère de Dieu</b></i> - Werner Herzog (1972)</div>
<div style="text-align: justify;">
10) <i><b><i><b>Le Désert des Tartares</b></i> </b></i>- Valerio Zurlini (1976)</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
11) <i><b>Lawrence d'Arabie</b></i> - David Lean (1962)</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-7mAXjYQ9T0M/V9rMJM8e1oI/AAAAAAAACWA/7XQ6fC8m9yYppGaoKsw59GXPjX724JbogCLcB/s1600/207758.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="120" src="https://2.bp.blogspot.com/-7mAXjYQ9T0M/V9rMJM8e1oI/AAAAAAAACWA/7XQ6fC8m9yYppGaoKsw59GXPjX724JbogCLcB/s200/207758.jpg" width="200" /></a>12) <b><i>Metropolis</i></b> - Fritz Lang (1927)
</div>
<div style="text-align: justify;">
13) <i><b>Délivrance</b></i> - John Boorman (1972)</div>
<div style="text-align: justify;">
14) <b><i>La Planète des Singes</i></b> - Franklin J. Schaffner (1967)</div>
<div style="text-align: justify;">
15) <b><i>Le Limier</i></b> - Joseph L. Mankiewicz (1972)</div>
<div style="text-align: justify;">
16)<b><i> Sous le soleil de Satan</i></b> - Maurice Pialat (1987)</div>
<div style="text-align: justify;">
17) <b><i>Le Train sifflera trois fois</i></b> - Fred Zinnemann (1952)</div>
<div style="text-align: justify;">
18) <b><i>La Porte du Paradis</i></b> - Michael Cimino (1980)</div>
<div style="text-align: justify;">
19) <b><i>Butch Cassidy et le Kid </i></b>- George Roy Hill (1969)<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
20) <b><i>Huit et demi</i></b> - Federico Fellini (1963)</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
21) <i><b>L'Homme des hautes plaines</b></i> - Clint Eastwood (1973)</div>
<div style="text-align: justify;">
22) <i><b></b></i><b><i>Le Plongeon</i></b> - Frank Perry et Sidney Pollack (1968)</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-lHNWtTIofjU/V9rKMIXIFhI/AAAAAAAACVs/I6Qy4OMrnCYltirrWT1YfEemL37HqRNuwCEw/s1600/208529.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="108" src="https://3.bp.blogspot.com/-lHNWtTIofjU/V9rKMIXIFhI/AAAAAAAACVs/I6Qy4OMrnCYltirrWT1YfEemL37HqRNuwCEw/s200/208529.jpg" width="200" /></a>23)<i><b> Ludwig - Le Crépuscule des Dieux </b></i><br />
<i><b> </b></i>- Luchino Visconti (1972)</div>
<div style="text-align: justify;">
24) <i><b>Le Cid </b></i>- Anthony Mann (1961)</div>
<div style="text-align: justify;">
25)<i><b> Sur les quais</b></i> - Elia Kazan (1954)</div>
<div style="text-align: justify;">
26) <i><b>Le Ventre de l'architecte</b></i> - Peter Greenaway (1987)</div>
<div style="text-align: justify;">
27)<i><b> Une partie de campagne </b></i>- Jean Renoir (1936)</div>
<div style="text-align: justify;">
28)<i><b> Katie Tippel </b></i>- Paul Verhoeven (1975)</div>
<div style="text-align: justify;">
29)<i><b> La Belle et la Bête</b></i> - Jean Cocteau (1946)<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
30)<i><b> L'Ours </b></i>- Jean-Jacques Annaud (1988)</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
31) <i><b>Chronos</b></i> - Ron Fricke (1985)</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-qmUiKbJ3G5o/V9rKLd7Z0QI/AAAAAAAACVY/0nhmZj3I_CYu0wm7fCldC6vCK9RUtpzgACEw/s1600/108209.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="85" src="https://2.bp.blogspot.com/-qmUiKbJ3G5o/V9rKLd7Z0QI/AAAAAAAACVY/0nhmZj3I_CYu0wm7fCldC6vCK9RUtpzgACEw/s200/108209.jpg" width="200" /></a>32) <i><b>Melancholia</b></i> - Lars Von Trier (2011)</div>
<div style="text-align: justify;">
33) <i><b>Impitoyable</b></i> - Clint Eastwood (1992)</div>
<div style="text-align: justify;">
34)<i><b> Rencontres du troisième type</b></i> - Steven Spielberg (1977)</div>
<div style="text-align: justify;">
35) <i><b>Black Book</b></i> - Paul Verhoeven (2006)</div>
<div style="text-align: justify;">
36) <b><i>La Poursuite infernale</i></b> - John Ford (1946) </div>
<div style="text-align: justify;">
37) <i><b>Cyrano de Bergerac</b></i> - Jean-Paul Rappeneau (1990)</div>
<div style="text-align: justify;">
38) <i><b>L'Homme qui aimait les femmes</b></i><br />
- François Truffaut (1977) </div>
<div style="text-align: justify;">
39)<i><b> Il était une fois la révolution</b></i> - Sergio Leone (1971)<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
40) <i><b>Rashomon</b></i> - Akira Kurosawa (1950)</div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
41) <i><b>L'Assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford</b></i><br />
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-Y9pyZIeLPfY/V9rKLnJQjYI/AAAAAAAACVc/_7t-fxbuh986AupWeEr9D5SzQeQRbTZbgCEw/s1600/114466.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="145" src="https://2.bp.blogspot.com/-Y9pyZIeLPfY/V9rKLnJQjYI/AAAAAAAACVc/_7t-fxbuh986AupWeEr9D5SzQeQRbTZbgCEw/s200/114466.jpg" width="200" /></a>- Andrew Dominik (2007) </div>
<div style="text-align: justify;">
42) <i><b>3h10 pour Yuma </b></i>- Delmer Daves (1957)
</div>
<div style="text-align: justify;">
43) <i><b>Koyaanisqatsi </b></i>- Godfrey Reggio (1982)</div>
<div style="text-align: justify;">
44) <i><b>La 317ème Section </b></i>- Pierre Schoendoerffer (1965)</div>
<div style="text-align: justify;">
45) <i><b>L'Invasion des profanateurs de sépultures</b></i><br />
- Don Siegel (1956)</div>
<div style="text-align: justify;">
46) <i><b>A Tombeau ouvert</b></i> - Martin Scorsese (1999)</div>
<div style="text-align: justify;">
47) <i><b>Eve</b></i> - Joseph L. Mankiewicz (1950)</div>
<div style="text-align: justify;">
48) <i><b>Point limite</b></i> - Sidney Lumet (1964)</div>
<div style="text-align: justify;">
49) <i><b>Blue Velvet</b></i> - David Lynch (1986)<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
50) <b><i>Les Fantastiques années 20</i></b> - Raoul Walsh (1939) </div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
51) <i><b>The Party</b></i> - Blake Edwards (1968) </div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-s1TWnUHe-FE/V9rN1njA5CI/AAAAAAAACWI/tOinZlihmTkT52iKu5R3bhOH7aD997M3wCLcB/s1600/The%2BParty_12.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="85" src="https://1.bp.blogspot.com/-s1TWnUHe-FE/V9rN1njA5CI/AAAAAAAACWI/tOinZlihmTkT52iKu5R3bhOH7aD997M3wCLcB/s200/The%2BParty_12.jpg" width="200" /></a>52) <i><b>Fenêtre sur Cour </b></i>- Alfred Hitchcock (1954)
</div>
<div style="text-align: justify;">
53)<i><b> Soleil Vert </b></i>- Richard Fleischer (1973)
</div>
<div style="text-align: justify;">
54) <i><b>La Légende de Beowulf</b></i> - Robert Zemeckis (2008)</div>
<div style="text-align: justify;">
55)<i><b> Diamants sur canapé</b></i> - Blake Edwards (1961)</div>
<div style="text-align: justify;">
56) <i><b>Fitzcarraldo</b></i> - Werner Herzog (1982)</div>
<div style="text-align: justify;">
57) <i><b>Le Guépard</b></i> - Luchino Visconti (1963)</div>
<div style="text-align: justify;">
58) <i><b>Keoma</b></i> - Enzo G. Castellari (1976)</div>
<div style="text-align: justify;">
59) <i><b>Seconds, l'opération diabolique </b></i>- John Frankenheimer (1966)<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
60) <i><b>Les Dimanches de Ville d'Avray</b></i> - Serge Bourguignon (1962)</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
61) <i><b>Stalingrad </b></i>- Joseph Vilsmaier (1992)</div>
<div style="text-align: justify;">
62) <i><b>Grand Prix</b></i> - John Frankenheimer (1966)
</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-YYZ4k4J7XTU/V9rKMI8_wLI/AAAAAAAACVw/J01r8XAvCvE_At4sAxn0V0SWyrBmjfYaACEw/s1600/52690.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="84" src="https://3.bp.blogspot.com/-YYZ4k4J7XTU/V9rKMI8_wLI/AAAAAAAACVw/J01r8XAvCvE_At4sAxn0V0SWyrBmjfYaACEw/s200/52690.jpg" width="200" /></a>63) <i><b>Le Juge et l'Assassin </b></i>- Bertrand Tavernier (1976)</div>
<div style="text-align: justify;">
64) <b><i>La Soufrière </i></b>- Werner Herzog (1978) </div>
<div style="text-align: justify;">
65) <i><b>Jules et Jim</b></i> - François Truffaut (1962)</div>
<div style="text-align: justify;">
66) <i><b>La Grotte des rêves perdus </b></i>- Werner Herzog (2010)</div>
<div style="text-align: justify;">
67) <i><b>L'Etoffe des héros </b></i>- Philip Kaufman (1983)</div>
<div style="text-align: justify;">
68)<i><b> Gentleman Jim</b></i> - Raoul Walsh (1942)</div>
<div style="text-align: justify;">
69) <i><b>Scènes de la vie conjugale</b></i> - Ingmar Bergman (1973)<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
70)<i><b> L'Homme qui tua Liberty Valance</b></i> - John Ford (1961)</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
71) <i><b>Le Locataire</b></i> - Roman Polanski (1976)</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-aSamek4h198/V9rOQt7WBOI/AAAAAAAACWM/aCYL-UeAZNwv6jFzkSXkzfP7FNKJxwe_gCLcB/s1600/100517.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="84" src="https://2.bp.blogspot.com/-aSamek4h198/V9rOQt7WBOI/AAAAAAAACWM/aCYL-UeAZNwv6jFzkSXkzfP7FNKJxwe_gCLcB/s200/100517.jpg" width="200" /></a>72) <i><b>Le Jour où la Terre s'arrêta</b></i> - Robert Wise (1951)</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
73) <i><b>Révélations </b></i>- Michael Mann (1999)</div>
<div style="text-align: justify;">
74) <i><b>L'Invasion des profanateurs </b></i>- Philip Kaufman (1978)</div>
<div style="text-align: justify;">
75) <i><b>Les Feux de la rampe</b></i> - Charlie Chaplin (1952)</div>
<div style="text-align: justify;">
76) <i><b>Rocco et ses frères</b></i> - Luchino Visconti (1960)</div>
<div style="text-align: justify;">
77) <i><b>Dancer in the Dark</b></i> - Lars von Trier (2000)</div>
<div style="text-align: justify;">
78) <i><b>A l'Ouest, rien de nouveau</b></i> - Lewis Milestone (1930)</div>
<div style="text-align: justify;">
79) <i><b>L'Etrange Histoire de Benjamin Button </b></i>- David Fincher (2008)<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
80)<i><b> Stalker </b></i>- Andreï Tarkovski (1979)</div>
<div style="text-align: justify;">
81) <i><b>La Cité des enfants perdus</b></i> - Jean-Pierre Jeunet & Marc Caro (1995)</div>
<div style="text-align: justify;">
82) <i><b>Le Privé</b></i> - Robert Altman (1973)</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-lIRiHXRQGLY/V9rOgpNQ8XI/AAAAAAAACWU/NLLYK8GfcwkeCPYAXRy4g4iwt86q1p9twCLcB/s1600/18225.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="81" src="https://2.bp.blogspot.com/-lIRiHXRQGLY/V9rOgpNQ8XI/AAAAAAAACWU/NLLYK8GfcwkeCPYAXRy4g4iwt86q1p9twCLcB/s200/18225.jpg" width="200" /></a>83) <i><b>Duel</b></i> - Steven Spielberg (1971)</div>
<div style="text-align: justify;">
84) <i><b>Collateral </b></i>- Michael Mann (2004)<br />
85) <i><b>L'Aventure de Madame Muir</b></i><br />
- Joseph L. Mankiewicz (1947)</div>
<div style="text-align: justify;">
86) <i><b>Coup de Coeur</b></i> - Francis Ford Coppola (1982)</div>
<div style="text-align: justify;">
87) <i><b>Le Testament d'Orphée</b></i> - Jean Cocteau (1959)</div>
<div style="text-align: justify;">
88) <i><b>Hiroshima mon amour</b></i> - Alain Resnais (1959)</div>
<div style="text-align: justify;">
89) <i><b>L'Inspecteur Harry </b></i>- Don Siegel (1971)</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
90) <i><b>La Colline des potences</b></i> - Delmer Daves (1959)</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-N8dd8yNgQng/V9rOxvN46TI/AAAAAAAACWY/vuTWor3Vy60LlprNdXNf4RZusnm2VSIggCLcB/s1600/118397.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="166" src="https://4.bp.blogspot.com/-N8dd8yNgQng/V9rOxvN46TI/AAAAAAAACWY/vuTWor3Vy60LlprNdXNf4RZusnm2VSIggCLcB/s200/118397.jpg" width="200" /></a>91) <i><b>Winchester '73</b></i> - Anthony Mann (1950)</div>
<div style="text-align: justify;">
92) <i><b>Chungking Express</b></i> - Wong Kar-Wai (1994) </div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
93)<i><b> Seuls les Anges ont des ailes </b></i>- Howard Hawks (1939)<br />
94) <i><b>Le Salaire de la peur </b></i>- Henri-Georges Clouzot (1953)</div>
<div style="text-align: justify;">
95) <i><b>Le Roi et l'Oiseau</b></i> - Paul Grimault (1980)</div>
<div style="text-align: justify;">
96) <i><b>Le Docteur Jivago</b></i> - David Lean (1965)</div>
<div style="text-align: justify;">
97)<i><b> Fantasia </b></i><br />
<i><b> </b></i>- James Algar, Samuel Armstrong & Ford Beebe (1940)</div>
<div style="text-align: justify;">
98) <i><b>Playtime</b></i> - Jacques Tati (1967)</div>
<div style="text-align: justify;">
99) <b><i>Le Train</i></b> - John Frankenheimer (1964)<br />
<br />
100) <i><b>A Toute épreuve</b></i> - John Woo (1992)</div>
<div style="text-align: justify;">
101) <i><b>L'Intruse</b></i> - Friedrich-Wilhelm Murnau (1930)<br />
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-uzW063cbc6U/V9rPEuIRqdI/AAAAAAAACWc/C2vclyokQ044iKcKWCbMtBp95OTSAaMMwCLcB/s1600/214424.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="107" src="https://3.bp.blogspot.com/-uzW063cbc6U/V9rPEuIRqdI/AAAAAAAACWc/C2vclyokQ044iKcKWCbMtBp95OTSAaMMwCLcB/s200/214424.jpg" width="200" /></a>102) <i><b>Profession : Reporter</b></i> - Michaelangeo Antonioni (1975)<br />
103) <i><b>Alien : le huitième passager </b></i>- Ridley Scott (1979)</div>
<div style="text-align: justify;">
104) <i><b>Le Cercle rouge</b></i> - Jean Pierre Melville (1970)</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
105) <i><b>Barry Lyndon</b></i> - Stanley Kubrick (1975)</div>
<div style="text-align: justify;">
106) <i><b>La Poursuite Impitoyable</b></i> - Arthur Penn (1966)</div>
<div style="text-align: justify;">
107) <i><b>Shutter Island</b></i> - Martin Scorsese (2010)</div>
<div style="text-align: justify;">
108) <i><b>Mon nom est Personne </b></i><br />
<i><b> </b></i>- Tonino Valerii & Sergio Leone (1973)</div>
<div style="text-align: justify;">
109) <i><b>Les Damnés </b></i>- Luchino Visconti (1969)<br />
<br />
110) <i><b>La Horde sauvage </b></i>- Sam Peckinpah (1969)</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-znQFQBj8rfo/V9rPS0CilDI/AAAAAAAACWg/JHDKFvXwsLg2bEFU6YXSQeH2auLi41hRwCLcB/s1600/137378.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="150" src="https://2.bp.blogspot.com/-znQFQBj8rfo/V9rPS0CilDI/AAAAAAAACWg/JHDKFvXwsLg2bEFU6YXSQeH2auLi41hRwCLcB/s200/137378.jpg" width="200" /></a>111) <i><b>Sailor et Lula </b></i>- David Lynch (1990)<br />
112) <i><b>Les Forçats de la gloire </b></i>- William A. Wellman (1945)<br />
113) <i><b>Quarante tueurs</b></i> - Samuel Fuller (1957) </div>
<div style="text-align: justify;">
114) <i><b>A.I. Intelligence Artificielle</b></i> - Steven Spielberg (2001)<br />
115) <i><b>Elmer Gantry, le charlatan </b></i>- Richard Brooks (1960) </div>
<div style="text-align: justify;">
116) <i><b>Du silence et des ombre</b></i>s - Robert Mulligan (1962)<br />
117) <i><b>La Maison du diable </b></i>- Robert Wise (1963)<br />
118) <i><b>Juge et hors-la-loi</b></i> - John Huston (1972)</div>
<div style="text-align: justify;">
119)<i><b> La Charge fantastique</b></i> - Raoul Walsh (1941)<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
120) <i><b>Mon oncle</b></i> - Jacques Tati (1958)</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-Cp5sXCT6J7U/V9rP93JvNyI/AAAAAAAACWk/E5EON2J1PZYj1LzS5w4Pnp2XN42sOOKzgCLcB/s1600/930__mon_oncle_blu-ray_01_.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="150" src="https://2.bp.blogspot.com/-Cp5sXCT6J7U/V9rP93JvNyI/AAAAAAAACWk/E5EON2J1PZYj1LzS5w4Pnp2XN42sOOKzgCLcB/s200/930__mon_oncle_blu-ray_01_.jpg" width="200" /></a>121) <i><b>Los Angeles Plays Itself </b></i>- Thom Andersen (2003) <br />
122) <i><b>Au risque de se perdre </b></i>- Fred Zinnemann (1959)</div>
<div style="text-align: justify;">
123) <i><b>Les Choses de la vie</b></i> - Claude Sautet (1970)<br />
124) <i><b>Les Proies</b></i> - Don Siegel (1971) </div>
<div style="text-align: justify;">
125)<i><b> Atlantique Latitude 41</b></i> - Roy Ward Baker (1958)</div>
<div style="text-align: justify;">
126) <i><b>Les Dents de la mer</b></i> - Steven Spielberg (1975)<br />
127) <i><b>Vivre dans la peur</b></i> - Akira Kurosawa (1955) </div>
<div style="text-align: justify;">
128)<i><b> Shock Corridor </b></i>- Samuel Fuller (1963)</div>
<div style="text-align: justify;">
129) <i><b>Jugement à Nuremberg</b></i> -Stanley Kramer (1961)<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
130) <i><b>La Vie est belle</b></i> - Frank Capra (1946)</div>
<div style="text-align: justify;">
131) <i><b>Ali </b></i>- Michael Mann (2001)</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-31QB9KfElPs/V9rQPrzPNTI/AAAAAAAACWo/fc04tUqQNhkfdOExV267Q_wFB6Rr1zyHACLcB/s1600/192143.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="107" src="https://4.bp.blogspot.com/-31QB9KfElPs/V9rQPrzPNTI/AAAAAAAACWo/fc04tUqQNhkfdOExV267Q_wFB6Rr1zyHACLcB/s200/192143.jpg" width="200" /></a>132) <i><b>Mort ou vif </b></i>- Sam Raimi (1994)</div>
<div style="text-align: justify;">
133)<i><b> L'Homme qui voulu être roi </b></i>- John Huston (1975)<br />
134) <i><b>Que la bête meure </b></i>- Claude Chabrol (1969) </div>
<div style="text-align: justify;">
135) <i><b>Le Comte de Monte-Cristo</b></i> - Claude Autant-Lara (1961)<br />
136) <i><b>Les Innocents </b></i>- Jack Clayton </div>
<div style="text-align: justify;">
137) <i><b>Kingdom of Heaven </b></i>- Ridley Scott (2004)</div>
<div style="text-align: justify;">
138) <i><b>Le Président</b></i> - Henri Verneuil (1960)</div>
<div style="text-align: justify;">
139) <i><b>La Balade Sauvage</b></i> - Terrence Malick (1973)<br />
<br />
140) <i><b>Le Dernier des Mohicans</b></i> - Michael Mann (1992)<br />
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-vC0dFEou1oo/V9rQf1GiUpI/AAAAAAAACWs/dqDroYoVj94ugBZNHYUnVke3fdXHkH0cQCLcB/s1600/96518.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="149" src="https://4.bp.blogspot.com/-vC0dFEou1oo/V9rQf1GiUpI/AAAAAAAACWs/dqDroYoVj94ugBZNHYUnVke3fdXHkH0cQCLcB/s200/96518.jpg" width="200" /></a>141) <i><b>Les Sentiers de la gloire</b></i> - Stanley Kubrick (1957)</div>
<div style="text-align: justify;">
142) <i><b>Cléopâtre</b></i> - Joseph L. Mankiewicz (1963)</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
143) <i><b>Bunny Lake a disparu </b></i>- Otto Preminger (1965)</div>
<div style="text-align: justify;">
144) <i><b>La Fiancée de Frankenstein </b></i>- James Whale (1935)<br />
145) <i><b>La Rumeur </b></i>- William Wyler (1962) </div>
<div style="text-align: justify;">
146) <i><b>La Valse des pantins</b></i> - Martin Scorsese (1982)</div>
<div style="text-align: justify;">
147) <i><b>Alexandre </b></i>- Oliver Stone (2004)</div>
<div style="text-align: justify;">
148) <i><b>Nous avons gagné ce soir </b></i>- Robert Wise (1949)</div>
<div style="text-align: justify;">
149) <i><b>Une question de vie ou de mort </b></i><br />
- Michael Powell & Emeric Pressburger (1946)<br />
<br />
150)<i><b> Pale Rider, le cavalier solitaire </b></i>- Clint Eastwood (1984)</div>
<div style="text-align: justify;">
151) <i><b>Le Sixième sens </b></i>- Michael Mann (1986) <br />
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-3ZquKME54XY/V9rRA1bppiI/AAAAAAAACWw/zc5acS1ax-sVMTa5F5JGGnS8mGrTbJZqACLcB/s1600/zorbathegreek.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="104" src="https://4.bp.blogspot.com/-3ZquKME54XY/V9rRA1bppiI/AAAAAAAACWw/zc5acS1ax-sVMTa5F5JGGnS8mGrTbJZqACLcB/s200/zorbathegreek.jpg" width="200" /></a>152)<i><b> Le Temps d'aimer et le Temps de mourir </b></i><br />
<i><b> </b></i>- Douglas Sirk (1958) </div>
<div style="text-align: justify;">
153) <i><b>Docteur Folamour </b></i>- Stanley Kubrick (1964)<i><b> </b></i><br />
154) <i><b>Zorba le Grec</b></i> - Michael Cacoyannis (1964)</div>
<div style="text-align: justify;">
155) <i><b>Moonwalk One</b></i> - Theo Kamecke (1970)<br />
156)<i><b> Entretien avec un vampire</b></i> - Neil Jordan (1994) </div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
157) <i><b>Au nom du pape roi</b></i> - Luigi Magni (1977)</div>
<div style="text-align: justify;">
158) <i><b>Garde à vue</b></i> - Claude Miller (1981)<br />
159) <i><b>Le Crépuscule des Aigles </b></i>- John Guillermin (1966)<br />
<br />
160)<i><b> J'accuse</b></i> - Abel Gance (1918)</div>
<div style="text-align: justify;">
161) <i><b>All is Lost</b></i> - J.C. Chandor (2013)<i><b> </b></i></div>
<div style="text-align: justify;">
162) <i><b>L’Étrangleur de Boston</b></i> - Richard Fleischer (1968) </div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-hiQdmFTUJoA/V9rRQIHMhRI/AAAAAAAACW0/4V8QZaiAQHM6UZ3G1ZJRbdTRLeTQ32Y1ACLcB/s1600/27589.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="106" src="https://3.bp.blogspot.com/-hiQdmFTUJoA/V9rRQIHMhRI/AAAAAAAACW0/4V8QZaiAQHM6UZ3G1ZJRbdTRLeTQ32Y1ACLcB/s200/27589.jpg" width="200" /></a>163) <i><b>Le Jour le plus long</b></i><br />
- Ken Annakin, Andrew Marton & Bernard Wicki (1962)</div>
<div style="text-align: justify;">
164) <i><b>Les Douze Travaux d'Astérix</b></i><br />
- René Goscinny et Henri Gruel (1976)</div>
<div style="text-align: justify;">
165) <i><b>Un long dimanche de fiançailles</b></i><br />
- Jean-Pierre Jeunet (2004) </div>
<div style="text-align: justify;">
166) <b><i>Saraband</i></b> - Ingmar Bergman (2003)<br />
<div style="text-align: justify;">
167) <i><b>Série Noire</b></i> - Alain Corneau (1979)<br />
168) <b><i>Minority Report</i></b> - Steven Spielberg (2002)<br />
169) <b><i>Paprika</i></b> - Satoshi Kon (2006)<br />
<br />
170) <b><i>Legend </i></b>- Ridley Scott (1985)<br />
171) <b><i>L'Enfer</i></b> - Claude Chabrol (1994)<br />
172) <b><i>Reflets dans un œil d'or </i></b>- John Huston (1967)<br />
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-zdeNeX-avo8/V9rRrdtnBQI/AAAAAAAACW4/8sBefHsiCeguIHnoP6tTN3-czFADRIeDQCLcB/s1600/iconicdoorwayshot_thesearchers.png" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="112" src="https://2.bp.blogspot.com/-zdeNeX-avo8/V9rRrdtnBQI/AAAAAAAACW4/8sBefHsiCeguIHnoP6tTN3-czFADRIeDQCLcB/s200/iconicdoorwayshot_thesearchers.png" width="200" /></a>173) <b><i>La Prisonnière du désert</i></b> - John Ford (1956)<br />
174) <b><i>Batman : Le Défi </i></b>- Tim Burton (1992)<br />
175) <b><i>La Vie d'Adèle : Chapitres 1 & 2</i></b><br />
- Abdellatif Kechiche (2013)<br />
176) <b><i>Les 3 Royaumes</i></b> - John Woo (2008)<br />
177) <b><i>Rosemary's Baby </i></b>- Roman Polanski (1968)<br />
178) <b><i>Monty Python : Sacré Graal ! </i></b><br />
- Terry Gilliam et Terry Jones (1975)<br />
179) <b><i>L'Evadé d'Alcatraz</i></b> - Don Siegel (1979)<br />
<br />
180) <b><i>Visitors - </i></b>Godfrey Reggio (2013)<br />
181) <b><i>Un Crime dans la tête</i></b> - John Frankenheimer (1962)<br />
182) <b><i>Rendez-vous</i></b> - Ernst Lubitsch (1940)<br />
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-bY_7vM2U-6E/V9rR-wteHdI/AAAAAAAACXA/buYLDQSL5HMJl0YuKRkueP2FYtnaUPXWACLcB/s1600/163590.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="84" src="https://2.bp.blogspot.com/-bY_7vM2U-6E/V9rR-wteHdI/AAAAAAAACXA/buYLDQSL5HMJl0YuKRkueP2FYtnaUPXWACLcB/s200/163590.jpg" width="200" /></a>183) <b><i>John McCabe</i></b> - Robert Altman (1971)<br />
184) <b><i>Papillon </i></b>- Franklin J. Schaffner (1973)<br />
185) <b><i>Mélodie en sous-sol</i></b> - Henri Verneuil (1963)<br />
186) <b><i>L'Impasse </i></b>- Brian De Palma (1993)<br />
187) <b><i>Les Chiens de paille </i></b>- Sam Pekinpah (1971)<br />
188) <b><i>Trois enterrements</i></b> - Tommy Lee Jones (2006)<br />
189) <b><i>La Guerre des mondes </i></b>- Steven Spielberg (2005)<br />
<br />
190)<b><i> Le Magnifique </i></b>- Philippe de Broca (1973)<br />
191) <b><i>La Randonnée</i></b> - Nicolas Roeg (1970)<br />
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-5YdRuHa7fbk/V9rSMEQb8AI/AAAAAAAACXE/bl8b8ZmHZBIw_uNAUyLVxi96fTtSmfM3gCLcB/s1600/39241.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="112" src="https://4.bp.blogspot.com/-5YdRuHa7fbk/V9rSMEQb8AI/AAAAAAAACXE/bl8b8ZmHZBIw_uNAUyLVxi96fTtSmfM3gCLcB/s200/39241.jpg" width="200" /></a>192) <b><i>Bienvenue Mister Chance</i></b> - Hal Ashby (1079)<br />
193) <b><i>Le Septième Juré </i></b>- George Lautner (1962)<br />
194)<b><i> L'Amant </i></b>- Jean-Jacques Annaud (1992)<br />
195) <b><i>L'Epopée de l'Everest </i></b>- J. B. L. Noel (1924)<br />
196) <b><i>Seuls sont les indomptés</i></b> - David Miller (1962)<br />
197) <b><i>Happy Together </i></b>- Wong Kar-Wai (1997)<br />
198) <b><i>A la poursuite d'Octobre rouge</i></b> - John McTiernan (1990)<br />
199) <b><i>L'Obsédé </i></b>- William Wyler (1965)<br />
<br />
200) <b><i>Paradis perdu</i></b> - Abel Gance (1940)<br />
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-ouialdQ4kGw/V9rS-f-OcqI/AAAAAAAACXI/oJWrfOlgoEgtQZZh89EvamliQWK6wq2HgCLcB/s1600/battlegroundmontalban.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="148" src="https://3.bp.blogspot.com/-ouialdQ4kGw/V9rS-f-OcqI/AAAAAAAACXI/oJWrfOlgoEgtQZZh89EvamliQWK6wq2HgCLcB/s200/battlegroundmontalban.jpg" width="200" /></a>201) <b><i>Goldfinger</i></b> - Guy Hamilton (1964)<br />
202) <b><i>Valdez </i></b>- Edwin Sherin (1971)<br />
203) <b><i>Bastogne </i></b>- William A. Wellman (1949)<br />
204) <b><i>L'Homme de l'Ouest</i></b> - Anthony Mann (1958)<br />
205) <b><i>La Dernière chance</i></b> - John Huston (1972)<br />
206) <b><i>Vers sa destinée</i></b> - John Ford (1939)<br />
207) <b><i>Spetters </i></b>- Paul Verhoeven (1980)<br />
208) <b><i>A cause d'un assassinat </i></b>- Alan J. Pakula (1974)<br />
209) <b><i>Enquête sur un citoyen au dessus de tout soupçon -</i></b> Elio Petri (1970)<br />
<br />
210) <b><i>Vincent, François, Paul et les autres...</i></b> - Claude Sautet (1974)<br />
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-jZ4jYz5-aEI/V9rTOYlB9kI/AAAAAAAACXM/Rm7Qw12WkpIJPquTlrgcUNeSlr1gxDU5wCLcB/s1600/81475.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="151" src="https://2.bp.blogspot.com/-jZ4jYz5-aEI/V9rTOYlB9kI/AAAAAAAACXM/Rm7Qw12WkpIJPquTlrgcUNeSlr1gxDU5wCLcB/s200/81475.jpg" width="200" /></a>211) <b><i>The Lovers</i></b> - Tsui Hark (1994)<br />
212) <b><i>Les Yeux sans visage </i></b>- George Franju (1960)<br />
213)<b><i> Tchao Pantin </i></b>- Claude Berri (1983)<br />
214) <b><i>Le Grand silence</i></b> - Sergio Corbucci (1968)<br />
215) <b><i>Duel dans le Pacifique</i></b> - John Boorman (1968)<br />
216) <b><i>Boyhood </i></b>- Richard Linklater (2014)<br />
217) <b><i>Au seuil de la vie </i></b>- Ingmar Bergman ( 1958)<br />
218) <b><i>Colonel Blimp </i></b><br />
- Michael Powell et Emeric Pressburger (1943)<br />
219) <b><i>L'Exorciste</i></b> - William Friedkin (1973)<br />
<br />
220) <b><i>Soldier of Orange</i></b> - Paul Verhoeven (1977)<br />
221) <i><b>Loin de la foule déchaînée </b></i>- Thomas Vinterberg (2015)<br />
222) <i><b>Hamlet</b></i> - Kenneth Branagh (1997)<br />
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-pMMNbK-pkMA/V9rTf504ENI/AAAAAAAACXQ/XAEZkOh3cTsNxxf0-VO94R0qMsniO3JjACLcB/s1600/136732.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="90" src="https://1.bp.blogspot.com/-pMMNbK-pkMA/V9rTf504ENI/AAAAAAAACXQ/XAEZkOh3cTsNxxf0-VO94R0qMsniO3JjACLcB/s200/136732.jpg" width="200" /></a>223) <i><b>Une Femme sous influence</b></i> - John Cassavetes (1974)<br />
224)<i><b> The Thing</b></i> - John Carpenter (1982)<br />
225) <i><b>Celui par qui le scandale arrive</b></i> - Vincente Minelli (1961)<br />
226) <i><b>Mystic River </b></i>- Clint Eastwood (2003)<br />
227) <i><b>Dieu seul le sait </b></i>- John Huston (1957)<br />
228) <i><b>Qui a peur de Virginia Woolf</b></i> - Mike Nichols (1966)<br />
229) <i><b>Le Solitaire </b></i>- Michael Mann (1981)<br />
<br />
230) <i><b>Yakuza </b></i>- Sidney Pollack (1974)</div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
231) <i><b>Le Château du dragon </b></i>- Joseph L. Mankiewicz (1946)<br />
232) <i><b>Take Shelter </b></i>- Jeff Nichols (2011)<br />
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-foBuCFNcvSc/VjzBqpDgv4I/AAAAAAAABvY/QuzC2Tj1f2o30hl_bd1snFtexOz2MmLRACPcB/s1600/Boton_01.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="112" src="https://3.bp.blogspot.com/-foBuCFNcvSc/VjzBqpDgv4I/AAAAAAAABvY/QuzC2Tj1f2o30hl_bd1snFtexOz2MmLRACPcB/s200/Boton_01.jpg" width="200" /></a>233) <i><b>La Conquête de l'Ouest </b></i><br />
<i><b> </b></i>- John Ford, Henry Hathaway et George Marshall (1962)<br />
234) <i><b>Total Recall </b></i>- Paul Verhoeven (1990)<br />
235) <i><b>Le Chat </b></i>- Pierre Granier-Deferre (1971)<br />
236) <i><b>La Guerre du feu </b></i>- Jean-Jacques Annaud (1981)<br />
237) <i><b>Mad Max : Fury Road </b></i>- George Miller (2015)<br />
238) <i><b>Le Bouton de nacre </b></i>- Patricio Guzmán (2015)<br />
239) <i><b>Scènes de chasses en Bavière </b></i><br />
<i><b> </b></i>- Peter Fleischmann (1969)<br />
<br />
240) <i><b>Voyage à travers le cinéma français</b></i> - Bertrand Tavernier (2016)<br />
241) <i><b>La Chevauchée des bannis </b></i>- André De Toth (1959)<br />
242) <i><b>Quand les aigles attaquent </b></i>- Brian G. Hutton (1969)<br />
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-Z1vpn0HC3R4/V9rU39lHsMI/AAAAAAAACXY/dItArwAsXHU2_ER5fwg1kuJlj1Hjn-EdACLcB/s1600/601px-WhereEaglesDareMP40_%25285%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="82" src="https://3.bp.blogspot.com/-Z1vpn0HC3R4/V9rU39lHsMI/AAAAAAAACXY/dItArwAsXHU2_ER5fwg1kuJlj1Hjn-EdACLcB/s200/601px-WhereEaglesDareMP40_%25285%2529.jpg" width="200" /></a>243) <i><b>Week-end of a Champion </b>- </i>Frank Simon et Roman Polanski (1972)<br />
244) <i><b>Les enfants du Paradis </b></i>- Marcel Carné (1945)<br />
245) <b><i>Peter Ibbetson</i> </b>- Henry Hathaway (1935)<br />
246) <i><b>Eyes Wide Shut </b></i>- Stanley Kubrick (1999)<br />
247) <i><b>Moonrise Kingdom </b></i>- Wes Anderson (2012)<br />
248) <i><b>Le Général de la Rovere </b></i>- Roberto Rosselini (1960)<br />
249) <i><b>Je n'ai pas tué Lincoln </b></i>- John Ford (1936)<br />
<br />
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-K94jwpXfG2U/V9rWOEYiCmI/AAAAAAAACXc/vApLnSXh4D837a5q1ThSyEfrgtwd2qi_wCLcB/s1600/4861839_3_22f6_en-fevrier-2003-un-mois-avant-l-invasion_338383a44bdac86f98175fcb263c1952.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="100" src="https://3.bp.blogspot.com/-K94jwpXfG2U/V9rWOEYiCmI/AAAAAAAACXc/vApLnSXh4D837a5q1ThSyEfrgtwd2qi_wCLcB/s200/4861839_3_22f6_en-fevrier-2003-un-mois-avant-l-invasion_338383a44bdac86f98175fcb263c1952.jpg" width="200" /></a>250) <i><b>Fellini Roma </b></i>- Federico Fellini (1972)<br />
251) <i><b>Le Tango de Satan</b></i> - Béla Tarr (1994)<br />
252) <i><b>Homeland : Irak année zéro</b></i> - Abbas Fahdel (2015) <br />
<br />
Hors-catégorie : <i><b>La Classe Américaine</b></i><br />
- Michel Hazanavicius & Dominique Mezerette (1993)</div>
Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6423083980187720142.post-64285816651378656422016-07-25T16:07:00.001+02:002016-07-28T15:00:59.154+02:00[Avis en vrac] Vus et revus #23<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-NccxwDqz8pk/V5oBdpulJ1I/AAAAAAAACVA/ZyVwSHf_sgUHkDf-ssgJ22N_9ZLy3HbsACLcB/s1600/IlConformista.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="324" src="https://1.bp.blogspot.com/-NccxwDqz8pk/V5oBdpulJ1I/AAAAAAAACVA/ZyVwSHf_sgUHkDf-ssgJ22N_9ZLy3HbsACLcB/s400/IlConformista.png" width="540" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Le Conformiste</b></i>, de Bernardo Bertolucci (1970)</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<b><u><span style="font-size: large;">EN VIDÉO</span></u><span style="font-size: large;"> :</span></b><br />
<b><u><br /></u></b>
<br />
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-PAql40CapEE/V5YQu_61TSI/AAAAAAAACQ4/MOIE7a6Q2WM7tPjtGgXwcp4p88emurFfgCLcB/s1600/1996-white-squall-poster1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-PAql40CapEE/V5YQu_61TSI/AAAAAAAACQ4/MOIE7a6Q2WM7tPjtGgXwcp4p88emurFfgCLcB/s200/1996-white-squall-poster1.jpg" width="126" /></a><b><u><i>Lame de fond</i>, de Ridley Scott (1996)</u></b><br />
<br />
<i>Revisionnage. </i><br />
<br />
Dans la carrière de Ridley Scott, il y a des films boudés (<i><b>Robin des Bois</b></i>), mais aussi des films totalement oubliés comme <i><b>Lame de fond</b></i>, correspondant à sa traversée du désert préalable à la sortie, et au retour à la gloire, de <i><b>Gladiator</b></i>.
Et pourtant c'est un bien joli film, certes simple et sans l'esbroufe
habituelle, mais ancré dans les valeurs qui sont chères à son auteur. La
quête spirituelle observée par les apprentis-marins déborde de vie.
Comme à l'accoutumée avec Scott, c'est un film versant dans un ton
hautement symbolique, autours des thèmes de la rédemption, la mise à
l'épreuve par le destin et la recherche d'un monde nouveau pour se
libérer de la société. Jeff Bridges est magnifié devant la caméra du
réalisateur, qui saisit tout aussi bien l'espace organique d'un navire.
La fameuse tempête éprouvée par L'Albatross déploie tout de même un
dispositif de mise en scène encore impressionnant. C'est sans doute un
film à redécouvrir, peut-être plus mineurs que d'autres, mais pourtant,
tout est là, dans une simplicité des plus éloquentes, à l'image de la
paisible et mélodieuse musique de Jeff Rona.<br />
<br />
<br />
<div style="text-align: right;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-5G8Jtm_4rNk/V5YQ7KBjmYI/AAAAAAAACQ8/KWA23ocA2XsagWboeJPhpYgb-ZHVdlSgwCLcB/s1600/Live-And-Let-Die-Poster-02.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-5G8Jtm_4rNk/V5YQ7KBjmYI/AAAAAAAACQ8/KWA23ocA2XsagWboeJPhpYgb-ZHVdlSgwCLcB/s200/Live-And-Let-Die-Poster-02.jpg" width="131" /></a><b><u><i>Vivre et laisser mourir</i>, de Guy Hamilton (1973)</u></b></div>
<br />
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Et voilà, place à Roger Moore ! <i><b>Vivre et laisser</b></i>
mourir marque l'entrée dans une période relativement lourdingue,
transformant parfois l'espion britannique en parodie sortie d'un Blake
Edwards. Néanmoins, il arrive à être intéressant dans la mesure où il
est aussi le reflet de son temps, ici influencé par la Blaxsploitation,
incluant alors James Bond dans un New York au climat plus réaliste. Ceci
dit, le reste de l'aventure est beaucoup plus conventionnel malgré une
adaptation signée Tom Mankiewicz. Hélas l'antagoniste campé par Yaphet
Kotto n'est pas le plus convainquant que l'on ait vu, bien que l'on
retienne habituellement sa légendaire mort, ringarde et grotesque à
souhaits, mais dont il est difficile de bouder la certaine inventivité.
On peut d'ailleurs étendre ce raisonnement à l'ensemble du film, dont on
aura souvent eu tendance à retenir essentiellement le thème de Paul
McCartney & The Wings, certes dynamique et prenant, mais bougrement
hors-sujet. En revanche, il faut noter la très belle photographie de Ted
Moore, contrastant avec une mise en scène d'un Guy Hamilton
vieillissant, moins enclin à proposer du neuf.</div>
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-0qULS1QXLrE/V5YRHEbZHYI/AAAAAAAACRA/T0-VTdIrp2YNZN3bis5sCcrcnOKSYUw9QCLcB/s1600/to_the_wonder_ver9.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-0qULS1QXLrE/V5YRHEbZHYI/AAAAAAAACRA/T0-VTdIrp2YNZN3bis5sCcrcnOKSYUw9QCLcB/s200/to_the_wonder_ver9.jpg" width="134" /></a></div>
<b><u><i>A la Merveille</i>, de Terrence Malick (2013)</u></b><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Je regrettais d'avoir raté <i><b>A la Merveille</b></i>
à sa sortie, bien que j'angoissais aussi à l'idée que la radicalisation
de Malick finisse par me laisser sur le bas-côté. Fort heureusement,
non, c'est un film que j'ai aimé, qui m'a touché. Je suis de plus en
plus sensible à cette dimension qu'a Malick de reprendre ses thèmes
obsessionnels en les transportant au sein de contextes différents, dont
l'ensemble dresse un portrait d'Amérique unique. En se défaisant d'une
structure classique, dans un chaos des plus élégants, il peut aller
droit au but au travers de ses personnages et de leur évolution. Les
sentiments défilent à une vitesse folle, à l'image de son montage qui
s'est jusqu'alors accéléré de film en film. La vie échappe aux
protagonistes, à la recherche d'une plénitude sentimentale qui ne
fonctionne jamais vraiment. J'émets néanmoins une réserve sur la
lourdeur d'un personnage, l'amie italienne de Marina, dont le simplet
discours répété en boucle, bien que cohérent dans le fond, saborde
quelque peu l'extrême fluidité qui marquait le film jusqu'à ce moment.
Un détail devant ce que Terrence Malick propose dans un film qui est
sûrement encore à redécouvrir, pour être sidéré, une fois de plus, par
son pouvoir de création et de représentation d'univers, à l'image de
cette transition entre la France et les États-Unis qui m'a laissé bouche
bée.</div>
<br />
<br />
<div style="text-align: right;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-prSKn75A7iY/V5YRuydW0vI/AAAAAAAACRI/hMG8CuANjZIVYbepC433pYJLMoTQ04NogCLcB/s1600/arsenic-and-old-lace.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-prSKn75A7iY/V5YRuydW0vI/AAAAAAAACRI/hMG8CuANjZIVYbepC433pYJLMoTQ04NogCLcB/s200/arsenic-and-old-lace.jpg" width="136" /></a><b><u><i>Arsenic et vieilles dentelles</i>, de Frank Capra (1944)</u></b></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Encore une fois, on a pas le temps de respirer dans <i><b>Arsenic et vieilles dentelles</b></i>.
Les situations impossibles s'entassent dans l'espace réduit à mesure
que les excentriques protagonistes deviennent de plus en plus ingérable,
avec au beau milieu ce Cary Grant dans le cabotinage le plus dynamique
et incontrôlable qui soit, mais d'un délicieux qu'on ne peut dissimuler.
Capra est tout de même un maître du rythme. Même lorsque le film tourne
légèrement en rond, peut-être moins inventif ou osé que <i><b>L'Incroyable monsieur Bébé</b></i>,
Capra arrive à maintenir un intérêt complet pour les multiples
dénouements à venir de l'intrigue des frères Epstein. Voilà peut-être un
modèle de théâtralisme qui ne prend pas le pas sur l'envergure et la
réussite cinématographique, dont la savante facture garantit sans doute
une modernité internissable.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-HlG_yl-qRJQ/V5YSKtURwXI/AAAAAAAACRU/4_raphHNXSMxrlqRNySdavBd-OewTuatACLcB/s1600/deja_vu_ver2_xlg.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-HlG_yl-qRJQ/V5YSKtURwXI/AAAAAAAACRU/4_raphHNXSMxrlqRNySdavBd-OewTuatACLcB/s200/deja_vu_ver2_xlg.jpg" width="148" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><u><i>Déjà Vu</i>, de Tony Scott (2006)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><br /></i>
<i>Revisionnage.</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
On a trop souvent assimilé, à tort, <i><b>Déjà Vu</b></i>
à un blockbuster crétin à cause de l'invraisemblance de son concept et
de ses explications. Mais si l'on en fait fi, car ici, le concept sert
l'intrigue et le fond, il se dessine un film de surveillance
passionnant, venant compléter le génial <i><b>Ennemi d’État</b></i>. Le
dispositif de surveillance devient ici ultime, libre d'axes et, dans une
certaine mesure, libre du facteur temps : c'est l'observation à son
paroxysme, ou presque. Elle n'est plus l'ennemi comme autrefois, mais un
outil, tout de même inquiétant, pour lutter contre le terrorisme,
lui-même généré par l'Amérique elle-même. Le fond politique du film est
saisissant et bel et bien présent, jamais écrasé par le détonant et
vertigineux film d'action qui le recouvre. En cela, Tony Scott aura
toujours été brillant et plus surprenant qu'on ne veut le croire. Et si
l'on fait encore fi de ceci, il n'en reste pas moins un diablement
efficace thriller.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-rW2hKbR9xNs/V5YSW26FfZI/AAAAAAAACRY/WPgigv-gqdoj2XRhQifqtjMsDT4m0G7GgCLcB/s1600/man-on-fire.jpeg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-rW2hKbR9xNs/V5YSW26FfZI/AAAAAAAACRY/WPgigv-gqdoj2XRhQifqtjMsDT4m0G7GgCLcB/s200/man-on-fire.jpeg" width="135" /></a><b><u><i>Man on Fire</i>, de Tony Scott (2004)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>Revisionnage.</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
J'estime, sans hésitations, que <i><b>Man on Fire</b></i>
est le chef-d’œuvre définitif de son auteur. Non seulement, il se forge
d'après le script inébranlable de Brian Helgeland, mais plus encore,
évidemment, le film voit Tony Scott s’approprier un nouveau style, d'une
modernité totale, à l'exemplaire réussite, qu'aucun ou presque n'aura
su renouveler depuis. Depuis le postulat d'une sorte de série B se
taille un film de mythologie et de rédemption, où le thriller burné
vient une fois de plus côtoyer un élan politique plus raffiné. A plus
d'une reprise, le film est vertigineux dans son écriture et forcément
dans la mise en scène qui s'applique dessus, dans tout ce chaos contrôlé
signifié par les excessifs et perturbants mouvements ou effets. C'est
une expérience atmosphérique, parfois éprouvante, en phase avec ses
personnages et leurs démons, mais toujours pensé selon une volonté de
cinéma unique : être capable de faire un film d'action depuis le prisme
du montage expérimental. Un film absolu à tous les niveaux, pour son
réalisateur, pour son brillant compositeur Harry Gregson-Williams; et
aussi, cela va sans dire, pour la muse de Tony Scott, le bon vieux
Denzel Washington qui trouve ici aussi son meilleur rôle. Immense film
du cinéma américain post-moderne.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
A propos du documentaire <i><b>Vengeance is Mine: Reinventing "Man on Fire"</b></i>
: c'est un peu dommage que le film de Charles de Lauzirika soit
relativement incomplet. Alors qu'il revient sur la passionnante genèse
du film, remake d'un film éponyme d’Élie Chouraqui et sur son éprouvant
tournage, il omet complètement sa post-production, ce qui, pour un film
avec un tel style, une telle ampleur de montage, paraît inconcevable.
Cela dit, c'est l'occasion de découvrir à quoi correspond le style si
emblématique de Tony Scott en pratique, dans une mécanique technique
impressionnante qui correspond à la plus grande des exigences. Alors se
distingue le grand génie derrière tout ceci : faire un film d'action
modernissime dans tous ses effets, et pourtant tourné avec des caméras à
manivelle.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-o8e_Y7m328k/V5YSt6lz3fI/AAAAAAAACRg/F7jO2g2FsX44E5yTMKc6iq7qeRZV0CPawCLcB/s1600/The_Hire_Beat_the_Devil.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-o8e_Y7m328k/V5YSt6lz3fI/AAAAAAAACRg/F7jO2g2FsX44E5yTMKc6iq7qeRZV0CPawCLcB/s200/The_Hire_Beat_the_Devil.jpg" width="146" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><u><i>The Hire : Beat the Devil</i>, de Tony Scott (2002)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Matrice d'un nouveau style de Tony Scott, le colossal spot commercial <i><b>The Hire : Beat the Devil</b></i>
est le reflet de l'énergie débordante du réalisateur. En transcendant
les (non-)limites offertes par la publicité, il délivre un objet visuel
étourdissant, où le film expérimental vient à l'emporter sur le film
d'action. Le message publicitaire en lui-même devient caduque, manipulé
par un grand auteur qui entend marquer par la création picturale en
elle-même. Dix minutes de névrose se concluant dans une course-poursuite
renversante à bien des niveaux. Et parce qu'un génie peut en cacher un
autre, on aura noté l'ami David Fincher à l'écriture, dans l'ultime pan
de sa période insolente.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-f3ZVP2aAnIo/V5YTC3EpmAI/AAAAAAAACRo/3RD89WMnIzoTWXMie3M1kvFuhXVPTbuHQCLcB/s1600/pearl_harbor_ver6.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-f3ZVP2aAnIo/V5YTC3EpmAI/AAAAAAAACRo/3RD89WMnIzoTWXMie3M1kvFuhXVPTbuHQCLcB/s200/pearl_harbor_ver6.jpg" width="135" /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<b><u><i>Pearl Harbor</i>, de Michael Bay (2001)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>Revisionnage. </i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Après <i><b>Il faut sauver le soldat Ryan</b></i>, il fallait bien qu'Hollywood se mette aussi à jour dans ce retour à la mode du film de guerre. Le scénario de <i><b>Pearl Harbor</b></i>, signé Randall Wallace, qui récidivera plus tard avec <i><b>Nous étions soldats</b></i>, est une sorte de melting-pot héroïque combinant le film de Spielberg à une fresque grandiloquente façon <i><b>Titanic</b></i>.
Évidemment, le résultat est à moitié indigeste, plus ou moins porté par
un Michael Bay éprouvant bien peu d'intérêt, de son propre aveu, dans
le films historique que lui a imposé Jerry Bruckheimer. Le résultat est
évidemment un grand gloubi-boulga d'action sur fond de mélodrame
exacerbé, à l'interprétation totalement à côté de la plaque et à
l'écriture aux valeurs héroïques complètement désuètes. Le réel impact
du film demeure l'envergure injectée par Michael Bay dans ses séquences
d'action, notamment l'attaque, où le déploiement d'artifices en tous
genre peut éventuellement faire son effet. Après, va-t-on pardonner un
scénario si simplet pour autant, au fond politique et moral légèrement
puant ? Plus simplement, pour l'attaque en elle-même, autant revoir <i><b>Tora ! Tora ! Tora !</b></i> (dont Michael Bay, sans surprise, s'est beaucoup inspiré) et pour le mélo, <i><b>Tant qu'il y aura des hommes</b></i>.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-9w8gtVHco80/V5YTL6OHGhI/AAAAAAAACRw/kFs9MD2WduYBB2N4BhiET_tbAiUj7bdwQCLcB/s1600/in_the_valley_of_elah.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-9w8gtVHco80/V5YTL6OHGhI/AAAAAAAACRw/kFs9MD2WduYBB2N4BhiET_tbAiUj7bdwQCLcB/s200/in_the_valley_of_elah.jpg" width="135" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><u><i>Dans la vallée d'Elah</i>, de Paul Haggis (2007)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Entre le métaphorique diptyque Iwo Jima sur lequel Paul Haggis aura officié en scénariste, et <i><b>Dans la vallée d'Elah</b></i>,
il faut croire qu'il aura rondement mené un tour du trauma américain
faisant suite aux destructeurs conflits en Irak et en Afghanistan. Avec
un certain recul, ce film m'évoque finalement <i><b>American Sniper</b></i>
de Clint Eastwood, des films où d'immuables et idéalistes valeurs
américaines rencontrent amèrement le spectre du regret, de la mort et
des doutes du lendemain. Et jusque dans la forme, d'ailleurs, puisque la
sublime mais très sobre photographie de Roger Deakins vient croiser les
teintes tout aussi tristes et grisaillantes de Tom Stern. Bien que l'on
puisse reprocher au film un défaut de subtilité, il est d'un
rentre-dedans nécessaire, et il ne pouvait sans doute en être autrement,
c'est aussi sa manière d'être réussi, d'être bouleversant, à l'image du
dernier plan. Sans surprise, il offre à Tommy Lee Jones un grand rôle
dramatique dans un touchant duo avec Susan Sarandon, et plus encore à
une Charlize Theron d'une rare finesse, à la simplicité exemplaire. Un
vrai et sincère cri de détresse, en somme.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-M18VsfS4-AU/V5YTY0RZN8I/AAAAAAAACR0/qvUzU8XcpiwbS_0U1jBaYwGFZ-FdBgQNwCLcB/s1600/936full-black-rain-poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-M18VsfS4-AU/V5YTY0RZN8I/AAAAAAAACR0/qvUzU8XcpiwbS_0U1jBaYwGFZ-FdBgQNwCLcB/s200/936full-black-rain-poster.jpg" width="149" /></a><b><u><i>Black Rain</i>, de Ridley Scott (1989)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><br />Revisionnage.</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Classique mais solide thriller d'action, <i><b>Black Rain</b></i> est avant tout un écho plus hollywoodien à <i><b>Blade Runner</b></i>.
Renouant avec le style néo-noir, il permet à Ridley Scott de visiter
l'Asie tant fantasmée dans sa précédente dystopie. C'est encore un film
très graphique, à l'image constamment embrumée, crépusculaire ou
nocturne, remarquablement photographiée par le talentueux Jan de Bont. A
travers un scénario qui explore simplement une histoire de flics contre
yakuzas, se tisse également toute l'obsession autour de la corruption,
la perte culturelle ou l'emprunte américaine sur le sol japonais ; la
signification du titre est sans équivoque à ce sujet-là. La patte de
Ridley Scott demeure sans pareil, alors qu'il signe d'ailleurs sa
première collaboration avec Hans Zimmer, qui avait à l'époque un sacré
panache dans ses plutôt kitch mais épiques compositions.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-PSTf52fbkYo/V5YVNCP6YvI/AAAAAAAACSM/deRPCiI66Zo-NpBCPLz1xF1uMMgaRFK1ACLcB/s1600/loaf_and_death.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-PSTf52fbkYo/V5YVNCP6YvI/AAAAAAAACSM/deRPCiI66Zo-NpBCPLz1xF1uMMgaRFK1ACLcB/s200/loaf_and_death.jpg" width="144" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><u><i>Wallace & Gromit : Sacré Pétrin</i>, de Nick Park (2008)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Très certainement déçu puisqu'il s'agit là du métrage le plus décevant des aventures d'un des plus beaux duos britanniques. <i><b>Sacré Pétrin </b></i>reprend l'esprit et le dynamisme du <i><b>Mystère du Lapin-Garou</b></i>, mais perd quelque chose en route, peut-être la maturité voire même une certaine sobriété, les effets s'accumulant. Alors certes, c'est sévère, puisque la patte est toujours là, ce côté un peu innocent, désuet, finalement touchant, ainsi des gags bien trouvés sont toujours capables de faire rire, mais peut-être est-ce plus par nostalgie qu'autre chose, en repensant aux anciens films, tous fabuleux. Une prolongation éventuellement agréable mais finalement dispensable, à l'instar d'une autre production Aardman comme Les Pirates, ce qui aurait pu témoigner d'un certain freinage au sein du studio, s'il ne nous avait pas gratifié du très drôle, plus réussi et plus mature <i><b>Shaun le Mouton</b></i>.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-PFnUBRhl0H4/V5YTnNsWzaI/AAAAAAAACR8/uLj4F-C4Xl4vOb3KvpJD92SmZiyktf6XwCLcB/s1600/media.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-PFnUBRhl0H4/V5YTnNsWzaI/AAAAAAAACR8/uLj4F-C4Xl4vOb3KvpJD92SmZiyktf6XwCLcB/s200/media.jpg" width="150" /></a><b><u><i>Tomboy</i>, de Céline Sciamma (2011)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Je suis assez déçu de <i><b>Tomboy</b></i>. Céline Sciamma réalise un film qui n'a pas nécessairement la maturité ou la force de <i><b>Bande de filles</b></i>.
Bien que détenant un sujet passionnant, il semble qu'elle n'en fait
jamais rien, trop focalisée sur sa jeune interprète principale,
remarquable il faut bien le dire. Mais ça ne fait pas tout. L'écriture a
ses beaux moments de justesse mais paraît bien trop inachevée ou trop
peu subtile à certains endroits, notamment dans son dernier tiers. C'est
à l'image de la réalisation, parfois solaire et très épurée, d'autres
fois d'un sinistre plan-plan qui ne rime pas à grand chose et donne
cette vilaine impression de film de la Fémis, renforcée par la
catastrophique direction d'acteur des seconds rôles (surtout des
parents). Je suis donc un peu dubitatif face au film, bien intentionné,
sûrement plein de qualités dans ses détails, mais qui me laisse à moitié
sur le carreau, comme s'il passait partiellement à côté de son sujet ; à
la fois plein de vie et plein de vide.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-ngxlwPSspuE/V5YVdYnRzGI/AAAAAAAACSQ/qLzaZAmopkMLldRGRdz3XCQT3hI_96xPACLcB/s1600/la-beaute-du-diable-a04.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-ngxlwPSspuE/V5YVdYnRzGI/AAAAAAAACSQ/qLzaZAmopkMLldRGRdz3XCQT3hI_96xPACLcB/s200/la-beaute-du-diable-a04.jpg" width="150" /></a><b><u><i>La Beauté du Diable</i>, de René Clair (1950)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Quelle immense déception ! Je m'attendais à quelque chose de la trempe de <i><b>La Main du Diable</b></i> de Tourneur, produit un peu plus tôt, à l'époque de la Continentale. Je trouve en fin de compte que <i><b>La Beauté du Diable</b></i>
a de sérieux problème de scénario, d'une part confus, d'autre part sans
attache émotionnelle. Peut-être est-ce parce que Gérard Philipe a peu
de répondant face à Michel Simon, mais principalement parce que
l'exercice global du film paraît plutôt vain. C'est un petit conte
moral, peu déplaisant et éventuellement élégamment tourné par René
Clair, mais jamais parcouru par un trait de génie qui vient sublimer le
fantastique et sa morale. Et bien que je n'aime pas l'emploi du mot, je
me vois obligé de dire que ce tout finit par faire un brin vieillot,
manquant de modernité ou même d'une verve classique plus efficace, que
l'on a retrouvé pourtant ailleurs chez René Clair. Dommage.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-BiYFZzEKZ00/V5YVopGUVCI/AAAAAAAACSU/XFdT0NwT9H0No7AhRPwGwcoCir-VwsGbwCLcB/s1600/under-fire-1983-aff-01-g.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-BiYFZzEKZ00/V5YVopGUVCI/AAAAAAAACSU/XFdT0NwT9H0No7AhRPwGwcoCir-VwsGbwCLcB/s200/under-fire-1983-aff-01-g.jpg" width="145" /></a><b><u><i>Under Fire</i>, de Roger Spottiswoode (1983)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Film épique et politique qui aurait pu être l'oeuvre de John Milius, <b><i>Under Fire</i></b>
est un grand exemple-type de la production américaine des années 80 qui
serait plus difficilement envisageable de nos jours. Abordant
frontalement l'implication américaine et l'éthique journalistique dans
la dictature du Nicaragua, il en extirpe un superbe film d'aventure, si
l'on peut le qualifier ainsi. Avant tout, il faut noter le fabuleux
casting constitué par Nick Nolte et son charisme chavirant, Gene Hackman
et la présence inquiétante et magnétique de Jean-Louis Trintignant. Ils
rendent le film incroyablement prenant, d'autant plus portés par la
très soignée réalisation de Roger Spottiswoode, dynamique et finement
pensé, lui-même autrefois monteur chez Sam Peckinpah. Ses efforts se
voient conjugués à ceux de Jerry Goldsmith, qui signe peut-être une de
ses plus grandes musiques, aux envolées mélodramatiques à la fois
exotiques et modernes.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-PzMdWY_Qzq0/V5YV8TTHxtI/AAAAAAAACSY/40ioeZGrsGcOY_X27CQzHfBvCT3BoE-_ACLcB/s1600/forty_eight_hrs.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-PzMdWY_Qzq0/V5YV8TTHxtI/AAAAAAAACSY/40ioeZGrsGcOY_X27CQzHfBvCT3BoE-_ACLcB/s200/forty_eight_hrs.jpg" width="135" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><u><i>48 heures</i>, de Walter Hill (1982)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Signant
un buddy-movie qui ne va pas chercher loin, mais qui, à sa manière,
préfigure évidemment un autre duo plus tardif du cinéma d'action
hollywoodien, Walter Hill fait de <i><b>48 heures</b></i> un manuel
d'efficacité. Pas le temps de se poser la moindre question dans le
dynamisme incroyable du film et l'alchimie entre Nick Nolte et Eddie
Murphy, compensant largement le classicisme de la trame qui n'est qu'un
prétexte à une action bien sentie et quelques punchlines comme on aime.
Il faut absolument saluer la splendide photographie de Ric Waite,
s'alignant sur le talent de Walter Hill dans sa captation des
environnements urbains, comme il le fait notamment depuis <i><b>The Driver</b></i>.
Bref, un divertissement d'une facture certaine, quand bien même il
n'est pas mémorable, confirmant un talent qui semble s'être depuis
relativement évanoui, hélas, du réalisateur.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-t-U-o9Gft50/V5YWN7pQfUI/AAAAAAAACSg/rPt25IfN4QIVOceAiRoAG3ByMSLoUDE9ACLcB/s1600/le-conformiste-affiche_7780_22032.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-t-U-o9Gft50/V5YWN7pQfUI/AAAAAAAACSg/rPt25IfN4QIVOceAiRoAG3ByMSLoUDE9ACLcB/s200/le-conformiste-affiche_7780_22032.jpg" width="153" /></a><b><u><i>Le Conformiste</i>, de Bernardo Bertolucci (1970)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Gloire à la stylisation selon le cinéma italien ! Avec <i><b>Le Conformiste</b></i>,
Bertolucci s'aligne sur le canon des thrillers politiques d'une riche
décennie. A travers le parcours meurtrier d'un sympathisant fasciste se
cherchant, il dissèque la société dans une épopée visuelle hors-norme,
jonglant entre les fantastiques, grandioses mais froides lignes droites
de la culture mussolinienne et la chaleur du bon-vivre bourgeois des
années 30. La photographie de Vittorio Storaro propose parmi la gamme de
teintes la plus belle aperçu dans le cinéma couleur, alors que
Bertolucci se ré-invente à chaque mouvement de caméra, à la tortuosité
parfois impressionnante. Mais le virtuose talent de ces compositeurs
d'image n'est pas vain, décrivant le chaotique système de ses
personnages et leur perdition en son sein. Un brillant exemple du ton
très acerbe des Italiens dès qu'il est question de critique sociétale et
humaine, servie par un total sens de la cinématographie. Une vraie
expérience de fond et de forme(s).</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-MrX_9Z4Pulw/V5YWisaDCqI/AAAAAAAACSo/qw7lg1mzlZ8pCMy6N9fr2efW5EnSFJ0UACLcB/s1600/fright_night.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-MrX_9Z4Pulw/V5YWisaDCqI/AAAAAAAACSo/qw7lg1mzlZ8pCMy6N9fr2efW5EnSFJ0UACLcB/s200/fright_night.jpg" width="126" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><u><i>Vampire, vous avez dit Vampire ?</i>, de Tom Holland (1985)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
A vrai dire, j'attendais davantage de <i><b>Vampire, vous avez dit Vampire</b></i>,
non pas parce que c'est un film "culte", mais parce qu'il a tout les
atouts pour être génial, son postulat, son ton décalé qui ne refuse pas
pour autant un traitement de film de genre, et une décennie qui se prête
à ce genre d'excentricité. Malheureusement, c'est un film qui ne
décolle jamais vraiment, prisonnier du capital-sympathique qu'il offre
au départ mais peu capable de le transcender. Tourné efficacement mais
sans grand génie, il peine peut-être à rivaliser la tête haute face aux
autres œuvres fantastiques des années 80. Le relatif second degré fait
mouche et donne au film de la personnalité, sans toutefois aller au bout
des choses, tout étant bien trop convenu, jusqu'à la dimension érotique
en elle-même. Peut-être était-ce un tort d'attendre quelque chose se
rapprochant du grandiose <i><b>Loup-garou de Londres </b></i>de John Landis... !</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-3VnJQiOFeI0/V5YXOMGpnZI/AAAAAAAACS0/E0TcplCq2Mc-kHvD-C0fmg-Kz7kMjuWtgCLcB/s1600/revenge-movie-poster-1990-1020704366.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-3VnJQiOFeI0/V5YXOMGpnZI/AAAAAAAACS0/E0TcplCq2Mc-kHvD-C0fmg-Kz7kMjuWtgCLcB/s200/revenge-movie-poster-1990-1020704366.jpg" width="147" /></a><b><u><i>Revenge</i>, de Tony Scott (1990)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>Revisionnage - Director's Cut. </i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
On se sera peu souvenu du très bon <b><i>Revenge</i></b>
dans la filmographie de Tony Scott, encastré entre ses succès
populaires des années 80 et 90, et plus tard oublié au profit du dernier
pan de sa carrière, plus marquant visuellement. Pourtant, malgré des
problèmes de production (qui ont donc conduit au remontage en <i>director's cut</i>),
il y a un film remarquablement bien écrit dans sa perception d'une
affaire de vengeance personnelle. Les archétypes du genre sont détournés
au profit d'un récit plus original, où le discutable héros est
significativement responsable du problème. Le film assume jusqu'au bout
son audace, dans un final qui n'aura été que très peu ré-itéré depuis
dans le cinéma hollywoodien, et c'est peut-être aussi pour cela que le
film a trouvé son échec commercial. Tony Scott perçoit son récit comme
un néo-western crépusculaire, parfois capable d'être anti-spectaculaire
comme certains l'étaient dans les années 70. Le duo d'antagonistes formé
par Kevin Costner et Antony Quinn est percutant de charisme. En résumé,
une oeuvre injustement oubliée de plus.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-pZJJTb0Lcq0/V5YXZzSTF7I/AAAAAAAACS8/C7l0gjJCY-ksB4882ENfkjLqGcw_-kTGwCLcB/s1600/Jamais_de_la_vie.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-pZJJTb0Lcq0/V5YXZzSTF7I/AAAAAAAACS8/C7l0gjJCY-ksB4882ENfkjLqGcw_-kTGwCLcB/s200/Jamais_de_la_vie.jpg" width="150" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><u><i>Jamais de la vie</i>, de Pierre Jolivet (2015)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Sorti dans l'indifférence générale, <i><b>Jamais de la vie</b></i>
est pourtant une très belle réponse au moribondisme qui gagne à la fois
le cinéma français de genre comme celui social (pensée pour <i><b>La Loi du marché</b></i>).
Filmant à mi-chemin entre les Dardenne et Michael Mann, Jolivet décrit
avec justesse la perversité de l'ennui et l'isolement humain.
Évidemment, il peut compter sur le fabuleux Olivier Gourmet pour
complètement habiter son film, au beau personnage si simple, dans lequel
on s'est tous projeté, volontairement ou non, quelque soit la condition
sociale. Dans ce triste mais vrai portrait de vie moderne, l'élément
perturbateur est quasiment source d'un salut et la tension que fait
grandir Jolivet écrase l'ennui. La fluidité avec laquelle le réalisateur
capte son histoire est presque exemplaire, sans exagération pour en
rajouter, si ce n'est quelques maladresses dans l'utilisation de la
musique. Un ombre bien légère qui n'obscurcit pas la très jolie réussite
du film, qu'il est bon de mettre en avant et d'inciter à la découverte.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-6POzDSEe8AY/V5YX1_QiWOI/AAAAAAAACTA/CnBRB6cU3vwUd2C4wf5Uwwx5Hc0scbhbACLcB/s1600/Two_Mules_for_sister_Sara_Poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-6POzDSEe8AY/V5YX1_QiWOI/AAAAAAAACTA/CnBRB6cU3vwUd2C4wf5Uwwx5Hc0scbhbACLcB/s200/Two_Mules_for_sister_Sara_Poster.jpg" width="130" /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<b><u><i>Sierra Torride</i>, de Don Siegel (1970)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>Revisionnage.</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Deuxième
collaboration entre Don Siegel et Clint Eastwood, et pourtant on
croirait ce dernier comme un poisson dans l'eau depuis bien des années
avec son réalisateur fétiche. <b><i>Sierra Torride</i></b> est une
géniale forme de réponse du réalisateur à la nouvelle vague de westerns,
autant ceux du Nouvel Hollywood que ceux du club Sergio Leone. Au ton
comique assumé, qui n'aura décidément jamais totalement quitté le
réalisateur, Siegel réalise surtout un western sacrément bien ficelé,
rentre-dedans et généreux. L'acte final du film, la fusillade dans le
fort, se permet de revisiter <i><b>La Horde sauvage</b></i> de Sam
Peckinpah, sorti un an plus tôt, détonante (c'est le mot) façon pour
Siegel de clamer aux petits nouveaux que lui aussi est encore dans le
coup. Quant au reste, c'est une affaire de personnalités génial :
Shirley MacLaine et son attachante vulgarité, Clint Eastwood et sa
ténébreuse attitude dont on ne se remettra jamais, et la musique d'Ennio
Morricone, clou du spectacle d'un fabuleux spectacle de Don Siegel,
trop souvent en retrait par rapport à ses films suivants.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-ZPSmQnxMvJo/V5YYDH7I14I/AAAAAAAACTI/JZ9J8kTPiZ0LtIaWsPSP-1pcHO5JEEq4ACLcB/s1600/The-Man-With-T%2Bhe-Golden-Gun-Poster-01.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-ZPSmQnxMvJo/V5YYDH7I14I/AAAAAAAACTI/JZ9J8kTPiZ0LtIaWsPSP-1pcHO5JEEq4ACLcB/s200/The-Man-With-T%2Bhe-Golden-Gun-Poster-01.jpg" width="131" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><u><i>L'Homme au pistolet d'or</i>, de Guy Hamilton (1974)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><br /></i>
<i>Revisionnage.</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Débuts de plus en plus difficile pour la période Roger Moore. Si j'avais déjà vu <i><b>Vivre et laisser mourir</b></i> à la baisse lors de mon revisionnage, il faut que je le fasse encore davantage significativement pour <i><b>L'Homme au pistolet d'or. </b></i>L'intrigue,
bien que très faible, a pourtant de quoi proposer à James Bond une
sympathique aventure face à la némésis parfaite que représente
Christopher Lee. Hélas, son personnage peu charismatique (un comble !)
gâche bien des enjeux, et le duel avec 007 devient sans âme. Fort
heureusement, on retrouve notre ami le shérif raciste, embarqué dans une
cascade impressionnante, il faut bien l'avouer (bien dommage qu'un
bruitage grotesque vienne s'y adjoindre). Le plus amusant reste
finalement le décor du paquebot Elizabeth renversé dans la baie de Hong
Kong, faisant la joie du chef décorateur, et finalement lieu le plus
dépaysant et original du film le plus faible, jusqu'alors, de la
franchise.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-nTqZwO571hM/V5YYMAvO7cI/AAAAAAAACTM/Bc90oVHLCRUpyTCLmt3DECev2ZhVwisaACLcB/s1600/domino.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-nTqZwO571hM/V5YYMAvO7cI/AAAAAAAACTM/Bc90oVHLCRUpyTCLmt3DECev2ZhVwisaACLcB/s200/domino.jpg" width="135" /></a><b><u><i>Domino</i>, de Tony Scott (2005)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>Revisionnage.</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Pour Tony Scott, <i><b>Domino</b></i>
était probablement une manière d'aller au bout du chemin emprunté
quelques années plus tôt lors de sa radicalisation stylistique. Car ici,
pour être radical, Tony l'est complètement. En bien comme en mal, c'est
un film étourdissant, où le concept de mise en scène de son auteur
(sur-découpage, nombreux mouvements et montage expérimental) est poussé
au maximum. L'exagération formelle est notamment permise par la solide
base qu'offre le scénario de série B (sans que ce soit péjoratif) de
Richard Kelly, même s'il est nécessaire de déplorer au sein de cette
écriture bien vue un récit encadrant très alourdissant. Mais le film
n'en reste pas moins un juste milieu entre l'exercice de style absolu et
un film personnel pour Tony Scott qui reste fidèle à ses valeurs,
disséquant une fois de plus les déviances morales de l'Amérique
contemporaine. Mais il aime aussi ses beaux personnages déviants et leur
offre alors ce film, en forme de singularité plus jamais aperçue depuis
dans le cinéma hollywoodien.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-5BY1Skb7cXE/V5YYf8aEF7I/AAAAAAAACTU/OUfr-PP1hmoec2u66yr-uytGIUvecrCnwCLcB/s1600/67a.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-5BY1Skb7cXE/V5YYf8aEF7I/AAAAAAAACTU/OUfr-PP1hmoec2u66yr-uytGIUvecrCnwCLcB/s200/67a.jpg" width="145" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><u><i>Sergent York</i>, de Howard Hawks (1941)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Un
bel exemple du cinéma de propagande dans ce qu'il a de plus noble et de
plus achevé cinématographiquement. Ceci dit, c'est aussi un exemple
terrifiant de la sordide répétition de l'histoire : l'engagement
américain dans la Première Guerre Mondiale permet d'être un exemple pour
celui de la Seconde. Rien ne change jamais, et surtout pas la guerre.
Derrière la valeur défendue par le film, il y a aussi une solide
dramaturgie. Ici, ça n'est justement pas qu'un film-prétexte : des
personnages sont installés, des enjeux personnels creusés et rien n'est
jamais expédié. On retrouve alors ce bout d'Americana que vient capter
la caméra de Hawks, à la lisière du western, plongée dans une modernité
qui lui fait justement perdre cet innocent qualificatif. On joue
évidemment sur l'idéal que représente Gary Cooper, ici malmené dans une
première partie avec ce personnage de pitoyable alcoolique, renouant
plus tard avec la sagesse, du moins avec les valeurs plus
traditionnelles défendue par l'Amérique protestante. Mais la finalité de
cette évolution est plus intéressante : Hawks ne célèbre pas
nécessairement le héros de guerre ou la machine à tuer incarnée par Gary
Cooper. Ça n'est alors que l'histoire d'un simple américain appelé à
faire son devoir, mais finalement résolu à rentrer chez lui, renouer
avec l'idéal paradisiaque du "chez-soi". L'ombre de Chris Kyle n'est
après tout jamais bien loin.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Fiche Cinelounge</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-S-RaIMP_M2k/V5YYuM31hhI/AAAAAAAACTY/v4uc70XYERAka8gwNnuZCP_NH5qkGzayACLcB/s1600/spy_who_loved_me.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-S-RaIMP_M2k/V5YYuM31hhI/AAAAAAAACTY/v4uc70XYERAka8gwNnuZCP_NH5qkGzayACLcB/s200/spy_who_loved_me.jpg" width="123" /></a><b><u><i>L'Espion qui m'aimait</i>, de Lewis Gilbert (1977)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>Revisionnage.</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Devant <b><i>L'Espion qui m'aimait</i></b>, il faut croire qu'Albert R. Broccoli et Harry
Saltzman se sont enfin dit qu'il fallait absolument rectifier la
trajectoire des aventures de l'espion britannique. Car non seulement le
film est le meilleur de la période Roger Moore, mais plus encore, c'est
un des James Bond les plus géniaux ! L'humour lourdingue devient plus
nuancé, utilisé avec parcimonie, et la part belle est désormais faite au
scénario, tout en prenant soin de complètement moderniser l'ensemble de
la franchise. Exit John Barry (mais comme Bond, il reviendra !), place
au percutant et électronique Marvin Hamlish, qui fait résonner dans <i>"Bond '77"</i>
une des musiques les plus prenantes possible. Bien que l'écriture ne
laisse pas de répit, les enjeux sont davantage installés et évidemment
il faut saluer la présence du fabuleux Cürd Jurgens qui permet de
magnifier et réellement façonner l'antagoniste, le premier réussi depuis
trois films. Enfin, il faut reconnaître que le film est un délice
visuel, précisément photographié par Claude Renoir (avec, paraît-il, une
collaboration un peu secrète de Kubrick), et créant dans la séquences
des pyramides un grand moment qui convoque presque Hitchcock. Bref, une
immense réussite que je ne me lasse jamais de revoir. Sans parler de la
chanson à la fois douce et puissante Carly Simons...</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-FPfKxqB6Ot8/V5YY8fy4lkI/AAAAAAAACTg/VqzdCNjVZTIHATyNnfFfH4POUexSoXnrQCLcB/s1600/Scott-Pilgrim-vs.-the-World-Poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-FPfKxqB6Ot8/V5YY8fy4lkI/AAAAAAAACTg/VqzdCNjVZTIHATyNnfFfH4POUexSoXnrQCLcB/s200/Scott-Pilgrim-vs.-the-World-Poster.jpg" width="133" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><u><i>Scott Pilgrim</i>, d'Edgar Wright (2010)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Je pense que tous les réalisateurs très visuels ont des films de la sorte de <i><b>Scott Pilgrim</b></i>,
des métrages totalement en roue libre. Ce qui n'est pas toujours une
critique, d'ailleurs, surtout dans le cas d'Edgar Wright qui en profite
pour imposer un déluge d'idées. Car son film, c'est à peu près ceci,
trois idées par plan qui viennent constamment s'entrechoquer, quelque
part entre le virtuose et la limite du trop. Cela contraste peut-être un
peu trop avec la simplicité de la trame, certes assumée comme tel, mais
somme toute trop répétitive alors que les enjeux deviennent un peu
rébarbatif. Néanmoins, le rythme survitaminé de Wright propulse son film
du début à la fin, prenant peut-être un peu trop la forme d'un géant
exercice de style, mais à la singularité colorée qu'il est difficile de
platement ignorer. Et ça n'est pas tous les jours que je suis client de
culture geek au cinéma.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-5nQV_4Hwqgg/V5YZHjZ3L9I/AAAAAAAACTk/-NmKHi4YVFsJi444r-g59t-VA0VTh9phgCLcB/s1600/the-bible-movie-poster-1967-1020205357.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-5nQV_4Hwqgg/V5YZHjZ3L9I/AAAAAAAACTk/-NmKHi4YVFsJi444r-g59t-VA0VTh9phgCLcB/s200/the-bible-movie-poster-1967-1020205357.jpg" width="129" /></a><b><u><i>La Bible</i>, de John Huston (1966)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En
voilà tout un programme ! L'étape au-dessus du péplum biblique est donc
l'adaptation biblique en elle-même, mais pas celle des récits antiques,
celle du commencement. D'une certaine manière c'est un peu difficile de
situer <i><b>La Bible</b></i> selon John Huston, trop pompeux et lent pour être une
fresque d'aventure, finalement juste une adaptation relativement simple
des premiers chapitres. C'est en fait le prétexte à un film au vaste
visuel, embrassant autant les immenses paysages vierges de la Genèse que
les imposants constructions plus tardives des hommes. Sans que l'on
cerne nécessairement l'intérêt du film, les premiers segments arrivent à
être passionnants comme regard sur comment Hollywood s'approprie et
perçoit le mythe biblique. Il faut même avouer que tout l'acte autour du
déluge et de Noé (interprété par John Huston, d'ailleurs) est
extrêmement réussi, pour le coup autant en terme d'enjeux dramatiques
que sur le plan graphique, très pictural. Le troisième grand acte autour
d'Abraham est plus laborieux et révèle les limites du projet : moins
visuel, l'intérêt s'évapore rapidement et le sens de la dramaturgie est
très absent, plaquant platement à l'écran les divers épisodes de la
famille du patriarche, malgré les enjeux normalement énorme sur le plan
moral que ceci devrait illustrer. En fin de compte, c'est une curiosité à
découvrir pour quiconque se demande le résultat d'une combinaison de la
Genèse de l'Ancien Testament, un gros casting, un gros budget et le
grandiloquent ton d'une coproduction italo-américaine.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-9AMDdRVnqls/V5YZg_MGNuI/AAAAAAAACTs/lX_LpbfrJDcz_rWYFIxSUwNi0NwQ4-tpwCLcB/s1600/ESCAPE-PLAN-POSTER-XL.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-9AMDdRVnqls/V5YZg_MGNuI/AAAAAAAACTs/lX_LpbfrJDcz_rWYFIxSUwNi0NwQ4-tpwCLcB/s200/ESCAPE-PLAN-POSTER-XL.jpg" width="135" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><u><i>Évasion</i>, de Mikael Håfström (2013)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Avec son pitch à dormir debout mettant en scène un "testeur de prisons", <i><b>Évasion</b></i>
aurait pu ceci dit tout à fait être une série B des plus sympathiques
et efficace, réunissant son vieillissant duo de gros bras. Hélas, c'est
surtout une production un peu bête qui n'a pas grand chose à proposer et
peine à mettre en scène un film carcéral correct. Les situations sont
tellement surréalistes qu'il est difficile de prendre au sérieux le
film, lui-même trop dénué de second degré pour être interprété
autrement. D'ailleurs on se rend bien compte que si l'on ôte quelques
artifices invraisemblables, le scénario est complètement dysfonctionnel
et mal construit. Et si dans la série B, la simplicité est le maître-mot
comme clef vers l'efficacité, ici rien n'est appliqué et par
conséquent, rien ne fonctionne ou presque. C'est à peine divertissant,
ceci dit le gentil faiseur qu'est Mikael Håfström fait en sorte que ce
ne soit pas trop ennuyant.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-t7a3Rih-WBo/V5YZuEGIYWI/AAAAAAAACTw/2Jdgbo_mVicyxBSOcgZr8z0wceQiZaPSgCLcB/s1600/stargate.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-t7a3Rih-WBo/V5YZuEGIYWI/AAAAAAAACTw/2Jdgbo_mVicyxBSOcgZr8z0wceQiZaPSgCLcB/s200/stargate.jpg" width="128" /></a><b><u><i>Stargate, la porte des étoiles</i>, de Roland Emmerich (1994)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>Revisionnage.</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Si
aujourd’hui Roland Emmerich passe pour un de mes plaisirs coupables de
chevet (en plus du réellement - et surpassement - intéressant <i><b>Anonymous</b></i>), il s'imposait autrefois avec <i><b>Stargate</b></i>
comme un metteur en scène capable d'être le pilier d'une nouvelle vague
de science-fiction. Du concept génial tiré avec Dean Devlin, il
parvient à extraire un fabuleux film d'aventures spatiales, convoquant
aussi bien Spielberg que David Lean. Le mélange entre science-fiction et
mythologie Antique recèle des merveilles, et ouvre les portes vers un
univers réellement novateur. Il est impératif de noter l'incroyable
travail de production design que l'on doit notamment à Patrick
Tatopoulos, participant grandement à la réussite formelle et cette
impression de nouveauté dans le paysage difficilement mutable, car très
codifié, du genre. Davild Arnold apporte quant à lui la mémorable
partition indispensable (ou presque) à toute grande œuvre du genre,
permettant à Emmerich de signer un blockbuster exemplaire qu'il n'aura
hélas jamais renouvelé par la suite. Néanmoins, je demeure curieux à
propos du reboot.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-Cwr5bpm9T8c/V5YZ6OCQuwI/AAAAAAAACT0/JNygis8Gz3Yl7QaVBW2hRR7BPkc4i0YxgCLcB/s1600/Moonraker-James-Bond-007-Poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-Cwr5bpm9T8c/V5YZ6OCQuwI/AAAAAAAACT0/JNygis8Gz3Yl7QaVBW2hRR7BPkc4i0YxgCLcB/s200/Moonraker-James-Bond-007-Poster.jpg" width="130" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><u><i>Moonraker</i>, de Lewis Gilbert (1979)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>Revisionnage. </i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Au cas-où vous ne l'auriez pas remarqué... <i><b>Star Wars</b></i> est passé par-là. C'est tellement bête à dire et pourtant Eon Productions tartine <i><b>Moonwalker</b></i> de ce nouvel esprit de science-fiction, qui bien entendu contribue à rendre le film imbuvable en plus de l'avoir fait rentrer au panthéon des scènes cosmiques les plus absurdes. C'est peut-être dommage car une partie du film est plutôt réussie, comme en témoigne cette sauvage (mais trop courte) traque canine en pleine forêt. Lewis Gilbert n'est vraiment pas un mauvais metteur en scène, mais il se retrouve avec un scénario dont il est résolument difficile de se dépêtrer. Michael Lonsdale, qui aurait pu être un antagoniste à la froideur ultra-charismatique, trame un plan si grotesque qu'il contribue à ne plus prendre au sérieux le film. Ceci dit, l'ensemble demeure moins pénible et orienté nanar, malgré le final, que dans mes souvenirs. Le navet n'est cependant jamais bien loin, d'où l'importance de la nuance.</div>
<br />
<br />
<div style="text-align: right;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-d8HqKu72uk4/V5YaKMIuFYI/AAAAAAAACT4/qtRpmladZ6soHfpdKSFLJPTunR7AKY37gCLcB/s1600/Hobbit_BOTFA_Intl_poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-d8HqKu72uk4/V5YaKMIuFYI/AAAAAAAACT4/qtRpmladZ6soHfpdKSFLJPTunR7AKY37gCLcB/s200/Hobbit_BOTFA_Intl_poster.jpg" width="135" /></a><b><u><i>Le Hobbit : La Bataille des cinq armées</i>, de Peter Jackson (2013)</u></b></div>
<br />
<i>Revisionnage, version longue.</i><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
La version longue de <b><i>La Désolation de Smaug </i></b>avait contribué, bien que légèrement, à me faire ré-évaluer positivement un film imparfait, trahissant les éventuelles faiblesses de cette nouvelle saga, pourtant absentes du premier volet. <i><b>La Bataille des cinq armées</b></i> avait été pénible à suivre au cinéma, puisque sans qu'il s'agisse d'un film résolument mauvais, la déception de voir ce Peter Jackson en roue libre était terrible (et les coulisses de la production sont édifiantes à ce sujet). Dans ce cas-ci, le nouveau montage ne change pas que cela la donne. Ce qui faisait défaut à la sortie cinéma, à savoir toute la dimension humaine (ou semi-humaine, c'est selon !) et morale de l'aventure, sacrifiée au profit d'un divertissement d'action, ne ré-intègre pas pour autant sa place malgré quelques séquences toujours appréciables. Alors que la bataille est rallongée, le film ne raconte rien de plus et fait toujours office de conclusion bâclée pour ce qui aurait dû être une belle trilogie d'auteur. La grande réussite demeure toujours cette introduction autour de l'attaque de Smaug, qui, paradoxalement, aurait certainement dû être plutôt la conclusion du précédent volet. Un échec qui n'est pas intégral, mais encore et toujours frustrant.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><u><br /></u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-VHho8AQeScc/V5YafDWcYEI/AAAAAAAACUA/OvwXN1Y2oxIYhxgTKq7Vzj_925vxs9F4wCLcB/s1600/12-for-your-eyes-french.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-VHho8AQeScc/V5YafDWcYEI/AAAAAAAACUA/OvwXN1Y2oxIYhxgTKq7Vzj_925vxs9F4wCLcB/s200/12-for-your-eyes-french.jpg" width="144" /></a></div>
<b><u><i>Rien que pour vos yeux</i>, de John Glen (1981)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>Revisionnage.</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Nouveau cap franchi avec les années 80, mais toujours une incapacité à réellement faire évoluer les épisodes de James Bond. <i><b>Rien que pour vos yeux</b></i> est une fois de plus très mineur. L'intrigue mêle mollement des éléments désormais très (trop) classiques, ici un système d'attaque dérobé par un quelconque vilain sans grand intérêt. L'essentiel du film, c'est peut-être le charme de Carole Bouquet et sa longue chevelure, bien que le personnage en lui-même soit sans intérêt. Personne ne porte le film, ni Roger Moore se désintéressant de l'entreprise, ni Julian Glover. Les îles grecques constituent éventuellement un paradis des plus agréables au sein de la saga, mais c'est bien peu pour donner au film un réel intérêt, outre qu'il soit estampillé 007. A noter la musique de Bill Conti, remarquablement pénible.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-IpoQmPLn6RE/V5Yavjhud0I/AAAAAAAACUE/gOD1O8BjytglsCZFObGL--KuLdXcaZOIQCLcB/s1600/Poster%2B-%2BTales%2Bof%2BManhattan_01.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-IpoQmPLn6RE/V5Yavjhud0I/AAAAAAAACUE/gOD1O8BjytglsCZFObGL--KuLdXcaZOIQCLcB/s200/Poster%2B-%2BTales%2Bof%2BManhattan_01.jpg" width="132" /></a><b><u><i>Six destins</i>, de Julien Duvivier (1942)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Les films à historiettes sont souvent des productions hétérogènes d'un segment à l'autre, mais résolument charmantes par le casting qu'elles attirent éventuellement autour de leur concept. C'est le cas de <i><b>Six destins</b></i>, permettant à Duvivier de convoquer une très belle brochette autour de la transmission d'un habit. Le prétexte est un peu vague et comme prévu, tous les actes ne se valent pas, mais il permet d'offrir quelques scènes de grâce complètement inattendues, comme une déclaration d'amour d'Henry Fonda envers Ginger Rogers, totalement à tomber à la renverse. Ailleurs, c'est le toujours fabuleux Edward G. Robinson qui vole la vedette dans une touchante saynète sociale. Peut-être pas majeur dans la filmographie de Duvivier, mais un détour hollywoodien des plus agréables, une ode à de beaux acteurs et actrices derrières de jolies histoires.</div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<b><u><br /></u></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-A1uWl04eH0A/V5YbE-3wTxI/AAAAAAAACUM/gsNIkJav2QUgpKLXvuocbfGM_ERt3scnwCLcB/s1600/les-tribulations-d-un-chinois-en-chine-poster_406817_48324.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-A1uWl04eH0A/V5YbE-3wTxI/AAAAAAAACUM/gsNIkJav2QUgpKLXvuocbfGM_ERt3scnwCLcB/s200/les-tribulations-d-un-chinois-en-chine-poster_406817_48324.jpg" width="152" /></a></div>
<b><u><i>Les Tribulations d'un chinois en Chine</i>, de Philippe de Broca (1965)</u></b><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Tac tac badaboum, c'est reparti dans tous les sens. Belmondo par-ci, Belmondo par-là, <i><b>Les Tribulations d'un chinois en Chine</b></i> a tout de l'archétype de la comédie d'aventure, celle qui fait voyager. Et vraiment voyager, d'ailleurs, puisque c'est là qu'on se rend compte, toujours un peu plus, du savant talent de mise en scène de De Broca, et sa grande capacité à sublimer les paysages exotiques que, vraisemblablement, il affectionne tant. Le duo Belmondo / Rochefort est forcément des plus délicieux, inévitablement grâce au le génie comique calme et décontracté de la plus belle moustache de France. L'ennui est banni de cette odyssée improbable, au rythme constant et aux trouvailles toujours plus délirantes. Un cinéma sans limites qui fait drôlement plaisir.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-a4v_mGtKjgg/V5YbTG06WjI/AAAAAAAACUQ/HxRD_tubfswkeCvxHk3IQDCp0p_mBYfFwCLcB/s1600/18868000.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-a4v_mGtKjgg/V5YbTG06WjI/AAAAAAAACUQ/HxRD_tubfswkeCvxHk3IQDCp0p_mBYfFwCLcB/s200/18868000.jpg" width="149" /></a><b><u><i>Le Cerveau</i>, de Gérard Oury (1969)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>Revisionnage. </i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Alors certes, justement, ça n'est pas aussi brillant ou constant que les films de Philippe de Broca. Mais après tout, Gérard Oury n'est pas non plus le dernier des manches, et s'il a souvent fauté, il demeure malgré tout un réalisateur de comédie honnête et plutôt solide. <i><b>Le Cerveau</b></i>, c'est surtout un scénario assez fin et prenant qui permet d'impliquer un certain nombre de personnages hauts en couleurs : c'est là toute la richesse du film, sur laquelle le casting fait bien entendu écho. C'est un brin n'importe quoi du début à la fin, à l'image du - littéralement - tordant générique, mais c'est aussi la preuve de l'inventivité de l'époque. Un n'importe quoi attachant, parce qu'après tout personne de sensé ne se priverait d'un quatuor Bourvil - Bebel - Niven - Wallach. D'autant plus aujourd'hui, quand ces gens-là nous manquent.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><u><br /></u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-qfh0CLwylKE/V5YbqI7mjAI/AAAAAAAACUU/f5aBEoKs0jMW19U650LRNvvepXzdRTm1wCLcB/s1600/esther_and_the_king.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-qfh0CLwylKE/V5YbqI7mjAI/AAAAAAAACUU/f5aBEoKs0jMW19U650LRNvvepXzdRTm1wCLcB/s200/esther_and_the_king.jpg" width="130" /></a></div>
<b><u><i>Esther et le Roi,</i> de Raoul Walsh (1960)</u></b><br />
<br />
Un péplum complètement raté et un Raoul Walsh catastrophique ! <b><i>Esther et le Roi </i></b>est un bon exemple de tout ce qui est susceptible d'échouer coproduction italo-américaine (face à d'autre, beaucoup plus réussies, comme<i><b> Le Cid </b></i>de Mann). L'écriture, pompeuse et vaine, s'étale sur une histoire relativement faible en elle-même, aux personnages unilatéraux et sans grand intérêt. L'interprétation est incroyablement mauvaise, entre les acteurs italiens post-synchronisés qui surjouent, et les acteurs américains de seconde zone. Presque rien à sauver, en fait, si ce n'est les quelques fulgurances visuelles colorées au sein de la photographie d'un certain Mario Bava, au milieu d'un film formellement assez pauvre et bon marché dans sa reconstitution. La mise en scène est paresseuse, mais on sent bien volontiers Walsh (alors vieillissant) peu intéressé par son sujet, et pas complètement à l'aise, comme d'autres de sa génération, avec le cinémascope. A découvrir si l'on est curieux à propos des erreurs de parcours des grands réalisateurs.<br />
<br />
<br />
<div style="text-align: right;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-P8sSJLruad8/V5Yb5wsDREI/AAAAAAAACUc/jpLUFMC5RGw0XxZNbuu2RblOL4w_-uETwCLcB/s1600/rolling-thunder-movie-poster-1977-1020195892.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-P8sSJLruad8/V5Yb5wsDREI/AAAAAAAACUc/jpLUFMC5RGw0XxZNbuu2RblOL4w_-uETwCLcB/s200/rolling-thunder-movie-poster-1977-1020195892.jpg" width="131" /></a><b><u><i>Légitime Violence</i>, de John Flynn (1977)</u></b></div>
<br />
Dès le départ, <i><b>Légitime Violence</b></i> est un film qui dégage une ambiance relative de malaise. Le retour au pays de ce vétéran, ex-prisonnier de guerre des vietcongs, donne encore l'opportunité d'un portrait au vitriol de la société américaine. Il y a d'autant plus quelque chose d'inquiétant dans le faciès bien buriné de William Devane, patriote fier recélant un psychopathe au bord du gouffre. L'intrigue devient finalement très simple, puisqu'histoire de vengeance, comme <i><b>Echec à l'organisation</b></i>, aussi de John Flynn, mais ici en encore bien plus réussi. Le fond de cette histoire malaisante domine tout le métrage, jusqu'au dernier photogramme. La relation entre Devane et le personnage de Tommy Lee Jones est presque étouffante, en fin de compte. C'est sans doute là où le film est réellement brillant, car il est capable d'en dire le moins possible, d'en montrer le moins possible, et être quand même un grand film d'Amérique, un vrai film de trauma, un vrai drame social, un vrai film de genre.</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-Ok7t7V2aj6A/V5YcGsu4uwI/AAAAAAAACUg/VFHo3groCSE_hgUwx18GV9a1TmtHXBxHgCLcB/s1600/view_to_a_kill.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-Ok7t7V2aj6A/V5YcGsu4uwI/AAAAAAAACUg/VFHo3groCSE_hgUwx18GV9a1TmtHXBxHgCLcB/s200/view_to_a_kill.jpg" width="130" /></a></div>
<b><u><i>Dangereusement vôtre</i>, de John Glen (1985) </u></b><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
<i>Revisionnage. </i><br />
<br />
Ouf ! Enfin le dernier virage pour Roger Moore. Par chance, <b><i>Dangereusement vôtre</i></b> n'est pas le plus mauvais de ses opus et est une clôture fatiguée, mais honnête. C'est un vrai 007 classique à tous les niveaux, finalement plus proche de la construction de ceux de l'ère de Sean Connery. L'intrigue ne va pas chercher forcément loin, mais permet à James un passage en France qui n'est forcément pas de refus, et un antagoniste classieux, même si l'on a connu Christopher Walken plus inspiré. La vraie star, en fin de compte, c'est vraiment Grace Jones, au personnage résolument magnifique à tous les niveaux. Sans surprise, le gros point fort demeure la musique : non seulement l'introduction punchy de Duran Duran, mais aussi les compositions de John Barry, dont le thème romantique est un des morceaux les plus brillants de sa carrière.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-K0HjnLWdGjI/V5YckOXKLOI/AAAAAAAACUk/n78jv36rZkUQYDPCwJ4Fr6Zr-HEXPqIEwCLcB/s1600/living_daylights_ver2.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-K0HjnLWdGjI/V5YckOXKLOI/AAAAAAAACUk/n78jv36rZkUQYDPCwJ4Fr6Zr-HEXPqIEwCLcB/s200/living_daylights_ver2.jpg" width="126" /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<b><u><i>Tuer n'est pas jouer</i>, de John Glen (1987)</u></b></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
Je mentionne souvent les films dit "programmatiques", mais ici, avec <b><i>Tuer n'est pas jouer</i></b>, il est question d'un parfait exemple au sein de la saga 007. Évidemment, le diptyque avec Timothy Dalton préfigure largement tout ce qui fera le succès plus tardif de l'ère Craig, à savoir non seulement un héros plus perturbé et perturbant, mais aussi une stylistique de film d'action qui éloigne le grotesque au profit d'éléments dramatiques plus importants. Elle est finalement là, la réelle évolution : enfin, les personnages secondaires, outre l'antagoniste principal, prennent de l'épaisseur. Quelques sursauts parfois peu subtiles trahissent éventuellement les racines du personnage, mais qu'importe, c'est tout de même étonnant de se dire que c'est le même John Glen qui est aux manettes de celui-ci. Un miracle n'arrive donc jamais seul, puisqu'en sus, John Barry parvient encore à refaçonner le mythe musical bondien, preuve d'un génie qui a toujours été constant au sein d'une franchise certainement plus hétérogène. Le temps est donc venu d'estimer à sa juste valeur l'apport non-négligeable et avant-gardiste de Timothy Dalton à ce bon vieux James.</div>
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<a href="https://2.bp.blogspot.com/-9-gyM0i7JR8/V5Ycwby9fzI/AAAAAAAACUs/2WKV_2t4F1wMVEu--irzdvCYwxeHzM4cACLcB/s1600/wreckit_ralph_international.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-9-gyM0i7JR8/V5Ycwby9fzI/AAAAAAAACUs/2WKV_2t4F1wMVEu--irzdvCYwxeHzM4cACLcB/s200/wreckit_ralph_international.jpg" width="134" /></a></div>
<b><u><i>Les Mondes de Ralph</i>, de Rich Moore (2012)</u></b><br />
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<div style="text-align: justify;">
L'intention de ce film m'échappe totalement : un délire nostalgique autour du jeu vidéo des années 80, perçu depuis le prisme de la jeunesse des années 2010, se transformant ultimement en grotesque adaptation d'un univers façon Candy Crush. On dirait que <b><i>Les Mondes de Ralph</i></b> a été conçu et écrit par des gens complètement étrangers à l'univers qu'ils abordent, limités au clichés transgénérationnels des jeux vidéo (les personnages cultes de diverses franchises). En réalité, ce pourrait ne pas être un problème si le récit emmenait quelque part, mais hélas c'est un film qui tourne à vide puisqu'il a trop choisi de se reposer sur un concept, ce même concept qui s'évapore après l'introduction, jusqu'à même parfois nous faire oublier que nous sommes dans un monde vidéoludique. Les personnages sont hélas peu intéressants puisqu'ils représentent seulement les archétypes nécessaire pour faire rouler la mécanique d'un scénario trop balisé, typique du manque d'audace du studio dans ses productions d'animation. Les péripéties sont invraisemblablement inintéressantes (la course de voitures, comme point d'orgue de l'aventure, est d'une pauvreté de mise en scène notable) et l'humour fait rarement mouche. Derrière ses allures de correct divertissement se cache un film totalement consternant ! </div>
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<br />Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6423083980187720142.post-66024816799557398072016-05-10T17:49:00.003+02:002016-05-16T14:07:42.725+02:00[Avis en vrac] Vus et revus #22<span style="font-size: large;"><u><b><br /></b></u></span>
<span style="font-size: large;"><u><b>AU CINÉMA - ACTUALITÉS</b></u></span><br />
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<i>Le blog a été bien peu actif depuis le début de l'année et j'en suis bien désolé. Pour compenser, ci-dessous, un retour sur les sorties vues ces derniers mois... !</i><br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-D1Rqj-eriNs/Vzm3tKPveiI/AAAAAAAACP8/j_HzG1KULHYB6A9k1QpIHgqOaJ80aXc8gCLcB/s1600/vlcsnap-2016-02-11-12h06m47s229.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="302" src="https://2.bp.blogspot.com/-D1Rqj-eriNs/Vzm3tKPveiI/AAAAAAAACP8/j_HzG1KULHYB6A9k1QpIHgqOaJ80aXc8gCLcB/s320/vlcsnap-2016-02-11-12h06m47s229.png" width="540" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Homeland : Iraq année zéro</b></i>, d'Abbas Fahdel (2015)</td></tr>
</tbody></table>
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<i><br /></i>
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-CJg42nhd_KM/VzH-i3KK5yI/AAAAAAAACO4/LJ1ij-bzM3UShbEtCiBF69D_fg8fHKyuQCLcB/s1600/thehateful8-teaser-poster.jpeg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-CJg42nhd_KM/VzH-i3KK5yI/AAAAAAAACO4/LJ1ij-bzM3UShbEtCiBF69D_fg8fHKyuQCLcB/s200/thehateful8-teaser-poster.jpeg" width="135" /></a><b><u><i>Les 8 Salopards</i>, de Quentin Tarantino (2015)</u></b><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Passé <i><b>Boulevard de la Mort</b></i>, j'avais eu du mal à savoir si j'étais encore en phase ou non avec le cinéma de Quentin Tarantino. Ceci dit, si avec <i><b>Django Unchained</b></i> je trouvais déjà une forme de réconciliation des plus plaisantes dans un western mature et remarquablement intelligent, il faut dire que ça n'est presque rien face à la réussite intégrale que constitue à mes yeux <i><b>Les 8 Salopards</b></i>. C'est bien simple, je le place dans mon panthéon de l'auteur aux côtés de <i><b>Jackie Brown</b></i>. Tarantino marque décidément une évolution décisive dans son cinéma, se radicalisant au passage. Il met un terme à la caractéristique anecdotique qui marque souvent son écriture et remplit de la sorte les trois heures de son film d'une incroyable profondeur. En faisant disserter à sa manière ces huit salopards sur ce qu'est l'Amérique, autant cette néo-guerre civile que celle contemporaine, il tient son film peut-être le plus subtil. Et pourtant, l'exercice de style brillant auquel se prête Tarantino, dans cette utilisation de format en huis-clos, n'occulte jamais tout l'enjeu politique du film. Lui plus que quiconque avait compris que <i><b>The Thing</b></i>, dont il s'inspire évidemment, n'était pas qu'une histoire de forme brillante et de suspens. Arrivé à maturation complète, Tarantino défie désormais ouvertement les piliers du cinéma qu'il aime prétendre combattre. Mais la réflexion derrière n'en est pas moins géniale lorsqu'il s'amuse autour d'un cérémoniel lincolnien qui n'aurait pas été étranger à John Ford ou Steven Spielberg, savamment détourné ici. Bien que l'on puisse encore considérer Tarantino comme une anomalie dans le paysage mainstream hollywoodien, force est de reconnaître que le trublion d'autrefois a laissé la place a un cinéaste d'autant plus réfléchi. Et puis, Ennio Morricone, c'est un petit peu comme un cadeau, alors merci.</div>
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-26wSmUECACY/VzH-XlTVa2I/AAAAAAAACNo/sMdAQEZUC_02o7ln_CJhCunhA4Aiau3IwCKgB/s1600/HOMELAND_120_WEB.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-26wSmUECACY/VzH-XlTVa2I/AAAAAAAACNo/sMdAQEZUC_02o7ln_CJhCunhA4Aiau3IwCKgB/s200/HOMELAND_120_WEB.jpg" width="146" /></a><b><u><i>Homeland, Irak Année Zéro</i>, d'Abbas Fahdel (2016)</u></b></div>
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<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-size: small;"><span id="docs-internal-guid-6ebd41ea-3d52-b923-38d7-91de7b9b4c30" style="background-color: transparent; color: black; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: 400; text-decoration: none; vertical-align: baseline;">“L’heure est au bilan”, se martèle-t-on naïvement dans le crâne au cinquième, dixième ou douzième sordide anniversaire de la guerre en Irak. Celui d’Abbas Fahdel semble quasiment antidaté et c’est peut-être le plus effrayant. <i><b>Homeland : Irak année zéro</b></i> est l’histoire d’une boucle infernale dont la responsabilité se porte désormais à échelle mondiale, la fresque gigantesque, ne pouvant en être autrement, d’une tragédie généralisée de l’ère contemporaine.</span></span></span></div>
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Critique à lire sur Filmosphere :</div>
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<a href="http://www.filmosphere.com/movies/homeland-irak-annee-zero-abbas-fahdel-2015/" target="_blank">http://www.filmosphere.com/movies/homeland-irak-annee-zero-abbas-fahdel-2015</a></div>
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<b><u><br /></u></b></div>
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-pQL5KGoKt_c/VzH-ZH99s8I/AAAAAAAACN8/R9AA033H19QnJYvbqmjtutzX__-X9vSxACKgB/s1600/Les_Delices_de_Tokyo.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-pQL5KGoKt_c/VzH-ZH99s8I/AAAAAAAACN8/R9AA033H19QnJYvbqmjtutzX__-X9vSxACKgB/s200/Les_Delices_de_Tokyo.jpg" width="146" /></a></div>
<b><u><i>Les Délices de Tokyo</i>, de Naomi Kawase (2015)</u></b></div>
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Si le précédent film de Naomi Kawase, <i><b>Still the Water</b></i>, avait été pour moi une expérience difficile, celui-ci gagne très certainement mon cœur. Moins radical, plus simple, <i><b>Les Délices de Tokyo</b></i> y gagne énormément. De manière triviale, le premier point d'accroche avec le film est évidemment autour de son thème principal, autour de la nourriture. Ceci dit, il est important de comprendre à quel point le film est incroyablement réussi de ce point de vue là. Il faudrait pouvoir créer une liste de films qui donnent faim. C'est sans doute là un grand talent de metteur en scène, et forcément, Naomi Kawase, très sensorielle dans sa démarche visuelle, le capte avec une merveille sans pareil. Dans le mélodrame que cuisine (!) en parallèle le film, dans ce Tokyo aéré et solaire, loin de celui dont on a l'image, Kawase poursuit également sa réflexion sur la culture, ses enjeux, son évolution et sa perte potentielle. Par ses formidables personnage, elle fait naître une émotion naturelle, qu'elle n'a jamais besoin de renforcer. Dans cet optimisme débordant de vie, malgré la tristesse, il y aurait presque un parallèle à faire avec le récent <i><b>Mia Madre</b></i>. C'est un très beau film qui scelle ma réconciliation avec son auteur, après, bien entendu, que je me sois empiffré plein de <i>dorayakis</i>...</div>
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<b><u><br /></u></b></div>
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-P6zsAs6vHmI/VzH_ZBpUyCI/AAAAAAAACPI/mhOHJ3IDHJEmL14zCEK9hKLBPxi-2YKJQCLcB/s1600/midnight-special.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-P6zsAs6vHmI/VzH_ZBpUyCI/AAAAAAAACPI/mhOHJ3IDHJEmL14zCEK9hKLBPxi-2YKJQCLcB/s200/midnight-special.jpg" width="134" /></a><b><u><i>Midnight Special</i>, de Jeff Nichols (2016)</u></b></div>
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Peu de doutes désormais autour de Jeff Nichols : il s'agit bien d'un grand auteur américain en devenir. Héritier des cinéastes de l'Americana, parcourant le spectre de Spielberg à Malick, il est en quelques sortes un salut vis-à-vis de la production actuelle. Et <i><b>Midnight Special</b></i> est en quelques sortes à cette image. Réponse aux films de super-héros, il détourne le genre pour se recentrer sur l'essentiel : ses personnages, l'enjeu intime, celui de la cellule familiale. Mais ça n'est pas qu'une réflexion sur la déification de l'enfant car il y mêle l'inconnu. Un monde autre qui perturbe le nôtre, dont évidemment le jeune héros est leur enfant, aux pouvoirs aussi effrayants que fascinants. Mais si la perspective d'un ailleurs inconnu est terrorisante pour les uns, elle est la source de la curiosité de Jeff Nichols. C'est un cinéma où l'on veut croire. Comme il fallait croire Michael Shannon dans <i><b>Take Shelter</b></i>. Mais pour croire, il faut sans doute aller voir, aller découvrir, aller comprendre. C'est aussi un film de fuite du système, dans cette échappée sauvage au sein du territoire américain, comme celle de fugitifs. En fin de compte, on comprend que tous les regards expriment les nuances du cinéma de Jeff Nichols : le protecteur Michael Shannon, le loyal Joel Edgerton, la tendre Kirsten Dunst et le curieux Adam Driver, qui, lui aussi, veut voir pour croire. Ne dérogeant pas à la règle, c'est un vrai film d'Amérique, avec ses mythes fantastiques comme ses démons du quotidien, avec ses âmes bienveillantes comme ses fous de Dieu. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-mUkMP2xqQZw/VzH-fiq9XZI/AAAAAAAACPM/8m0n6A9ZuGkAwnh6rQpRmkmW7czDY5fTQCKgB/s1600/the-assassin.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-mUkMP2xqQZw/VzH-fiq9XZI/AAAAAAAACPM/8m0n6A9ZuGkAwnh6rQpRmkmW7czDY5fTQCKgB/s200/the-assassin.jpg" width="134" /></a></div>
<b><u><i>The Assassin</i>, de Hou Hsiao-Hsien (2015)</u></b><br />
<br />
Je suis très sensible aux auteurs qui parviennent à détourner ce que l'on codifie habituellement de "genre" pour proposer une singularité qui, paradoxalement, fait aussi du bien au dit genre. <i><b>The Assassin</b></i>, c'est évidemment la passion de la langueur, celle qui sublime le récit, celle qui créé véritablement une histoire marquante. Même si le film de Hou Hsiao-Hsien contient de somptueux personnages, dont évidemment la protagoniste principale, il s'effacent devant l'ambiance qui est instaurée. Ce sont presque des spectres qui parcourent les séquences, cachés derrière les minces draps à travers lesquels le réalisateur les filme. La violence, elle aussi, s'efface. Lorsqu'un combat s'engage, un mouvement d'appareil vient se focaliser sur autre chose. Jamais ça n'est frustrant, pourtant, car c'est sur l'essentiel que l'on se recentre, sur l'intime du récit, étant nécessairement beaucoup plus l'âme du métrage que des combats virtuoses. En fin de compte, il s'agit quasiment de l'un de ces films qui se vit comme une "expérience" ; c'est une rêverie orientale qui transporte loin des canons auxquels nous sommes habitués, pour notre plus grand bonheur. Un fantasme pictural certainement sans pareil.</div>
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<a href="https://2.bp.blogspot.com/-GI3mV0U3KX0/VzH-Y3tOtJI/AAAAAAAACPM/TWfNP7HVma0a7QoL1jjIFxPbtXTpfai1wCKgB/s1600/Steve-Jobs-poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-GI3mV0U3KX0/VzH-Y3tOtJI/AAAAAAAACPM/TWfNP7HVma0a7QoL1jjIFxPbtXTpfai1wCKgB/s200/Steve-Jobs-poster.jpg" width="126" /></a><b><u><i>Steve Jobs</i>, de Danny Boyle (2015)</u></b></div>
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Qui aurait cru que je m'enticherais de la sorte avec un film de Danny Boyle ? Si je concède au réalisateur britannique comme seul réussite l'excellent 28 jours plus tard, son style formel ravageur a fini par m'agacer. Cependant, la collaboration avec Aaron Sorkin pour <i><b>Steve Jobs</b></i> en extirpe le meilleur. C'est un film relativement impressionnant à bien des égards, notamment tout son premier tiers qui flirte constamment avec chef-d’œuvre. Quelque part anti-biopic, loin des canons de narrations assez conventionnels du genre, le scénario de Sorkin s'amuse à décortiquer sa vision de Jobs : une fraude. L'Amérique fabrique ses génies sur du vent. Les joutes orales, notamment avec Steve Wozniak, délicieusement interprété par Seth Rogen, sont fabuleuses. Ce qui est d'autant plus formidable, c'est que Michael Fassbender ne capte pas toute l'attention, les personnages autour de lui existent et c'est le plus important, car ils façonnent à la fois les problèmes moraux que soulève le film, et plus simplement encore, l'enjeu familial autour de Jobs. Il faut enfin noter le superbe travail photographie d'Alwin Küchler, évolutif selon les périodes, et bien évidemment la musique de Daniel Pemberton, qui bien que parfois sur-utilisée par Danny Boyle, est un remarquable morceau musical moderne et classique. Bref, une grande surprise, et tant mieux.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-WgS8iCSlg5A/VzH-gxvj75I/AAAAAAAACPM/E9SwtYTKLogqXX_pA18CGUmPnZeOZNmcQCKgB/s1600/timthumb.php.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-WgS8iCSlg5A/VzH-gxvj75I/AAAAAAAACPM/E9SwtYTKLogqXX_pA18CGUmPnZeOZNmcQCKgB/s200/timthumb.php.jpg" width="127" /></a></div>
<b><u><i>13 Hours</i>, de Michael Bay (2016)</u></b><br />
<br />
Dans le tumulte géopolitique actuel, il fallait bien que le plus
dissonant et maladif des auteurs hollywoodiens apporte son grain de
sel. D’un certain point de vue, <i><b>13 Hours</b></i> pourrait être une pierre
importante au sein de l’édifice qu’est le film de guerre selon le cinéma
post-moderne. Toutes les vitesses, toutes les influences et tous les
débordements de Michael Bay s’y recoupent. Comme lui aura été à l’image
d’un nouveau cinéma transfiguré par une culture de l’image désinhibée,
son film de guerre n’est aussi que le reflet de son propre monde :
chaotique, violent, extrême.<br />
<br />
Critique à lire sur Filmosphere :<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/13-hours-michael-bay-2016">http://www.filmosphere.com/movies/13-hours-michael-bay-2016</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-y_3uQIQbslo/VzH-apcBfsI/AAAAAAAACPM/JsXtY2c1bsceWQj13qt8-F3Eh3Cf1rmRQCKgB/s1600/everybody-wants-some-poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-y_3uQIQbslo/VzH-apcBfsI/AAAAAAAACPM/JsXtY2c1bsceWQj13qt8-F3Eh3Cf1rmRQCKgB/s200/everybody-wants-some-poster.jpg" width="128" /></a><b><u><i>Everybody Want Some !!</i>, de Richard Linklater (2016)</u></b></div>
<br />
Figure discrète mais bienveillante dans le paysage du cinéma américain contemporain, Richard Linklater est toujours prêt à nous enchanter. <i><b>Everybody Want Some!!</b></i> est évidemment un regard autobiographique et nostalgique, mais plus encore, une belle approche de l'Amérique tout comme l'était aussi <i><b>Boyhood</b></i>. Derrière un teen-movie drôle et dynamique, Linklater trace, non sans profondeur, tout un pan générationnel. C'est un film profondément simple, sans intrigue particulière, mais c'est certainement ce qui fait sa vie et sa force, nous communiquant l'engouement de ses protagonistes. Qu'on se le dise : le casting est une merveille. Le film accumule de nombreux personnages et pourtant tous, par leur écriture et par leurs acteurs, existent. A certains égards, c'est une vraie prouesse. Y répond, sans grande surprise, une bande-son fabuleuse qui sacralise encore davantage cette épopée de jeunesse, regardée à la fois avec tendresse et un brin de gentille moquerie, une formule qui fait souvent mouche.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-Q4WecOyid7A/VzH-YhyVOmI/AAAAAAAACPM/SAgom1RhRi49qKca0Kq2bL68NXfs2VB2gCKgB/s1600/SAint-Amour-Poster-714x952.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-Q4WecOyid7A/VzH-YhyVOmI/AAAAAAAACPM/SAgom1RhRi49qKca0Kq2bL68NXfs2VB2gCKgB/s200/SAint-Amour-Poster-714x952.jpg" width="150" /></a></div>
<b><u><i>Saint Amour</i>, de Gustav Kervern et Benoît Délépine</u></b><br />
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Le cinéma de Kervern et Délépine peut s'assimiler à un bon produit de terroir, bien gras, pas forcément d'un immense raffinement, mais avant tout quelque chose de bon, simple, délicieux. <i><b>Saint Amour</b></i>, c'est un peu tout ceci. Depuis qu'ils ont confié à Gérard Depardieu l'un de ses plus beaux rôles contemporains (avec<i><b> Valley of Love</b></i>) dans <i><b>Mammuth</b></i>, je ne pouvais être qu'enthousiaste face à ce nouveau film. En fin de compte, c'est un film qui fait du bien, sincèrement. Sans artifices, direct, il ne surprend pas nécessairement mais apporte une fraîcheur dans ce début d'année cinématographique 2016 qui n'est absolument pas négligeable. On en ressort apaisé, parce que cette balade champêtre nous aura donné à voir de belles choses, du beau Depardieu, les moments absurdes du couple de réalisateurs comme on les aime (le passage chez Houellebecq !), et enfin cet amour innocent et simple de la culture plouc, moquée avec une tendresse infinie. Et comme à l'accoutumée chez les metteurs en scène, il y a aussi ce sentiment d'être un peu paumé, on ne sait pas nécessairement où le film nous emmène, mais après tout, il peut tout aussi bien nous guider paisiblement. En sortant, on a simplement envie de s'enfiler un petit coup de rouge pour décanter tout ceci. Si ça n'est pas beau ?<br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-R4Pghd0fwzM/VzH-ZNAm4gI/AAAAAAAACPM/adY9rZqeaqcOFPekjuLX_Tlgpd-r8mGkgCKgB/s1600/TheEnd.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-R4Pghd0fwzM/VzH-ZNAm4gI/AAAAAAAACPM/adY9rZqeaqcOFPekjuLX_Tlgpd-r8mGkgCKgB/s200/TheEnd.jpg" width="146" /></a><b><u><i>The End</i>, de Guillaume Nicloux (2016)</u></b></div>
<br />
Guillaume Nicloux poursuit son nouvel et très bel élan de carrière dans <i><b>The End</b></i>, à la fois suite et contraire du très beau <i><b>Valley of Love</b></i>. Sans signifier que le terme soit réducteur, c'est encore un très beau film-concept, à savoir ici Gérard Depardieu égaré dans la forêt. C'est une recette un peu magique puisqu'évidement, le film n'existerait pas avec un autre acteur, mais qu'importe. Cette virée quasi-fantastique, littéralement cauchemardesque en fin de compte, est l'occasion de renouer encore le lien entre un simple drame et un film de genre, un survival un brin mystique. Nicloux a un superbe sens du cadre, et la photographie de Christophe Offenstein, tout en simplicité, taille brillamment l'étendue des espaces sylvestres dans lesquels Gégé, formidable, tourne en rond. En fond sonore, l'inquiétante musique d'Eric Demarsan ajoute encore davantage à l'ambiance cet esprit un peu à part, parfois plus proche de sons que d'une mélodie. Le concept s'effile peut-être un peu dans le dernier tiers, qui fait sens dans le fond mais pas amené avec la plus grande des subtilités. C'est là où peut-être on peut regretter la beauté inachevée de son précédent métrage. Il n'en reste pas moins ici un très joli tout petit film à découvrir.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-q3WxlI2MO2M/VzH-YJe2sFI/AAAAAAAACPM/2HNYYi5BJ3MRu5rAtTvo0WMfSkOHq9igACKgB/s1600/Poster-Saisons-714x952.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-q3WxlI2MO2M/VzH-YJe2sFI/AAAAAAAACPM/2HNYYi5BJ3MRu5rAtTvo0WMfSkOHq9igACKgB/s200/Poster-Saisons-714x952.jpg" width="150" /></a></div>
<b><u><i>Les Saisons</i>, de Jacques Perrin et Jacques Cluzaud (2016)</u></b><br />
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Si j'aime les documentaires portés sur la nature et l'écologie, c'est notamment grâce à leur envergure formelle. Ceci dit, c'est une arme à double-tranchant et si je suis éventuellement stupéfait par certaines images de <i><b>Home</b></i>, le moralisateur et vain ton du film est relativement agaçant. Fort heureusement, l'ami Jacques Perrin, épaulé par son compagnon Cluzaud vise quelque chose de plus subtil. <i><b>Les Saisons</b></i>, comme ses autres documentaires, a ce ton naïf qui finalement l'affranchit d'une certaine lourdeur. Le propos écologiste demeure, et c'est bien normal, mais il ne prend pas non plus le pas sur ce qu'on pourrait qualifier de formidable film d'aventure au milieu la nature, constitué par des saynètes au sein de chaque caste animale. En cela, le film est résolument impressionnant, car l'illusion des images, parfois (forcément) mise en scène est impeccable. Les jeux sur la réalisation et le montage sont exemplaires. C'est une belle épopée qui ne trahit un aveu de faiblesse que dans sa toute fin, inévitablement prévisible. Enfin, il n'en reste pas moins une balade sauvage des plus revivifiantes, en compagnie d'une musique de Bruno Coulais des plus sympathiques, même si l'on aurait bien volontiers imaginé sur ces images les puissantes notes de <i><b>L'Ours</b></i> de Phillipe Sarde.<br />
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<a href="https://2.bp.blogspot.com/-virhvkPDH70/VzH-fBsg8SI/AAAAAAAACPM/KZWXIaMeviYNZwpZDmrfX-9noyAgt6ZUACKgB/s1600/mrholmessmall.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-virhvkPDH70/VzH-fBsg8SI/AAAAAAAACPM/KZWXIaMeviYNZwpZDmrfX-9noyAgt6ZUACKgB/s200/mrholmessmall.jpg" width="135" /></a><b><u><i>Mr. Holmes</i>, de Bill Condon (2015)</u></b></div>
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Voilà un bel exemple de beau classicisme à l'anglaise. Si l’œuvre de Conan Doyle a été retournée dans tous les sens, à toutes les sauces et toutes les cuissons, c'est finalement avec la plus grande simplicité que Bill Condon tire son épingle du jeu dans <b><i>Mr. Holmes</i></b>. Point d'enquête alambiquée ou de personnages exubérants, place à un simple drame intime sur fond de vieillesse et d'oubli. Dans un touchant jeu de remise en perspective de Holmes face à son propre mythe, parfois mensonger, le film taille superbement, mais toujours très discrètement, un très bel enjeu émotionnel. La construction avec les flashbacks, moins lourde qu'il ne paraît apriori, sert encore une fois toute la dramaturgie de son protagoniste principal, passionnant. Il en va ainsi de ressaisir un passé qui s'échappe, enfoui sous les strates des romans mythomanes ou tout du moins "légendarisés" de Watson, ou encore de l'amitié avec de dernier, toujours hors-champ, hors-film, comme un souvenir à moitié évanoui, encore vaguement palpable. Impossible de tarir d'éloges à propos de Ian McKellen qui parvient à constamment évacuer tout le misérabilisme de sa condition. C'est un film doux et bienveillant, qui se digère avec un plaisir des plus simples, accompagné par les délicates notes de haut-bois de Carter Burwell.<br />
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-Qbad7M2cPcc/VzH-YJ-1gaI/AAAAAAAACPM/IqMmiEXU0FE5ifKXN9h5ojUzmAaZoj-3wCKgB/s1600/Le_Garcon_et_la_Bete.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-Qbad7M2cPcc/VzH-YJ-1gaI/AAAAAAAACPM/IqMmiEXU0FE5ifKXN9h5ojUzmAaZoj-3wCKgB/s200/Le_Garcon_et_la_Bete.jpg" width="146" /></a></div>
<b><u><i>Le Garçon et la Bête</i>, de Mamoru Hosoda (2015)</u></b><br />
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C'est là mon premier film de Mamoru Hosoda, et lorsque je consulte d'autres avis, il faut croire que je suis sensiblement plus généreux à son égard par ma méconnaissance de son auteur. <i><b>Le Garçon et la Bête</b></i> exploite une fois de plus une thématique que j'aime, le voyage initiatique à travers un rapport d'élève et de maître. L'émotion construite autour des divers personnages fonctionne totalement, tous sont très attachants. Bien que le schéma d'écriture soit simple, voire simpliste, le film poursuit un cours extrêmement agréable jusqu'à son dernier tiers, en revanche plus en demi-teinte. Cette overdose de spectaculaire dans le final trahit peut-être ladite simplicité qui lie les protagonistes et définit leurs sentiments ; c'est aussi par là que passait la beauté du film. Ce que le film aborde à propos du vide intérieur (littéralement) et de la recherche de soi pourrait être passionnant si cela n'était pas aussi démonstratif. Alors, ce qui aurait dû être alors le paroxysme émotionnel du film s'effondre sensiblement comme un flan, de manière très dommageable. Mais la beauté du reste demeure et guide malgré tout mon enthousiasme à son sujet. Un film, finalement, à l'image de cette Bête : très imparfait, malgré tout attachant.<br />
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-9pAk91aBMfA/VzH-fodtGNI/AAAAAAAACPQ/MLDP1CsizuoavTYOvg2qD_yhw90u5eWrACKgB/s1600/revenant-leo.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-9pAk91aBMfA/VzH-fodtGNI/AAAAAAAACPQ/MLDP1CsizuoavTYOvg2qD_yhw90u5eWrACKgB/s200/revenant-leo.jpg" width="135" /></a><b><u><i>The Revenant</i>, d'Alejandro González Inárritu (2015)</u></b></div>
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Voilà un film qui représente un colossal dilemme pour moi : il synthétise quasiment tout ce qui peut m'attirer dans le cinéma américain contemporain, en thèmes, en fond, en forme... Et pourtant, quelque chose se brise dans <i><b>The Revenant</b></i>, quelque chose est dysfonctionnel. C'est un film complexe à vitesse multiples, partiellement fabuleux, partiellement raté. Il est sans doute possible de voir les germes de certains des défauts du film au niveau du délire égotique qu'il représente, constamment conçu comme une performance de dépassement humain comme technique. C'est impressionnant autant que c'est barbant, finalement. Évidemment, il y a de quoi tomber quatre fois à la renverse face à la nouvelle collaboration entre Inárritu et Lubezki<b>, </b>mais il semblerait que la volonté de l'auteur mexicain d'accomplir une sorte de paroxysme de la forme va finalement à l'encontre de son film. Le sujet de <i><b>The Revenant</b></i>, traversant la culture de la violence, la bestialité et la destruction du Nouveau Monde est certainement passionnant, et pourtant pas pleinement traité. Ce sont des éléments qui flottent autour du film, qui participent à la création de son contexte, mais l'enjeu d'Inárritu est ultimement plus simple autour de cette histoire de vengeance. Pourquoi pas, après tout ? Mais le film est alors trop glouton pour pouvoir le supporter, deux heures et demi durant. Autant de temps à trouver que les plans sont remarquablement bien fichus, alors que l'on s'identifie davantage à la caméra plutôt qu'à un regard plus humain. La simplicité du <i><b>Convoi sauvage</b></i> de Sarafian manque finalement à ce projet complètement démentiel. Paradoxalement, c'est aussi ce qui le rend passionnant à comprendre, pendant que l'on est abasourdi et illuminé devant cette grosse machine virtuose qui tourne finalement à vide.<br />
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-bUBm0aT3LtU/VzH-ZlsgUdI/AAAAAAAACPM/OBn7mcgeaGcTf615rnhswRN9InVarFL6wCKgB/s1600/ave-cesar-poster-949709.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-bUBm0aT3LtU/VzH-ZlsgUdI/AAAAAAAACPM/OBn7mcgeaGcTf615rnhswRN9InVarFL6wCKgB/s200/ave-cesar-poster-949709.jpg" width="146" /></a></div>
<b><u><i>Avé César</i>, de Joel & Ethan Coen (2016)</u></b><br />
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Si j'aime beaucoup les Coen, je n'apprécie pas nécessairement grandement tous les films de leur période contemporaine ; ceci dit, aucun doute sur le fait qu'ils demeurent des auteurs passionnants. <i><b>Avé César</b></i> peut s'apparenter en quelques sortes à un volet supplémentaire de la saga des idiots, mais c'est aussi un peu plus que cela. Cette introspection cynique sur Hollywood est éventuellement le prétexte à un délire cinéphile : la reconstitution fantasmée, à travers des saynètes, des genres qui constituent l'essence de cette ère classique. Dans cet ubuesque voyage, aux côtés du génial Josh Brolin, les Coen approchent des thématiques capitales, évidemment dans la conception du cinéma en lui-même comme industrie prostituée pour le public, mais aussi vis-à-vis de la politique au sein de ces studios, à travers l'homosexualité ou le communisme. Il faut cependant accepter que tout ceci ne soit que caressé en surface, le film étant ultimement amené à tourner à vide, suivant un fil rouge peu palpitant. Il est sûrement noble de la part des auteurs de refuser l'éventuel manque de fond de l'exercice de style pur et dur, mais c'est également dommageable vu le déséquilibre que cela entraîne dans le film. Un comble, d'ailleurs, quand même la photographie de Roger Deakins n'est pas excessivement notable, prétextant le pastiche pour détourner avec une fadeur relative l'esthétique de l'ère classique. Il est toujours possible d'épiloguer sur les nombreuses autres qualités du film, parmi ses acteurs ou même l'écriture de certaines séquences (dont, forcément, la rencontre entre les représentants des différentes confessions), mais c'est également se rappeler son certain déséquilibre entre concept et travail de fond.<br />
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-auvnA4Bxxxw/VzH-dTpAMwI/AAAAAAAACPM/86LTM8TKGvQEW3WSqvkQddnQjxqa16-MgCKgB/s1600/high-rise-poster-ben-wheatley.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-auvnA4Bxxxw/VzH-dTpAMwI/AAAAAAAACPM/86LTM8TKGvQEW3WSqvkQddnQjxqa16-MgCKgB/s200/high-rise-poster-ben-wheatley.jpg" width="135" /></a><b><u><i>High Rise</i>, de Ben Wheatley (2016)</u></b></div>
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Le nouveau film de Ben Wheatley devrait être une réussite exemplaire et pourtant quelque chose cloche. C'est étrange. La fable dystopique <b><i>High Rise</i></b> a presque tout pour elle : l'adaptation d'un solide matériau et le sens du scénario, un casting de choix savamment dirigé (même - et surtout - Luke Evans), une réalisation sans doute maîtrisée... Mais au milieu de toutes ces qualités, de manière presque indicible, il y a une fracture qui rend le film laborieux et relativement raté. Il faut tout de même envisager qu'en fin de compte, Wheatley se soit égaré devant la densité de son sujet. C'est bien dommage car c'est aussi ce qui était intéressant, il ne s'agit pas platement d'une lutte de classes au sein d'une tour, de la révolte des étages inférieurs contre ceux supérieurs, mais la dissection de l'ensemble d'une société et de ses éléments sans que les uns soient plus valorisés que les autres. Le film ne semble hélas qu'à peine commenter le fond de ce qu'il adapte, ellipsant parfois sans doute trop, notamment dans un derniers tiers au montage (mais c'est sans doute voulu) chaotique. En marchant dans les traces de Cronenberg, Wheatley se vautre à moitié, mais ceci dit, en toute honnêteté, c'est aussi un bel effort qui peut être salué.<br />
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Fiche Cinelounge<br />
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-Pbj7GnQ_xfg/VzH-XKrr-AI/AAAAAAAACPM/EHSPraVxyuAHe0XiTCyAuh7R6wRncdu_gCKgB/s1600/Green-Room-poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-Pbj7GnQ_xfg/VzH-XKrr-AI/AAAAAAAACPM/EHSPraVxyuAHe0XiTCyAuh7R6wRncdu_gCKgB/s200/Green-Room-poster.jpg" width="135" /></a></div>
<b><u><i>Green Room</i>, de Jeremy Saulnier (2015)</u></b><br />
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La violence est un cycle infernal que la société américaine ne
manque pas de mettre à jour lors de chacune de ses ères. <i><b>Green Room</b></i> est
l’un de ces nouveaux essais sur le thème, façon brut de décoffrage. Sans
concessions, le solide exercice de style de Jeremy Saulnier porte
pourtant les stigmates de cette nouvelle génération : la maîtrise du
style devant la réelle interrogation du sujet, comme s’il ne s’agissait
que d’un commentaire de l’œuvre des plus grands. Habile, mais risqué.<br />
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Critique à lire sur Filmosphere :<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/green-room-jeremy-saulnier-2015/" target="_blank">http://www.filmosphere.com/movies/green-room-jeremy-saulnier-2015 </a><br />
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-toCW-HV__TI/VzH-fGcuC3I/AAAAAAAACPQ/igQeq0qzznA_vyl-xLyspQrp0k6Z6st6wCKgB/s1600/jungle0001.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-toCW-HV__TI/VzH-fGcuC3I/AAAAAAAACPQ/igQeq0qzznA_vyl-xLyspQrp0k6Z6st6wCKgB/s200/jungle0001.jpg" width="135" /></a><b><u><i>Le Livre de la jungle</i>, de Jon Favreau (2016)</u></b></div>
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Il est assez intéressant de constater comment Disney parvient, d'une manière ou d'une autre, à tisser dans sa série de ré-adaptations de classiques des œuvres à moitié réussites car souvent prisonnières de l'ombre de l'originale, mais contenant des éléments de fond passionnants. C'était le cas de <i><b>Cendrillon</b></i> de Kenneth Branagh comme c'est ici le cas du <i><b>Livre de la jungle</b></i> de Jon Favreau. Passons d'emblée le problème principal, se résumant sans surprise à tout ce qui touche de près ou de loin au dessin-animé sorti en 1977. En revanche, quand le film s'en émancipe, il parvient à proposer un intérêt singulier. La relecture écologiste devient un thème fort, au centre de la compréhension "sociale" et politique de la jungle et du royaume de ces animaux numériques. Hélas, tout le film n'est pas de ce tonneau et parfois bien plus maladroitement écrit, mais il laisse au moins des pistes de réflexion pour justement ne pas le considérer comme un vulgaire produit intéressé. Un cas de figure finalement assez intrigant, d'autant plus renforcé par la mise en scène des plus honnêtes de Jon Favreau, d'autant plus en stéréoscopie native, fait assez rare pour le notifier. Même si peu convaincu pour l'instant, certainement un film à reconsidérer prochainement.<br />
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A noter <a href="http://leplus.nouvelobs.com/contribution/1512090-le-livre-de-la-jungle-de-disney-la-petite-histoire-de-l-antispecisme-a-hollywood.html" target="_blank">ce très bon article du Nouvel Obs</a> à propos du film et de l'anti-spécisme selon Hollywood. <br />
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<a href="https://2.bp.blogspot.com/-s7mHueKvHdw/VzH-Vob-dEI/AAAAAAAACPE/nqak4tegQTUULoGxdKtbW4UOKYDKXifuwCKgB/s1600/20160118114711_15124.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-s7mHueKvHdw/VzH-Vob-dEI/AAAAAAAACPE/nqak4tegQTUULoGxdKtbW4UOKYDKXifuwCKgB/s200/20160118114711_15124.jpg" width="138" /></a></div>
<b><u><i>Spotlight</i>, de Thomas McCarthy (2015)</u></b><br />
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J'ai lu, à de nombreuses reprises, que le lauréat des Oscars <i><b>Spotlight</b></i> serait un nouveau <i><b>Les Hommes du Président</b></i> pour la génération contemporaine. Avant toute chose, dans ce cas-ci, j'encourage le revisionnage du film de Pakula afin de comprendre que ça n'est pas qu'une affaire de sujet mais aussi de traitement, à la fois de scénario et, plus encore, de cinématographie. Le film de Thomas McCarthy est sans doute ce que l'on peut assimiler à de l'académisme complet. Il a un sujet certes riche, mais n'en fait rien, la faute à l'absence de regard. Parmi toutes les thématiques que croisent l'affaire, au-delà même de la pédophilie au sein du clergé, rien n'est abordé : l'éthique journalistique est évacuée, le travail de recherche réduit à son minimum dans le mécanisme de scénario, la société américaine n'est pas réellement abordée. Le réquisitoire contre l'Eglise catholique paraît alors un peu désuet et unilatéral quand le problème de fond qui s'y cache n'est pas traité. La mollesse du regard épouse celle des acteurs, fades comme Rachel McAdams ou cabotinant désespérément comme Mark Ruffalo. Il faut tout de même noter l'excellent Liev Schreiber, tout en sobriété, qui se pose comme une rare qualité du film aux côtés de Stanley Tucci. Sans que ledit académisme soit répugnant comme il l'est par exemple <i><b>The Imitation Game</b></i>, il délivre simplement un film terriblement oubliable. Ou alors, tout au mieux, un film à lire.<br />
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-qkcet0YR7kc/VzH-WSM1h0I/AAAAAAAACPQ/5kjirr1ZxM0r2iZwW08OtJ1NOvQ-KsGpwCKgB/s1600/280851.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-qkcet0YR7kc/VzH-WSM1h0I/AAAAAAAACPQ/5kjirr1ZxM0r2iZwW08OtJ1NOvQ-KsGpwCKgB/s200/280851.jpg" width="140" /></a><b><u><i>Zootopie</i>, de Byron Howard et Rich Moore (2016)</u></b></div>
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Lorsqu'un studio comme Disney se met à traiter directement de politique dans un film comme <i><b>Zootopie</b></i>, il faut prendre des pincettes. A travers un gentil détournement de l'utopie, le film se fend d'une sorte d'analyse sociétale sur fond de thématique communautariste. Vu l'actualité, pourquoi pas. Mais ce qu'il faut aussi voir, c'est à quel point la production chérit le système : <i><b>Zootopie</b></i>, c'est un film où le système est mis en péril par des nuisibles, et où il faut justement retrouver l'équilibre et le maintenir. Dans cette société utopiste qui prône naïvement "sois ce que tu veux être", aucun protagoniste ne semble réellement réfléchir, à tel point que l'innocente utopie prend parfois des allures de délire orwellien dans un univers où tout est formaté. Ceci dit, pas besoin de chercher bien loin les racines de cette politique, c'est là un pur produit Disney, sans auteur particulier derrière, écrit par son armée de mercenaires et validé par la tablée d’exécutifs. Je trouve cela extrêmement dérangeant, car sous prétexte d'un thème politique progressiste, le film défend des valeurs on-ne-peut-plus douteuses, garantissant l'hégémonie du système hollywoodien (par extension, américain) sur le monde. Il est toujours possible de se consoler avec le reste du film, correctement réalisé malgré la faiblesse de son écriture, aux gags inégaux mais parfois fonctionnel, pouvant faire alors office d'honnête divertissement, si jamais l'on ne perd pas de vue ce qui se cache derrière.<br />
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-jRk_C6ICDXo/VzH-jB7S7eI/AAAAAAAACPM/ywmPM_Tv3AYnPd4rraRlRq-XMs6jNGELwCKgB/s1600/triple9.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-jRk_C6ICDXo/VzH-jB7S7eI/AAAAAAAACPM/ywmPM_Tv3AYnPd4rraRlRq-XMs6jNGELwCKgB/s200/triple9.jpg" width="135" /></a></div>
<b><u><i>Triple 9</i>, de John Hillcoat (2016)</u></b><br />
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Appréciant fortement John Hillcoat, je faisais partie des rares défenseurs des <b><i>Hommes sans loi</i></b>. Avec <i><b>Triple 9</b></i>, il laissait entrevoir la perspective d'un thriller d'action des plus énervés, un retour à l'essentiel du genre sous les traits d'une série B efficace. Bien que le film soit partiellement ceci, ça n'est hélas qu'un film bien moins ambitieux qu'on ne pouvait l'imaginer. Dans un premier temps, Hillcoat s'incruste dans la caste de réalisateurs prisonniers de l'influence de <i><b>Heat</b></i> dans une émule qui n'est pas des plus convaincantes, avant de s'embarquer dans une écriture en fin de compte beaucoup moins intéressante. Alors qu'il décrit éventuellement une société de violence au sein des communautés, comme en témoigne le générique, il passe progressivement à côté de son sujet, préférant s'orienter vers les clichés d'une histoire de mafia Russe et de policiers corrompus. Le film manque terriblement d'enjeux pour les protagonistes, et le réel "personnage" que devrait constituer la ville d'Atlanta n'existe pas vraiment, filmée comme Los Angeles. Cà et là quelques séquences demeurent réussies, comme l'intervention au milieu du métrage, mettant en scène Casey Affleck derrière son bouclier, rappelant à quel point Hillcoat peut être aussi un savant metteur en scène. L'ensemble manque ultimement de charme et d'ambiance, d'une touche d'originalité qui aurait pu le distinguer davantage de la masse constituée par le genre.<br />
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-eF25DPmHE_c/VzH-VRYmCLI/AAAAAAAACPE/n2cvVkUzeJc4ME1mIPvBGqUZXZ5_IRIEACKgB/s1600/010754.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-eF25DPmHE_c/VzH-VRYmCLI/AAAAAAAACPE/n2cvVkUzeJc4ME1mIPvBGqUZXZ5_IRIEACKgB/s200/010754.jpg" width="146" /></a><b><u><i>Au Nom de ma fille</i>, de Vincent Garenq (2016)</u></b></div>
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Il semblerait que Vincent Garenq fasse tout de même constamment la même chose. <i><b>Présumé coupable</b></i> était agréable grâce à son ton très brut alors <i><b>L'Enquête</b></i> n'était qu'une laborieuse enquête sans intérêt. <i><b>Au Nom de ma fille </b></i>nage quelque part entre les deux mais prouve au passage la tendance de l'auteur à pas avoir quelque chose à apporter sur ses sujets. Le thème de l'indigné qui se dresse contre un système pourri est toujours agréable s'il n'est pas traité de manière unilatérale. Ici, le film évacue l'essentiel des questionnement moraux pour se focaliser, de manière assez manichéenne, sur un père qui rend justice lui-même. L'affaire en elle-même est intéressante, mais Garenq la retrace avec trop de sagesse. Encore une fois, on y place une star dans un rôle qui ne lui convient pas (Auteuil a 30 ans de trop dans certain passages) mais fort heureusement, le charismatique Sebastian Koch tire d'une manière ou d'une autre son épingle du jeu, même si jamais l'écriture ne prend la peine de réellement développer son personnage. Peut-être pas désagréable compte-tenu du précédent métrage de l'auteur, mais certainement très oubliable.<br />
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-izHe75gGSck/VzH-Wg1pdaI/AAAAAAAACPM/-0ntVf9sovAeqQB7Da1L8O1YsScCW43GgCKgB/s1600/El-Clan_poster_goldposter_com_13.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-izHe75gGSck/VzH-Wg1pdaI/AAAAAAAACPM/-0ntVf9sovAeqQB7Da1L8O1YsScCW43GgCKgB/s200/El-Clan_poster_goldposter_com_13.jpg" width="150" /></a></div>
<b><u><i>El Clan</i>, de Pablo Trapero (2016)</u></b><br />
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Voilà un film que l'Argentine a certainement produit pour le marché international, vu le traitement conventionnel au possible qui s'applique sur l'intrigue. <i><b>El Clan</b></i> est donc un énième thriller sur fond de faits divers, alors que l'histoire en elle-même pouvait donner lieu à un film bien plus réfléchi comme reflet de sa société. En éculant les poncifs du genre, prétendus fonctionnel dans le cinéma américain, comme la figure paternel traitée en icône de parrain, Pablo Trapero oublie de raconter l'essentiel, ou plus exactement de raconter quelque chose. Le film semble en pilote automatique, à l'image de son montage, incrustant platement la bande-son des années 80 pour meubler l'ensemble. Tout le potentiel politique est finalement évacué dans un film peut-être tourné correctement, mais difficilement intéressant.<br />
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<a href="https://2.bp.blogspot.com/-9n7lZX0M3QA/VzH-aQjld9I/AAAAAAAACPM/1--v3KDmtio_-zVAMacBMbHRMjs6tAnswCKgB/s1600/creedpostersmall.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-9n7lZX0M3QA/VzH-aQjld9I/AAAAAAAACPM/1--v3KDmtio_-zVAMacBMbHRMjs6tAnswCKgB/s200/creedpostersmall.jpg" width="135" /></a><b><u><i>Creed : L'héritage de Rocky Balboa</i>, de Ryan Coogler (2015)</u></b></div>
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Je me suis méfié dès le départ de <i><b>Creed : L'héritage de Rocky Balboa</b></i>, pour la simple et bonne raison qu'il poursuit la volonté d'Hollywood de ressucer platement ses franchises à succès, et plus encore à cause de Ryan Coogler, auteur du très discutable <i><b>Fruitvale Station</b></i>. Le film repose sur la facilité-même, se refusant tout challenge. Faisant du fils de d'Apollo Creed le héros de cette nouvelle quête de gloire, toute l'empathie est immédiatement biaisée. Alors que Rocky était un gentil vaurien se faisant tout seul, Creed est privilégié capricieux. Si le segment sur l'enfance difficile contient éventuellement du potentiel, le film l'annule plus tard, lorsque le jeune homme convainc Rocky de l'entraîner seulement parce que c'est le fils d'Apollo. Alors que le film de John G. Advilsen avait ses airs de fresque sociale estampillée Nouvel Hollywood, celui-ci tourne à vide et pêche dans le fond. Stallone, unique vecteur d'émotion du film, empêche toute réelle émancipation. Sans surprise, c'est un film qui s'aligne sur les standards du moment, faisant son succès commercial. Ryan Coogler n'y manque d'ailleurs pas, alignant sa mise en scène de la même manière, avec quelques longs plans répartis aléatoirement dans le film parce que c'est la mode. La mode, la mode, la mode. Mais où est la réelle proposition, dans tout ceci ? Cerise sur le gâteau : la musique de Ludwig Göransson, succédant tristement à Bill Conti, est d'une triste vulgarité qui n'est pas sans rappeler celle des productions Marvel.</div>
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-n4elqaN64i4/VzH-j0f6ndI/AAAAAAAACPM/wjEXJMT7EZcayw_6AOB4yntnjtUHcRIAwCKgB/s1600/trumbo2015-2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-n4elqaN64i4/VzH-j0f6ndI/AAAAAAAACPM/wjEXJMT7EZcayw_6AOB4yntnjtUHcRIAwCKgB/s200/trumbo2015-2.jpg" width="134" /></a></div>
<b><u><i>Dalton Trumbo</i>, de Jay Roach (2015)</u></b><br />
<br />
L’industrie du cinéma américain a toujours eu un certain don
pour faire office de cataplasme sur les plaies de l’histoire du pays.
Avec le film <i><b>Dalton Trumbo</b></i>, évidemment, c’est Hollywood qui se regarde
le nombril, mais plus exactement en y insérant un mea culpa faisant
office de réhabilitation vis-à-vis du scénariste jadis placé sur la
liste noire. Hélas, trois fois hélas, non seulement Trumbo a déjà été
réhabilité, mais plus grave encore : le film élude complètement l’aspect
politique de son sujet, trop concentré sur l’hagiographie d’un
résistant.<br />
<br />
Critique à lire sur Filmosphere :<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/dalton-trumbo-jay-roach-2015/" target="_blank">http://www.filmosphere.com/movies/dalton-trumbo-jay-roach-2015 </a><br />
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<a href="https://2.bp.blogspot.com/-uwTB1-KIr-U/VzH-VTl3voI/AAAAAAAACPE/soGB4l6FseIyEtmRPLs1uVTBPMktd_pGwCKgB/s1600/1453240124452.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-uwTB1-KIr-U/VzH-VTl3voI/AAAAAAAACPE/soGB4l6FseIyEtmRPLs1uVTBPMktd_pGwCKgB/s200/1453240124452.jpg" width="150" /></a><b><u><i>Deadpool</i>, de Tim Miller (2016)</u></b></div>
<br />
La cool-attitude est de retour ! Après les médiocres <i><b>Gardiens de la Galaxie</b></i>, c'est au soi-disant anti-héros très subversif <i><b>Deadpool</b></i> d'embrasser la recette à succès. Dans sa prétendue quête d'originalité, la production de la Fox recycle en réalité une énième fois les grands poncifs du genre entre une avalanche de second degré ne volant pas toujours bien haut. Pour être honnête, certaines blagues provoquent le sourire mais l'abus finit par lasser alors que le film ne propose vraiment rien et tourne complètement en rond. La pauvreté visuelle de l'ensemble ne dupe pas, certainement pas revue à la hausse par son réalisateur, Tim Miller, quelconque mercenaire embauché pour signer le produit. C'est presque dommage que Ryan Reynolds, surprenament inventif et audacieux dans <i><b>The Voices</b></i>, sombre de nouveau dans les travers du genre super-héroïque. Comme quoi, le concept ne suffit pas, et ni l'hémoglobine en images de synthèse ni le ton graveleux sur fond d'humour méta permettent de constituer un film réellement intéressant. Voilà qui aurait pu être un beau projet pour Sam Raimi.<br />
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-466prrCAh1E/VzH-WVwQPnI/AAAAAAAACPM/RaGnRn3zQe8z1iVc-TX6o6mAgUtsJFTUwCKgB/s1600/Batman-v-Superman-poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-466prrCAh1E/VzH-WVwQPnI/AAAAAAAACPM/RaGnRn3zQe8z1iVc-TX6o6mAgUtsJFTUwCKgB/s200/Batman-v-Superman-poster.jpg" width="135" /></a></div>
<b><u><i>Batman v Superman : L'Aube de justice</i>, de Zack Snyder (2016)</u></b><br />
<br />
Dans ma critique de <i><b>Captain America : Civil War</b></i>, je faisais mention de "blockbuster obèses". Le qualificatif est encore une fois ici tout indiqué tant le film de Zack Snyder s'inscrit dans la logique de ces super-productions accumulatives mais totalement désordonnées. Tout ce qui était balourd et crétin dans<i><b> Man of Steel</b></i> est transposé et démultiplié dans <i><b>Batman v Superman</b></i>. La symbolique ronflante de Snyder est au cœur du problème, persuadé de pouvoir faire un film réflexif combiné au délire pubère de super-héros se castagnant en faisant s'écrouler des immeubles. Là où il s'extirpe éventuellement de la masse des autres faiseurs, c'est que Snyder a des idées. Il en bombarde son film et son régulièrement toutes plus mauvaises les unes que les autres, mais font office d'un style qui souvent fait défaut aux autres productions, ce qui dans l'absolu est presque quelque chose de positif. Il est cependant dommageable que chaque embryon de bonne idée aboutisse à quelque chose de grotesque, que ce soit au niveau de l'idéologie du film comme du visuel ou de la construction scénaristique, finalement incohérente et peu crédible. Tout est prétexte à amener la destruction massive du dernier acte, comme une orgie visuelle doublée d'une cacophonie littéralement éprouvants à subir. Le plus malheureux est peut-être de sentir Ben Affleck coincé dans ce Bruce Wayne maladroitement écrit et donner la réplique à tout ce monde en roue libre. Un film crétin, mais avec des idées. Mais crétin quand même.<br />
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-nEhmjUyACCA/VzH-dn126xI/AAAAAAAACPQ/srPE8B07mWsSDiB9lshuOODWF5A3JrAJACKgB/s1600/jane-got-a-gun-poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-nEhmjUyACCA/VzH-dn126xI/AAAAAAAACPQ/srPE8B07mWsSDiB9lshuOODWF5A3JrAJACKgB/s200/jane-got-a-gun-poster.jpg" width="147" /></a><b><u><i>Jane Got a Gun</i>, de Gavin Hood (2016)</u></b></div>
<br />
Vu sa genèse résolument catastrophique, <i><b>Jane Got a Gun</b></i> a en effet tout pour être raté. Sans surprise, ça ne loupe pas et Gavin Hood livre un western d'une pauvreté totale, inintéressant aux yeux du genre, même compte-tenu de la pénurie actuelle. Le côté finalement assez simple de l'intrigue pouvait être une force, cette défense de domicile semblable au dernier acte de <i><b>Josey Wayles, hors-la-loi</b></i> (dont il s'inspire certainement), mais il aurait fallu que le film en tire un réel dynamisme capable de transcender cette simple idée. Rien ne prend car les personnages, malgré le background qu'impose le film dans ses lourds flashbacks, n'ont aucune consistance. Ce qui était un postulat simple devient finalement un traitement simpliste. Nathalie Portman, d'ailleurs productrice, porte le film comme elle peut, mais la piètre actrice qu'elle est ne suffit pas à compenser cet intégral et laborieux échec artistique. Dans sa mise en scène, Gavin Hood n'a pas une seule idée de plan original pour conférer une quelconque personnalité à son western, à croire que c'est un film fait avec le désintérêt le plus complet, à l'instar de Joel Edgerton et Ewan McGregor, absents devant la caméra. On pourrait naïvement croire que c'est néanmoins un essai bien tenté, que les circonstances ont fait péricliter, mais le scénario en lui-même est d'une telle pauvreté qu'il paraît difficilement concevable de pouvoir en tirer quoique ce soit.<br />
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-y-GmgwQGVSs/VzH-U5h87PI/AAAAAAAACPE/JeAeby4ySfgkIdzlf3Lcf9KjaLDELwFxQCKgB/s1600/10cl_poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-y-GmgwQGVSs/VzH-U5h87PI/AAAAAAAACPE/JeAeby4ySfgkIdzlf3Lcf9KjaLDELwFxQCKgB/s200/10cl_poster.jpg" width="135" /></a></div>
<b><u><i>10 Cloverfield Lane</i>, de Dan Trachtenberg (2016)</u></b><br />
<br />
Au royaume des fausses bonnes idées, les productions de J.J. Abrams semblent trôner. En fin de compte, il est assez curieux de vouloir étendre l'univers de <i><b>Cloverfield</b></i>, film-concept déjà oublié, à travers <i><b>10 Cloverfield Lane</b></i> qui serait sans doute bien plus intéressant sans sa pauvre liaison. Le postulat est assez cliché en fin de compte, mais il y a aussi dans les bases du scénario la recette efficace. On pourrait presque fantasmer sur un remake presque apocalyptique de <i><b>L'Obsédé</b></i> de William Wyler. Ce huis-clos peu probant ressemble hélas davantage à un vague délire de jeune réalisateur de court-métrage. Le scénario, hélas revisité pour être formaté, manque complètement de substance, de profondeur, et façonne des personnages inintéressants. Le charmant casting constitué par John Goodman et Mary Elizabeth Winstead recèle une alchimie finalement trop légère pour entretenir la faiblesse de la tension. Ajoutez à cela une réalisation des plus anonymes et un ton qui se croît malin, vous obtenez une production sans envergure, à être très prochainement oubliée.<br />
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-brzFEXG31O0/VzH-aEcAVWI/AAAAAAAACPQ/IgdgFyZwvQQgBS67sWkJLsPvcjMsRPWbQCKgB/s1600/civil-war-poster-3.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-brzFEXG31O0/VzH-aEcAVWI/AAAAAAAACPQ/IgdgFyZwvQQgBS67sWkJLsPvcjMsRPWbQCKgB/s200/civil-war-poster-3.jpg" width="135" /></a><b><u><i>Captain America : Civil War</i>, de Joe et Anthony Russo (2016)</u></b></div>
<br />
Dans la jungle débilitante du divertissement contemporain,
l’heure est à l’entassement. Hollywood engendre des films obèses sous
prétexte de générosité, chaque suite ou spin-off en rajoutant une couche
dans les informes univers partagés. <i><b>Captain America : Civil War</b></i> est un
rayon de plus dans un supermarché déjà encombré, celui qui réunit dans
la même promotion tous les produits les plus gras et indigestes avant le
passage en caisse du consommateur bien heureux.<br />
<br />
Critique à lire sur Filmopshere :<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/captain-america-civil-war-anthony-joe-russo-2016/" target="_blank">http://www.filmosphere.com/movies/captain-america-civil-war-anthony-joe-russo-2016 </a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-CdCOk_sew9Y/VzH-XI0LDoI/AAAAAAAACPM/I-HH7QMW4ws97T_CfcZ8Sk_JRbHkxmn3QCKgB/s1600/Finest-Hours-poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-CdCOk_sew9Y/VzH-XI0LDoI/AAAAAAAACPM/I-HH7QMW4ws97T_CfcZ8Sk_JRbHkxmn3QCKgB/s200/Finest-Hours-poster.jpg" width="135" /></a></div>
<b><u><i>The Finest Hours</i>, de Craig Gillepsie (2016)</u></b><br />
<br />
Voilà une production Disney plutôt curieuse, ratée à presque tous les niveaux, à tel point qu'on se demande ce que l'entreprise vise. <i><b>The Finest Hours</b></i> est à inscrire dans le sympathique sous-genre qu'est le film de garde-côtes ou plus généralement de catastrophes maritimes, très prisés par les américains mais jamais franchement renouvelé depuis le très efficace <i><b>En Pleine tempête</b></i> de Wolfgang Petersen. Le film essaye de développer ses personnages, mais l'écriture est tellement plate que la tentative, certes louable, confère surtout un ennui des plus profonds dans l'attente des séquences d'action. C'est un film sans passion aucune, extrêmement mollement conçu. La seule bonne idée du film n'est exploitée hélas qu'un instant, en salle des machines avec Casey Affleck, représentée indépendamment du reste du navire, comme un huis-clos à part, sans vue vers l'extérieur, où le commandant n'est qu'une voix à l'interphone. Hélas le film ne poursuit pas dans cette direction et l'ensemble des évènements qu'il décrit est extrêmement conventionnel et déjà-vu. Le ton over-the-top global des aventures maritimes tue d'ailleurs la crédibilité du récit, devenu trop sensationnel sans avoir réellement les moyens ou le talent de le retranscrire. Un téléfilm du dimanche à 80 millions de dollars.<br />
<br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-8MJ6VvGAego/VzH-dErsZhI/AAAAAAAACPQ/Bkqz1Z4daG40U502XPoOHzDKwa1HTPmjQCKgB/s1600/gods-of-egypt-new-poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-8MJ6VvGAego/VzH-dErsZhI/AAAAAAAACPQ/Bkqz1Z4daG40U502XPoOHzDKwa1HTPmjQCKgB/s200/gods-of-egypt-new-poster.jpg" width="129" /></a><b><u><i>Gods of Egypt</i>, d'Alex Proyas (2016)</u></b></div>
<br />
On l'avait dûment attendu, le nouveau film d'Alex Proyas. Ratage cosmique et sans doute mémorable parmi les blockbusters contemporains, on en vient à se demander comment <i><b>Gods of Egypt</b></i> a pu être produit. De toute évidence, il ne ressemble ni à un film de Proyas, et n'a même pas un minimum de rigueur pour être assimilé à un film de producteur. C'est une interrogation. D'une laideur rare, entre ses décors vides en carton et ses effets spéciaux non finalisés, le film est un accident intégral. Il serait homérique de chercher à recenser tout ce qui ne va pas dans les deux heures du métrage, mais le paroxysme est certainement atteint avec les séquences de Râ et son pédalo des étoiles, permettant de contempler la détresse complète dans les yeux de son interprète, le pauvre Geoffrey Rush. La mythologie égyptienne est tellement incomprise par tous ces gens qui s'en moquent que le film surfe de la sorte entre le risible et le déplacé. Les situations de comique involontaire sont multipliées à l'extrême, permettant à Alex Proyas de constituer malgré lui un authentique nanar moderne. On a aussi de la peine pour Marco Beltrami, engagé dans cette galère cosmique, recyclant étrangement la tonalité de la partition du <i><b>Masque de Zorro</b></i> de James Horner. Bon, après tout, nous ne sommes plus à cela près. Édifiant. <br />
<br /></div>
Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6423083980187720142.post-209636008859692172016-02-29T00:55:00.002+01:002016-03-01T15:34:06.696+01:00[Avis en vrac] Vus et revus #21<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-hZaRRv-fn7I/VtOIZgCq8RI/AAAAAAAACMs/HFtd774_48w/s1600/Annex%2B-%2BArthur%252C%2BJean%2B%2528Only%2BAngels%2BHave%2BWings%2529_01.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="376" src="https://2.bp.blogspot.com/-hZaRRv-fn7I/VtOIZgCq8RI/AAAAAAAACMs/HFtd774_48w/s640/Annex%2B-%2BArthur%252C%2BJean%2B%2528Only%2BAngels%2BHave%2BWings%2529_01.jpg" width="540" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Seuls les Anges ont des ailes</b></i>, d'Howard Hawks (1939)</td></tr>
</tbody></table>
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<span style="font-size: large;"><u><b>EN VIDÉO</b></u></span><br />
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<a href="https://2.bp.blogspot.com/-BvRq4dW2cBI/VtCKY80uOpI/AAAAAAAACJ0/7gCoYX58niQ/s1600/bigsky.jpeg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-BvRq4dW2cBI/VtCKY80uOpI/AAAAAAAACJ0/7gCoYX58niQ/s200/bigsky.jpeg" width="150" /></a><u><b><i>La Captive aux yeux clairs</i>, d'Howard Hawks (1952)</b></u><br />
<u><b><br /></b></u>
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<div style="text-align: justify;">
Sans que ce soit pour autant réellement surprenant, <i><b>La Captive aux yeux clairs</b></i> n'est pas forcément la réelle aventure westernienne classique à laquelle on pourrait s'attendre vu le synopsis. Howard Hawks tisse, une fois n'est pas coutume, un réel film de personnages : ce sont bel et bien eux qui font tout son intérêt plutôt que le récit en lui-même. Finement caractérisés, ce sont véritablement leurs relations qui sont au centre des enjeux : celles entre cowboys, et, évidemment, celles avec la furtive captive qui donneront lieu à une résolution des plus plaisantes. A ce titre-là, comme je le remarque parfois dans le genre, il faut saluer un très beau titre français. Et puisque l'on parle de Français, il faut noter leur présence dans le film et leur intégration dans ce paysage culturel toujours fascinant. C'est peut-être l'occasion de rire quant à quelques accents, mais surtout de profiter de beaux et originaux protagonistes. Kirk Douglas, sans surprise, est formidable. A noter toutefois, vu mes conditions de visionnage, qu'une version restaurée ne serait, pour le coup, vraiment pas de refus.</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=7951" target="_blank"><br /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=7951" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-UYEqAXG3TUI/VtCKsQFb6HI/AAAAAAAACJ4/zV5-O3BStgU/s1600/Shaun-of-the-Dead-Poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-UYEqAXG3TUI/VtCKsQFb6HI/AAAAAAAACJ4/zV5-O3BStgU/s200/Shaun-of-the-Dead-Poster.jpg" width="133" /></a><u><b><i>Shaun of the Dead</i>, d'Edgar Wright (2004)</b></u></div>
<br />
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
Aujourd'hui, il faut bien l'avouer, j'en viens à être résolument gavé par les films de zombies. Fort heureusement, la mode s'est quelque peu dissipée depuis quelques temps. L'exploit de <i><b>Shaun of the Dead</b></i> n'aura finalement jamais été renouvelé depuis, conjuguant à merveille, ce qui est désormais une habitude chez Wright, la comédie à du genre rondement traité. L'efficacité de l'écriture rencontre de nouveau celle de la mise en scène, en témoigne ce génial double plan-séquence de balade chez l'épicier du coin. Le film prend le temps de construire une réelle mise en place tout en s'affranchissant de temps morts, le tout boosté par des idées qui font toujours mouche et surtout un humour qui est capable d'alterner le gras et le plus subtil, ce qui est, encore, un joli héritage de l'ancienne bande à Terry Gilliam.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=381" target="_blank">Fiche Cinelounge </a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-tVKLPfggFJI/VtCLGNvn8cI/AAAAAAAACKA/GuQ5sbrDe1I/s1600/xl_2601-affich-film-la-grande-vadrouille.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-tVKLPfggFJI/VtCLGNvn8cI/AAAAAAAACKA/GuQ5sbrDe1I/s200/xl_2601-affich-film-la-grande-vadrouille.jpg" width="150" /></a></div>
<u><b><i>La Grande vadrouille</i>, de Gérard Oury (1966) </b></u></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>Revisionnage. </i><br />
<br />
Je vois les deux du fond qui rigolent, là ! Oui, j'ai revu, avec plaisir même, <b><i>La Grande vadrouille</i></b>, et j'irai même plus loin : il faut le revoir pour mieux saisir quelque chose qui s'est évaporé de la comédie populaire : la maîtrise. Parce que oui, c'est un film assez maîtrisé en fin de compte. Dans son écriture, qui permet de ne pas laisser Louis de Funès ou son personnage dans un solo de roue libre ou qui encore se plaît à malmener son contexte historique. Mais c'est bien sa force, comme dans <i><b>La Vie de château</b></i>, sorti l'année auparavant, dont évidemment la production d'Oury s'est inspiré. C'est rentre-dedans, parfois gras, mais ça fait du bien. Mieux encore : l'écriture des gags n'est pas conditionnée par sa temporalité, ce qui ne rend pas le film si périssable que ça. Ajoutez à cela un Bourvil que l'on aimera toujours, une très jolie photographie en scope de Claude Renoir, une musique de Georges Auric et une réalisation finalement solide de Gérard Oury : c'est quarante fois plus que ce qui nous est habituellement proposé ces derniers temps. A méditer.</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1941" target="_blank"><br /></a></div>
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1941" target="_blank">Fiche Cinelounge</a></div>
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<br /></div>
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<u><b><br /></b></u></div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-uyRZAbrF9wU/VtCLcd07vfI/AAAAAAAACKI/Hej-8aW4C74/s1600/thunderball_movie_poster_by_madporra-d4hucer.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-uyRZAbrF9wU/VtCLcd07vfI/AAAAAAAACKI/Hej-8aW4C74/s200/thunderball_movie_poster_by_madporra-d4hucer.jpg" width="129" /></a><u><b><i>Opération Tonnerre</i>, de Terence Young (1965)</b></u></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>Revisionnage.</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Retour de Terrence Young à la barre de James Bond, qui ceci dit, avec <i><b>Opération Tonnerre</b></i>, essaye de reprendre plutôt la clé du succès selon Guy Hamilton : l'action. Le volet, à double vitesse, ne marche pas complètement. Le scénario a des bases intéressantes, mais c'est son développement qui pêche (c'est dans le thème !), d'une part à cause de personnages peu convaincants (dont principalement l'antagoniste, ce qui est tout de même malheureux) et d'autre part à cause du traitement de l'aventure que l'on a connu plus inspiré. Pourtant le personnage en lui-même s'étoffe, son entourage aussi, le Spectre évidemment. L'idée d'un épisode centré sur les océans a son charme et offre de nouvelles images, mais Terence Young n'est pas nécessairement le réalisateur qu'il faut et ses affrontement sous-marins sont terriblement mollassons, jusqu'à même un climax d'action qui n'est pas des plus convaincants. Heureusement, Maurice Binder y livre un des plus beaux génériques, boosté par le coffre inégalable de Tom Jones. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2020" target="_blank">Fiche Cinelounge</a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-eivo8LqCwWU/VtCLw8N6v-I/AAAAAAAACKM/L_xi9fHjZKo/s1600/file_104266_1_about-time-poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-eivo8LqCwWU/VtCLw8N6v-I/AAAAAAAACKM/L_xi9fHjZKo/s200/file_104266_1_about-time-poster.jpg" width="126" /></a></div>
<u><b><i>Il était temps</i>, de Richard Curtis (2013)</b></u></div>
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A sa sortie, je ne m'attendais pas à lire autant de bien de part et d'autre à propos du dernier film de Richard Curtis. Quelques temps après, je le rattrape enfin et comprend donc les raisons de ce succès qui n'est pas démérité : c'est un bien joli film. Ce qui n'aurait pu être qu'une vaine comédie sur fond de voyage temporel préfère finalement laisser son concept si vendeur en toile de fond, comme simple outil scénaristique, pour se concentrer avant tout sur de réels enjeux familiaux et sentimentaux. Évidemment, le film est drôle, mais il est émouvant, voire très émouvant, à plus d'une reprise. Un casting charmant campe les affectueux personnages, en particulier, et sans surprise, Rachel McAdams dont on sera, parce qu'on est faible, tombé encore cent fois amoureux. Une belle surprise dans ce genre si bâtard et ingrat qu'est devenu la "rom-com" de nos jours.<br />
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-snc6iSpAJi8/VtCL_r9-H1I/AAAAAAAACKU/OT_KrR-Eby8/s1600/the-other-guys-movie-poster-2010-1020545762.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-snc6iSpAJi8/VtCL_r9-H1I/AAAAAAAACKU/OT_KrR-Eby8/s200/the-other-guys-movie-poster-2010-1020545762.jpg" width="135" /></a><br />
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<b><u><i>Very Bad Cops</i>, d'Adam McKay (2010)</u></b></div>
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Ça commence tout de suite très fort ! Adam McKay tranche avec le reste des comédies américaines moins ambitieuses et propose une orgie largement plus prenante avec son <i><b>Very Bad Cops</b></i>. Le colossal duo Mark Whalberg / Will Ferrell, dans une inspiration proche de la transe à certains moments, pourrait tenir à lui seul le film, mais il faut en plus qu'il soit entouré par un casting encore plus géant (Dwayne Johnson et Samuel L. Jackson dans l'introduction, Michael Keaton hilarant en chef de la police névrosé) qui donne cette sensation constante d'over the top. Le sens de l'humour est savamment pensé, chaque gag ou presque fonctionne non seulement grâce à son écriture mais aussi par la réalisation. Sans qu'elle soit formidable, ddam McKay a ceci dit un sens du rythme très précieux, en témoigne le gag à répétition des places de spectacle. Plus intéressant encore : loin d'être bête, et même si ça n'est recalé qu'en fond de l'intrigue : le contexte de malversations économiques, véritable porte ouverte, comme l'est le générique de fin, vers <i><b>The Big Short</b></i>. Un détail qui fait du bien.<br />
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-M2bEs0LTPDs/VtCMXTEDRbI/AAAAAAAACKc/DaxGonZPO10/s1600/the-tin-star-movie-poster-1957-1020417618.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-M2bEs0LTPDs/VtCMXTEDRbI/AAAAAAAACKc/DaxGonZPO10/s200/the-tin-star-movie-poster-1957-1020417618.jpg" width="131" /></a></div>
<b><u><i>Du sang dans le désert</i>, d'Antony Mann (1957)</u></b><br />
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J'ai une immense affection, pour ne pas dire adoration, pour les westerns sombres et nihilistes d'Antony Mann. L'intrigue du <i><b>Sang dans le désert</b></i>, voyant Henry Fonda devenir le mentor d'un jeune Anthony Perkins se la jouant caïd, offrait la perspective d'une histoire tout autant remplie de désillusions. C'est encore un de ces westerns aux très beaux personnages, si fragiles malgré l'image qu'ils essayent de refléter. La réalisation très sèche et très épurée de Mann va droit au but, magnifiée par une superbe photographie noir et blanc de Loyal Griggs, dont la gamme de sombres nuances sied magnifiquement au thème. Hélas, je regrette que le récit n'aille pas plus loin, dans un dénouement finalement bien plus simple que ce que le postulat laissait envisager, comme ce que l'on aurait retrouvé dans le magnifique <i><b>La Cible humaine</b></i> d'Henry King. Ceci dit, très certainement à voir pour quiconque aime la vision de l'Ouest selon le réalisateur.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=37489" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-vblAsb61G68/VtCM3o2VzZI/AAAAAAAACKk/39tHeIDE-Cc/s1600/7880878_f520.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-vblAsb61G68/VtCM3o2VzZI/AAAAAAAACKk/39tHeIDE-Cc/s200/7880878_f520.jpg" width="149" /></a><b><u><i>Les Voleurs de train</i>, de Burt Kennedy (1973)</u></b></div>
<br />
Un western qui ne va certes pas chercher bien loin, attribuant à John Wayne une figure de cow-boy unilatéral dans une chasse au trésor bien classique. Cependant, malgré un flagrant manque d'ambition, l'ensemble se suit sans déplaisir : la simplicité de la trame lui accorde toute son l'efficacité. C'est à l'image de la réalisation, peut-être pas bien inventive mais officiant somme toute correctement, sans que le film ne souffre de problèmes de baisse de rythme ou autre. Peut-être est-ce fort du talent de Burt Kennedy et de son héritage de la série B, lui-même autrefois scénariste chez Budd Boetticher. Les fusillades ne sont pas trop mauvaises et le concept de ce train échoué dans le désert donne à voir un décor agréable. Petit John Wayne, donc, remplissant un cahier des charges bien prévisible, mais dont l'accomplissement permet d'occuper tranquillement un dimanche après-midi pluvieux.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=7199" target="_blank"><br /></a>
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<a href="https://2.bp.blogspot.com/-aOw70s7egNs/VtCNaAwcTnI/AAAAAAAACKs/C0xyhBkke0A/s1600/thelma_and_louise_xlg.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-aOw70s7egNs/VtCNaAwcTnI/AAAAAAAACKs/C0xyhBkke0A/s200/thelma_and_louise_xlg.jpg" width="135" /></a></div>
<b><u><i>Thelma & Louise</i>, de Ridley Scott (1991)</u></b><br />
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<i>Revisionnage.</i><br />
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Bien que <i><b>Thelma & Louise</b></i> fasse l'objet d'un culte auprès du grand public depuis sa sortie, il est paradoxalement souvent oublié, ou tout du moins en retrait, dans l'éclectique carrière de Ridley Scott. Paroxysme de son élan féministe, c'est un film encore aujourd'hui bien plus intelligent et subtil que bien d'autres abordant le même thème. Dans la superbe fuite de ces deux femmes à travers l'Amérique, imaginé par le très beau script de Callie Khourie, magnifié par le cadre scope du grand compositeur d'image, tous les genres se mêlent, du feel-good movie au road-movie, du western à la tragédie mélodramatique. L'épopée courageuse et jusqu'au-boutiste se conclut dans une fin qu'a sûrement encore en tête tout appréciateur du film, qui voit également le Hans Zimmer d'une époque révolue délivrer peut-être une de ses meilleures partitions. <br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1631" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-qmcyKUNqdaU/VtCOJ4lvdZI/AAAAAAAACK0/AImCLEGZNQA/s1600/MPW-38721.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-qmcyKUNqdaU/VtCOJ4lvdZI/AAAAAAAACK0/AImCLEGZNQA/s200/MPW-38721.jpg" width="133" /></a><b><u><i>La Légende de Ron Burgundy - Présentateur Vedette</i>, d'Adam McKay (2004)</u></b><br />
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Au fur et à mesure de mes visionnages, je discerne d'autant mieux l'adoration qu'il y a autour du génial Will Ferrell, figure décidément constamment hilarante de la comédie américaine. <i><b>La Légende de Ron Burgundy</b></i> permet autant à Ferrell qu'Adam McKay de mettre sur les rails leur excellente collaboration. Comme c'est encore les débuts, on sent que McKay se cherche à la réalisation, pas encore assuré de tout son style, pas encore aussi dynamique qu'il ne le sera plus tard, mais pouvant toujours compter sur une très solide écriture et, bien entendu, un casting tout aussi costaud, permettant des seconds rôles délicieux. L'équilibre dans la dimension vulgaire de l'humour est encore une fois très savant, sûrement plus que chez les homologues du réalisateur. Le film se fend même de disséquer la culture de l'information selon la société américaine contemporaine, retapée à l'acide par McKay. Direction la suite !<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=4390" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="https://2.bp.blogspot.com/-frNKp2s6hH4/VtCOuQp-pRI/AAAAAAAACK8/o9Fn_MRcswQ/s1600/409100affbdc01.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-frNKp2s6hH4/VtCOuQp-pRI/AAAAAAAACK8/o9Fn_MRcswQ/s200/409100affbdc01.jpg" width="125" /></a></div>
<b><u><i>L'Homme du boulevard des Capucines</i>, d'Alla Surikova (1987)</u></b><br />
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Devant un tel titre couplé à la dimension d'un western soviétique, on est forcé d'être un minimum curieux. Sans être un film vraiment bon, étant même un film relativement médiocre en fin de compte, <i><b>L'Homme du boulevard des Capucines </b></i>n'est paradoxalement pas du tout inintéressant. En mêlant la vision la plus cliché du monde du western à un naïf mais joli hommage au cinéma, le film parvient malgré tout à se forger son originalité. Le problème demeure qu'il va difficilement plus loin que ce constat, restant sensiblement bloqué au stade de l'hommage, certes toujours bienvenu pour les cinéphiles et amateurs du genre, mais tournant un peu en rond dans un film peu habilement écrit, et surtout mal réalisé, souffrant d'une pénurie technique qui lui confère une bonne quinzaine d'années de retard dans la forme. A mi-chemin vers la comédie, certains gags marchent, d'autres non et deviennent alors bien lourds. C'est une curiosité à voir, mais ç'aurait pu être un film bien plus beau et plus profond dans sa réflexion sur le cinéma et son rapport à la mythologie du western.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=56819" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-ob5nMDq0YQg/VtCPCol26MI/AAAAAAAACLA/Shdgu_B1b2Y/s1600/leave-her-to-heaven-movie-poster-1945-1020143725.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-ob5nMDq0YQg/VtCPCol26MI/AAAAAAAACLA/Shdgu_B1b2Y/s200/leave-her-to-heaven-movie-poster-1945-1020143725.jpg" width="130" /></a><b><u><i>Péché Mortel</i>, de John M. Stahl (1945)</u></b></div>
<br />
Grandiose thriller sur fond de manipulation féminine, <i><b>Péché Mortel</b></i> (au somptueux titre original <i>Leave Her to Heaven</i>) est avec peu de doutes à classer parmi les influences du tout aussi génial <b><i>Gone Girl</i></b> de David Fincher. Il mélange habilement les codes du mélodrame dans les superbes et complexes relations entretenues par les personnages, dont la belle Gene Tierney. Le film est d'ailleurs une sorte de fascination autour d'elle, autant l'actrice que le personnage, qui dicte la mise en scène et les somptueux jeux de lumière, aux teintes évolutives, de la saisissante photographie couleur de Leon Shamroy. En questionnant la valeur obsessionnelle des relations amoureuses (au centre des films d'Hollywood classique), l'écriture, franche et sans détour, fait évoluer les situations
jusqu'à donner froid dans le dos, et créer cette ambiance malsaine et
paranoïaque que reprendra partiellement, plus tard, le film de Fincher. A noter une très prenante partition d'Alfred Newman, toujours capable d'une infinie subtilité ou d'emphase en grande pompe. Bref, prenant à souhaits et donnant fermement envie de découvrir le reste de la filmographie de Stahl, même s'il faut croire que c'est là sa meilleure œuvre.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=12005" target="_blank"><br /></a>
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-nZ-WKoy-iFo/VtCPPP7WuSI/AAAAAAAACLI/YV1Wvi06Fbw/s1600/step-brothers-movie-poster-2008-1020407830.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-nZ-WKoy-iFo/VtCPPP7WuSI/AAAAAAAACLI/YV1Wvi06Fbw/s200/step-brothers-movie-poster-2008-1020407830.jpg" width="135" /></a></div>
<u><b><i>Frangins malgré eux</i>, d'Adam McKay (2008)</b></u><br />
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Un peu déçu. <i><b>Frangins malgré eux</b></i> a tous les éléments de la recette de l'excellence hilarante selon Adam McKay, mais quelque chose cloche en route et ce coup-ci, c'est plutôt dû au fond. Commençant pourtant très fort, le film eux se mue progressivement en feel-good movie de plus en plus convenu, voire même moralisateur sur sa fin. Quel dommage ! Car tous nos guignols s'en donnent à cœur joie, le duo fonctionnant merveilleusement bien et jouissant toujours du même talent de rythme dans l'humour du réalisateur. Pourquoi McKay devient-il subitement si ramolo dans le derniers tiers ? Grand mystère. Peut-être est-ce parce que le film touche à un sujet de société moins politique que d'autres, s'en tenant davantage à des débiles du quotidien. Malgré ses faiblesses, il conserve tout de même un certain capital sympathie inhérent au concept, aux acteurs et à bien des blagues qui font grassement rire.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1636" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-kBnSVGYuf-0/VtCPzyN8qNI/AAAAAAAACLQ/vXsXbjELJnI/s1600/a-little-princess-movie-poster-1995-1020204219.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-kBnSVGYuf-0/VtCPzyN8qNI/AAAAAAAACLQ/vXsXbjELJnI/s200/a-little-princess-movie-poster-1995-1020204219.jpg" width="132" /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<u><b><i>La Petite princesse</i>, d'Alfonso Cuarón (1995)</b></u></div>
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Après avoir vu <i><b>La Petite princesse</b></i>, il est d'autant plus compréhensible qu'Alfonson Cuarón se soit retrouvé aux commandes d'un volet <i><b>Harry Potter</b></i>. Sans faire nécessairement intervenir le fantastique, il réunit les éléments-types du conte bon enfant, sur fond de crainte de l'orphelinat (thématique vraisemblablement assez chère aux yeux du cinéma mexicano-espagnol). Ceci dit, malgré une rigueur formelle qu'on ne peut retirer au film, il manque quelque chose, il manque d'un esprit, il manque sans doute d'émoi, et de plus grands enjeux mélodramatiques. Peut-être parce que le film est trop court, peut-être parce que son interprétation n'est pas des plus convaincantes. C'est un joli film, plein de bonnes idées, mais malheureusement un brin simpliste, à l'image d'un dénouement expédié à la vitesse de la lumière, laissant bien peu de place à la création naturelle de l'émotion.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=6450" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: left;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-kds5qH3_7sY/VtCQHJ3RZVI/AAAAAAAACLY/6-EduB13Pns/s1600/the-war-wagon-movie-poster-1967-1020219935.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-kds5qH3_7sY/VtCQHJ3RZVI/AAAAAAAACLY/6-EduB13Pns/s200/the-war-wagon-movie-poster-1967-1020219935.jpg" width="129" /></a><b><u><i>La Caravane de feu</i>, de Burt Kennedy (1967)</u></b></div>
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Voilà un western avec un simple mais formidable concept : le braquage d'un convoi blindé, filant à toute vitesse à travers l'Ouest. Encore une fois, Burt Kennedy conserve des éléments simples mais efficaces pour tailler son film. <i><b>La Caravane de feu</b></i> est à l'image, possiblement un peu meilleur, du plus tardif les <i><b>Voleurs de train </b></i>du même réalisateur : objectifs concrets, pas de chichi, personnages relativement unilatéraux et pas de temps morts. Alors, sans que le duo Kirk Douglas / John Wayne atteigne des sommets, il se savoure paisiblement comme un constant duel de gueules. On en fait plus des comme eux, pas de doutes. L'attaque finale fonctionne bien et sans que l'on ait été bien surpris, le film a fait l'effet d'un très correct divertissement.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=6925" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-olRIzM6zrSA/VtCQnmWAQeI/AAAAAAAACLg/MG2z1Lh5IvI/s1600/RevengeoftheVirgins.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-olRIzM6zrSA/VtCQnmWAQeI/AAAAAAAACLg/MG2z1Lh5IvI/s200/RevengeoftheVirgins.jpg" width="133" /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<u><b><i>Revenge of the Virgins</i>, de Peter Perry Jr. (1959) </b><b><br /></b></u></div>
<br />
Sorti une dizaine d'année plus tard, ç'aurait pu être un super film ! Mais <i><b>Revenge of the Virgins</b></i>, malgré quelques audaces çà et là, est surtout coincé dans son époque et peu aidé par sa mollesse globale. Face à tout ce que l'on aurait pu imaginer dans la perspective d'un western érotique, le film a bien peu à offrir, quelques formes montrées ne pouvant hélas pas suffire. Sans doute à voir entre amis, comme une gentillette petite kitcherie attachante pour certains, mais foncièrement oubliable, car ennuyante, même à travers le prisme de l'histoire de la série Z et du nanar. Au moins, c'est une curiosité de plus dont on pourra toujours se vanter de l'avoir vu, en dîner mondain face à Patrick Brion.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=61789" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<b><u></u></b><br />
<div style="text-align: left;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-pnAp_-1RPYY/VtCQ18HD2GI/AAAAAAAACLk/SGVLYRlSOv8/s1600/We-Bought-a-Zoo-Poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-pnAp_-1RPYY/VtCQ18HD2GI/AAAAAAAACLk/SGVLYRlSOv8/s200/We-Bought-a-Zoo-Poster.jpg" width="135" /></a><b><u><i>Nouveau départ</i>, de Cameron Crowe (2012)</u></b></div>
<br />
<br />
C'est hélas avec peu de doutes le film le plus faible de Cameron Crowe, auteur pour qui j'ai une grande sympathie, renouvelée avec son récent <i><b>Aloha</b></i>. La patte feel-good, inhérente au réalisateur et habituellement appréciée, est dans <i><b>Nouveau Départ</b></i> trop tartinée dans le scénario, qui manque de fond, de recherche dans les personnages malgré le beau postulat qu'il pourrait y avoir dans ce père veuf. Finalement, c'est un film pour le coup trop gentil. Matt Damon assure la présence du capital sympathie, mais sa relation avec ses enfants, notamment l'aîné, est trop peu pensée, trop dans l'irréel, trop dans la fiction pour que l'emphase dramatique fonctionne réellement<i>, </i>alors que la fraîcheur du personnage de Scarlett Johansson<span class="st"> semble bien superficielle. Un divertissement regardable, mais bien inoffensif et peu émouvant.</span><br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=20881" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-55JOy-PvwwI/VtCRkDWRlHI/AAAAAAAACLw/-_1ZAAZLkCk/s1600/poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-55JOy-PvwwI/VtCRkDWRlHI/AAAAAAAACLw/-_1ZAAZLkCk/s200/poster.jpg" width="145" /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<b><u><i>Le Labyrinthe de Pan</i>, de Guillermo del Toro (2006)</u></b></div>
<br />
Œuvre maîtresse du fantastique chez Guillermo del Toro, <i><b>Le Labyrinthe de Pan</b></i> est avant tout le déploiement d'un grand savoir de conteur et d'architecte du visuel. Accumulant ses références picturales (Goya) et évidemment cinématographiques (Cocteau) dans un scénario classique mais relativement solide, le film de del Toro questionne l'essentielle obsession des réalisateurs de genre de sa génération, mêlant le contexte d'un drame du réel (la guerre civile et le déracinement familial d'une jeune fille) au voyage spirituel du conte merveilleux. Ceci dit, dans le soin de maniaque que le réalisateur apporte à tout ce décorum magique, comme toujours très bien photographié, il perd parfois de vue ses enjeux plus dramatiques, que le scénario, éventuellement trop mécanique, ne laisse peut-être pas assez respirer. Quoique même s'il s'agissait simplement d'un grand exercice de style, il n'en possède pas moins de charme et conserve tout autant d'ambitieux.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1042" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: left;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-FBktogn3Fbc/VtCR2dojHEI/AAAAAAAACL0/aE2R8iBAPl4/s1600/only-angels-have-wings-POSTER%25402x.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/-FBktogn3Fbc/VtCR2dojHEI/AAAAAAAACL0/aE2R8iBAPl4/s200/only-angels-have-wings-POSTER%25402x.jpg" width="128" /></a><b><u><i>Seuls les anges ont des ailes</i>, d'Howard Hawks (1939)</u></b></div>
<br />
Quadruple alerte de chef-d’œuvre définitif du cinéma classique américain. L'année 1939 était décidément d'un cru inimitable, bombardée de toutes parts par de grands films d'immenses auteurs. <i><b>Seuls les anges ont des ailes</b></i> a pour lui l'immense simplicité de son histoire, voyant une fille de nulle part allant se perdre dans le relais des pilotes postaux. Le scénario s'applique alors remarquablement bien sur ses somptueux personnages et les détails qui viennent, tour à tour, les caractériser et forger cette relation incroyable et si précieuse d'amour inavoué. Dans l’étroitesse de cet univers des pilotes, dont la vie ne tient qu'à un fil tout aussi fin, Howard Hawks, grand cinéaste d'ambiance, capte admirablement bien la tension stressante des vols à l'issue incertaine, qui vient se coupler à l'inévitable tension sentimentale. Si le sérieux du ténébreux Cary Grant dresse un portrait d'un immense charisme, c'est surtout Jean Arthur, lumineuse, qui tient quasiment tout le film, imposant peut-être une des plus belles figures féminines d'Hollywood classique. Rien que ça.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=7765" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-KYzYhRFqjxc/VtCSJpEie2I/AAAAAAAACL4/g9wDWL3XaLA/s1600/poster2.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-KYzYhRFqjxc/VtCSJpEie2I/AAAAAAAACL4/g9wDWL3XaLA/s200/poster2.jpg" width="135" /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<b><u><i>Le Dernier samouraï</i>, d'Edward Zwick (2003)</u></b></div>
<br />
<i>Revisionnage. </i><br />
<br />
Après le succès de <i><b>Gladiator</b></i>, Hollywood a donc eu cette curieuse et très ponctuelle mode de décliner la fresque historique à toutes les sauces. La citation du film de Ridley Scott n'est pas non plus anodine puisque c'est John Logan qui est à l'origine de l'écriture du <i><b>Dernier samouraï</b></i>, dont on reconnaît allègrement le ton historique très ambitieux à la tendance tragique. Derrière le film fort conventionnel et balisé que livre Edward Zwick, honnête faiseur, il y a surtout la perspective d'un scénario aux enjeux politiques passionnants, remettant en question l'interventionnisme américain, sa tendance à l'annihilation culturelle de l'autre ou diverses malversations dans sa politique étrangère. D'autant plus d'actualité lors de l'année de sortie du film. Même si ces éléments sont présents de manière parcellaire dans le métrage, le résultat demeure avant tout un gros blockbuster d'action avec Tom Cruise au ralenti au son d'un Hans Zimmer qui recyclait, déjà, ses partitions du Ridley Scott. Mais il faut aussi avouer que le show est malgré tout très correct, car si Edward Zwick ne déploie pas de génie particulier ou d'inventivité quelconque dans sa mise en scène, il s'appuie sur un solide classicisme et sur une photographie au travail notable. Ou peut-être est-ce le charisme de Tom Cruise qui inonde la pellicule...<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2012" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2012" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-QP5bnGyODa0/VtCSfmQ_csI/AAAAAAAACMA/jwCY1VoN49E/s1600/el-espinazo-del-diablo-movie-poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-QP5bnGyODa0/VtCSfmQ_csI/AAAAAAAACMA/jwCY1VoN49E/s200/el-espinazo-del-diablo-movie-poster.jpg" width="141" /></a><b><u><i>L’Échine du Diable</i>, de Guillermo del Toro (2001)</u></b></div>
<br />
Voilà pour moi sans doute le meilleur film de son auteur. Plus simple que <i><b>Le Labyrinthe de Pan</b></i>, le ton fantastique plus raisonnable de <i><b>L’Échine du Diable</b></i> fait tout son charme. Ici, justement, le drame humain est au centre de l'intrigue, le fantastique l'alimente et non l'inverse. <i>"Qu'est-ce qu'un fantôme ? Une tragédie à se répéter encore et encore ?"</i> s'interroge la voix-off. Toute le grand sens lyrique du film est là, d'autant plus libéré par un Guillermo del Toro moins maniériste qu'il ne le sera plus tard. La direction photographique est à cette image : sans chichis particuliers, et pourtant d'une beauté renversante, sans doute aidée par ce somptueux paysage désertique et immaculé au milieu duquel se dresse l'orphelinat. En exagérant un peu, on pourrait sûrement dire que c'est l’œuvre d'un vrai poète : bourrée de vie, mais obsédée par la mort.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1704" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-VF65kI7M9po/VtCS0CVbIOI/AAAAAAAACME/FMoPFkpi0Xw/s1600/Sean-Connery-is-James-Bond-You-Only-Live-Twice-poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-VF65kI7M9po/VtCS0CVbIOI/AAAAAAAACME/FMoPFkpi0Xw/s200/Sean-Connery-is-James-Bond-You-Only-Live-Twice-poster.jpg" width="133" /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<b><u><i>On ne vit que deux fois</i>, de Lewis Gilbert (1967)</u></b></div>
<br />
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
Redressement qualitatif pour la saga après un dernier volet en demi-teinte. Lewis Gilbert reprend les choses en main en propulsant 007 au pays du Soleil levant. Malgré son inéluctable avalanche de clichés plus ou moins grotesques, <i><b>On ne vit que deux fois</b></i> a une facture solide, conférant enfin au Spectre toute l'ampleur qu'il mérite dans la personnification très réussie de son leader, Blofeld. Le film est équilibré sur tous les tableaux, efficace et prenant grâce au scénario de Roald Dahl. A noter, tant qu'à faire, la très belle photographie de Freddie Young, connu notamment pour ses collaborations avec David Lean, et délivrant ici des images magnétiques du Tokyo nocturne. Bref, si l'on compile tout cela à une partition de John Barry sans surprise fantastique, à la chanson enivrante de Nancy Sinatra et à ce générique tout aussi réussi de Maurice Binder, c'est bel et bien encore une valeur sûre de l'ère Connery, lui aussi, tenant le film de bout en bout avant une première retraite.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2021" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2021" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-jityb1o1Ni8/VtCTTBR8e4I/AAAAAAAACMM/ul3IK6yg5LU/s1600/MV5BMTc0NDYzMjgyNV5BMl5BanBnXkFtZTcwMjgyMzY0NA%2540%2540._V1__SX1217_SY861_.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-jityb1o1Ni8/VtCTTBR8e4I/AAAAAAAACMM/ul3IK6yg5LU/s200/MV5BMTc0NDYzMjgyNV5BMl5BanBnXkFtZTcwMjgyMzY0NA%2540%2540._V1__SX1217_SY861_.jpg" width="133" /></a></div>
<div style="text-align: left;">
<b><u><i>Au Service secret de sa Majesté</i>, de Peter Hunt (1969)</u></b></div>
<br />
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
Longtemps peu appréciée, la tentative de simili-reboot de 007 d'Eon Productions est pourtant l'un des volets les plus intéressants. Avec <i><b>Au Service secret de sa Majesté</b></i>, la rupture avec l'ère Connery, détonante, permet une approche déjà plus sérieuse et plus dramatique. Bien que George Lazenby tende à être une sorte de Cary Grant du pauvre (et pour cause, ce dernier, bien que trop vieux, avait un temps été envisagé pour le rôle), la certaine sobriété de son faciès et de son personnage permet malgré tout de l'émanciper vis-à-vis de son prédécesseur. Si l'on omet la désastreuse réalisation des affrontements à mains nues (trop cuttés, trop accélérés), le film enchaîne un par un les moments de bravoure, notamment dans ses illustres et désormais célèbres courses-poursuites au son, encore et toujours, du grandiose John Barry. Une fois n'est pas coutume, je vais encore m'attarder sur la musique, mais je ne peux rester impassible devant la délicate collaboration entre Barry et Louis Armstrong, susceptible de valoir à elle-seule presque tout le charme du film. Heureusement, il a encore moult qualités à proposer, dont l'excellent Telly Savalas pour reprendre le rôle de Blofeld, et une conclusion des plus tragiques qui en a sûrement désappointé plus d'un à l'époque.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2023" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2023" target="_blank">Fiche Cinelounge </a><br />
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-5YyrX-aDn9M/VtCTmd5B2UI/AAAAAAAACMU/ROFFbc_TZ3Y/s1600/diamonds_are_forever.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-5YyrX-aDn9M/VtCTmd5B2UI/AAAAAAAACMU/ROFFbc_TZ3Y/s200/diamonds_are_forever.jpg" width="125" /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<b><u><i>Les Diamants sont éternels</i>, de Guy Hamilton (1971)</u></b></div>
<br />
<i>Revisionnage. </i><br />
<br />
Marche arrière toute pour Eon Productions : Peter Hunt est évincé, George Lazenby oublié et Sean Connery reprend du service. Bien que <i><b>Les Diamants sont éternels</b></i> soit un épisode laborieux sur plus d'un aspect, je conserve tout de même pour lui une certaine sympathie. Le légèrement vieillissant Sean Connery fait finalement certes le minimum syndical (d'autant plus que peu de temps après, il produit le tumultueux <i><b>The Offence</b></i>) et éprouve, dans un dernier tour de piste, une formule très classique des aventures de 007. Rien de neuf à signaler sur les écrans radars, mais un film qui se suit sans déplaisir, kitch à souhait, sans doute déjà un peu dépassé et rétrograde vis-à-vis de son prédécesseur, mais qu'importe, cela a aussi son charme.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2022" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: left;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-7eiqEoCaF_M/VtCUDPKNNlI/AAAAAAAACMc/P6L_iO9Y2aA/s1600/MV5BMjUyNTA3MTAyM15BMl5BanBnXkFtZTgwOTEyMTkyMjE%2540._V1__SX1217_SY861_.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://3.bp.blogspot.com/-7eiqEoCaF_M/VtCUDPKNNlI/AAAAAAAACMc/P6L_iO9Y2aA/s200/MV5BMjUyNTA3MTAyM15BMl5BanBnXkFtZTgwOTEyMTkyMjE%2540._V1__SX1217_SY861_.jpg" width="134" /></a><b><u><i>Le Labyrinthe</i>, de Wes Ball (2014)</u></b></div>
<br />
J'ai le vilain défaut d'une certaine curiosité quant aux productions bien commerciales du canon mainstream hollywoodien. Mais après tout, il faut bien savoir ce qu'il se trame dans l'industrie. Il faut avouer que <i><b>Le Labyrinthe</b></i> pourrait être un film intéressant grâce à cette touche de survival. Hélas, c'est à peu près tout, car dans les faits, le métrage ne prend jamais le temps de construire quoique ce soit. C'est à l'image de l'introduction : le héros débarque dans la zone centrale du fameux dédale, est enfermé dans une pauvre cellule fermée par des branches de bois et libéré pas moins d'une douzaine de secondes plus tard. Tout va bien trop vite, à croire que ces films n'arrivent jamais à trouver l'équilibre, les autres étant souvent beaucoup trop longs. L'univers n'a en soi aucun intérêt ou presque, la faute à une direction artistique totalement inexistante alors que les possibilités sont bel et bien présentes. La réalisation, tout au mieux correcte dans les séquences les plus tranquilles, devient illisible, mal cadrée et surdécoupée dans l'action. Le film fini, forcément incomplet car il faut ensuite attirer le chaland vers les suites, on se demande même ce qu'il avait à raconter.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=52518" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6423083980187720142.post-15860320836838431482016-01-29T17:07:00.001+01:002016-01-30T02:53:32.932+01:00Top 2015 - Sentiments simples et monde complexe<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
Arrivant relativement après la bataille, j'ai désormais lu çà et là que l'année cinématographique 2015 aurait été pauvre. Alors, je ne peux être que frappé de stupeur, ayant peiné à rentrer tous les films que je souhaitais dans une forcément injuste et incomplète liste. Que se passe-t-il ? Suis-je trop enthousiaste ? Je m'en tiens surtout à penser que je vois plein de bons films, et puis c'est comme ça. Alors du coup, j'en mets vingt-cinq dans mon top. Parce que je suis aussi comme ça.<br />
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-xbZf3I2fCXo/VquPFlkizfI/AAAAAAAACJI/nXPMA7pozhc/s1600/vlcsnap-2016-01-29-17h09m25s077.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="224" src="http://1.bp.blogspot.com/-xbZf3I2fCXo/VquPFlkizfI/AAAAAAAACJI/nXPMA7pozhc/s400/vlcsnap-2016-01-29-17h09m25s077.jpg" width="540" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Hacker</b></i>, de Michael Mann</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Alors 2015, c'était quoi ? Déjà, des maîtres. Il y en a chaque année, évidemment, et insatiablement on le relève, inéluctablement ils ponctuent les sorties et viennent s'incruster dans nos tops. Le retour de Michael Mann (<i><b>Hacker</b></i>) s'est donc combiné à celui de George Miller (<i><b>Mad Max : Fury Road</b></i>) alors qu'en parallèle, Steven Spielberg (<i><b>Le Pont des espions</b></i>), Arnaud Desplechin (<i><b>Trois souvenirs de ma jeunesse</b></i>), Terrence Malick (<i><b>Knight of Cups</b></i>), Clint Eastwood (<i><b>American Sniper</b></i>), Nanni Moretti (<i><b>Mia Madre</b></i>), Jacques Audiard (<i><b>Dheepan</b></i>), Tsui Hark (<i><b>La Bataille de la Montagne du Tigre</b></i>), Ridley Scott (<i><b>Seul sur Mars</b></i>) ou d'autres ont récidivé par excès de talent. Tant mieux. Mais plus important encore que ces grandioses noms (dinosauriens pour certains), je voudrais mettre en avant ceux des jeunes (l'adjectif est parfois relatif) qui ont construit les notables surprises de l'année. Des Clément Cogitore (<i><b>Ni le ciel ni la terre</b></i>), des Deniz Gamze Ergüven (<i><b>Mustang</b></i>), des Alice Winocour (<i><b>Maryland</b></i>), des László Nemes (<i><b>Le Fils de Saul</b></i>)... Bref, des noms que je vais désormais suivre avec un naïf enthousiasme dans leur ambitieuse quête.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Je profite aussi de cet article pour mettre en lumière d'autres coups de cœur un peu à part pour des raisons et d'autres.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-n7wsbcUTL-k/VquHFydVhhI/AAAAAAAACIQ/__X2kpSs4ak/s1600/187373.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="83" src="http://1.bp.blogspot.com/-n7wsbcUTL-k/VquHFydVhhI/AAAAAAAACIQ/__X2kpSs4ak/s200/187373.jpg" width="200" /></a></div>
Plus haut, je parlais de retour de grands cinéastes. Cette année aura également vu celui de John Woo dans <i><b>The Crossing</b></i>, puissante fresque mélodramatique façon David Lean, qui hélas ne jouit pas (encore) de date de sortie dans nos contrées, même en vidéo<br />
.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-PNwAMNmRGlk/VquHoLeRZaI/AAAAAAAACIY/cNcxlufMD28/s1600/vlcsnap-2016-01-29-16h38m57s227.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="112" src="http://1.bp.blogspot.com/-PNwAMNmRGlk/VquHoLeRZaI/AAAAAAAACIY/cNcxlufMD28/s200/vlcsnap-2016-01-29-16h38m57s227.jpg" width="200" /></a></div>
Deuxième digression avec un cinéaste qui n'en est plus tout à fait un : Steven Soderbergh. En 2014, je parlais déjà de <i><b>The Knick</b></i>. Aujourd'hui il me faut parler de sa saison 2 qui voit, une fois de plus, le réalisateur profiter du média télévisuel pour jouir d'une liberté qu'il a toujours recherchée. En cela, c'est un aboutissement que désormais je ne peux plus séparer de sa filmographie, d'où l'importance d'en faire mention ici.<br />
<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-WzF1ExcfRCc/VquJYEQg-lI/AAAAAAAACIw/QFOKmHoWFQk/s1600/vlcsnap-2015-09-02-12h05m28s531.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="108" src="http://3.bp.blogspot.com/-WzF1ExcfRCc/VquJYEQg-lI/AAAAAAAACIw/QFOKmHoWFQk/s200/vlcsnap-2015-09-02-12h05m28s531.jpg" width="200" /></a>Enfin, il me tient à cœur de donner un humble coup de pouce pour
le dernier film de Cameron Crowe, <i><b>Aloha</b></i>, sans doute très imparfait par un
scénario pas toujours bien construit, mais capable de si jolies
séquences émotionnelles (dont une parmi les plus belles de l'année) par le biais de si beaux personnages, que je ne
pouvais que lui faire une petite place.</div>
<br />
<br />
Évidemment, mieux vaut le préciser pour éviter toute confusion, mon classement se base d'après les sorties sur le territoire français pendant l'année 2015.</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-Rv-mD7hZWtY/Vqph4rcSg8I/AAAAAAAACEk/Mp1Iwjg4zxM/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="80" src="http://1.bp.blogspot.com/-Rv-mD7hZWtY/Vqph4rcSg8I/AAAAAAAACEk/Mp1Iwjg4zxM/s200/1.jpg" width="200" /></a></div>
<b>1) <u><i>Hacker</i>, de Michael Mann</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
La puissance de l'infiniment petit face au contrôle d'un monde infiniment grand. Michael Mann s’approprie comme jamais l'univers informatique dans un thriller grandiose, virtuose, et surtout passionné.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-5YmI2yFsWwU/VqpifMqwqcI/AAAAAAAACEs/lu_McHMweCc/s1600/mad-max-fury-road-blu-ray-24.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="81" src="http://3.bp.blogspot.com/-5YmI2yFsWwU/VqpifMqwqcI/AAAAAAAACEs/lu_McHMweCc/s200/mad-max-fury-road-blu-ray-24.jpg" width="200" /></a></div>
<b>2) <u><i>Mad Max : Fury Road</i>, de George Miller</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
Forme ultime des apocalyptiques pérégrinations de Max Rockatansky, intelligent et imposant, le film de George Miller fait l'effet d'un tsunami dans le paysage du film d'action motorisé. On en a pris plein la gueule et on en redemande.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-6gY63TJGNps/Vqq_k_1hFnI/AAAAAAAACGs/t7FtagUqMEo/s1600/vlcsnap-2015-04-18-02h05m28s47.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="81" src="http://2.bp.blogspot.com/-6gY63TJGNps/Vqq_k_1hFnI/AAAAAAAACGs/t7FtagUqMEo/s200/vlcsnap-2015-04-18-02h05m28s47.jpg" width="200" /></a></div>
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-PZWFUJA1FSg/VqpjjgzMHJI/AAAAAAAACE4/x_YMd79hc2s/s1600/vlcsnap-2015-04-20-19h40m41s133.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a><b>3) <u><i>American Sniper</i>, de Clint Eastwood</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
Par l'héritage du western crépusculaire, Eastwood transcende la sinistre destinée d'un héros fabriqué malgré lui sur les bases les plus sordides qui soient. Grand film de guerre, grand film sur l'Amérique.</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://carnetsdulieutenant.blogspot.com/.../critique-american-sniper-2015.html" target="_blank">Critique sur le blog.</a></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-TSeHhnuHdN8/Vqpkl65Jx9I/AAAAAAAACFA/cTCj7fY32ZE/s1600/vlcsnap-2016-01-13-00h29m38s773.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="82" src="http://3.bp.blogspot.com/-TSeHhnuHdN8/Vqpkl65Jx9I/AAAAAAAACFA/cTCj7fY32ZE/s200/vlcsnap-2016-01-13-00h29m38s773.jpg" width="200" /></a><b>4) <u><i>Loin de la foule déchaînée</i>, de Thomas Vinterberg</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
Vinterberg livre, étonnement, une fresque fordienne doublée par l'élégance littéraire de Thomas Hardy. Grand mélodrame romantique sur fond d'intelligent traitement vis-à-vis de l'émancipation féminine.</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/loin-de-la-foule-dechainee-thomas-vinterberg-2015/" target="_blank">Critique sur Filmosphere. </a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-VvSxjUGQvKc/Vqpkwda6KWI/AAAAAAAACFI/9-ZfpBfArL4/s1600/184224.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="82" src="http://2.bp.blogspot.com/-VvSxjUGQvKc/Vqpkwda6KWI/AAAAAAAACFI/9-ZfpBfArL4/s200/184224.jpg" width="200" /></a><b>5) <u><i>Le Pont des espions</i>, de Steven Spielberg</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
Le naïf mais sublime idéalisme de Spielberg guide les pas du vertueux dans un monde confus et inquiétant. Troublant d'actualité, et, une fois de plus, impressionnant de maîtrise, comme une constante leçon de cinéma.</div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b>
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-6Xu1XkA_PmY/Vqpm3Y6LirI/AAAAAAAACFU/2AknvSMgK8c/s1600/vlcsnap-2016-01-28-20h06m22s509.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="83" src="http://4.bp.blogspot.com/-6Xu1XkA_PmY/Vqpm3Y6LirI/AAAAAAAACFU/2AknvSMgK8c/s200/vlcsnap-2016-01-28-20h06m22s509.jpg" width="200" /></a><b>6) <u><i>Seul sur Mars</i>, de Ridley Scott</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
A l'heure où les surhommes sauvent la Terre, Scott fait sauver un seul homme par l'humanité dans une fable humaniste, ode à la bricole et à l'optimisme.</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/seul-sur-mars-ridley-scott-2015/" target="_blank">Critique sur Filmosphere.</a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-EZB2jx8rvaQ/VqpnLE5GcKI/AAAAAAAACFc/qJnBcFUagWM/s1600/185075.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="85" src="http://4.bp.blogspot.com/-EZB2jx8rvaQ/VqpnLE5GcKI/AAAAAAAACFc/qJnBcFUagWM/s200/185075.jpg" width="200" /></a><b>7) <u><i>Sicario</i>, de Denis Villeneuve</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
Denis Villeneuve confirme son incursion chez les très solides réalisateurs grâce à ce thriller non seulement haletant et anxiogène, mais plus important encore, à la dimension politique toujours d'actualité.<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/sicario-denis-villeneuve-2015" target="_blank">Critique sur Filmosphere. </a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-UrA868jUneM/VqpoCuPZXgI/AAAAAAAACFk/gGIf6Wk1E2s/s1600/188.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="83" src="http://1.bp.blogspot.com/-UrA868jUneM/VqpoCuPZXgI/AAAAAAAACFk/gGIf6Wk1E2s/s200/188.jpg" width="200" /></a><b>8) <u><i>Mustang</i>, de Denis Gamze Ergüven</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
Film juvénile et solaire, il mue depuis le drame d'une cellule familiale jusqu'à un film carcéral et enfin un film d'évasion. Ambitieux, débordant d'énergie et surtout beau, magnifique premier film.<br />
<br />
<br />
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-E9Fy74Bo-kU/VmC3MEPWk5I/AAAAAAAAB6I/UkeiCq7vCXY/s1600/knight%2Bof.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="82" src="http://1.bp.blogspot.com/-E9Fy74Bo-kU/VmC3MEPWk5I/AAAAAAAAB6I/UkeiCq7vCXY/s200/knight%2Bof.jpg" width="200" /></a><b>9) <u><i>Knight of Cups</i>, de Terrence Malick</u></b><br />
A l'apogée d'une radicalisation qui aura divisé comme jamais, Malick retourne pourtant à l'essentiel : la lutte contre le vide par le besoin du sentiment, dans une odyssée visuelle qui voyage au sein du monde (post) moderne.<br />
<br />
<br />
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-foBuCFNcvSc/VjzBqpDgv4I/AAAAAAAABvY/XzoF9JKyg14/s1600/Boton_01.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="112" src="http://3.bp.blogspot.com/-foBuCFNcvSc/VjzBqpDgv4I/AAAAAAAABvY/XzoF9JKyg14/s200/Boton_01.jpg" width="200" /></a><b>10) <u><i>Le Bouton de Nacre</i>, de Patricio Guzmán</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
Percutant documentaire sur la complexe identité du Chili, son rapport à l'eau et la culture qui en découle, du cosmos au cimetière géant qu'en a fait Pinochet. Bouleversant et si court qu'on en voudrait davantage.<br />
<br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-eelgQum49hU/Vqq-44Z07DI/AAAAAAAACGc/J7ogzaBkFMA/s1600/vlcsnap-2016-01-29-02h20m11s538.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="85" src="http://2.bp.blogspot.com/-eelgQum49hU/Vqq-44Z07DI/AAAAAAAACGc/J7ogzaBkFMA/s200/vlcsnap-2016-01-29-02h20m11s538.jpg" width="200" /></a><b>11) <u><i>L’Étreinte du serpent</i>, de Ciro Guerra </u></b><br />
Indiscutablement à mettre en parallèle avec le film ci-dessus, quant à la compréhension de la perte culturelle de l'Amérique du Sud. Un envoûtant voyage d'aventure, presque herzogien, vers l'inconnu.<br />
<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-I5n6cPMw778/Vqq_H01ruNI/AAAAAAAACGk/D8rrChsnr-4/s1600/177357.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="108" src="http://4.bp.blogspot.com/-I5n6cPMw778/Vqq_H01ruNI/AAAAAAAACGk/D8rrChsnr-4/s200/177357.jpg" width="200" /></a><b>12) <u><i>Birdman</i>, d'Alejandro González I</u></b><b><u>ñárritu</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
Plus
qu'un cocktail molotov lancé contre la prostitution de la culture, le
film d'Iñárritu est une maline réflexion sur la société du spectacle,
transcendée par l'énergie de la caméra infatigable selon Lubezki.<br />
<br />
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-oD7CFqRUWF0/Vqt5vTe5tkI/AAAAAAAACHY/-GWRMys2O94/s1600/vlcsnap-2016-01-29-15h37m17s488.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="83" src="http://3.bp.blogspot.com/-oD7CFqRUWF0/Vqt5vTe5tkI/AAAAAAAACHY/-GWRMys2O94/s200/vlcsnap-2016-01-29-15h37m17s488.jpg" width="200" /></a><b>13) <u><i>Les Cowboys</i>, de Thomas Bidegain</u></b><br />
Remake caché d'un John Ford bien connu, le premier et brillant film de Thomas Bidegain sonde ce qui aujourd'hui fait notre actualité, avec ceci dit une bienveillance certaine qui fait toute sa pudeur, toute son intelligence.<br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-LqKOxLDoLok/Vqt7kAKg8sI/AAAAAAAACHk/6kZTV3HEF6k/s1600/vlcsnap-2016-01-29-15h47m16s474.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="83" src="http://2.bp.blogspot.com/-LqKOxLDoLok/Vqt7kAKg8sI/AAAAAAAACHk/6kZTV3HEF6k/s200/vlcsnap-2016-01-29-15h47m16s474.jpg" width="200" /></a></div>
<b>14) <u><i>Dheepan</i>, de Jacques Audiard</u></b><br />
Fuir la guerre pour en retrouver une autre ailleurs, c'est la complexité du monde contemporain selon Audiard, dans un film bien plus malin et subtil qu'on ne voudrait le croire, posant le regard sur une réalité qu'il manipule pour mieux la comprendre.<br />
<br />
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-BAeN3_tLC0c/VqppvGcKOiI/AAAAAAAACFs/gWzXOEpo3ow/s1600/vlcsnap-2015-10-10-17h13m58s632.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="108" src="http://1.bp.blogspot.com/-BAeN3_tLC0c/VqppvGcKOiI/AAAAAAAACFs/gWzXOEpo3ow/s200/vlcsnap-2015-10-10-17h13m58s632.jpg" width="200" /></a><b>15)</b> <b><u><i>Ni le ciel ni la terre</i>, de Clément Cogitore</u></b><br />
Avec une aventure minimaliste et pourtant si juste aux confins de l'Afghanistan, Cogitore transcende un premier long-métrage par l'esprit du genre mêlé à celui du réel. Du cinéma comme on aimerait en voir plus souvent.<br />
<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-tIXhKUKk1-k/Vqt_1KSs2hI/AAAAAAAACHw/Hl08T2-5HJs/s1600/vlcsnap-2016-01-29-16h04m53s513.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="107" src="http://3.bp.blogspot.com/-tIXhKUKk1-k/Vqt_1KSs2hI/AAAAAAAACHw/Hl08T2-5HJs/s200/vlcsnap-2016-01-29-16h04m53s513.jpg" width="200" /></a></div>
<b>16) <u><i>Au-delà des montagnes</i>, de Jia Zhangke</u></b><br />
Alors que le précédent film de Jia Zhangke m'avait partiellement laissé sur la touche, celui-ci m'emporte dans sa réflexion sur le présent et l'avenir de la Chine, entre optimisme de meilleurs lendemains et inquiétude de la perte identitaire.<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/au-dela-des-montagnes-jia-zhang-ke-2015" target="_blank">Critique sur Filmosphere.</a><br />
<br />
<br />
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-GvPHmPqI1BY/Vp6zHs9KksI/AAAAAAAACBo/FQBsVFQQlKU/s1600/194124.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="106" src="http://4.bp.blogspot.com/-GvPHmPqI1BY/Vp6zHs9KksI/AAAAAAAACBo/FQBsVFQQlKU/s200/194124.jpg" width="200" /></a><b>17) <u><i>Mia Madre</i>, de Nanni Moretti</u></b><br />
De la complexité du sentiment face à la simplicité de la situation selon Nanni Moretti : c'est un beau film de vie, d'anecdotes et de pensées, qui a une candeur à laquelle il n'est pas aisé d'échapper, émotionnellement parlant.<br />
<br />
<br />
<br />
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-kkbXsV0BGzc/VqpqbhrKpzI/AAAAAAAACF0/hgq5en23MW4/s1600/image.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="87" src="http://3.bp.blogspot.com/-kkbXsV0BGzc/VqpqbhrKpzI/AAAAAAAACF0/hgq5en23MW4/s200/image.jpg" width="200" /></a><b>18) <u><i>Mission Impossible : Rogue Nation</i>, de Christopher McQuarrie</u></b><br />
Le cinquième volet des aventures d'Ethan Hunt est possiblement le meilleur avec le premier, surplombant de peu son prédécesseur grâce à un scénario plus solide, prétexte à une mise en scène des plus classieuses et inspirées de la part de McQuarrie, piochant directement chez Hitchcock.<br />
<br />
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-wQzZp12TzTc/VqpqncSKOEI/AAAAAAAACF8/ev1W0sthoF0/s1600/foxcatcher.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="106" src="http://2.bp.blogspot.com/-wQzZp12TzTc/VqpqncSKOEI/AAAAAAAACF8/ev1W0sthoF0/s200/foxcatcher.jpg" width="200" /></a><b>19) <u><i>Foxcatcher</i>, de Bennett Miller</u></b><br />
L'habile Bennett Miller s'entoure d'un casting des plus remarquables et d'un brillant scénario pour questionner de nouveau l'Amérique, ses déviances et ses rêves déformés par d'ineptes démons.<br />
<br />
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<br />
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-vcIIRAeeqIY/Vqpq5jS6m6I/AAAAAAAACGE/IS1L91LZak0/s1600/189230.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="83" src="http://3.bp.blogspot.com/-vcIIRAeeqIY/Vqpq5jS6m6I/AAAAAAAACGE/IS1L91LZak0/s200/189230.jpg" width="200" /></a><b>20) <u><i>Trois souvenirs de ma jeunesse</i>, d'Arnaud Desplechin</u></b><br />
Dans un film multiple et fantasmé, à l'image de la conception d'un souvenir, Desplechin parvient surtout à créer de somptueux personnages, fragiles mais si tendres, regard sur l'adolescence d'une justesse rare.<br />
<br />
<br />
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-gQzVtT2rvGk/VqrBQ05LjtI/AAAAAAAACHI/Hsbneu5D0bY/s1600/189016.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="107" src="http://3.bp.blogspot.com/-gQzVtT2rvGk/VqrBQ05LjtI/AAAAAAAACHI/Hsbneu5D0bY/s200/189016.jpg" width="200" /></a><a href="http://1.bp.blogspot.com/-YrZRCFlv2SY/VqprT5-nyFI/AAAAAAAACGM/CJJg-GF2nOo/s1600/189015.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a><b>21) <u><i>La Bataille de la Montagne du Tigre</i>, de Tsui Hark</u></b><br />
Tsui Hark signe incontestablement ou presque le meilleur film de sa période récente forgée à coups de numérique 3D. Épique et généreux conte d'action, il s'interroge également sur la valeur et la transmission de la légende.<br />
<br />
<br />
<br />
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-fBhL_g5KFMc/VqrAoDGWhcI/AAAAAAAACG4/zJr5r4dNXzQ/s1600/160874.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="83" src="http://4.bp.blogspot.com/-fBhL_g5KFMc/VqrAoDGWhcI/AAAAAAAACG4/zJr5r4dNXzQ/s200/160874.jpg" width="200" /></a><b>22) <u><i>Jupiter : le Destin de l'univers</i>, d'Andy et Lana Wachowski</u></b><br />
Sorte de version féérique de <i>Dune</i>, le nouveau film des Wachowski, en dépit de son échec commercial et de problèmes scénaristiques, renoue justement avec l'ambitieuse tradition de la science-fiction originale, rondement menée par leur efficacité de mise en scène. <br />
<br />
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-K61dG-_mjW4/VqrAyztoP0I/AAAAAAAACHA/NIAYMnjuS6s/s1600/184553.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="78" src="http://4.bp.blogspot.com/-K61dG-_mjW4/VqrAyztoP0I/AAAAAAAACHA/NIAYMnjuS6s/s200/184553.jpg" width="200" /></a><b>23) <u><i>Valley of Love</i>, de Guillaume Nicloux</u></b><br />
J'ai été vraiment terrassé par la simplicité du film, peut-être trop facile car résidant forcément sur la grandeur de ses deux interprètes principaux. Mais pourtant, quelle justesse d'écriture, quelle direction, quel grand Gérard, et quelle belle utilisation de Charles Ives.<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/valley-of-love-guillaume-nicloux-2015/" target="_blank">Critique sur Filmosphere</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-Ia4WIkaRoaw/VquD01nG5iI/AAAAAAAACH8/gCMHOi9fjmA/s1600/vlcsnap-2016-01-29-16h21m53s631.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="83" src="http://4.bp.blogspot.com/-Ia4WIkaRoaw/VquD01nG5iI/AAAAAAAACH8/gCMHOi9fjmA/s200/vlcsnap-2016-01-29-16h21m53s631.jpg" width="200" /></a></div>
<b>24) <u><i>The Big Short</i>, d'Adam McKay</u></b><br />
Faisant passer son cinéma à la vitesse supérieure, Adam McKay peut se fendre d'un scénario résolument béton quant à l'approche du monde de l'économie : sûrement le meilleur sur le sujet du cinéma américain avec le J.C. Chandor.<br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-FqkIw8Kmo0o/VquETMQ7XkI/AAAAAAAACIE/H2EX6-1qP_c/s1600/vlcsnap-2016-01-29-16h24m28s484.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="83" src="http://3.bp.blogspot.com/-FqkIw8Kmo0o/VquETMQ7XkI/AAAAAAAACIE/H2EX6-1qP_c/s200/vlcsnap-2016-01-29-16h24m28s484.jpg" width="200" /></a></div>
<b>25) <u><i>L'Hermine</i>, de Christian Vincent</u></b><br />
Plus frais et touchant qu'il ne pourrait paraître, le film de Christian Vincent est une subtile plongée dans la justice du quotidien, mêlée à celle des sentiments. Un prix d'interprétation pas volé pour Luchini, et une Sidse Babett Knudsen sublime.<br />
<br />
<br />
Parce que je n'ai pas encore fini de tricher, pour remplir mon article un peu plus à ras-bord, et parce que je suis un éternel insatisfait, je conclus donc sur une liste de films que je n'ai pu inclure dans cette liste, peut-être bien plus imparfaits pour certains, juste victimes de mon injustice pour d'autres, mais qui dans tous les cas, ont mérité mon attention : <i><b>Le Fils de Saul</b></i> de László Nemes, <i><b>Jamais de la vie</b></i> de Pierre Jolivet, <i><b>Youth</b></i> de Paolo Sorrentino, <i><b>The Lobster</b></i> de Yorgos Lanthimos, <i><b>Queen and Country </b></i>de John Boorman, <i><b>Maryland</b></i> d'Alice Winocour, <i><b>Black Sea</b></i> de Kevin McDonald, <i><b>The Program</b></i> de Stephen Frears, <i><b>Shaun le mouton</b></i> de Mark Burton et Richard Starzack, <i><b>The Voices</b></i> de Marjane Satrapi, <i><b>Les Mille et une nuit</b></i>s de Miguel Gomes, <i><b>Every Thing Will Be Fine</b></i> de Wim Wenders, <i><b>Un Français</b></i> de Diastème, <i><b>L'Homme irrationnel</b></i> de Woody Allen, <i><b>While We're Young</b></i> de Noah Baumbach et enfin <i><b>Le Dernier loup</b></i> de Jean-Jacques Annaud.<br />
<br />
De quoi faire, en somme.<br />
<br />
Pour enfin conclure sur de bons mots, j'invite, forcément, à la découverte de l'épisode spécial du <i>Festival Des Bons Films</i> animé par Alexis et moi-même, autour de l'année 2015.</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="304" src="https://www.youtube.com/embed/qxiZfjkWwdk" width="540"></iframe>
Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6423083980187720142.post-3401409112656913142016-01-27T02:04:00.004+01:002016-01-27T02:31:53.457+01:00[Avis en vrac] L'Amérique en guerre<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-oW9hlOn4sOc/VNKupOvFQ2I/AAAAAAAAAy4/cemdSVR1Ze0/s1600/am%C3%A9rique%2Ben%2Bguerre.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="286" src="http://3.bp.blogspot.com/-oW9hlOn4sOc/VNKupOvFQ2I/AAAAAAAAAy4/cemdSVR1Ze0/s320/am%C3%A9rique%2Ben%2Bguerre.jpg" width="200" /></a></div>
<u><b><span class="_Xbe kno-fv"><i>L'Amérique en Guerre</i> (1942-1946)</span></b></u><br />
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Retour sur le passionnant coffret <b><i>L'Amérique en Guerre</i></b> qui regroupe une
série de documentaires filmés et montés pendant les affrontements, produits par le Département de la guerre (dont la série <b><i>Why we fight</i></b>). Originellement, ils étaient destinés aux troupes Alliées avant de s'ouvrir ultimement vers un public plus large en vue d'une sensibilisation globale. Divers grands réalisateurs (Capra, Huston, Ford, Wyler et d'autres...) sont passés à
travers les dix sept films présentés ci-dessous, parcourant de la sorte le globe et les diverses grandes étapes ayant mené au conflit et à sa résolution.<br />
<br />
Plus qu'une curiosité du cinéma de propagande, c'est un récit documentaire (forcément partial, parfois partiel) aux images souvent fortes, et à l'engagement, bien que discutable, qui n'est que le reflet le plus passionnant de l'Histoire. C'est un regard biaisé éventuellement plein de justesse, bouleversant ou d'autres fois peut-être légèrement grotesque dans l'exagération qu'implique son engagement politique. Mais, par la révolution cinématographique qu'elle amène dans la conception du documentaire de terrain et sa participation à l'élaboration de nouveaux codes du cinéma de guerre, c'est une série définitivement immanquable, autant pour les cinéphiles que pour les amateurs d'Histoire.<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-KASA7Znj-74/VqgSdRJbuBI/AAAAAAAACCU/8Qqain0m2XM/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="163" src="http://1.bp.blogspot.com/-KASA7Znj-74/VqgSdRJbuBI/AAAAAAAACCU/8Qqain0m2XM/s200/1.jpg" width="200" /></a><b><i>Prélude à la Guerre</i> (Frank Capra et Anatol Litvak) </b>revient sur les circonstances qui ont conduit l'Europe et l'Asie vers les dérives nazies, fascistes et impériales. Ludique, il décrypte les dictatures en train d'émerger, leur mode gouvernemental et leurs intentions politiques, évidement opposées aux bienveillants et démocratiques États-Unis. Les images capturées de l'Europe des années 30 sont édifiantes, même si, évidemment, le documentaire omet quelque peu de détailler comment les vainqueurs de la Grande Guerre sont significativement responsables de la ruine des perdants, terreau du conflit à venir.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=21456">Fiche Cinelounge</a></div>
</div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-9ZXfbSuKOGc/VqgSeQ_hxWI/AAAAAAAACDs/ng2X6kYBz-U/s1600/2.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="164" src="http://1.bp.blogspot.com/-9ZXfbSuKOGc/VqgSeQ_hxWI/AAAAAAAACDs/ng2X6kYBz-U/s200/2.jpg" width="200" /></a></div>
<b><i>Les nazis attaquent</i> (Frank Capra et Anatole Litvak)</b> se centre donc sur la stratégie allemande. Une fois de plus, l'approche du documentaire est extrêmement ludique, forte de schémas très bien pensés pour comprendre l'enclenchement de cette (redoutablement bien pensée) machine de guerre. Un peu de redite par rapport à l'épisode précédent, et d'ailleurs celui-ci enfonce encore davantage le clou sur le peuple allemand (ici, tous les Allemands sont nazis, pas de doutes !). Peut-être moins instructif, mais toujours intéressant.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=34206"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=34206">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-oWLIog9VEzE/VqgSeWrpUJI/AAAAAAAACDw/VjcMdO1-iYQ/s1600/3.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="163" src="http://1.bp.blogspot.com/-oWLIog9VEzE/VqgSeWrpUJI/AAAAAAAACDw/VjcMdO1-iYQ/s200/3.jpg" width="200" /></a></div>
<b><i>Diviser pour régner </i>(Frank Capra et Anatole Litvak)</b> explore les divers front entrepris par le IIIème Reich. Certaines images sont très fortes, notamment sur l'invasion des Pays-Bas et la destruction intégrale de Rotterdam. L'occasion d'avoir aussi quelques détails plus méconnus, comme la contre-offensive franco-britannique
sur le sol belge, enrayée par un exode massif délibérément organisé par les Allemands. Ceci, évidemment, avant de ne voir ces mêmes armées, inaptes à désamorcer les têtes de pont adverses, transpercées.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=34208">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-Wx-yd01AK7o/VqgSe03gn-I/AAAAAAAACDU/ZzSu5hpGZmU/s1600/4.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="163" src="http://1.bp.blogspot.com/-Wx-yd01AK7o/VqgSe03gn-I/AAAAAAAACDU/ZzSu5hpGZmU/s200/4.jpg" width="200" /></a></div>
<i><b>La bataille d'Angleterre</b></i> <b>(Frank Capra et Anatole Litvak)</b> constituait une de mes grosses attentes, notamment pour le culte que je voue au film homonyme de Guy Hamilton. Très légèrement déçu, hélas, car bien que l'épisode soit loin d'être inintéressant, il est peut-être moins riche en anecdotes. Ceci dit, on retrouve ces images désormais bien connues du siège aérien de Londres ou du reste du Royaume-Uni, alors que les plans de la Luftwaffe sont involontairement sabotés par un commandement peu efficace et capricieux.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=34207">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-GK9MITwQiyA/VqgSfE9ivpI/AAAAAAAACDQ/zuMNC_EO1_0/s1600/5.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="163" src="http://3.bp.blogspot.com/-GK9MITwQiyA/VqgSfE9ivpI/AAAAAAAACDQ/zuMNC_EO1_0/s200/5.jpg" width="200" /></a></div>
<i><b>La bataille de Chine</b></i> <b>(Frank Capra et Anatole Litvak)</b> est un film résolument passionnant dans sa description d'une partie de la Seconde guerre mondiale trop peu étudiée. L'invasion de l'empire du milieu par celui du Soleil levant est riche en évènements incroyables, et notamment le théâtre du plus grand exode humain de tous les temps. Le film revient sur la stratégie de défense chinoise, et sur comment, évidemment, leur unité, bien que fébrile, et leur nombre, leur a donné raison. Dommage, cependant, qu'on en fasse des caisses sur les (très) gentils Chinois éternellement agressés par les (très) méchants Japonais, dans un métrage déjà un peu trop long.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=34210">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-u3KOHFeriG0/VqgSfXrbdZI/AAAAAAAACDc/cCNf07koEgg/s1600/6.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="163" src="http://2.bp.blogspot.com/-u3KOHFeriG0/VqgSfXrbdZI/AAAAAAAACDc/cCNf07koEgg/s200/6.jpg" width="200" /></a></div>
<b><i>La bataille de Russie</i> (Frank Capra et Anatole Litvak)</b> est avant tout coquasse pour une raison : voire un film officiel du gouvernement américain encenser le mode de vie soviétique, alors vraisemblablement comparable au bon-vivre qui règne en Amérique ! Et évidemment, cette vision du communisme (ici idéalisée façon village des Schtroumpfs) se voit être agressée par les vils voisins fascisto-nazis. Ce haut-lieu de la Seconde guerre mondiale, riche en batailles importantes (dont le siège de Saint-Pétersbourg/Leningrad, et évidemment Stalingrad) voit surtout l'Allemagne s'y casser les dents dans les affrontement les plus meurtriers qui soient. Les images des affrontement urbains et ruraux au sein de l'Union Soviétiques sont une fois de plus incroyables.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=34209">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-fbCXWjBYeAE/VqgSfrZqPfI/AAAAAAAACDg/lRFFiUE3NL4/s1600/7.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="163" src="http://3.bp.blogspot.com/-fbCXWjBYeAE/VqgSfrZqPfI/AAAAAAAACDg/lRFFiUE3NL4/s200/7.jpg" width="200" /></a></div>
<b><i>Les Etats-Unis entrent en guerre</i> (Frank Capra et Anatole Litvak) </b>met évidemment les choses au clair avec l'entrée tardive des américains dans le conflit. Leur armée, alors en simili-léthargie (quelques centaines de blindés obsolètes; pour l'exemple), se réveille, les usines tournent à plein régime en prévision des affrontements à venir. A part quelques chiffres intéressants sur ladite armée et sur la sensibilisation du public américain, le documentaire offre moins de matière inédite ou exceptionnelle. C'est le dernier de la série <i>Why we fight</i>.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=34211">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-hCSNaqpD3cY/VqgSfq9usSI/AAAAAAAACDo/DjEsy2Yc1Tw/s1600/8.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="162" src="http://2.bp.blogspot.com/-hCSNaqpD3cY/VqgSfq9usSI/AAAAAAAACDo/DjEsy2Yc1Tw/s200/8.jpg" width="200" /></a></div>
<b><i>Pearl Harbour</i> (John Ford) </b>reflète quelque peu un coup du destin : il a fallu que le plus grand cinéaste américain soit présent à l'offensive la plus connue de la Seconde guerre mondiale. Mais finalement, à défaut d'images incroyables montrant des escadrons entiers d'avions nippons, la caméra de Ford capte surtout le chaos ambiant de l'attaque. Impressionnant de voir ces colonnes de fumées noires (d'un noir inimitable) s'échapper des destroyers ou du croiseur Arizona en train de sombrer. Dommage que le documentaire, jugé trop subversif et trop compatissant vis-à-vis de l'ennemi par l'Etat-Major ait finalement largement été amputé au montage (et c'est la version courte qui est ici présentée). Mention spéciale pour la reconstitution sonore de l'attaque, très immersive.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=36004">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-RgGneepgTDQ/VqgSfwlVOzI/AAAAAAAACD0/xGxTHmdaBmk/s1600/9.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="163" src="http://2.bp.blogspot.com/-RgGneepgTDQ/VqgSfwlVOzI/AAAAAAAACD0/xGxTHmdaBmk/s200/9.jpg" width="200" /></a></div>
<b><i>Les Aléoutiennes</i> (John Huston) </b>nous plonge dans le conflit avec la force de la couleur. Embarquant avec les bombardiers qui partent faire les raids contre le Japon, on saisit l'ampleur des représailles américaines, organisant sa stratégie de contre-attaque depuis les petites îles du Pacifique. Le documentaire s'attarde sur la base, le déploiement du génie pour l'habilitation du terrain, les équipages des aéronefs, et enfin la mission. S'il est peut-être moins efficace que d'autres, il montre néanmoins ces Américains qui, pour beaucoup, pour la première fois, vont enfin en découdre avec les Japonais.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=51111">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-c5RPK4i7n5Q/VqgSdYskH7I/AAAAAAAACEM/BbR0NB1z5Yc/s1600/10.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="162" src="http://2.bp.blogspot.com/-c5RPK4i7n5Q/VqgSdYskH7I/AAAAAAAACEM/BbR0NB1z5Yc/s200/10.jpg" width="200" /></a></div>
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-VVWqpyDxdvc/VqgTnteAq5I/AAAAAAAACEU/ZP1yqsHkLWs/s1600/10.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><br /></a>
<b><i>La bataille de Midway</i> (John Ford)</b> voit le maître rempiler pour filmer l'une des batailles les plus majeures du front du Pacifique. Hélas, de cet impressionnant combat aéronaval, Ford ne capte surtout le chaos. La plupart des images, capturées çà et là à l'envolée ou alors en caméra embarquée, permettent au mieux de deviner l'ampleur du moment, mais restent parfois assez abstraites. Difficile de blâmer Ford pour cela (le pauvre bougre a même été blessé), mais il signe un épisode que l'on aurait voulu peut-être plus vaste, paradoxe compte-tenu de l'importance de l'évènement qu'il décrit.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=12170">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-0_BSdfLZpZQ/VqgSdFarLfI/AAAAAAAACEI/QEXXQL1MGqo/s1600/11.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="163" src="http://2.bp.blogspot.com/-0_BSdfLZpZQ/VqgSdFarLfI/AAAAAAAACEI/QEXXQL1MGqo/s200/11.jpg" width="200" /></a></div>
<b><i>Sachez reconnaître votre ennemi : le Japon</i> (Frank Capra et Joris Ivens)</b> a le mérite d'avoir le titre le plus clair qui soit. Au niveau du ton propagandiste, c'est peut-être le plus prononcé du lot dans ce portrait au vitriol du Japon par les États-Unis. On retrouve donc cette peuplade "bizarre" avec une religion "bizarre", tous plus ou moins fanatiques, tous plus ou moins sans conscience, obéissant à un système féodal qui dépasse l’entendement américain (évidemment, ils n'ont pas vraiment connu ce système). On peut certes passer du rire à l'effroi dans cette description invraisemblable, mais finalement passionnante dans ce qu'elle raconte sur la vision de l'autre. Et après tout, c'est de bonne guerre, c'est le cas de le dire, pour une fois. Peut-être un peu trop long pour ce que le film raconte (répétant des "faits" déjà placés dans de précédents épisodes), mais tout de même une sacrée curiosité.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=21457">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-vXmHg5ISS3Y/VqgSdeUT1yI/AAAAAAAACD8/_N9OM2NTMO8/s1600/12.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="163" src="http://1.bp.blogspot.com/-vXmHg5ISS3Y/VqgSdeUT1yI/AAAAAAAACD8/_N9OM2NTMO8/s200/12.jpg" width="200" /></a></div>
<b><i>Le Memphis Belle, l'histoire d'une forteresse volante </i>(William Wyler)</b> nous embarque à nouveau dans la carlingue de bombardiers. Pas n'importe lesquels, évidemment, puisque c'est le fameux Memphis Belle qui est mis à l'honneur, entre autre, parmi tous les escadrons, dans une importante mission en Allemagne. La description du plan est fascinante, une fois de plus très ludique, et l'ampleur d'un "simple" bombardement est révélée, mobilisant plusieurs centaines d'appareils dont certains uniquement pour la diversion. Le vol est très prenant, alors que l'on voit les petites explosions des tirs de FLAC retentir non loin de l’appareil, toucher celui des camarades. Les moteurs d'un avion voisin prennent feu, s'éteignent, il perd de l'altitude, un homme saute, puis deux, puis trois... On ne sait pas pour les autres. L'ampleur du réel de ces images est terrifiante, et on est bien heureux de revoir le sol britannique, alors que la base attend, patiemment, un à un, le retour des escadrons. Très impressionnant. Le film a d'ailleurs coûté la vie à un des opérateurs de Wyler.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=25653"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=25653">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-BNhIDMHFIv8/VqgSdhM6NjI/AAAAAAAACEQ/MzomVkQHgkI/s1600/13.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="164" src="http://4.bp.blogspot.com/-BNhIDMHFIv8/VqgSdhM6NjI/AAAAAAAACEQ/MzomVkQHgkI/s200/13.jpg" width="200" /></a></div>
<b><i>Thunderbolt</i> (William Wyler et John Sturges) </b>rate quant à lui plutôt le coche. Moins prenant que le précédent à propos du Memphis Belle, celui-ci a pourtant un sujet tout autant de valeur, avec ces chasseurs-bombardiers qui font office de tête de pont en Italie. Ceci dit, le résultat est curieux : ambiance Club-Med à l'aérodrome de l'escadre, tout le monde semble bien heureux alors que la voix-off en fait des tonnes sur le bon-vivre qu'implique faire la guerre en Italie. La mission dévoilée ne contient pas spécialement plus d'action, se résumant à une destruction d'objectifs sans résistance. Plus étonnant : les objectifs remplis, les pilotes vont chacun de leur côté faire des cartons dans la campagne italienne, sur les trains qui passent, ou même des maisons plus ou moins au hasard. Un peu discutable sur le plan moral. Mais compte-tenu de l'objectif du documentaire, inciter à l'engagement dans l'armée de l'air, le film ne rate peut-être pas tant que ça sa cible. Et puis il offre, tant qu'à faire, de très belles images aériennes des paysages italiens.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=63456">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-H77INxyBqZE/VqgSdyxvj8I/AAAAAAAACEA/h2jSGl47BRQ/s1600/14.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="163" src="http://4.bp.blogspot.com/-H77INxyBqZE/VqgSdyxvj8I/AAAAAAAACEA/h2jSGl47BRQ/s200/14.jpg" width="200" /></a></div>
<b><i>La Bataille de San Pietro</i> (John Huston)</b> est sans aucun doute le plus violent des documentaires. Au sol, avec les GI's en Italie, il évoque la prise de collines et d'un petit village très fermement défendus par la Wehrmacht, susceptibles d'ouvrir la route vers Rome. Les combats sont d'une fureur intense. Les morts à l'écran, marquantes, sont également nombreuses. Au milieu du chaos de l'affrontement, il faut essayer de respecter la stratégie mise en place, contourner l'ennemi dans des assauts simultanés à plusieurs endroits. Un des films les plus édifiants de la série, et un des meilleurs témoin de l'incomensurable violence des combats au sol.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=49690">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-eX0PgXpuHAY/VqgSd3wGw1I/AAAAAAAACEE/ZZse54qdgj8/s1600/15.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="165" src="http://3.bp.blogspot.com/-eX0PgXpuHAY/VqgSd3wGw1I/AAAAAAAACEE/ZZse54qdgj8/s200/15.jpg" width="200" /></a></div>
<b><i>Que la lumière soit</i> (John Huston)</b> aborde un sujet passionnant et longtemps resté tabou : les blessés psychologiques. Et pour cause, le film a été censuré jusqu'en 1980. Au sein d'une unité psychiatrique réservée aux troupes combattantes, on découvre donc ces blessés qui ne peuvent plus marcher sans que leurs jambes ne soient affectées, d'autres qui ont perdu la parole ou qui peuvent s'effondrer moralement à tout moment. Par diverses cures (notamment l'hypnose) on essaye de les guérir. Certains entretiens filmés sont très émouvants. Finalement, le documentaire n'est guère encourageant pour un film de propagande, même si son dénouement se révèle heureux. Mais l'ampleur esquissée de la blessure psychologique que représente la guerre moderne est puissante. Et toujours d'actualité, d'ailleurs, à l'heure où les conflits en Irak et en Afghanistan ont fait se suicider plus de soldats qu'il n'en est mort sur le terrain.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=31780">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-2OeT8k2wk0w/VqgSePGcDlI/AAAAAAAACDk/BFCQwzdBObg/s1600/16.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="160" src="http://4.bp.blogspot.com/-2OeT8k2wk0w/VqgSePGcDlI/AAAAAAAACDk/BFCQwzdBObg/s200/16.jpg" width="200" /></a></div>
<b><i>Les camps de concentration nazis</i> (George Stevens)</b> a le mérite d'être possiblement le documentaire le plus honnête que j'ai vu sur son funeste sujet. Difficile de faire plus neutre que le film de Stevens : des images sans musique, sans illustration sonore particulière, une voix-off neutre qui récapitule ce que l'on voit à l'écran et explique les différents mécanismes. Malgré sa "courte" durée (moins d'une heure), le film est quelque part très synthétique et un minimum exhaustif, abordant de nombreux camps et leurs différentes victimes (sans distinction aucune), avant de les confronter au peuple allemand. Toute cette sobriété est évidemment bouleversante, car le réel a été le moins possible manipulé. Et pour cause, d'ailleurs, le film se targue d'avoir fait appel à un superviseur d'effets spéciaux hollywoodien, attestant de l'authenticité des images pour les spectateurs les moins crédules. C'est dire.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=17543">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-hXAt9RmxyD0/VqgSeEblpKI/AAAAAAAACD4/Rh0kvrwaCc8/s1600/17.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="164" src="http://2.bp.blogspot.com/-hXAt9RmxyD0/VqgSeEblpKI/AAAAAAAACD4/Rh0kvrwaCc8/s200/17.jpg" width="200" /></a></div>
<i><b>Le procès de Nuremberg</b></i> (Stuart Schulberg) n'est sans doute pas la retranscription idéale de l'évènement qu'il décrit : une demi-heure est consacrée à une remise en place des circonstances de la guerre, trop superficielle pour avoir réellement de l'intérêt et le reste du documentaire survole au possible le procès. Les passages les plus intéressants, comme la compréhension du mécanisme étatique d'une telle dictature, sont rapidement résumés. L'ampleur du procès n'est pas réellement retranscrite. Bien que le lot d'images fortes soit là, à la fois celles d'archive et celles notamment filmées par John Ford au cours de l'audience, l'intérêt du film est limité dans le temps, car conçu avant tout comme une vulgarisation pour sa propre génération. Pour plus d'exhaustivité, il faut sans doute préférer le documentaire de <b><i>Nuremberg à Nuremberg</i></b>, ou alors, dans la fiction, <b><i>Jugement à Nuremberg</i></b> de Stanley Kramer, pas exactement sur le même procès, mais aux enjeux tout aussi importants.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=63320">Fiche Cinelounge</a><br />
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Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-6423083980187720142.post-64199101722173320832016-01-19T23:11:00.000+01:002016-01-28T14:25:15.684+01:00[Avis en vrac] Vus et revus en 2015 #9<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-O-cPzWJdzVU/VqAWzku8VjI/AAAAAAAACB8/0E__ZTAd4xo/s1600/194125.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="286" src="http://2.bp.blogspot.com/-O-cPzWJdzVU/VqAWzku8VjI/AAAAAAAACB8/0E__ZTAd4xo/s400/194125.jpg" width="540" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Mia Madre</b></i>, de Nanni Moretti (2015)</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<i>A cause de mon colossal retard dans mes avis, les prochains articles du blog seront encore consacrés aux films vus en 2015...</i><br />
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<u><b><span style="font-size: large;">AU CINÉMA - ACTUALITES</span></b></u><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-6p_Hr18cfBA/Vp1FYSS9qfI/AAAAAAAAB7Q/0JWEPOExWbU/s1600/mia.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-6p_Hr18cfBA/Vp1FYSS9qfI/AAAAAAAAB7Q/0JWEPOExWbU/s200/mia.jpg" width="140" /></a></div>
<u><b><i>Mia Madre</i>, de Nanni Moretti (2015)</b></u><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
C'est bien dommage que le si beau dernier film de Nanni Moretti soit reparti bredouille de Cannes. Un peu rude au lancement, dans cette double intrigue (familiale et professionnelle) qui démarre doucement, <i><b>Mia Madre</b></i>, une fois devenue une réelle balade intime, est superbe. La dualité des univers se chevauche intelligemment, de l'inaptitude à confronter les problèmes de la cellule familiale face à celle de confronter ceux du monde social dans un film de fiction. Plus en recul que dans <i><b>Habemus Papam</b></i>, Moretti (se réservant toutefois un somptueux rôle d'adjuvant familial) sublime surtout Margherita Buy, qui aurait largement pu être lauréate du Prix d'interprétation féminine. Tant pis, mais elle l'est dans mon cœur. D'ailleurs, même au bord d'un cabotinage exacerbé, il fait du bien de revoir John Turturro de la sorte, épanoui et libre. Le dernier segment aurait pu être une autoroute lacrymale, mais sa beauté est transcendée par un certain sens de la pudeur, et surtout, de l'optimisme. Je ne vais pas non plus mentir : j'avais néanmoins les yeux fort humides au terme de l'ultime réplique. Mais où est le problème devant un cinéma si joli ?</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=49497">Fiche Cinelounge</a></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-bhipxTl309Y/VqAWCQ5kOaI/AAAAAAAACB0/W0GiTYnmFCE/s1600/Au-dela-des-montagnes-affiche.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-bhipxTl309Y/VqAWCQ5kOaI/AAAAAAAACB0/W0GiTYnmFCE/s200/Au-dela-des-montagnes-affiche.jpg" width="149" /></a></div>
<u><b><i>Au-delà des montagnes</i>, de Jia Zhang-ke (2015) </b></u><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
La Chine s’est réveillée, le monde tremble, comme autrefois
prophétisé. On le sait tous, on le vit au quotidien. Néanmoins, dans
quelles circonstances l’immense dragon de l’empire du milieu s’est fait
une place de choix dans le monde contemporain ? En s’interrogeant sur la
fuite d’un esprit culturel par la dissolution des cellules familiales
et amicales en un triptyque temporel, <i><b>Au-delà des montagnes</b></i> tisse non
seulement un drame d’une extrême justesse, mais plus important encore,
un film majeur sur l’évolution de ce pays qui nous inquiète autant qu’il
nous fascine.</div>
<br />
A lire sur Filmosphere.com :<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/au-dela-des-montagnes-jia-zhang-ke-2015/">http://www.filmosphere.com/movies/au-dela-des-montagnes-jia-zhang-ke-2015 </a><br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=59135">Fiche Cinelounge </a><br />
<br />
<br />
<div style="text-align: left;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-pQorifdMLls/Vp1Fl868icI/AAAAAAAAB7Y/y8WJJF1k0LE/s1600/heart.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-pQorifdMLls/Vp1Fl868icI/AAAAAAAAB7Y/y8WJJF1k0LE/s200/heart.jpg" width="149" /></a><u><b><i>Au cœur de l'Océan</i>, de Ron Howard (2015)</b></u></div>
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<div style="text-align: justify;">
Si j'attendais <i><b>Au cœur de l'Océan</b></i> comme une réussite exemplaire, outre son épique sujet, c'est bien parce que Ron Howard s'était retrouvé une certaine jeunesse survitaminée dans le remarquable <i><b>Rush</b></i>. Mais quelque chose ne prend pas complètement, le film est intéressant mais inachevé, imparfait, très chimérique. Peut-être la faute à un scénario parfois trop superficiel, trop didactique (avec ce récit encadrant un peu lourdingue) mais paradoxalement pas dénué d'intelligence. Peut-être, aussi, la faute à un montage qui semble avoir significativement coupé le film. Reste en parallèle ce nouveau talent de Howard, devenu cinéaste organique et sensoriel, lui qui fait désormais respirer ses décors et ses ambiances avec de géniaux gros plans, lui qui va placer sa caméra dans des endroits inédits avec l'aide renouvelée d'Anthony Dod Mantle à la photographie. Plastiquement, le film est à plus d'une reprise ébouriffant, affichant nettement ses références picturales, mêlées à une judicieuse évolution dans le ton des couleurs, si l'on fait abstraction de quelques effets ou incrustations plus discutables. Je regrette néanmoins la bouillie musicale que sert Roque Baños, jurant totalement avec les efforts constatés sur le visuel. Chris Hemsworth, quant à lui, sans qu'il ne soit particulièrement remarquable, se confirme encore comme acteur de qualité en devenir. Bien que me laissant quelque peu mitigé sur certains aspects, bien déçu sur d'autres, il ne faut pas croire, le dernier Howard demeure tout de même un film de qualité. Peut-être une director's cut ?</div>
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=53540">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-c7AYbdmJp0E/Vp1FykHbDeI/AAAAAAAAB7g/NrHkp5mT_QE/s1600/MV5BMTQ0OTE1MTk4N15BMl5BanBnXkFtZTgwMDM5OTk5NjE%2540._V1__SX1217_SY861_.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-c7AYbdmJp0E/Vp1FykHbDeI/AAAAAAAAB7g/NrHkp5mT_QE/s200/MV5BMTQ0OTE1MTk4N15BMl5BanBnXkFtZTgwMDM5OTk5NjE%2540._V1__SX1217_SY861_.jpg" width="127" /></a></div>
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<u><b><i>Daddy's Home</i>, de Sean Anders (2015)</b></u></div>
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Comme quoi, le génie seul du duo Mark Wahlberg / Will Ferrell ne suffit pas, il faut véritablement les auteurs derrière. Adam McKay absent de la réalisation ou de l'écriture de <i><b>Daddy's home</b></i> (il demeure producteur), on se retrouve avec une comédie largement plus formatée et moins inventive. Les archétypes campés par les acteurs sont du coup répétitifs et n'offrent jamais les diverses surprises que pouvait proposer <i><b>Very Bad Cops</b></i>. Bien entendu, leur inébranlable enthousiasme génèrera un minimum de situations réellement comiques, d'effets qui fonctionnent de temps à autres, mais c'est bien dommage que la réalisation, plate au possible, n'en tire jamais parti, voire même parvienne à nuire dans son rythme tout mollasson. Le vulgaire habituellement si génial de leur humour devient parfois un peu lourd, contrastant d'autant plus avec la fin la plus convenue qui soit. Il en reste peut-être un petit plaisir coupable si l'on est client du duo, mais on est certainement bien loin d'un sommet.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=64941">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-C7gXD2BQ_5w/Vp1GBzB5ZVI/AAAAAAAAB7o/wZOrdi2H0_8/s1600/file_610952_brooklyn-poster-640x951.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-C7gXD2BQ_5w/Vp1GBzB5ZVI/AAAAAAAAB7o/wZOrdi2H0_8/s200/file_610952_brooklyn-poster-640x951.jpg" width="134" /></a><u><b><i>Brooklyn</i>, de John Crowley (2016)</b></u></div>
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Petite production indépendante et fort académique sur l'exil d'une Irlandaise dans l'Amérique des années 50, <i><b>Brooklyn</b></i> n'a pas grand chose à raconter. Terriblement lisse, à la fois dans sa description gentillette de l'Irlande comme celle de l'Amérique, idéalisée au possible, le film se mue progressivement en romance tout aussi classique, qui va avoir bien entendu un élément perturbateur bien prévisible aussi. Le film manque profondément de l'ampleur du réel, la faute aux personnages mais aussi à la fadeur de la réalisation. C'est un film qui a une pénurie de vie. Un film trop propre. Saoirse Ronan fait le job sans que le rôle en exige davantage, mais au sortir de la salle, bien peu de choses à retenir, et un œuvre déjà partiellement oubliée, par manque d'âme, par manque d'audace, par manque d'originalité.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=52557">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-9yJZUv8EXEk/Vp1GMRBKOnI/AAAAAAAAB7w/Mr_xIDv1sKY/s1600/21076958325_5d9425302b_o.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-9yJZUv8EXEk/Vp1GMRBKOnI/AAAAAAAAB7w/Mr_xIDv1sKY/s200/21076958325_5d9425302b_o.jpg" width="146" /></a></div>
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<u><b><i>Docteur Frankenstein</i>, de Paul McGuigan (2015)</b></u></div>
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Les adaptations fantastico-horrifiques sont décidément revisitées les unes après les autres. Après <i><b>Dracula Untold</b></i>, voici <i><b>Docteur Frankenstein</b></i>, énième version des mésaventures créationnistes du personnage de Mary Shelley. Ceci dit, il faut d'emblée reconnaître au film un vague effort dans son postulat de départ : la voix-off nous dit qu'on connaît l'histoire, la créature, les éclairs... et on nous promet alors autre chose. Tant mieux ! Le contexte de départ n'est pas inintéressant, dans cet univers de cirque qui laisse entrevoir un vrai travail de production design. Malheureusement, passés ce cap et la rencontre entre Frankenstein (James McAvoy en roue libre) et le Igor (Daniel Radcliffe voulant bien faire) en devenir, le film n'a plus grand chose à proposer et malgré quelques bonnes idées, devient tantôt un capharnaüm visuel, tantôt l'adaptation la plus plate et classique qui soit. A un moment, l'éventualité d'une relation crypto-gay (potentiellement très intéressante, compte-tenu des enjeux intimes de l'histoire originale) entre Frankenstein et Igor semble suggérée, avant d'être écartée. Quant au reste, hormis le fameux travail sur la direction artistique, le film est plutôt fade voire laid, notamment dans ses effets de style qui ne manquent pas de rappeler le Guy Ritchie des grands jours (ou mauvais, c'est selon). Pire, même, l'écriture (pourtant de Max Landis, fils de John Landis) mélange un peu tout en nommant la créature Prométhée, ce qui laisse suggérer soit une incompréhension du roman, soit une méconnaissance du mythe... Ou plus vraisemblablement, les deux. Bref, autant se repasser les James Whale ou le Kenneth Branagh.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=59888">Fiche Cinelounge</a><br />
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<span style="font-size: large;"><u><b><br /></b></u></span>
<span style="font-size: large;"><u><b>AU CINÉMA - RESSORTIES</b></u></span><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-6DoIcSCEdTM/Vp1GZTq7l6I/AAAAAAAAB74/IHve7plRnxk/s1600/MV5BMTQ1Nzg3MDQwN15BMl5BanBnXkFtZTcwNDE2NDU2MQ%2540%2540._V1__SX1217_SY861_.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-6DoIcSCEdTM/Vp1GZTq7l6I/AAAAAAAAB74/IHve7plRnxk/s200/MV5BMTQ1Nzg3MDQwN15BMl5BanBnXkFtZTcwNDE2NDU2MQ%2540%2540._V1__SX1217_SY861_.jpg" width="146" /></a><u><b>Taxi Driver, de Martin Scorsese (1976)</b></u><br />
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<i>Revisionnage.</i><br />
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Anecdote étonnante : en me préparant à écrire ces lignes, j'étais persuadé d'avoir revu le film en salle il y a quelques mois, alors qu'en vérité c'était il y a plus d'un an. C'est dire l'empreinte forte et durable que laisse <i><b>Taxi Driver</b></i> à chaque visionnage, comme un frisson dont on ne se défait pas, presque un trauma, en somme. En espérant que ce ne soit pas non plus celui qui hante Travis Bickle... C'est presque un Scorsese que l'on a envie de se repasser en boucle (comme bien des Scorsese en fin de compte) pour s'attarder à chaque fois sur un détail, une intention, une note que l'on avait pas saisie auparavant. Enfin, vu la précision hitchcockienne du film, ça n'est peut-être pas étonnant de se dire que certains réalisateurs se sont armé d'un crayon et d'un cahier pour refaire, plan par plan, le découpage du film. Définitivement, on s'y perd, on est engloutit par cette cité délabrée, vomitive, maladive, et au charme malsain que la caméra du réalisateur new-yorkais vient capturer à chaque photogramme. Et si, évidemment, <i><b>Taxi Driver</b></i> c'est aussi Bernard Hermann, Paul Schrader, Saul Bass, Robert DeNiro et tant d'autres... c'est surtout cette manière de filmer Jodie Foster, incroyable, que l'on ne pourrait probablement pu se permettre aujourd'hui.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=172">Fiche Cinelounge </a><br />
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<span style="font-size: large;"><u><b>EN VIDÉO</b></u></span><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-1RmXuNdS7VQ/Vp1Gm_5vd2I/AAAAAAAAB8A/y9V90aarXSA/s1600/duelausoleil9.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-1RmXuNdS7VQ/Vp1Gm_5vd2I/AAAAAAAAB8A/y9V90aarXSA/s200/duelausoleil9.jpg" width="134" /></a></div>
<u><b><i>Duel au Soleil</i>, de King Vidor (1946)</b></u><br />
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En voilà, du gros film hollywoodien ! Reprenant la recette de la superproduction <i><b>Autant en emporte le vent </b></i>(et pour cause, Selznick est aussi derrière), <i><b>Duel au Soleil</b></i> mêle d'autant plus la mythologie au western, avec ici un ton qui n'est sûrement pas sans rappeler les péplum les plus conservateurs. Film naïf, voire même niais et peut-être rétrograde, mais surtout fable morale épique comme rarement, dans son déploiement de savoir-faire technique, dans les images et ce sens du récit bigger than life. Certes, Jennifer Jones joue mal, certes Gregory Peck est (plus ou moins délibérément) insupportable, mais tout de même, on a bien envie de se laisser emporter malgré les défauts, d'autant plus que la fin n'est pas si convenue que cela. La réalisation de King Vidor (entre autres) entasse des moments de bravoure, comme cet incroyable travelling qui confronte l'armée américaine à la garnison de mercenaires de Lionel Barrymore. Pas le film le plus fin, donc, parfois trop pompeux, parfois même ennuyeux, mais tout de même un spectacle étourdissant qu'il est difficile de platement ignorer.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=3978">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-zdADfWICXJw/Vp1Gy2Yl92I/AAAAAAAAB8I/ycV65tnNW0o/s1600/day_of_anger_poster_01.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-zdADfWICXJw/Vp1Gy2Yl92I/AAAAAAAAB8I/ycV65tnNW0o/s200/day_of_anger_poster_01.jpg" width="131" /></a><u><b><i>Le Dernier jour de la colère</i>, de Tonino Valerii (1967)</b></u></div>
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Comme beaucoup, je connais Tonino Valerii essentiellement pour sa collaboration avec Sergio Leone sur le chef-d’œuvre <i><b>Mon nom est personne</b></i>. Préalablement, avec <i><b>Le Dernier jour de la colère</b></i> (co-scénarisé lui aussi par Leone), il s'affirme surtout tout autant comme un auteur passionnant du spaghetti. En remodulant, par le ton toujours très iconoclaste du western italien, la relation entre disciple en mentor, Valerii exploite l'originalité de son film. Le héros, Giuliano Gemma, n'est finalement que le porte-flingue du bad-guy, le magnétique Lee Van Cleef. Jusqu'au-boutiste, fidèle à l'audace du genre, superbement bien tourné, âpre et violent comme on l'aime, le film de Valerii ne manque probablement pas d'être un incontournable pour les amateurs. Et puis, ce générique qui voit la musique d'Ennio Morricone rythmée par des coups de feu, évidemment, c'est le genre de truc que l'ami Tarantino s'est passé en boucle dans son club de VHS (et pour cause, la musique est reprise dans <i><b>Django Unchained</b></i>).<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=14528"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=14528">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-nUcUDVqfjcs/Vp1G_QFq3BI/AAAAAAAAB8Q/MHRefqO7hHo/s1600/stalingrad-poster_365174_48394.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-nUcUDVqfjcs/Vp1G_QFq3BI/AAAAAAAAB8Q/MHRefqO7hHo/s200/stalingrad-poster_365174_48394.jpg" width="147" /></a></div>
<u><b><i>Stalingrad</i>, de Jean-Jacques Annaud (2001)</b></u><br />
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<i>Revisionnage.</i><br />
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Après avoir découvert la bouleversante version de Joseph Vilsmaier, j'étais inquiet à l'idée de me replonger dans le <i><b>Stalingrad</b></i> de Jean-Jacques Annaud, plus correct, plus classique. Mais avant toute chose, les ambitions des films sont toutefois différentes, et le réalisateur français recherche essentiellement la fresque guerrière épique, dissimulée derrière une biographie hagiographique. Et de ce point de vue là, il faut avouer qu'Annaud sait y faire, car à défaut d'être le plus inventif possible, il a de l'envergure et un réel sens de la mise en scène. Évidemment, son scénario manque sans doute de subtilité, notamment chez ses protagonistes secondaires, ou encore dans la romance manquant de substance, finalement trop banale pour avoir réellement sa place dans un film qui présente de tels évènements. Mais fidèle à ses obsessions, Annaud tient son pari habituel et dépayse comme rarement, ici fort d'une incroyable direction artistique (les décors des usines en ruine, incroyables), d'une introduction démentielle ou encore d'un James Horner inspiré comme jamais.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2112">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-BsNCtHVr6ik/Vp1HP9G6lmI/AAAAAAAAB8Y/sZk5cYOswsM/s1600/my-fair-lady-poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-BsNCtHVr6ik/Vp1HP9G6lmI/AAAAAAAAB8Y/sZk5cYOswsM/s200/my-fair-lady-poster.jpg" width="131" /></a><u><b><i>My Fair Lady</i>, de George Cukor (1964)</b></u></div>
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Laborieux. Laborieux et pourtant sympathique ! Quasiment trois heures pour un scénario un brin léger, qui, s'il laisse évidemment la part belle à de grandes envolées musicale, <b><i>My Fair Lady</i></b> n'a peut-être pas le même souffle épique et dramatique que les (tout aussi longues) comédies musicales de Robert Wise. Ceci dit, tout le monde y cabotine avec une certaine douceur, y compris Audrey Hepburn, magnifique et toujours en quête de rôles qui lui permettront d'étoffer sa diversité. Le duo avec Rex Harrison ne marche pas toujours, mais la bonne ambiance globale tend à l'emporter, à l'image de la réalisation : inégale, mais suffisamment pétillante pour, malgré les lourdeurs, laisser un petit sourire au coin des lèvres. Et, cela va de soi, comme toute comédie musicale qui se respecte, certaines chansons arrivent à trotter dans la tête un bout de temps, comme <i>"Wouldn't be loverly ?"</i>. Un peu déçu, certes, compte-tenu de la réputation du film de Cukor, mais il n'est pas dénué de charme pour autant.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=3062"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=3062">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-ju4Yh5A_VAE/Vp1Hkm9IksI/AAAAAAAAB8k/yO3JKllmrK0/s1600/Strange-days-1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-ju4Yh5A_VAE/Vp1Hkm9IksI/AAAAAAAAB8k/yO3JKllmrK0/s200/Strange-days-1.jpg" width="135" /></a></div>
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-ju4Yh5A_VAE/Vp1Hkm9IksI/AAAAAAAAB8g/bKm4uF1cCos/s1600/Strange-days-1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a>
<u><b><i>Strange Days</i>, de Kathryn Bigelow (1995)</b></u><br />
<i><br /></i>
<i>Revisionnage.</i><br />
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Qui a dit que James Cameron ne savait pas écrire des personnages ? Co-signant le remarquable scénario de <i><b>Strange Days</b></i>, il participe à une œuvre avant-gardiste de science-fiction, relativement oubliée dans le paysage du genre des années 90 car sûrement coincée entre <i><b>Total Recall </b></i>et <i><b>Matrix</b></i>. Empruntant davantage à <i><b>Blade Runner</b></i> (on pourrait presque croire à une adaptation de K. Dick), le film est transcendé par le travail d'ambiance opéré par sa réalisatrice, notamment avec le grand savoir-faire employé pour concevoir ces fameux plans subjectifs, toujours époustouflants. Outre l'histoire et son concept, astucieux et savamment exploités, le background du film est finalement solide dans une société pour laquelle l'an 2000 pourrait rimer avec l'apocalypse. En dépit de sa fin sûrement un peu plus convenue, c'est aussi une belle note qui quelque part prend le contrepied du film de Ridley Scott servant d'influence, et tranche d'autant plus avec les films actuels de Kathryn Bigelow, définitivement désillusionnée.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2146">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-99WTUlvwiUY/Vp1IETIpwDI/AAAAAAAAB8o/K_qQZkhREk8/s1600/f627c4cd4dfa15ed836e9e2024a3c1cf.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-99WTUlvwiUY/Vp1IETIpwDI/AAAAAAAAB8o/K_qQZkhREk8/s200/f627c4cd4dfa15ed836e9e2024a3c1cf.jpg" width="138" /></a><u><b><i>Le Goût des autres</i>, d'Agnès Jaoui (2000)</b></u></div>
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Un film bien surprenant. Évidemment, si j'attendais du duo Jaoui-Bacri un certain sens de l 'écriture et de l'humour, je n'imaginais pas Agnès Jaoui si à l'aise dans la réalisation. Non pas que <i><b>Le Goût des autres</b></i> soit nécessairement un étalon cinématographique, mais il prouve néanmoins que la comédie exige une rigueur de mise en scène qui finalement fait défaut à beaucoup de films de nos jours. La réflexion sur la valeur de la culture est d'autant plus d'actualité, quinze ans après le film. Et ne faisons pas semblant : c'est aussi le prétexte à des situations hilarantes, une en particulier avec Jean-Pierre Bacri qui aujourd'hui trouverait sûrement moyen de faire hurler les adeptes du politiquement correct qui brident le sens de la comédie. Le duo Gérard Lavin / Alain Chabat, délicatement agréable pour les zygomatiques, est une véritable cerise sur le gâteau. Bref, voilà qui m'a ravi.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2256">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-SbaaLw_Ge7g/Vp1IY1X_vNI/AAAAAAAAB8w/IgvYd-6uu0U/s1600/the-killer-1989-movie-poster-01.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-SbaaLw_Ge7g/Vp1IY1X_vNI/AAAAAAAAB8w/IgvYd-6uu0U/s200/the-killer-1989-movie-poster-01.jpg" width="130" /></a></div>
<u><b><i>The Killer</i>, de John Woo (1989)</b></u><br />
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<i>Revisionnage.</i><br />
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Ce qui demeurera toujours fascinant, avec le cinéma de John Woo, c'est sa propension à réaliser des films aussi musclés, aussi sanglants et parfois aussi dramatiques, reposant systématiquement (ou presque) sur la beauté d'une amitié. Flic et voyou, le binôme est évidemment classique, mais Woo aura toujours su le réinventer. <i><b>The Killer</b></i> fait déjà office d'un premier paroxysme du genre tout en devenant une nouvelle référence de l'action. D'autant plus qu'elle n'est jamais vaine. C'est un peu ridicule à dire, mais avec l'emphase de tous ses effets de styles, avec ses personnages attachants, avec son sens exacerbé du mélodrame, Woo arrive à être un poète de l'action. Car finalement, le climax final de l'église, que ne pourrait-il être d'autre si ce n'est de la pure poésie cinégénique ? Et ultimement, qu'a-t-on retenu de plus marquant : le sang, le bruit des pistolets, la mort ? Non, les plans qui réunissent les amis. Chapeau, encore et toujours.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=394">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-PIeFtvmhOXQ/Vp1ImNiuhxI/AAAAAAAAB84/rWzdgujvmjk/s1600/MV5BMTIxODg2NDU1MF5BMl5BanBnXkFtZTcwOTc3MDM0MQ%2540%2540._V1__SX1217_SY861_.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-PIeFtvmhOXQ/Vp1ImNiuhxI/AAAAAAAAB84/rWzdgujvmjk/s200/MV5BMTIxODg2NDU1MF5BMl5BanBnXkFtZTcwOTc3MDM0MQ%2540%2540._V1__SX1217_SY861_.jpg" width="134" /></a><u><b><i>Hot Fuzz</i>, d'Edgar Wright (2007)</b></u></div>
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<i>Revisionnage.</i><br />
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Pas de doute : on se bidonne toujours autant. Edgar Wright demeure un formidable auteur de la comédie, mais aussi des genres qu'il aborde, ici le film d'action. Car derrière ses airs parodiques, derrière son too much, derrière ses overdoses de kitch, il y a un film solide. <i><b>Hot Fuzz</b></i> est finalement le genre de parodie auquel beaucoup s'essayent sans y parvenir, se fourvoyant dans un excès d'effets de style au détriment d'autre chose (<i><b>Kingsman</b></i> en tête de liste), notamment du récit. Wright parvient à s'en tenir à un humour relativement britannique (à certains égards, les Monty Python ne sont jamais loin, évidemment) qui permet de le distinguer du reste. Et, comme toujours, ce montage virtuose et effréné empêche tout temps mort, alors que l'on savoure les répliques parfois bien gratinées de Simon Pegg et Nick Frost.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1174">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-B7-xNHLEmC8/Vp1Izdw3mBI/AAAAAAAAB9A/Am6IXUtQWI4/s1600/cuisine-et-dependances-poster_481508_43192.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-B7-xNHLEmC8/Vp1Izdw3mBI/AAAAAAAAB9A/Am6IXUtQWI4/s200/cuisine-et-dependances-poster_481508_43192.jpg" width="145" /></a></div>
<u><b><i>Cuisine et Dépendances</i>, de Philippe Muyl (1993)</b></u><br />
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Cette fois-ci, c'est l'inverse du <i><b>Goût des autres</b></i>. On retrouve Jaoui et Bacri à l'écriture (originellement une pièce de théâtre) mais <i><b>Cuisine et Dépendances</b></i> n'est que platement le filmage de ladite pièce de théâtre. Du coup c'est un petit huis-clos pas très ambitieux, voire même parfois un peu chiant, il faut bien le dire, par son manque d'inventivité. L'esprit d'une poignée de répliques inspirées ne suffit pas à maintenir l'intérêt du film. La réalisation est aux abonnées absentes (à part un travelling qui passe d'un immeuble à l'autre, seule figure de style notable), le film est démesurément trop théâtral dans le cabotinage qu'il impose à ses comédiens, et, comme ci cela ne suffisait pas, la musique elle-même semble aléatoire et destinée seulement à meubler le passage d'un acte à un autre. Bref, un film à voir au théâtre.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=9424">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-04KmMJKkZLk/Vp1JKkLfKWI/AAAAAAAAB9I/WKCMYmJZxrc/s1600/et-dieu...-crea-la-femme-poster_386264_17328.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-04KmMJKkZLk/Vp1JKkLfKWI/AAAAAAAAB9I/WKCMYmJZxrc/s200/et-dieu...-crea-la-femme-poster_386264_17328.jpg" width="130" /></a><u><b><i>Et... Dieu créa la femme</i>, de Roger Vadim (1956)</b></u></div>
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Film sûrement davantage connu pour le phénomène de culte qu'il a entraîné autour de sa description des mésaventures du personnage de Brigitte Bardot plutôt que pour son ensemble, <i><b>Et... Dieu créa la femme</b></i> n'en reste pas moins une réelle curiosité. Il a un charme plutôt indescriptible, car à la fois terriblement daté comme relativement moderne pour un film pré-Nouvelle Vague. Roger Vadim iconise immédiatement sa star féminine, volant la vedette à un beau casting (dont Jean-Louis Trintignant et Curd Jürgens) qu'elle hypnotise tout le long. Cette femme est étrange, magnétique. Derrière ses airs de pimbêche, la mélancolie de ce personnage en quête d'émancipation que capte la caméra de Vadim (dans un très beau cinémascope en couleur, d'ailleurs) fait mouche. Une singularité presque inclassable dans le cinéma français des années 50, imparfaite, peut-être parfois un peu vide, mais tout aussi intéressante.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=12695">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-5CrX7et4xLA/Vp1JvH3OyNI/AAAAAAAAB9Q/vdvN1yZmwLk/s1600/Paprika.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-5CrX7et4xLA/Vp1JvH3OyNI/AAAAAAAAB9Q/vdvN1yZmwLk/s200/Paprika.jpg" width="146" /></a></div>
<u><b><i>Paprika</i>, de Satoshi Kon (2006)</b></u><br />
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On m'en avait tant parlé, pour tout vous dire, que j'en redoutais le pétard mouillé. Mais l'explosion a bien eu lieu. Atomique, même. Quelle claque ! <i><b>Paprika</b></i>, c'est encore un de ces films qui cumulent trois idées par plan, au point de passer parfois du stade "ébouriffant" à celui "épuisant". Néanmoins, la fluidité avec laquelle on pénètre dans le récit est exemplaire, s'affranchissant finalement de tout didactisme exacerbé, et reposant à merveille sur l'illusion générée par les incroyables images que propose tout le long le film. On l'aura sans doute répété cent fois, mais la fameuse parade est une des hallucinations les plus marquantes qu'il m'ait été données de voir, au son de la complètement pétaradante partition de Susumu Hirasawa. Mais surtout, il y a une immense beauté qui se dégage des personnages, évidemment de l'attachante Paprika / Atsuko qui est le moteur de toute cette anormale aventure. Le film achevé, on a déjà envie de le relancer tout en hésitant car autant subjugué qu'épouvanté par l'univers psyché. Bref, grandiosissime.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=696"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=696">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-S50BnGSDlL0/Vp1KDhYxDJI/AAAAAAAAB9Y/ztmtV6wpZeQ/s1600/charade-poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-S50BnGSDlL0/Vp1KDhYxDJI/AAAAAAAAB9Y/ztmtV6wpZeQ/s200/charade-poster.jpg" width="135" /></a><u><b><i>Charade</i>, de Stanley Donen (1963)</b></u></div>
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Un Stanley Donen largement surprenant derrière ses airs de "comédie mais pas trop" allant lorgner vers une enquête presque hitchcockienne. <i><b>Charade</b></i> est un film charmant. Charmant, déjà parce qu'il y a Audrey, encore une fois géniale, pétillante, étonnante. Et puis ce Cary, beau mais vieillissant, laissant définitivement entrevoir à quel point George Clooney version poivre et sel est sa ré-incarnation. Le scénario, habile, place entre autre son action à Paris, ce qui a toujours ce charme inébranlable lorsque la ville est filmée par cette ère hollywoodienne. Encore Audrey à Paris, certes, mais c'est une ville qui lui sied tellement bien, et puis, à chaque fois, les films la ré-inventent encore un peu. En mêlant un ton léger à une tension largement plus sérieuse, Donen tient définitivement un élégant équilibre tout le long, outre la réalisation, particulièrement grâce à un excellent travail de scénario et à ses géniaux personnages, conférant de la sorte à Walter Matthau et à James Coburn les atouts d'une grande réussite.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=4171"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=4171">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/--3ohzMT50tQ/Vp1KTs8YueI/AAAAAAAAB9g/VgPU5bV8nbc/s1600/Love_in_the_afternoon_%25281957%2529_-_movie_poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/--3ohzMT50tQ/Vp1KTs8YueI/AAAAAAAAB9g/VgPU5bV8nbc/s200/Love_in_the_afternoon_%25281957%2529_-_movie_poster.jpg" width="130" /></a></div>
<u><b><i>Ariane</i>, de Billy Wilder (1957)</b></u><br />
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On retrouve de nouveau Audrey à Paris. Décidément ! Sans surprise, c'est pour le meilleur, car une fois de plus, c'est un film de nouveau charmant, terriblement osé, audacieux, avec une délicate touche de vulgarité retenue qui en fait tout le charme. En malmenant l'archétype du vertueux à l'américaine qu'a souvent représenté Gary Cooper, Wilder s'amuse entre ses beaux personnages. <i><b>Ariane </b></i>a un dynamique souffle romantique dont la réussite tient notamment à quelque chose d'indescriptible et surtout de perdu : l'émotion, l'invisible que procure la réunion de ces deux acteurs. Globalement léger, notamment grâce au brillant personnage de Maurice Chevalier, c'est la recette parfaite d'un film qui redonne du peps, tout en proposant une de ces vraies et grandes romances hollywoodiennes. Un peu plus subversive qu'à l'accoutumée, pour le meilleur, jusqu'à cette fin sans doute un peu amorale pour les bien-pensants de l'époque, mais tant mieux !<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=3250">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-d1hqdl75C6o/Vp1Knjr8evI/AAAAAAAAB9o/dPRr1NRc82E/s1600/quo-vadis---poster_252939_37804.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-d1hqdl75C6o/Vp1Knjr8evI/AAAAAAAAB9o/dPRr1NRc82E/s200/quo-vadis---poster_252939_37804.jpg" width="155" /></a><u><b><i>Quo Vadis</i>, de Mervyn Leroy (1951)</b></u></div>
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<i>Revisionnage.</i><br />
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Figure matricielle des péplums plus tardifs à la <i><b>Ben-Hur</b></i>, <i><b>Quo Vadis</b></i> est déjà gavé d'une ambition complètement démesurée. Pas de doute, on est bien dans le pur Hollywood des grands producteurs : chaque plan est une orgie visuelle et prétexte à toujours en mettre plein la vue dans un technicolor trichrome qui brille de milles feux. Ceci dit, il faut tout de même noter que l'acte d'exposition est vraiment interminable, d'autant plus que Robert Taylor, au personnage lourdeau, n'est pas Charlton Heston. En parallèle on profite de Peter Ustinov complètement en roue libre, mais il faut bien avouer que le rôle s'y prête et que l'ensemble possède un malin charme. C'est surtout le dernier acte, passionnant et largement plus épique, qui fait la valeur du film. De sa description des martyrs chrétiens à cette chute enflammée de Rome, tout est réuni : du grand péplum et du grand mélo. Les personnages s'étoffent enfin dans la conséquente tragédie qui se profile, dans le camp des héros comme celui de Néron. Ça, c'est de la fresque.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=13553">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-G42mFe5gNBU/Vp1K6h9sfxI/AAAAAAAAB9w/RHRxHDkKXnM/s1600/MV5BNzI2ODA0NTUwOF5BMl5BanBnXkFtZTcwODE3Njk3OA%2540%2540._V1__SX1217_SY861_.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-G42mFe5gNBU/Vp1K6h9sfxI/AAAAAAAAB9w/RHRxHDkKXnM/s200/MV5BNzI2ODA0NTUwOF5BMl5BanBnXkFtZTcwODE3Njk3OA%2540%2540._V1__SX1217_SY861_.jpg" width="145" /></a></div>
<u><b><i>L'Impossible monsieur Bébé</i>, d'Howard Hawks (1938)</b></u><br />
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Œuvre typique de la <i>screwball comedy</i> où tout va à deux cent à l'heure, <i><b>L'Impossible monsieur Bébé</b></i> ne laisse donc aucun répit pour son spectateur. On est assailli par les punchlines de chacun des personnages, aux géniaux interprètes qui cabotinent délicieusement, et ces overdoses de situations invraisemblables que Howard Hawks sait rythmer comme personne. Bientôt quatre-vingt ans, et pourtant le film semble si moderne dans son dynamisme. Et malgré tout cet incessant (mais encore une fois délicieux) cabotinage entre Cary Grant et Katharine Hepburn, le charme dégagé par les personnages existe bel et bien. C'est une prouesse constante d'écriture, et pour cause, Dudley Nichols, l'un des scénaristes, signe l'année suivante <i><b>La Chevauchée fantastique</b></i>, au rythme tout aussi inégalé. Bref, on en sort avec des douleurs à la mâchoire à force d'avoir grassement ri devant autant de situations <i>over the top</i>.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2937">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-9G93m6YTMdg/Vp1LLznmy_I/AAAAAAAAB94/6pVQq0iEE_s/s1600/x-men-days-of-future-past-rogue-cut-poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-9G93m6YTMdg/Vp1LLznmy_I/AAAAAAAAB94/6pVQq0iEE_s/s200/x-men-days-of-future-past-rogue-cut-poster.jpg" width="150" /></a><u><b><i>X-Men : Days of Future Past</i>, de Bryan Singer (2014)</b></u></div>
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<i>Revisionnage - Rogue Cut.</i><br />
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Si le dernier film de Bryan Singer fait office à mes yeux de réelle exception qualitative dans la vague actuelle de film de super-héros, il m'était par conséquent indispensable de découvrir ce montage alternatif <i>"Rogue Cut"</i> de <i><b>X-Men : Days of Future Past</b></i>, qui, malgré son intitulé, n'est pas seulement à destinations des excentriques fans de la mutante en question. En donnant davantage d'ampleur à ses incroyables scènes futuristes, qui ont alors d'autant plus d'emphase dramatique, ce montage alternatif affine donc significativement la grande ambition du film. Quelques passages remontés sont encore plus impressionnants dans leur jeu entre les deux trames temporelles, notamment autour de Magneto. C'est aussi l'occasion de constater de nouveau à quel point Bryan Singer maîtrise son sujet, plutôt fin cinéaste, espèce en voie de disparition à Hollywood. Car non seulement il est un grand créateur visuel, mais plus important encore, il a le sens du récit. Dommage, ceci dit, que cette version longue voit se rajouter une séquence centrale autour de Mystique, péniblement interprétée par Jennifer Lawrence, moment qui était déjà un ventre-mou dans le montage original, ici un peu plus accentué. Ceci dit, c'est bien l'unique défaut qui subsiste au milieu de toutes les qualités proposées, dans ce qui est sans doute le meilleur film du genre depuis <i><b>Watchmen</b></i> (et ça n'est pas tous les jours que je dis du bien de Zack Snyder).<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=32802">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-kY3qYpA96r8/Vp1Lclm3woI/AAAAAAAAB-A/R2b9HOe4zBM/s1600/MPW-58791.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-kY3qYpA96r8/Vp1Lclm3woI/AAAAAAAAB-A/R2b9HOe4zBM/s200/MPW-58791.jpg" width="137" /></a></div>
<u><b><i>Les 3 Royaumes</i>, de John Woo (2008)</b></u><br />
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<i>Revisionnage - version longue.</i><br />
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Avec peu de doutes, la démesurée fresque historique de John Woo a largement de quoi intégrer le panthéon de l'épique au cinéma. A l'échelle constamment démesurée, <i><b>Les 3 Royaumes</b></i> est un ballet hors-norme, que ce soit celui de ses armées aux fers qui s'entrechoquent massivement, ou celui des héros à la chorégraphie guerrière à tomber par terre. Plus important encore : au-delà des impressionnants combats, Woo n'oublie jamais ses personnages et son histoire. Car comme il est de coutume pour l'auteur hong-kongais, et celui-là ne déroge pas à la règle, il faut avant tout que ce soit un film d'amitié. Elle unit les protagonistes comme la (/les) Chine(s) face à l'ennemi commun. Et donne surtout lieu à de très beaux moments de complicité ou de défense de valeur chevaleresques, comme cette très émouvante séquence autour du paysan volé. C'est enfin sans compter sur la très belle composition de Tarô Iwashiro, tendrement épique, et surtout, foutrement prenant pour un film qui l'est tout autant, cinq heures durant.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=988">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-mwRhDp7DLLM/Vp2akYu2hCI/AAAAAAAAB-Q/GR89nCOnyK4/s1600/197838c579c3b78927e0cd15ba4c9689_500x735.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-mwRhDp7DLLM/Vp2akYu2hCI/AAAAAAAAB-Q/GR89nCOnyK4/s200/197838c579c3b78927e0cd15ba4c9689_500x735.jpg" width="135" /></a><u><b><i>Le Masque de Zorro</i>, de Martin Campbell (1998)</b></u></div>
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<i>Revisionnage.</i><br />
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La résurgence du film de cape et d'épée dans les années 90 a donné lieu a une vague de film au capital sympathie relativement solide malgré l'inévitable souffle kitch qui désormais les entoure. N'ayant pas revu<i><b> Le Masque de Zorro</b></i> depuis sa sortie en salle et son exploitation en VHS, la déception du revisionnage était potentiellement au coin. Par chance, Martin Campbell était un réalisateur qui savait déjà y faire avec l'action, ici endiablée dans les décors hispanisants qui changent un peu de ce que l'on voit habituellement, et rythmée par l'élégante musique du regretté James Horner. Alors certes, il faut endurer Antonio Banderas qui cabotine comme un fou face à Catherine Zeta-Jones qui propose le tango le plus ridicule possible, mais bon, qu'importe, c'est bon enfant et le final fort explosif relève le tout. Quelque part, c'est aussi un blockbuster un peu lambda, mais le soin dont il jouit ne laisse, aujourd'hui, plus vraiment indifférent.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=4823"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=4823">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-wNbieGf-gjI/Vp2a4ElwfqI/AAAAAAAAB-Y/BaJ1PBHnUFw/s1600/westerner.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-wNbieGf-gjI/Vp2a4ElwfqI/AAAAAAAAB-Y/BaJ1PBHnUFw/s200/westerner.jpg" width="132" /></a></div>
<u><b><i>Le Cavalier du désert</i>, de William Wyler (1940)</b></u><br />
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Je ne pouvais qu'être enthousiasmé par <i><b>Le Cavalier du désert</b></i>, reprenant des figures cultes de l'Ouest, le juge Roy Bean et sa Lily Langtry, que j'avais notamment adoré dans un autre western m'ayant profondément marqué, <i><b>Juge et hors-la-loi</b></i>. De Huston à Wyler (ou inversement, plutôt), autant dire qu'on reste dans la cour des grands. Se présentant comme un western aux traits relativement comiques, opposant le dubitatif Gary Cooper face à l'hilarant Walter Brennan, le film évolue très malignement jusqu'à un drame inattendu. Le bouffon Roy Bean, dans sa quête désespérée de sa muse et ses agissements sots, devient une figure tragique. La réalisation de Wyler prend de l'ampleur dans une séquence de grand incendie superbe. L'affrontement final est d'une beauté à couper le souffle, inimaginable au vu du début du film, et rend honneur à la grandeur des deux interprètes principaux. Une excellente découverte.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=35400">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-RNIufs-mS90/Vp2bE1ZwI1I/AAAAAAAAB-g/J3ADPrM9-qw/s1600/hard_boiled_poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-RNIufs-mS90/Vp2bE1ZwI1I/AAAAAAAAB-g/J3ADPrM9-qw/s200/hard_boiled_poster.jpg" width="139" /></a><u><b><i>A toute épreuve</i>, de John Woo (1992)</b></u></div>
<i><br /></i>
<i>Revisionnage.</i><br />
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A l'heure où l'on se remet encore doucement de la claque d'action imposée par George Miller, il est bon de se replonger dans celle de John Woo, plus de vingt ans auparavant. <b><i>A toute épreuve</i></b> peut en quelques sortes passer pour une bible du cinéma d'action, ingérant et développant tous les tenants et aboutissants du genre. C'est un film résolument éprouvant, notamment dans son dernier acte qui ne laisse aucun répit à la fois pour les personnages comme pour le spectateur. Mais quel constant chef-d’œuvre ! Le duo constitué par Chow Yun Fat et Tony Leung est merveilleux, charismatique et d'une complicité qui change toute la donne dans l'action. Outre même cette fameuse action, c'est aussi un film où John Woo est un grand créateur d'ambiance, dans ses nappes sonores sans doute un peu kitch mais terriblement prenantes ou ses décors enfumés qui ne sont pas sans rappeler le travail graphique d'un certain Ridley Scott. A revoir en boucle tant que l'on a pas encore été rendu sourd par les innombrables détonations qui martèlent l'espace sonore.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1275">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-QkIKqqa_KSc/Vp2bje2CasI/AAAAAAAAB-o/Un5YNfDaOKQ/s1600/One_eight_seven_ver1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-QkIKqqa_KSc/Vp2bje2CasI/AAAAAAAAB-o/Un5YNfDaOKQ/s200/One_eight_seven_ver1.jpg" width="135" /></a></div>
<u><b><i>187 : Code meurtre</i>, de Kevin Reynolds (1997)</b></u><br />
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Comme quoi, Kevin Reynolds peut être malgré tout surprenant. Après la claque qu'il m'avait imposée grâce à <i><b>La Bête de guerre</b></i>, c'est assez curieux de découvrir le bonhomme avec ses gros sabots derrière ce drame social sur fond de dérive du système éducatif américain. Fort heureusement, on est bien loin de l'horrible <i><b>Detachment</b></i> de Tony Kaye. Sans que <i><b>187 : Code meurtre</b></i> soit nécessairement plus subtil, il est d'une efficacité qui en impose. La plongée dans ce terrible quotidien est garantie par l'astucieuse et immersive mise en scène de Reynolds, qui travaille habilement le cadre, sa profondeur de champ ou le flou pour créer une atmosphère réellement anxiogène. De quoi pardonner quelques effets de montage typique de la génération MTV, mais après tout, ça n'est qu'un juste reflet de l'ère du temps. Il y a derrière un solide scénario, bien que rentre-dedans, qui confère également à Samuel L. Jackson un rôle plus ambigü qu'on ne pourrait le croire. Avec un peu de recul, il est possible de s'amuser à penser que c'est presque une revisite un peu moins optimiste de <i><b>Graine de violence</b></i> de Richard Brooks.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2692">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-ZqNKQHQN0yg/Vp2bzrhUIJI/AAAAAAAAB-w/Smmg8BY_FVk/s1600/media.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-ZqNKQHQN0yg/Vp2bzrhUIJI/AAAAAAAAB-w/Smmg8BY_FVk/s200/media.jpg" width="150" /></a><u><b><i>Calmos</i>, de Bertrand Blier (1976)</b></u></div>
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Sans aucun doute l'un des films les plus gras (dans tous les sens du terme) qu'il m'ait été donné de voir. <i><b>Calmos</b></i> peut éventuellement être vu comme la suite spirituelle des <i><b>Valseuses</b></i>, retrouvant de nouveau un duo de loosers, cette fois-ci vingt ans après, devenus blasés et désintéressés par le sexe. C'est surtout un film de Bertrand Blier en roue libre. Pour le pire et pour le meilleur. C'est-à-dire que Blier, comme ses acteurs, ne se refuse rien tout le long : ce qu'il peut faire, il le fait. Les questions ne se posent même pas. Plus ce sera insolent, plus se sera dégueulasse, plus l'objectif sera achevé. En résulte un film qui part un peu dans tous les sens, au début totalement incroyable, qui ensuite se cherche un peu dans cette histoire de (littérale) guerre des sexes, avant de se conclure dans un n'importe-quoi des plus inédits. Quand bien même c'est parfois un brin longuet, irrévérence globale fait mouche. Le vocabulaire, fleuri comme au printemps, donne à plus d'une reprise envie de saisir un carnet de notes pour mettre quelques répliques de côté. C'est peut-être très con, mais ça fait aussi du bien. Et puis ça donne faim.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=20556"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=20556">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-XFcsyu4x0dg/Vp2cATnqwCI/AAAAAAAAB-4/XHiKOaVYdEU/s1600/lucky-luke-%2B-la-ballade-des-dalton-affiche_465302_7891.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-XFcsyu4x0dg/Vp2cATnqwCI/AAAAAAAAB-4/XHiKOaVYdEU/s200/lucky-luke-%2B-la-ballade-des-dalton-affiche_465302_7891.jpg" width="137" /></a></div>
<u><b><i>La Ballade des Dalton</i>, de Morris, René Goscinny et Henri Gruel (1978)</b></u><br />
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<i>Revisionnage.</i><br />
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Un dessin-animé dans un univers de western néanmoins mature : ça fume, ça tire et ça boit. On en fait plus des comme ça non plus. <i><b>La Ballade des Dalton</b></i> reprend relativement la structure des <i><b>Douze travaux d'Astérix</b></i>, proposant de la sorte une succession saynètes voyant le protagoniste principal accomplir sa quête. Sans que cela atteigne le génie de l'autre œuvre de Goscinny, ces aventures de Lucky Luke n'en restent pas moins sacrément drôles. Évidemment, d'un chapitre à l'autre, l'efficacité peut fluctuer, mais le film offre son lot de scènes délicieuses et intemporelles. Il n'y a guère de doutes sur le fait que Spielberg se soit passé en boucle l'hilarante scène du train des mines avant de faire <i><b>Indiana Jones et le Temple Maudit</b></i>. On jouit même d'un bad-trip plutôt mémorable bien qu'interminable, accumulant de manière très colorée (après tout, c'était l'époque) des références bienvenues. Tout ceci encadré par la fameuse et mélodieuse ballade, bref, c'est un beau vestige d'enfance.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=5741">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-49X1-YRWD0c/Vp5crQmAamI/AAAAAAAAB_I/D10SX7HRm-g/s1600/Harry_potter_and_the_sorcerer%2527s_stone_poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-49X1-YRWD0c/Vp5crQmAamI/AAAAAAAAB_I/D10SX7HRm-g/s200/Harry_potter_and_the_sorcerer%2527s_stone_poster.jpg" width="140" /></a><u><b><i>Harry Potter à l'école des sorciers</i>, de Chris Colombus (2001)</b></u></div>
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<i>Revisionnage - version longue. </i><br />
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N'ayant jamais été particulièrement concerné par l’œuvre de Rowling, j'ai néanmoins fini par me décider à entreprendre une intégrale de la saga, n'étant jamais allé plus loin que le troisième volet. <i><b>Harry Potter à l'école des sorciers </b></i>pose gentiment les bases de son univers merveilleux. Par chance, Chris Colombus, qui n'est sans doute pas le réalisateur du siècle, a deux points forts sur lesquels compter pour l'adaptation : son héritage spielbergien, seyant parfaitement au ton à la fois bon enfant, intime et épique des aventures des jeunes magiciens, et John Williams lui-même. Car ne nous voilons pas la face : la partition musicale tient le film à elle toute seule et permet réellement de faire vivre tout le (joli) travail sur la direction artistique. De la sorte, sans qu'il soit génialement filmé, et malgré des trucages parfois fort discutables, l'univers et ses personnages existent (à ce titre-là, le casting de seconds rôles est quand même excellent), c'est peut-être le plus important. Le dénouement de l'intrigue est certainement bien décevant, en revanche. Je pensais revoir un film très mauvais, mais finalement, ça n'est pas si mal avec du recul.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2047">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-xO6uFsMPWjA/Vp5dP7EoZUI/AAAAAAAAB_Q/wLL4XFphvCI/s1600/harry_potter_and_the_chamber_of_secrets_poster3.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-xO6uFsMPWjA/Vp5dP7EoZUI/AAAAAAAAB_Q/wLL4XFphvCI/s200/harry_potter_and_the_chamber_of_secrets_poster3.jpg" width="135" /></a></div>
<u><b><i>Harry Potter et la chambre des secrets</i>, de Chris Colombus (2002) </b></u><br />
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<i>Revisionnage - version longue. </i><br />
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On prend les mêmes et ça repart. Cependant, <i><b>Harry Potter et la chambre des secrets</b></i> essaye tout de suite de se muer en un univers plus mature. Mais Chris Colombus n'est alors plus le réalisateur adapté, contrairement à son successeur. Le film devient davantage lourdingue sur l'entassement de son décorum, réparti sur une intrigue de quasiment trois heures (en version longue) parfois très pénibles. Les qualités du premier volet sont toujours là, mais moins à même de tenir face aux défauts plus importants, malgré une intrigue plus ambitieuse. Pour un peu plus de diversité, on assiste à un numéro de Kenneth Branagh en pleine roue libre, mais cela dit, ce serait se mentir que de refuser d'avouer le plaisir coupable. On garde toutefois le désagréable sentiment que ces deux premiers films ne font que de la mise en place, ce qui nuit sûrement à leur unité et à leur intérêt.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2048">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-5rMms5OaDFo/Vp5d0Vt3pAI/AAAAAAAAB_Y/d8z4eXwzleU/s1600/Harry_Potter_and_the_Prisoner_of_Azkaban_poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-5rMms5OaDFo/Vp5d0Vt3pAI/AAAAAAAAB_Y/d8z4eXwzleU/s200/Harry_Potter_and_the_Prisoner_of_Azkaban_poster.jpg" width="135" /></a><u><b>Harry Potter et le prisonnier d'Azkaban, d'Alfonso Cuar</b></u><u><b><span class="st">ó</span>n (2004)</b></u><br />
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<i>Revisionnage.</i><br />
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Immédiatement, le passage de flambeau à un réalisateur d'un autre niveau se ressent largement. Dans <b><i>Harry Potter et le prisonnier d'Azkaban</i></b>, Alfonson Cuar<span class="st">ó</span>n s'amuse à façonner un vrai film fantastique à part entière, à la fois plus noir, plus enjoué, plus épique et simplement plus beau. Les relations entre les personnages prennent enfin de l'épaisseur, à l'image de la trame en elle-même qui voit l'univers merveilleux s'agrandir. Le travail d'ambiance fait par le réalisateur mexicain porte totalement ses fruits ; les apparitions des détraqueurs sont bel et bien la création d'un sacré cinéaste. John Williams aussi passe la vitesse supérieure en signant la meilleure composition de la saga. En prime, une histoire de voyage dans le temps qui non seulement tient debout, mais plus encore, permet à Cuar<span class="st">ó</span>n de jouer d'autant plus avec la virtuosité génialement rythmée de son cinéma. Deuxième et troisième cerises sur le gâteau : Gary Oldman, bien entendu, mais surtout David Thewlis, aux personnages définitivement très réussis. Seul bémol, mais personne n'y peut rien : la disparition de Richard Harris, un peu mollement remplacé par Michael Gambon. Incontestablement le film le plus intéressant de la saga, et de loin. <br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2049">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-4xXJC80nM68/Vp5epRlCUHI/AAAAAAAAB_g/8M6K9E1rvc0/s1600/artoff397.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-4xXJC80nM68/Vp5epRlCUHI/AAAAAAAAB_g/8M6K9E1rvc0/s200/artoff397.jpg" width="135" /></a></div>
<u><b><i>Harry Potter et la Coupe de feu</i>, de Mike Newell (2005)</b></u><br />
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Les choses corsées commencent. Car non seulement, j'entame la partie de la saga que je n'ai pas encore vue, mais plus inquiétant encore, elle n'augure rien de bon. Pour <i><b>Harry Potter et la Coupe de feu</b></i>, retour à un réalisateur largement plus conventionnel pour adapter ce qui aurait néanmoins pu s'avérer encore plus ambitieux que le précédent volet. Quel dommage. La maturité acquise dans l'opus de Cuar<span class="st">ó</span>n devient un délire adolescent laborieux et d'un mauvais goût certain, à l'image de la mentalité des personnages. Les pérégrinations d'Harry pour remporter la Coupe se seraient bien prêtées à une sacrée mise en scène, hélas il faut que celle-ci soit terriblement plate et bardée d'effets peu convaincants. L'apparition finale de Voldemort, au look complètement raté et campé par un Ralph Fiennes cabotinant à l'excès, enfonce le clou. Brendan Gleeson apporte un semblant de charisme dans la débâcle, autant que Patrick Doyle à la musique, honnête pour remplacer John Williams... Une dégringolade assez colossale compte-tenu du prédécesseur.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2050">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-2DIY1Rqo06s/Vp5fHaa2WYI/AAAAAAAAB_o/gsoBqvHH_Gw/s1600/affiche.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-2DIY1Rqo06s/Vp5fHaa2WYI/AAAAAAAAB_o/gsoBqvHH_Gw/s200/affiche.jpg" width="134" /></a><u><b><i>Harry Potter et l'Ordre du phénix</i>, de David Yates (2007)</b></u></div>
<br />
Pas de doutes : le navire sombre, mon capitaine. L'arrivée de David Yates, réalisateur fainéant et sans idées, au sein de la saga annihile tout le potentiel qui subsistait. <i><b>Harry Potter et l'Ordre du phénix </b></i>gâche systématiquement le moindre élément abordé, par un scénario complètement bâclé expédiant des enjeux qui, pour le coup, manquent de mise en place. On accole sur cela une relecture ridicule et grossière du fascisme (qui, à partir de là, deviendra la mode dans les productions pour public adolescent) avec l'espoir que cela donne un ton sombre et incertain à l'aventure. Surtout très laborieux, en fin de compte, car la parodie n'est pas loin et l'insupportable personnage d'Imelda Stauton ne donne ni envergure ni crédibilité à l'ensemble. L'histoire de confrérie secrète manque alors terriblement d'âme car le danger est rendue trop factice par le scénario. Que reste-t-il ? Sûrement pas la très mauvaise et très plate réalisation de David Yates, on en revient à lui, qui n'est là que pour remplir un cahier des charges préalablement dressé. Oubliable... et déjà oublié.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2051"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2051">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-hMf1nHLieXg/Vp5f3GxXpkI/AAAAAAAAB_w/LUyW4dKgIU8/s1600/MV5BNzU3NDg4NTAyNV5BMl5BanBnXkFtZTcwOTg2ODg1Mg%2540%2540._V1__SX1234_SY686_.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-hMf1nHLieXg/Vp5f3GxXpkI/AAAAAAAAB_w/LUyW4dKgIU8/s200/MV5BNzU3NDg4NTAyNV5BMl5BanBnXkFtZTcwOTg2ODg1Mg%2540%2540._V1__SX1234_SY686_.jpg" width="129" /></a></div>
<u><b><i>Harry Potter et le Prince de sang-mêlé</i>, de David Yates (2009)</b></u><br />
<br />
Les épisodes passent et les idées s'épuisent. L'ennui explose. <i><b>Harry Potter et le Prince de sang-mêlé</b></i> entame la série de révélations qui vise à conclure à la saga. C'était l'opportunité de donner un nouveau regard sur les personnages, mais hélas, la mauvaise écriture globale donne surtout l'impression de retournements peu convaincants. Les romances tissées entre les différents personnages ne sonnent qu'automatiques. Severus Snape, personnage à l’ambiguïté ayant toujours été passionnante
mais rarement bien exploitée, devient lui aussi le mécanisme de ces
rebondissements peu probants. La réalisation de David Yates est toujours très mauvaise, plombée par une photographie peu lisible et un sens du rythme constamment médiocre. Le travail de direction artistique s'efface derrière la fadeur de sa caméra, alors que l'on a de plus en plus envie de reconsidérer le travail autrefois fait par Chris Colombus. Enfin, gros point noir pour la photographie de Bruno Delbonnel,
sur-filtrée, grisaillante et désaturée, souvent de manière extrêmement
disgracieuse. On commence à entrevoir l'acheminement vers la fin des aventures de Harry... et rien n'est pour rassurer.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2052"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2052">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-FBc-zSl0jhI/Vp5gkEQSoSI/AAAAAAAAB_8/S3bcgWrigIY/s1600/MV5BMTQ2OTE1Mjk0N15BMl5BanBnXkFtZTcwODE3MDAwNA%2540%2540._V1__SX1234_SY686_.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-FBc-zSl0jhI/Vp5gkEQSoSI/AAAAAAAAB_8/S3bcgWrigIY/s200/MV5BMTQ2OTE1Mjk0N15BMl5BanBnXkFtZTcwODE3MDAwNA%2540%2540._V1__SX1234_SY686_.jpg" width="135" /></a><u><b><i>Harry Potter et les Reliques de la Mort : 1ère partie</i>, de David Yates (2010)</b></u></div>
<br />
Dernier virage, partie 1. Très légèrement pour le mieux, d'ailleurs, puisque cette première moitié de <i><b>Harry Potter et les Reliques de la Mort</b></i> nous emmène en dehors du château, ce qui permet d'étoffer l'univers et lui donner davantage de consistance et de réel. Ceci dit, cela ne se fait pas sans douleur, avec une scène d'action introductive qui est une catastrophe de réalisation. A plusieurs reprises on ne comprend plus ce qu'il se passe (ici, Hagrid est assommé on-ne-sait-trop comment, là, le personnage de Brendan Gleeson disparaît) sous un déluge d'effets parasitant encore davantage l'image. Il semblerait que la magie se soit fait la malle au profit d'un bête film d'action. Heureusement que les aventures d'Harry dans sa quête de destructions des artefacts de Voldemort sont un peu plus intéressantes. Film fragmentaire oblige, il n'en subsiste pas moins un certain vide final, qui rend, une fois de plus, le film trop mécanique, comme mise en place pour son final. Un volet avec sans doute plus d'avantages que les précédents, mais probablement tout aussi raté.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=7304"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=7304">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-pFM7Yb65MxY/Vp5hOqY6UMI/AAAAAAAACAE/HZ1AUS8iOtg/s1600/Harry_Potter_and_the_Deathly_Hallows_%25E2%2580%2593_Part_2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-pFM7Yb65MxY/Vp5hOqY6UMI/AAAAAAAACAE/HZ1AUS8iOtg/s200/Harry_Potter_and_the_Deathly_Hallows_%25E2%2580%2593_Part_2.jpg" width="135" /></a></div>
<u><b><i>Harry Potter et les Reliques de la Mort : 2ème partie</i>, de David Yates (2011)</b></u><br />
<br />
Tout ça pour ça ? De manière évidemment très prévisible, cette conclusion fait l'effet d'un soufflé qui s'effondre mollement. Tout ce que la deuxième partie d'<i><b>Harry Potter et les Reliques de la Mort</b></i> a à offrir, c'est un déluge d'action laid et vain faisant office de climax définitif. Tout ce qui précède n'aura donc été la mise en place du dénouement le plus convenu et facile possible, faisant se confronter tout le monde dans une sorte de film de guerre de magiciens. Quel désappointement. Quelle bêtise ! Le film n'est plus qu'un entassement d'effets et d'explosions d'un constant mauvais goût. Ralph Fiennes achève de rendre le personnage de Voldemort encore plus misérable et pathétique, dans un duel final aux sommets du ridicule. Et alors ? Et alors plus rien. C'est fini. L'épilogue, kitch et niais à souhaits, tente faiblement de relier ce dernier acte au commencement de la saga, en fin de compte définitivement dispensable passé le troisième volet.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=7286">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-rBsLNCdMvJo/Vp5hspLjj7I/AAAAAAAACAM/gt6B5BUggAI/s1600/samsara-poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-rBsLNCdMvJo/Vp5hspLjj7I/AAAAAAAACAM/gt6B5BUggAI/s200/samsara-poster.jpg" width="136" /></a><u><b><i>Samsara</i>, de Ron Fricke (2011)</b></u></div>
<br />
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
Le dernier film de Ron Fricke demeure définitivement une expérience cinématographique hors du commun, et probablement hors du temps. Dans sa prise de température du monde, <b><i>Samsara</i></b> doit impérativement être mis en parallèle avec son grand frère <b><i>Baraka</i></b>, tourné vingt ans plus tôt. C'est là qu'il faut constater les plans qui sont restés les mêmes d'un film à l'autre, à l'image de certains lieux, et ceux qui ont changé, ceux qui ont été détruits, ceux qui ont été oubliés. Ce regard qui parcourt le monde est ses cultures laisse sans voix à plus d'une reprise, derrière la puissance béatifiante de son 70mm en timelapse, derrière la musique au ton panthéiste de Michael Stearns. Qu'il y a-t-il de plus à dire ? Les images, bien que dénuées de voix, parlent d'elles-mêmes.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=28730">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-HM7WwlEY5Gc/Vp5iriG-LBI/AAAAAAAACAU/OrQ_vxPigxI/s1600/the-scalphunters-movie-poster-1968-1020233441.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-HM7WwlEY5Gc/Vp5iriG-LBI/AAAAAAAACAU/OrQ_vxPigxI/s200/the-scalphunters-movie-poster-1968-1020233441.jpg" width="131" /></a></div>
<u><b><i>Les Chasseurs de scalp</i>, de Sidney Pollack (1968)</b></u><br />
<br />
Pour être honnête, j'attendais peut-être davantage des <i><b>Chasseurs de scalp</b></i>, dans un premier temps parce que je ne me remettrai jamais de la claque de Pollack après <b><i>Jeremiah Johnson</i></b>, et dans un second temps parce que Burt Lancaster. Western oscillant entre un ton léger et plus sérieux, mettant en scène les périples du (toujours) viril Lancaster face à la bande dégénérée de Telly Savalas, avec au beau milieu Ossie Davis, on pourrait presque croire qu'il ne sait sur quel pied danser. Une conversation, impensable aujourd'hui, entre le héros et son imprévu acolyte, voit le racisme et la hiérarchie sociale de l'Ouest être brutalement remis en perspective. Quel dialogue ! En parallèle, Shelley Winters vient curieusement alléger l'ensemble dans ses divers apartés ponctuant le film. Bien étrange sentiment, finalement, jusqu'à une conclusion relativement imprévisible, dénouant adroitement la situation. Avec un peu de recul, cela aurait presque pu être un scénario pour Robert Aldrich. Intéressant tout de même, cela va de soi.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=11723">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-DDZB7t8OC4w/Vp5jDkI0A2I/AAAAAAAACAc/tXNuDRd1r7E/s1600/B1990.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-DDZB7t8OC4w/Vp5jDkI0A2I/AAAAAAAACAc/tXNuDRd1r7E/s200/B1990.jpg" width="123" /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<u><b><i>Trois sublimes canailles</i>, de John Ford (1926)</b></u></div>
<br />
Somptueux western muet fordien, à la fois intime et touchant par ses très beaux personnages, et épique par l'envergure de son contexte (la ruée vers l'or), <i><b>Trois sublimes canailles</b></i> explore pleinement la mythologie du genre. Défait des dialogues intrusifs (malgré les intertitres, évidemment), il repose pleinement sur l'incroyable sens de la mise en scène de John Ford. Et non seulement il est un grand créateur visuel dans la description de ses inégalables paysages qui auront, pendant des décennies, forgé l'identité du genre, mais plus encore, ces plans rapprochés sur les personnages, que sont-ils splendides ! L'Ouest respire vraiment à la vue du film. Et cette séquence de départ pour la ruée est à couper le souffle, tant la dimension du réel est palpable. Après tout, John Ford ne l'a filmée que quelques décennies après l'évènement, avec l'aide de quelques vétérans... C'est quelque chose. Le chapitre de conclusion est quant à lui génial : violent, puissant... et beau, toujours.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=15676"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=15676">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-67xM8GfQauk/Vp5jkT4cVoI/AAAAAAAACAk/rWjElMHOEkg/s1600/MPW-53359.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-67xM8GfQauk/Vp5jkT4cVoI/AAAAAAAACAk/rWjElMHOEkg/s200/MPW-53359.jpg" width="134" /></a></div>
<u><b><i>Au-delà de nos rêves</i>, de Vincent Ward (1998)</b></u><br />
<br />
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
C'est incroyable à quel point <i><b>Au-delà de nos rêve</b></i>s prend une autre dimension après la soudaine et inattendue disparition de Robin Williams. En quelques minutes, le film installe déjà un mélodrame simple, mais bien émouvant. Lorsqu'il entame son chapitre éminemment plus graphique dans le fantastique monde des trépassés, le film gagne une originalité qui fait toute sa force. Et malgré toute son envergure visuelle, il ne sacrifie jamais la candeur et la simplicité transmises par le personnage de Robin Williams. Le travail de production design est à tomber par terre, encore davantage dans le passage nous entraînant vers la porte des Enfers, guidés par le magnétique et éternel Max Von Sydow. La naïveté de l'histoire d'amour pourrait être la faiblesse du film, mais encore une fois, elle est traitée avec une simplicité si totale, malgré tous les effets, que c'est aussi sa force. Peut-être parce qu'après tout, encore, Williams fait toute la différence. C'est aussi l'occasion de s'imaginer ce que le montage aurait donné si le splendide partition d'Ennio Morricone avait été conservée. Mais n'allons pas nous plaindre de retrouver Michael Kamen, après tout. Un beau film malheureusement oublié.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=14022">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-OMP9y6PzRws/Vp5j5aucyqI/AAAAAAAACAs/bDQjI1ZMF4M/s1600/1-Dr-No.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-OMP9y6PzRws/Vp5j5aucyqI/AAAAAAAACAs/bDQjI1ZMF4M/s200/1-Dr-No.jpg" width="126" /></a><u><b><i>James Bond contre le Dr. No</i>, de Terence Young (1962)</b></u></div>
<br />
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
La sortie récente de <i><b>Spectre</b></i> était l'occasion idéale pour se replonger dans cinquante ans de smoking, martinis au shaker et non à la cuillère, gadgets en tous genres et vilains très vilains. Revoir <i><b>James Bond contre le Dr. No</b></i>, inévitablement, c'est être (avec bienveillance) amusé par l'évolution de la saga d'Eon Productions sur certains points et non sur d'autres. Dans le premier volet, la formule n'est encore pas tout à fait établie, forcément, et le film se cherche encore un peu. Mais de la sorte, il a réellement sa fraîcheur, plus orienté sur l'espionnage que sur l'action, largement capable d'être excellent dans ses scènes de tension. Et puis, après tout, c'est Sean Connery. Sa première apparition est un modèle d'iconisation au cinéma, à se repasser comme la première fois que l'on voit John Wayne dans <i><b>La Chevauchée fantastique</b></i>. Et c'est là qu'on se dit <i>"ça, c'est un héros !"</i>, de manière à ce que cela rime avec <i>"ça, c'est du cinéma"</i>. C'est aussi Ursula Andress, qui, malgré un rôle aussi fin que son bikini, dégage une sensualité toujours renversante qui tient tout le film à partir de son arrivée. Avec du recul, il y a sans doute de quoi être un peu exaspéré par les nombreuses incursions de la musique désormais culte de Monty Norman, souvent étalée au montage pour meubler une séquence, mais qu'importe... C'était déjà un solide film que posait Terence Young.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2018">Fiche Cinelounge</a><br />
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<u><b></b></u><br />
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-L3nO4vzaHuQ/Vp5kI4kzgKI/AAAAAAAACA0/zaumw8nrEh0/s1600/mpavalkyrieposterb.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-L3nO4vzaHuQ/Vp5kI4kzgKI/AAAAAAAACA0/zaumw8nrEh0/s200/mpavalkyrieposterb.jpg" width="127" /></a><u><b><i>Walkyrie</i>, de Bryan Singer (2008)</b></u><br />
<br />
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
Habile cinéaste de la tension, Bryan Singer ne pouvait que réussir son film sur le complot du 20 juillet. D'une part, parce qu'il renouvelle sa collaboration avec Christopher McQuarrie, assez fin scénariste, et d'autre part, parce qu'il propose à Tom Cruise un des rôles les plus marquants d'une élégante carrière, arrivant à point nommé lors des difficultés qu'on lui a connues. De facture classique, car savamment orchestré, brillamment éclairé et réalisé, <i><b>Walkyrie</b></i> est aussi davantage que cela, davantage qu'un exercice de style historique. A l'ère contemporaine du terrorisme globalisé, il s'interroge subtilement sur la valeur de l'acte d'attentat. Car, que n'est d'autre que le colonel Stauffenberg, aux yeux du Reich, si ce n'est un terroriste ? Les enjeux sont passionnants. Et plus encore : le suspens est magistral, à faire douter quant à la conclusion, royale, que mène Singer avec l'aide de la meilleure composition de John Ottman.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2125">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-ZiMAhLnlJcY/Vp5kd2KkqDI/AAAAAAAACA8/lva_O8Bn3fU/s1600/La_Cite_de_la_peur.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-ZiMAhLnlJcY/Vp5kd2KkqDI/AAAAAAAACA8/lva_O8Bn3fU/s200/La_Cite_de_la_peur.jpg" width="146" /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<u><b><i>La Cité de la peur,</i> d'Alain Berbérian (1994)</b></u></div>
<i><br /></i>
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
Ne nous mentons pas davantage, je connais par cœur chaque réplique et chaque scène de <b><i>La Cité de la peur</i></b>, sans doute même à la seconde près. Le voir et le revoir, c'est certes un constant plaisir, mais c'est aussi une manière de constater l’ingéniosité totale du scénario, dont la richesse des dialogues et des situations ne s'effrite jamais. A plus d'un gag par minute, le film ne prend pas la peine de s'arrêter ou de marquer une pause. C'est un brillant non-stop, assumant pleinement son too-much et étant même capable d'en jouer dans un discours méta-cinéphilique. L'atemporalité de son humour relève tout le travail nécessaire à la comédie, faisant trop souvent défaut aujourd'hui. On en a pourtant plein de nos jours, partout à la télévision et au cinéma, mais non, ces Nuls-là nous manquent. Un film qu'il est bien pour le voir.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=155">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-gT9O6eTl8y8/Vp5kw0ECSBI/AAAAAAAACBE/sdEJcuqnPYM/s1600/1434333659245.jpeg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-gT9O6eTl8y8/Vp5kw0ECSBI/AAAAAAAACBE/sdEJcuqnPYM/s200/1434333659245.jpeg" width="133" /></a></div>
<u><b><i>Bons Baisers de Russie</i>, de Terence Young (1963)</b></u><br />
<br />
Revisionnage.<br />
<br />
S'inscrivant encore davantage dans le registre de l'espionnage (cher à Terence Young, il faut absolument voir <b><i>Triple Cross / La Fantastique histoire vraie d'Eddie Chapman</i></b>), <b><i>Bons Baisers de Russie</i></b> a tout du film efficace permettant la pérennité de la franchise qu'il installe. Peut-être plus sobre que son prédécesseur, sans l'exotisme de ses îles ou les fantaisies de son diabolique méchant, il est de la sorte plus moderne. Et c'est aussi celui qui voit naître Q ainsi que l'arrivée de John Barry à la musique (ayant préalablement légèrement collaboré au premier), autant de paramètres posant des piliers majeurs pour la série. La photographie, soutenue par la précise mise en scène, est splendide. Enfin, c'est aussi ce génial combat final dans le train, à la fois épique comme anti-spectaculaire par son environnement, confrontant Sean Connery à l'imposant Robert Shaw, et d'ailleurs un peu platement repris dans <i><b>Spectre</b></i>.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1272">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-GyoUgqgM_V0/Vp5lGHysfBI/AAAAAAAACBM/I6SL3b_AVB4/s1600/Dirty_Outlaws_%25281967%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-GyoUgqgM_V0/Vp5lGHysfBI/AAAAAAAACBM/I6SL3b_AVB4/s200/Dirty_Outlaws_%25281967%2529.jpg" width="131" /></a><u><b><i>Le Massacre et le sang</i>, de Franco Rossetti (1967)</b></u></div>
<br />
Somme toute un western spaghetti très classique, <i><b>Le Massacre et le sang</b></i><b><i> </i></b>est surtout à réserver aux amateurs aimant retrouver le cahier des charges classique, pour ne pas dire inhérent au genre. On retrouve donc, dès l'introduction, l'inévitable humiliation du héros. Une deuxième fois, même, plus tard dans le récit. C'est dire si notre héros a des comptes à régler. L'intrigue est traditionnelle : un gang, une ville abandonnée, un trésor à récupérer, avec entre temps une bagarre dans un bar (bien sympathique il faut dire), une romance avec une belle brune italienne évidemment très cardinalesque et enfin le duel final. Rien de neuf sous le soleil mais il fait partie de ces petits westerns sympathiques, sans doute peu mémorables, mais possédant l'essentiel pour faire passer un bon moment à quiconque en quête d'exploration du célèbre courant.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=51636">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-F2mESqhwm0c/Vp5lvqaC48I/AAAAAAAACBU/ezi7yDeXaSw/s1600/tumblr_nziclvJlFl1tgh17uo7_1280.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-F2mESqhwm0c/Vp5lvqaC48I/AAAAAAAACBU/ezi7yDeXaSw/s200/tumblr_nziclvJlFl1tgh17uo7_1280.jpg" width="148" /></a></div>
<u><b><i>Goldfinger</i>, de Guy Hamilton (1964)</b></u><br />
<br />
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
Avec peu d'hésitations, <b><i>Goldfinger</i></b> est un de mes volets favoris, si ce n'est mon préféré des aventures de double-zéro sept. L'arrivée de Guy Hamilton marque une orientation différente, davantage dans l'action que dans l'espionnage des précédents volets. La formule que l'on connaîtra par la suite s'installe donc définitement. Mais quelle maîtrise, quelle classe ! Le scénario est très savamment écrit, car c'est avant tout un scénario de brillants personnages. En prenant le temps d'installer le fabuleux et diabolique Auric Goldfinger, le film garantit son constant succès et peut alors se reposer dessus, comme dans la fameuse séquence du laser, encore tout en tension et terriblement prenante. Sean Connery, à l'apogée de son charisme, confronte Honor Blackman dans une très ambigüe scène d'amour forcé : tout Bond est désormais là. Quant au reste, c'est la partition à tomber à la renverse de John Barry comme la chanson de Shirley Bassey, hypnotique sur les folles images du générique, qui n'est, ceci dit, pas signé par Maurice Binder. Un Bond éternel.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2019">Fiche Cinelounge</a><br />
<br /></div>
Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6423083980187720142.post-88313590999903919812015-12-03T22:33:00.003+01:002015-12-03T22:45:35.298+01:00[Avis en vrac] Vus et revus en 2015 #8<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-E9Fy74Bo-kU/VmC3MEPWk5I/AAAAAAAAB6E/dVY6Stk8a8Q/s1600/knight%2Bof.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="226" src="http://1.bp.blogspot.com/-E9Fy74Bo-kU/VmC3MEPWk5I/AAAAAAAAB6E/dVY6Stk8a8Q/s320/knight%2Bof.jpg" width="540" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Knight of Cups</b></i>, de Terrence Malick (2015)</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<span style="font-size: large;"><u><b>AU CINÉMA - ACTUALITÉS</b></u></span><br />
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<br />
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-x3SwV7FzPfE/VmB0x0CokZI/AAAAAAAAB5E/nRdpNCqo8tk/s1600/bridge.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-x3SwV7FzPfE/VmB0x0CokZI/AAAAAAAAB5E/nRdpNCqo8tk/s200/bridge.jpg" width="134" /></a><u><b><i>Le Pont des espions</i>, de Steven Spielberg (2015)</b></u><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Dans l'ultime virage de sa carrière, Steven Spielberg revient à ses sources, aux influences les plus naturelles du grand cinéaste américain qu'il est. Après des détours chez John Frankenheimer dans <i><b>Munich</b></i>, John Ford dans <i><b>Lincoln</b></i> et <i><b>Cheval de Guerre</b></i>, Blake Edwards dans <b>Les Aventures de Tintin</b>, son <i><b>Pont des espions</b></i> apparaît non seulement comme une synthèse, mais également une solide relecture de l'influence de Frank Capra. Dans un film disséquant de nouveau les valeurs fondatrices de l'Amérique, dans lesquelles Spielberg (à l'instar de son mentor) croit fermement, avec un naïf mais beau patriotisme reflété par Donovan, le personnage de Tom Hanks (qui évoque, quelque part, James Stewart), se dessine un fond politique d'autant plus d'actualité. Sur le Droit de chacun, évidemment, mais aussi sur l'engagement dans lesdites valeurs, qu'elles soient celles de l'Occident ou celles des Soviets, ou peut-être d'autres, qui nous sont plus contemporaines. C'est un film extrêmement fin et avant tout mué par quelque chose de très personnel, un sentiment de vécu de la part de Spielberg. Il traduit l'ambiance dans laquelle il a grandi, jusqu'à même y injecter ses propres souvenirs (le gamin qui remplit la baignoire en prévision du conflit nucléaire). Et dans le climat de paranoïa ambiante qu'il décrit (à ce propos, incroyable acte d'ouverture, donnant tout de suite le ton), il parvient à ne pas perdre de vue ses idéaux humanistes et optimistes. En cela, Spielberg est encore l'un des cinéastes américains les plus précieux qui soit, et les plus nécessaires à l'heure actuelle. Évidemment, il faut saluer le scénario de Matt Charman revu par les frères Coen. C'est aussi l'occasion de retrouver tous les fidèles et géniaux collaborateurs de Spielberg que l'on aime, l'incroyable Janusz Kaminski qui fait encore des miracles ici dans une photographie aux teintes finalement très variées, ou encore Michael Khan qui livre un de ses meilleurs montages, notamment pour de géniaux raccords entre certaines séquences. Le grand absent demeure évidemment John Williams, la succession par Thomas Newman ne se faisant point sans mal. Mais il n'en reste pas moins un grand Spielberg, brillant, lumineux, droit et engagé, fidèle à l'auteur que l'on aime depuis bien longtemps et que l'on est heureux de voir revenir avec plein de projets. Vivement <i><b>Le Bon Gros géant</b></i> !</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=54405">Fiche Cinelounge</a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-YPG03HqVHBU/Vlo_PyL38oI/AAAAAAAAB2U/A3jAiCFJIuQ/s1600/cowboys.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-YPG03HqVHBU/Vlo_PyL38oI/AAAAAAAAB2U/A3jAiCFJIuQ/s200/cowboys.jpg" width="146" /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<u><b><i>Les Cowboys</i>, de Thomas Bidegain (2015)</b></u></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
On pourrait croire que <i><b>Les Cowboys</b></i>,
premier film de Thomas Bidegain, scénariste d'Audiard, ne paie pas de
mine, et pourtant le coup de maître n'est pas forcément bien loin.
Incroyable scénario, évidemment, à l'évolution ambitieuse et inattendue
derrière ses airs de remake modernisé de <i><b>La Prisonnière du Désert</b></i>.
Pour des raisons hélas plutôt évidentes, c'est un film brûlant
d'actualité, mais néanmoins sobre, pudique, bien amené. Aussi parce que
la caméra de Bidegain sait quoi montrer et comment le montrer. C'est
peut-être un film très ambitieux, mais il a aussi la sagesse d'avoir une
certaine douceur, une tendresse vis-à-vis de son sujet. Pas de
jugement, pas de démonstratif... L'histoire forte épouse ces belles
images. François Damiens parvient à se réinventer sans trop en faire,
sans que le jeu soit appuyé, même si, progressivement, le film confie la
vedette à l'épatant Finnegan Oldfield. Bref, un film qui a tout compris
(d'ailleurs produit, entre autre, par les Dardenne) et qui complète un
arc de modestes (voire premiers) films français sortis en 2015, mais
incroyables dans leur envie de proposer quelque chose de fort.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=59394">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<br /></div>
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-qHAppJTEk6A/Vlxuud0jdJI/AAAAAAAAB3g/YUpDkT-Sxnc/s1600/knight%2Bof%2Bcups.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-qHAppJTEk6A/Vlxuud0jdJI/AAAAAAAAB3g/YUpDkT-Sxnc/s200/knight%2Bof%2Bcups.jpg" /></a><u><b>K<i>night of Cups</i>, de Terrence Malick (2015)</b></u><br />
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Si la radicalisation entreprise par Terrence Malick depuis <b><i>Le Nouveau Monde</i></b> (et plus encore depuis <i><b>Tree of Life</b></i>)
ne fait pas l'unanimité, elle me parle. Faisant partie de la poignée de
personnes ayant apprécié <i><b>A La Merveille</b></i>, je ne pouvais qu'attendre son
prochain. Et <i><b>Knight of Cups</b></i> me ravit. C'est un Malick à la
fois complet et complémentaire, qui explore des errances que certes
l'on connaît chez le réalisateur, mais ici captées depuis le prisme
d'une vie citadine incroyable. Grand faiseur d'images devant l'éternel,
Malick renoue encore avec une expérience visuelle et sensorielle. Les
fulgurances formelles sont une fois de plus incroyables : la
collaboration entre Malick et Emmanuel Lubezki n'a plus rien à prouver.
Certaines images fortes sont, comme à l'accoutumée, chargées
d'influence. Voir Rick (Christian Bale) errer seul au milieu des
immenses studios hollywoodiens rappelle l'errance mélancolique du <i><b>Dernier Nabab</b></i>
au milieu de ces mêmes studios. Ailleurs, des images captées du monde
moderne évoquent Ron Fricke. C'est un film à vivre, pour ne pas changer.
Et tant mieux. Tant mieux d'ailleurs qu'il déplaise à tant de monde,
tant mieux qu'il affirme le cinéaste si singulier que Malick demeure. Il
complète ici habilement un arc personnel (et entrepris depuis toujours)
sur l'Amérique, le besoin relationnel, l'acte de création, la
frustration, la mélancolie. C'est peut-être un grand film mélancolique.
Mention spéciale aux magnifiques apparitions de Brian Dennehy, figure
paternelle dont seule l'imposante image suffit. Terrence Malick aime ce
qu'il filme. Et cela se voit, car c'est beau, malgré toute cette tristesse intime, tout ce vide.</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=23616"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=23616">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-zrQEs0yDeL0/Vl3Soz2SY0I/AAAAAAAAB4M/fTZcdaZMkNo/s1600/hermine.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-zrQEs0yDeL0/Vl3Soz2SY0I/AAAAAAAAB4M/fTZcdaZMkNo/s200/hermine.jpg" /></a><u><b><i>L'Hermine</i>, de Christian Vincent (2015)</b></u></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
J'ai un immense faible pour les films traitant du domaine judiciaire, plus particulièrement ceux qui mettent en scène des procès, car c'est bel et bien le lieu absolu des joutes oratoires. Non seulement, <b><i>L'Hermine</i></b> l'exploite parfaitement bien, mais plus encore, car la simple dimension humaine qu'il rajoute fait complètement mouche. Évidemment, c'est un rôle taillé sur mesure pour un Luchini qui, certes génial, ne surprend pas (on a même le droit à la traditionnelle citation lyrique), mais après tout, va-t-on s'en plaindre ? C'est aussi Sidse Babett Knudsen qui charme totalement, dont le visage à lui-seul justifie le faible du personnage de Luchini. A ce propos, la fille de cette dernière se fend d'une réflexion innocente mais bien vue par rapport au film, dans une comparaison avec la scène théâtrale. Et dans tout ce que met en scène (plutôt habilement, bien que très sobrement) Christian Vincent, c'est exactement cela, évidemment par tous ces dialogues plus ou moins déclamés ou marmonnés, mais aussi par le rituel qu'il y a autour de la Cour. Dommage, peut-être, que ladite sobriété soit pas trahie par quelques élans musicaux un brin clipesques. Cela dit, rien qui n'entache outre-mesure ce film finalement très simple, intéressant regard sur les arcanes de cette justice du quotidien.<br />
<br />
<span class="st"><a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=63808">Fiche Cinelounge</a></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-RVdkxXJfGA8/Vlo_pEVYyvI/AAAAAAAAB2c/mdLjR3BQVoQ/s1600/spectre.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-RVdkxXJfGA8/Vlo_pEVYyvI/AAAAAAAAB2c/mdLjR3BQVoQ/s200/spectre.jpg" /></a><u><b><i>Spectre</i>, de Sam Mendes (2015)</b></u><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Quel 007 glouton ! Prisonnier de l'immense réussite qu'est <i><b>Skyfall</b></i>,
Sam Mendes tient ici à faire absolument tout en "plus". Plus grand,
plus long... mais aussi plus classique. Mais dans sa démarche, il perd
l'homogénéité de son film. <i><b>Spectre</b></i> va dans tous les sens.
S'offrant la séquence d'introduction peut-être la plus brillante de la
saga, il parvient tout de même à l'étirer bien trop dans un combat
aérien qui n'en finit pas. Pas la peine de revenir sur le générique,
presque unanimement critiqué (notamment la terrible chanson de Sam
Smith), et à juste titre. L'intrigue, fourre-tout bondien, recycle une
recette trop classique qui sied bien mal à l'ère Daniel Craig. Entassant
ad nauseam les références parfois plus ou moins discrètes (la base dans
un cratère tirée d'<i><b>On ne vit que deux fois</b></i>, la clinique au sommet d'une montagne venant d'<i><b>Au Service secret de sa Majesté</b></i>),
parfois plus ou moins écœurantes (le félin de Blofeld), Mendes
s'engouffre dans une apologie de la nostalgie qu'il avait su justement
plutôt éviter dans le précédent volet, largement plus orienté vers sa
déconstruction (parfois littérale, la DB5 détruite). Le développement
des évènements va dans trop de directions et accumule des facilités et
surtout connexions plus que douteuses et finalement très décevantes. De
nombreux défauts qui ne font que résulter de l'exigence que Mendes
lui-même avait insufflé. Il n'y déroge pas totalement, cela dit, puisque
son dernier film conserve une certaine qualité largement supérieure à
la norme et contient même quelques beaux morceaux de bravoure. Dommage
qu'il faille composer sur une base aussi légère, et sur des choix aussi
discutables. Même Christoph Waltz, en roue libre, recyclant son numéro
de vilain, convainc à moitié.</div>
<a href="mailto:http://www.cinelounge.org/?page=film&num=49931"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=49931">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-PziiI0PayfQ/VlpAGr_ENmI/AAAAAAAAB2k/Szbo0u7mfD8/s1600/dino.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-PziiI0PayfQ/VlpAGr_ENmI/AAAAAAAAB2k/Szbo0u7mfD8/s200/dino.jpg" width="135" /></a><u><b><i>Le Voyage d'Arlo</i>, de Peter Sohn (2015)</b></u></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Bien des années maintenant que Pixar est en dramatique perte de vitesse. Si l'imparfait mais bien intentionné<i><b> Vice-Versa</b></i> pouvait éventuellement laisser le doute quant à un éventuel retour à la gloire du studio, <i><b>Le Voyage d'Arlo</b></i> confirme finalement bel et bien son errance dans les abîmes du manque d'originalité. Le film a d<u><b>'</b></u>énormes
problèmes de scénario, car il recycle un périple initiatique déjà
maintes fois revus et n'y ajoute rien d'original, pas même un regard
neuf sur un schéma déjà très éculé. Le film met en place une vague
mythologie du western qui n'est pas déplaisante dans un premier temps :
les colons, créer sa terre, son chez-soi, sa famille. Hélas, il faut
tout de même qu'elle soit soulignée à l'excès, entre cette musique (très
peu inspirée) repompant les mélodies typiques des films de la conquête
de l'Ouest et cette histoire de troupeau de bisons. Mais surtout, le
plus dommageable demeurent les dialogues, pauvres, qui alourdissent
terriblement le film. Pixar passe à côté de l'opportunité de faire un
film muet ou presque, comme ils l'avaient fait autrefois dans tout le
premier acte du génial <i><b>Wall-E</b></i>. Perçu comme cela, leur nouvelle production aurait pu être, quelque part, un génial remake de <i><b>L'Ours</b></i>.
Mais il aurait fallu s'embarquer d'une subtilité et d'un esprit qui lui
fait relativement défaut. Il y a encore quelques séquences pas
forcément trop mal fichues qui arrivent à en faire un film d'animation
tout juste correct, mais systématiquement on en revient à une déception.
Sauf sur le plan technique, imparable dans sa description de paysages
et textures photoréalistes. Mais tout cela pour pas grand chose, hélas.</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=58574"><br /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=58574">Fiche Cinelounge</a></div>
<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-0Hu1eo3sWDA/VkunTHlYDYI/AAAAAAAABwo/zwmivM5v3Qo/s1600/avril.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-0Hu1eo3sWDA/VkunTHlYDYI/AAAAAAAABwo/zwmivM5v3Qo/s200/avril.jpg" width="147" /></a><u><b><i>Avril et le monde truqué</i>, de Christian Desmares et Franck Ekinci (2015)</b></u></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Quelle déception... Pourtant je place toujours de fermes espoirs dans l'animation française, et évidemment un projet comme <i><b>Avril et le monde truqué</b></i>
avait de quoi susciter un certain enthousiasme de ma part. Mais ici, le
pétard mouillé était peut-être un brin prévisible : le pitch et
l'univers étaient trop séduisants pour que le film ne s'y perde pas. Car
c'est exactement cela : on découvre non sans plaisir l'atypique monde
de cette uchronie steampunk (genre et style toujours sous-exploités au
cinéma) dans un premier tiers, avant que le déroulement de l'intrigue,
trop convenu, ne bouffe notre enthousiasme. Le dernier acte,
profondément raté, se traduit en une révélation peu convaincante, aux
choix artistiques plutôt inexplicables. Pourtant, d'une certaine
manière, le film ne manque pas de richesses, et il a toute la bonne
volonté du monde... Mais la mayonnaise ne prend pas, à l'instar de ce
casting vocal, où les acteurs de talent ne font pas défaut (Cotillard,
Rochefort, Gourmet...), sans que cela ne fonctionne réellement. Une
tentative qui rappelle au passage <b><i>Renaissance</i></b> de Christian Volkman, s'amusant lui aussi à remodeler Paris à travers un élégant futurisme.</div>
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=61236">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<br />
<div style="text-align: right;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-FHiszFcFL-Q/VkufDEmHajI/AAAAAAAABwE/GBzaE4mt3NI/s1600/marguerite.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-FHiszFcFL-Q/VkufDEmHajI/AAAAAAAABwE/GBzaE4mt3NI/s200/marguerite.jpg" width="143" /></a><u><b><i>Marguerite</i>, de Xavier Giannoli (2015)</b></u></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Je ne saisis pas tout le patin-couffin effectué autour de <i><b>Marguerite</b></i>.
Certes, c'est propre, certes, il y a une vague ambition muée par de
gros moyens, certes, c'est un sujet qui n'est pas nécessairement
inintéressant dans le fond. Mais encore faut-il en faire quelque chose.
Ici, c'est bien trop superficiel pour être réellement intéressant. Le
personnage de cette cantatrice décalée n'a que trop peu d'intérêt en
l'état pour construire le film à ce point-là autour d'elle, surtout
quand une galerie de personnages secondaires significativement plus
intéressants (et mieux interprétés) l'entoure. Giannoli s'embourbe dans
son décorum des années folles françaises, sans toutefois que la
transposition du contexte serve réellement son récit (l'art anarchiste,
finalement relégué en toile de fond puis ignoré). Ajoutez à cela une
photographie que l'on concèdera travaillée, mais trop ancrée dans les
standards publicitaires du luxe, pour un résultat bien trop limité et
vain. Il demeure toutefois une poignée de bonnes idées de la part de
Giannoli pour ne pas rendre son film insupportable, mais pourra-t-on en
dire autant vis-à-vis de son protagoniste principal ?</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=57459">Fiche Cinelounge</a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><u><b>AU CINÉMA - RESSORTIES</b></u></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<u><b><br /></b></u>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-DOBGo68H918/VmCsRJege2I/AAAAAAAAB50/kEd_aas9HPY/s1600/top%2Bgun.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-DOBGo68H918/VmCsRJege2I/AAAAAAAAB50/kEd_aas9HPY/s200/top%2Bgun.jpg" width="141" /></a></div>
<u><b><i>Top Gun</i>, de Tony Scott (1986)</b></u><br />
<br />
<i>Revisionnage, version 3D.</i><br />
<br />
Vous sentez ce doux parfum ? Oui, c’est le kérosène. Mais c’est
aussi la sueur, celle si particulière des années 80. C’est aussi celle
d’un spectateur qui a encaissé un sacré ride. Figure de proue
archétypale du blockbuster, <i><b>Top Gun</b></i> a tranquillement traversé trois
décades de cinéma en post-combustion pour aujourd’hui apparaître en
relief dans une conversion stéréoscopique entamée par feu Tony Scott,
peu avant son décès. L’occasion de se repencher sur un phénomène
hollywoodien à propos duquel on lit tout et n’importe quoi, au sein
d’une filmographie à propos de laquelle on lit tout et n’importe quoi.<br />
<br />
Critique à lire sur Filmosphere.com :<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/top-gun-tony-scott-1986">http://www.filmosphere.com/movies/top-gun-tony-scott-1986</a><br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2073">Fiche Cinelounge</a> <br />
<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: right;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-FMDZIxQY0Aw/VlpBZ5zxktI/AAAAAAAAB2w/-HUstlnH3-c/s1600/le%2Bmagnifique.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-FMDZIxQY0Aw/VlpBZ5zxktI/AAAAAAAAB2w/-HUstlnH3-c/s200/le%2Bmagnifique.jpg" width="150" /></a><b><u><i>Le Magnifique</i>, de Philippe de Broca (1973)</u></b></div>
<br />
Formidable ! C'est fascinant de redécouvrir de Broca en réel pilier de l'aventure, lui qui anticipait Indy dans <i><b>L'Homme de Rio</b></i>, et qui ici, dévoile d'une certaine manière la matrice de films comme <i><b>Last Action Hero</b></i>. Alors certes, quelque part, <b><i>Le Magnifique</i></b>,
c'est un "Bebel show" en roue libre. Mais quel cinéphile y serait
insensible ? Car Belmondo est un acteur formidable, généreux, unique.
Enfin, Belmondo est à l'image de ce film comme le film lui-même est à
l'image de son génial interprète. Inventif du début à la fin, c'est un
festin d'humour, d'action, d'érotisme... enfin, de pur cinéma, en somme.
De Broca s'amuse avec les formes permises par l’excentrique cinéma des
années 70. Car même en finissant par parodier tout le monde, de 007 à
Sam Peckinpah, De Broca parvient constamment à se ré-inventer.
Enthousiasmant comme pas permis, c'est un film qui donne le sourire tout
le long, en se payant même le luxe de questionner la valeur du
divertissement populaire. Inimitable, intemporel, génial... et surtout,
ne nous mentons pas, hilarant.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=6898">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<br /></div>
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-0JaL2qAJpqw/Vkuk-aX69bI/AAAAAAAABwU/xaV80OXnpKg/s1600/happy%2Btogether.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-0JaL2qAJpqw/Vkuk-aX69bI/AAAAAAAABwU/xaV80OXnpKg/s200/happy%2Btogether.jpg" width="150" /></a> <u><b><i>Happy Together</i>, de Wong Kar-Wai (1997)</b></u><br />
<div style="text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>Revisionnage.</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
J'aime
profondément le cinéma sensoriel de Wong Kar-Wai, avec ces gros plans
ou ces mouvements de caméra exagérés où chaque couleur saturée traduit
une émotion, un ressenti. <i><b>Happy Together</b></i>, c'est l'auteur
hong-kongais au meilleur de sa forme. Peu de personnages, des enjeux
simples, mais tout est beau, tout est transcendé par la moindre idée qui
émane du scénario ou de la mise en scène. Alors, évidemment, c'est
aussi Tony Leung, sans qui tout l'esprit de Wong Kar-Wai n'aurait pas la
même allure. C'est un film qui va à deux cent à l'heure, sans pour
autant être éprouvant, sans être bâclé, sans être inachevé. Et malgré
tous les artifices employés par le metteur en scène, on en revient
quelque part à de l'émotion pure, car il fait exister ses personnages,
leurs relations, et les rend universels. Tout le final est une
conclusion incroyable. Bref, c'est (encore une fois) beau dans tous les
sens du terme. Que pourrais-je rajouter d'autre pour mieux résumer le
film ?</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=285">Fiche Cinelounge</a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<br />
<div style="text-align: right;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-PIaRQFhlLCY/VlpBnj435sI/AAAAAAAAB24/ekYiWiwj1-8/s1600/La_sir%25C3%25A8ne_du_Mississippi.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-PIaRQFhlLCY/VlpBnj435sI/AAAAAAAAB24/ekYiWiwj1-8/s200/La_sir%25C3%25A8ne_du_Mississippi.jpg" width="133" /></a><b><u><i>La Sirène du Mississipi</i>, de François Truffaut (1969)</u></b></div>
<i><br /></i>
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
Bien que <i><b>La Sirène du Mississipi</b></i>
ne soit pas un chef-d’œuvre dans la grande filmographie de François
Truffaut, il exploite habilement ce qui fait le charme du cinéaste : sa
capacité à mêler un cinéma jeune, beau, vrai aux codes plus classiques
du genre. Entre film d'amour et film de fugue criminelle, Truffaut
s'évertue à filmer ses beaux personnages entre la Réunion et la France
métropolitaine. Car oui, c'est peut-être là qu'il faut insister, sur ces
beaux personnages. Sur ce Belmondo, éternel, incroyable, romantique,
sur cette Deneuve, séductrice, fatale, mais aussi tellement aimante...
Truffaut y accomplit si bien ce qu'il entreprend qu'on lui
pardonne bien volontiers certaines longueurs excessives, un rythme
brinquebalant, ou la musique d'Antoine Duhamel, certes parfois très
belle, mais tout de même bien envahissante.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1951">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<br />
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-MN-pejEYCWk/VkumuEns6pI/AAAAAAAABwg/yw6dyiycadE/s1600/cendres.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-MN-pejEYCWk/VkumuEns6pI/AAAAAAAABwg/yw6dyiycadE/s200/cendres.jpg" width="152" /></a><u><b><i>Les Cendres du temps Redux</i>, de Wong Kar-Wai (1994/2008)</b></u><br />
<br />
Il va falloir que je sois très honnête : je n'ai rien compris aux <i><b>Cendres du temps</b></i>.
Pas faute d'apprécier vraiment le réalisateur et le genre, pourtant.
Mais j'ai été réellement perdu, dans cette intrigue très trouble aux
nombreux personnages qu'on peut éventuellement mélanger. Du coup j'ai
littéralement dû me contenter du trip visuel et sonore qu'est - pour ne
pas changer - ce film de Wong Kar-Wai. Aucun doute là-dessus : c'est un
film splendide à tomber à la renverse. Jusque dans ces combats, à la
fois spectaculaires par leur puissance, et anti-spectaculaire par la
réalisation qui ne cherche pas à les rendre lisibles mais sensoriel (malgré les
chorégraphies de Sammo Hung). Reste toute cette histoire
qui m'a plus ou moins échappé, et reste à savoir dans quelle mesure cela est
peut-être dû au montage <i>redux</i>. Cependant, un film avec deux Tony Leung, c'est quand même quelque chose. A redécouvrir un jour, sans doute. <br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=510">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<br />
<div style="text-align: right;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-8YV5kTC0H-Y/VkusKJpCqZI/AAAAAAAABw4/ATle26cO9Uo/s1600/jamaica.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-8YV5kTC0H-Y/VkusKJpCqZI/AAAAAAAABw4/ATle26cO9Uo/s200/jamaica.jpg" width="135" /></a><u><b><i>La Taverne de la Jamaïque</i>, d'Alfred Hitchcock (1939)</b></u></div>
<br />
Au risque de me faire fustiger : quel Hitchcock raté ! Laborieux et inintéressant, <i><b>La Taverne de la Jamaïque</b></i>
semble être le fruit d'un réalisateur peu concerné. Évidemment, cela
reste quand même un film d'Hitchcock, donc on trouvera une poignée de
plans et de séquences qui sont propres à son génie. Hélas, tout est
conditionné par ce scénario qui pourrait être génial, mais qui se sabote
par ses personnages fades et son déroulement très convenu. Maureen
O'Hara (d'ailleurs récemment disparue) semble être tantôt absente,
tantôt jouer très mal, alors qu'elle répond à Charles Laughton en roue
libre (pour le pire et pour le meilleur). Dans cette ambiance pour le
coup hautement théâtrale (ce qui a, si je ne m'abuse, hautement agacé
Hitchcock dans sa relation avec ses comédiens), rien ne fonctionne, tout
fait factice, et cette ambiance cataclysmique de tempête sur fond de
personnages malfaisants n'a rien à envier à celle de <i><b>Key Largo</b></i>. Bref, c'est sûrement ma plus grande déception de la part du gros Hitch.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=6928"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=6928">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<br />
<span style="font-size: large;"><u><b>EN VIDÉO</b></u></span><br />
<br />
<u><b><br /></b></u>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-2v4h_x7611o/VkuxbFGa3jI/AAAAAAAABxI/EOPHQFLbyv4/s1600/tarzan%2Bson.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-2v4h_x7611o/VkuxbFGa3jI/AAAAAAAABxI/EOPHQFLbyv4/s200/tarzan%2Bson.jpg" width="136" /></a></div>
<u><b><i>Tarzan trouve un fils</i>, de Richard Thorpe (1939)</b></u><br />
<br />
Tout est dans le titre. Peut-on faire plus programmatique que <i><b>Tarzan trouve un fils</b></i>
? On retrouve le costaud et viril Johnny Weissmuller dans cette
gentille aventure qui a l'avantage d'amener un nouveau personnage
récurrent, ledit fils, d'ailleurs prénommé <i>"Boy"</i>. Comme tout
gamin qui se respecte, Boy est évidemment la source de nombreux
problèmes, entre ceux qui veulent le ramener chez lui aux États-Unis, et
tout simplement le souk qu'il met dans la forêt, entre deux poursuites
avec les lions ou encore les vils et bellicistes autochtones, avant
d'appeler au secours son sauvage paternel. Maureen O'Sullivan, ayant
préalablement renoncé à l'érotisme (code Hays oblige) dans le précédent
opus, devient ici une gentille maman à l'américaine, dont la douceur n'a
d'égal que les pectoraux olympiques de l'homme-singe. Et quelque part,
ce ton désuet est toujours aussi charmant. Bref, même au milieu de la
jungle, on peut jouir d'une famille recomposée. Formidable !<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=9938">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<br />
<div style="text-align: right;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-wk1_54cM5Wg/Vk4T5GQLo7I/AAAAAAAABxY/kGlOdrXZMSQ/s1600/will%2Bpenny.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-wk1_54cM5Wg/Vk4T5GQLo7I/AAAAAAAABxY/kGlOdrXZMSQ/s200/will%2Bpenny.jpg" width="128" /></a><u><b><i>Will Penny, le solitaire</i>, de Tom Gries (1968)</b></u></div>
<br />
Lorsque <i><b>Will Penny </b></i>démarre,
il a tout pour me plaire. C'est un film qui étale doucement le quotidien du
cowboy : on a amené le troupeau d'un point à un autre, c'est le moment
de toucher la paye, de se dire à l'année prochaine, de savoir qui fait
quoi et qui va où pour continuer son chemin... Bref, de la vie au
western, ce qui est toujours plaisant. Le film s'oriente petit à petit
autour du beau personnage qu'incarne Charlton Heston, viril comme jamais
évidemment, mais finalement petit cowboy parmi tant d'autres qui
cherche sa place, qui cherche du boulot. Et dans ce quotidien, on a vite
fait de croiser de purs cinglés, les déviants de l'Ouest sauvage, comme
ici c'est le cas du génial Donald Pleasance. La vie se mue en survie,
l'hospitalité en résistance. Un film tout simple mais réussissant ce
qu'il entreprend, jusqu'à la toute fin, qui s'assume et va au bout des
choses.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=23216">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-YcJ7CLkALxA/Vk4Vubu-SII/AAAAAAAABxg/PLVT7ti4ACA/s1600/fureur.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-YcJ7CLkALxA/Vk4Vubu-SII/AAAAAAAABxg/PLVT7ti4ACA/s200/fureur.jpg" width="151" /></a></div>
<u><b><i>La Fureur des hommes</i>, d'Henry Hathaway (1958)</b></u><br />
<br />
Difficile
de faire plus efficace : on commence in media res, des hommes en
poursuivent un autre, le motif n'est donné qu'ensuite. S'inscrivant dans
ce qui pourrait quasiment être un sous-genre à part entière, le
western-survival, <i><b>La Fureur des hommes</b></i> relève d'autant
plus le grand talent (souvent oublié) d'Henry Hathaway. Car non
seulement c'est une histoire simple et géniale, diablement rythmée, mais
elle prend tout de même la peine de construire d'attachants personnages,
dont évidemment celui de la ravissante Diane Varsi, dont on tombe
amoureux à chaque apparition. Au beau milieu de cette quête insensée de
vengeance, le film ne manque pas de surprendre, notamment dans sa fin,
belle, qu'il fallait oser. En prime, un jeune Dennis Hopper, sadique bad-guy. Petite perle méconnue.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=47962"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=47962">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<br />
<div style="text-align: right;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-7kBk6ZSJzUo/Vk4XiQ0QYoI/AAAAAAAABxw/TLUcXGBADgg/s1600/tarzan.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-7kBk6ZSJzUo/Vk4XiQ0QYoI/AAAAAAAABxw/TLUcXGBADgg/s200/tarzan.jpg" width="130" /></a><u><b><i>Le Trésor de Tarzan</i>, de Richard Thorpe (1941)</b></u></div>
<br />
Il
faut avouer que l'on a vite fait de mélanger les opus plus mineurs de
la saga de Johnny Weissmuller. Tous les prétextes sont bons pour motiver
la venue de vils occidentaux dans la jungle sauvage. <i><b>Le Trésor de Tarzan</b></i>
prétexte inévitablement l'or, source universelle de toute les
convoitises, mais reprend une structure comparable à tous les autres.
Mais de la même manière qu'il s'aligne sur ses prédécesseurs, c'est un
film tout aussi sympathique, remplissant un cahier des charges certes
bien prévisible, mais finalement distrayant. Prétextant cependant une
production de deux ans (comme l'indique l'affiche) après le précédent
volet, on peut tout de même se demander en quoi cet opus est
spécialement original ou plus travaillé qu'un autre... Mais après tout,
on a eu ce que l'on venait chercher : Johnny Weissmuller qui nage et
fracasse des crocodiles.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=9937">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<u><b><br /></b></u>
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-Rr4iVW1KNcI/Vk4aeHDk6ZI/AAAAAAAAByA/UlsVFOHgnJE/s1600/john%2Bmccabe.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-Rr4iVW1KNcI/Vk4aeHDk6ZI/AAAAAAAAByA/UlsVFOHgnJE/s200/john%2Bmccabe.jpg" width="144" /></a><u><b><i>John McCabe</i>, de Robert Altman (1971)</b></u><br />
<br />
Attention
grand western ! Mais avec une configuration pareille (Altman, Beatty,
Christie, Leonard Cohen à la musique et Vilmos Zsigmond à la
photographie), comment faire autrement ? <i><b>John McCabe</b></i> est une ode à la
délicatesse mélancolique si typique de cette génération du Nouvel
Hollywood. C'est un western hivernal à la fois beau et sans vie.
Immédiatement, Warren Beatty en impose, car Altman, grand créateur de
personnages, sait le façonner, sait le filmer, derrière ses traits
d'entrepreneur charismatique mais un peu simple d'esprit. Tout est
triste à en mourir et pourtant on tombe amoureux de ce film. L'espoir y
est bien maigre. Les gens meurent pour un rien, tout le monde s'en fout,
comme le pauvre malheureux du pont. Le seul personnage sensé, ce serait
presque Julie Christie, si elle ne se noyait pas dans l'opium pour
oublier ce sordide monde. En somme, c'est encore un de ces films que
l'on regarde parce que l'on aime avoir le cafard, à l'image de
l'incroyable musique de Leonard Cohen, aux sons apaisants qui évoquent
la douceur d'un paradis perdu. Et quel final...<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=7126">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<br />
<div style="text-align: right;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-DLU-NKnIF7k/VlpB92M6VvI/AAAAAAAAB3A/Mt4USRPVNk8/s1600/shenandoah_xlg.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-DLU-NKnIF7k/VlpB92M6VvI/AAAAAAAAB3A/Mt4USRPVNk8/s200/shenandoah_xlg.jpg" width="129" /></a><u><b><i>Les Prairies de l'honneur</i>, d'Andrew V. McLaglen (1965)</b></u></div>
<br />
Intéressant
concept que de remettre en question l'engagement de l'américain moyen
pendant la guerre de Sécession. Cependant, le propos des <i><b>Prairies de
l'honneur</b></i> est un peu confus. Évidemment, si dans un premier temps, il
s'agit de sensibiliser une famille à la guerre qui les touche, la
deuxième partie évolue quasiment en apologie du bellicisme. D'une
certaine façon, je pensais que le personnage de James Stewart
(d'ailleurs un brin lourdingue, comme hélas il l'est régulièrement
devenu en vieillissant) conserverait un minimum sa neutralité, tout en
s'engageant dans le conflit pour retrouver son fils. L'écriture apparaît
finalement comme assez simpliste, ce qui est franchement dommageable
compte-tenu des enjeux initialement proposés. L'impersonnelle
réalisation de McLaglen a tout de même un classicisme qui fait figure
d'efficacité. Assez décevant, sans que ce soit nécessairement
surprenant.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=28393">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-ZdGRpky_Epg/VlpCJ7LRd8I/AAAAAAAAB3I/dVCSGiMaVWw/s1600/directed%2Bby.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-ZdGRpky_Epg/VlpCJ7LRd8I/AAAAAAAAB3I/dVCSGiMaVWw/s200/directed%2Bby.jpg" width="140" /></a></div>
<u><b><i>Directed by John Ford</i>, de Peter Bogdanovich (1971)</b></u><br />
<br />
Documentaire
résolument majeur pour tout cinéphile. En se penchant sur l'immense maître
hollywoodien, Bogdanovich fait le pont entre plusieurs générations de
cinéastes, qui se rejoignent tous sous le dôme de l'influence fordienne.
Synthétisant brillamment l'esprit du réalisateur, <b><i>Directed by John Ford</i></b>
offre surtout, à l'image de son sujet, une remarquable traversée de
l'Amérique dans le temps, et les (grands) espaces. Le documentaire
lui-même voyage d'ailleurs dans le temps grâce à sa <i>director's cut</i>,
combinant remarquablement les interviews d'époque (dont celle de Ford
lui-même, bonhomme d'ailleurs peu commode) et celles plus récentes,
explorant l'influence sans limites du cinéaste, à grands renforts de
Clint Eastwood et de Steven Spielberg. Plus important : Bogdanovich a su
conserver l'immense émotion qui transcende le cinéma fordien. D'un
extrait, il est encore capable de nous faire immédiatement pleurer.
Cette même émotion, d'ailleurs, autrefois bien gardée par John Ford, et
ici sublimement trahie par quelques mots d'amour secrètement dits à
Katharine Hepburn, que le documentaire dévoile. Grand réalisateur, grand documentaire, rien de plus à
ajouter.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=9820"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=9820">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<br />
<div style="text-align: right;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-9JELrmWXskA/VlpCrAyF7fI/AAAAAAAAB3Q/s_EM9rTTfQQ/s1600/le%2Bbon.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-9JELrmWXskA/VlpCrAyF7fI/AAAAAAAAB3Q/s_EM9rTTfQQ/s200/le%2Bbon.jpg" width="151" /></a><u><b><i>Le Bon et les Méchants</i>, de Claude Lelouch (1976)</b></u></div>
<br />
Naïvement,
j'ignorais Claude Lelouch capable d'un cinéma si amer, si politique.
Car derrière ses airs de ballade criminelle champêtre au milieu des
sots, <i><b>Le Bon et les Méchants</b></i> n'y va pas de main morte sur ce qu'il
raconte à propos de la France occupée. Lelouch se joue admirablement
bien des apparences. Et parlons des apparences, d'ailleurs, dans ce film
constitué notamment de longs-plans d'une virtuosité rarement égalée,
c'est là un travail d'orfèvre en terme de mise en scène. Et c'est un
travail qui fait surtout vivre son film, au gré de l'enthousiasme et de
la force de caractère de ses protagonistes principaux, les géniaux
Villeret et Dutronc. Le plus passionnant devient peut-être l’ambigu
Bruno Cremer, figure changeante s'acoquinant avec qui veut bien de ses
services, celui qui, à la prochaine révolution, retournera son pantalon, comme le chantait Jacques. La fin en devient presque traumatisante, dans un film qui
navigue entre le rire et l'effroi. C'est passionnant. Bref, une petite
merveille de plus dans le cinéma français des années soixante-dix.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=28348">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-Wkj3KgPC9OM/VlxzZ7vW1mI/AAAAAAAAB3s/QV36n9mdq1w/s1600/polter.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-Wkj3KgPC9OM/VlxzZ7vW1mI/AAAAAAAAB3s/QV36n9mdq1w/s200/polter.jpg" width="133" /></a></div>
<b><u><i>Poltergeist</i>, de Tobe Hooper (1982)</u></b><br />
<br />
Classique du genre, <i><b>Poltergeist</b></i> est pourtant un film quelque part très chimérique, à mi-chemin entre les élans purement horrifiques du réalisateur de <b><i>Massacre à la Tronçonneuse</i></b>,
et l'esprit de Steven Spielberg qui plane sur une production qu'il n'a
pu réaliser. Mais contrairement à certains, je trouve justement cet
imprévu mariage heureux, rendant le film quelque part plus riche et plus
surprenant que s'il n'était allé que dans une seule direction.
L'atmosphère à la fois violente et emprunte d'esprit familial est
passionnante. Encore une fois, l'horreur se tisse depuis la peur de la
destruction de la cellule familiale. Là sont les enjeux dramatiques les
plus forts, relevés par la solide et inspirée mise en scène comme par la
partition de Jerry Goldsmith. En somme, un film beaucoup plus subtil,
fin et beau que je ne le pensais, vestige d'une époque où ce genre
pouvait encore surprendre. Et pan.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=5882"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=5882">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-NwKaEfyWnME/Vl3OWoQ0peI/AAAAAAAAB4A/fXT3WNMCM5M/s1600/godfathers.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-NwKaEfyWnME/Vl3OWoQ0peI/AAAAAAAAB4A/fXT3WNMCM5M/s200/godfathers.jpg" width="135" /></a><u><b><i>Le Fils du désert</i>, de John Ford (1948)</b></u></div>
<br />
Certes du pur John Ford, <i><b>Le Fils du désert</b></i>
a tout de même quelque chose d'assez surprenant. Élevant la mythologie
du western à travers une sorte de parabole biblique, il exploite
davantage un esprit spirituel qui autrefois était plutôt présent en
arrière-plan chez Ford. Il offre aussi à John Wayne un somptueux rôle
l'invitant à faire émerger une nouvelle facette de son acting (comme dans ce
très beau moment d'errance solitaire dans le désert). Mieux, même, car
il s'équilibre avec le trio des protagonistes principaux, dans une amitié
très belle, parfois drôle (à mentionner la présence d'ailleurs d'Henry
Carey Jr., fils de l'égérie homonyme des westerns muets de John Ford,
auquel Wayne lui-même a beaucoup emprunté). Ce qui n'empêche pas non
plus le film d'être terre-à-terre voire même dur, mais Ford y fait
jaillir une noble émotion. En pardonnant une conclusion un brin expédiée
et convenue, on y trouve tout de même un western d'une grande richesse,
surprenant à plusieurs niveaux, et dont on ne se lassera jamais,
faut-il croire, de découvrir et redécouvrir ces plans de l'Ouest signé
par le maître américain.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=4048">Fiche Cinelounge</a><br />
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<u><b><br /></b></u>
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-_B7OiUCpM5o/Vl3mIkqnVTI/AAAAAAAAB4c/USxlbWMmUMg/s1600/tarzan%2BNY.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-_B7OiUCpM5o/Vl3mIkqnVTI/AAAAAAAAB4c/USxlbWMmUMg/s200/tarzan%2BNY.jpg" width="149" /></a></div>
<u><b><i>Les Aventures de Tarzan à New-York</i>, de Richard Thorpe (1942)</b></u><br />
<br />
Enfin un peu de neuf dans la saga ! Évidemment, introduire un élément sauvage dans le monde "civilisé" n'est pas le concept le plus neuf possible et quelque part, <i><b>Les Aventures de Tarzan à New-York</b></i> pourrait reprendre le chapitre final de <i><b>King Kong</b></i>, sorti une dizaine d'années plus tôt. Sous prétexte que Boy est enlevé (!) puis exploité dans un cirque (!!), l'homme-singe va donc vivre de nouvelles aventures dans la grosse pomme. Au programme : on monte sur des voitures, Cheetah met encore le souk, Tarzan découvre la douche et crie dessous, Jane n'a pas perdu ses bonnes manières d'occidentale... Bref, c'est plus rigolo qu'autre chose, mais du coup c'est aussi plus plaisant que les derniers épisodes un peu en demi-teinte. Je suis quand même déçu de ne pas avoir Tarzan hurler en haut de l'Empire State Building, même s'il trouve quand même moyen de faire du parkour avant l'heure entre deux immeubles. <br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=9936"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=9936">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-lMYEyTSj2DE/Vl3njO5_8zI/AAAAAAAAB4k/5jfvL06GvFg/s1600/tarzan%2Btriumpj.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-lMYEyTSj2DE/Vl3njO5_8zI/AAAAAAAAB4k/5jfvL06GvFg/s200/tarzan%2Btriumpj.jpg" width="134" /></a><u><b><i>Le Triomphe de Tarzan</i>, de William Thiele (1943)</b></u></div>
<br />
Avec l'entrée en guerre des États-Unis, il était en effet impensable de ne pas voir l'homme-singe hollywoodien s'engager dans le conflit. <i><b>Le Triomphe de Tarzan</b></i> revisite donc la saga à travers un film de propagande, justifiant l'engagement du pays. La structure du genre est classique : Tarzan n'est, dans un premier temps, pas concerné par ce lointain conflit, avant que des évènements plus proches ne le force à l'être. On justifie vaguement l'absence de Maureen O'Sullivan (alors réellement engagée, remplacée par un autre personnage interprété par la sexy Frances Gifford), et ensuite tout est prétexte à voir Johnny Weissmuller (qui commence quand même à vieillir, parfois un peu bedonnant) castagner des vilains nazis. Certes peu inventif et toujours faiblard sur l'intrigue, c'est encore une curiosité qu'il n'est pas désagréable de découvrir, à défaut d'être un bon film de la saga.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=9939">Fiche Cinelounge</a><br />
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<u><b><br /></b></u>
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-App_zPYA3Ak/Vl3p9C2y1lI/AAAAAAAAB40/-2jlPewuMdg/s1600/geronimo.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-App_zPYA3Ak/Vl3p9C2y1lI/AAAAAAAAB40/-2jlPewuMdg/s200/geronimo.jpg" width="134" /></a></div>
<u><b><i>Geronimo</i>, de Walter Hill (1993)</b></u><br />
<br />
Grand fan de western et disciple spirituel de John Ford, Walter Hill aura tout de même eu du mal, malgré quelques films remarquables (dont le génial <i><b>Sans Retour</b></i>, impératif à découvrir), à s'affirmer en réalisateur. <i><b>Geronimo</b></i> lui donne toutefois un sujet parfait, et pour cause d'ailleurs, c'est entre autre John Milius qui a signé le scénario. Hill applique cependant dessus un regard quelque peu académique qui tend à décevoir, compte-tenu de la force politique du script. Malgré ledit académisme, on y trouve quand même une certaine rigueur de mise en scène (et encore une fois on sent l'héritage de Ford dans les plans larges), mais elle ne semble jamais transcender ce qu'elle montre. Dommage, aussi, que l'inégale musique de Ry Cooder soit parfois autant intrusive. Le casting est cependant très bien vu, dont l'excellent et charismatique Wes Studi, si l'on excepte le moins convainquant Jason Patric. Film intéressant, intelligent et loin d'être désagréable, mais qui, potentiellement, aurait pu être un grand western, c'est dommage.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=18836">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-rprFCbrP2Uw/VmB-OccPheI/AAAAAAAAB5k/SZ5VA0iATjc/s1600/JonathanOfTheBears_Poster.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-rprFCbrP2Uw/VmB-OccPheI/AAAAAAAAB5k/SZ5VA0iATjc/s200/JonathanOfTheBears_Poster.jpg" width="149" /></a><u><b><i>Jonathan degli orsi</i>, d'Enzo G. Castellari (1993)</b></u></div>
<br />
Simili-remake panthéiste de <i><b>Keoma</b></i>, du même Castellari avec le même Franco Nero, <i><b>Jonathan degli orsi</b></i> peut éventuellement souffrir de la comparaison avec le premier, chef-d’œuvre du western spaghetti. Cependant, il arrive à se démarquer d'une part par le ton qu'il emploie, devenant davantage une fable écolo et humaniste. On retrouve certes, parfois à l'extrême, les grandes figures du genre déjà présentes autrefois, dont l'influence biblique, jusqu'à la crucifixion, mais disons aussi ce qu'il en est : il n'est pas désagréable de retrouver tout ceci dans un western italien des années 90. Époque oblige, le film paraît sûrement un peu fauché (comme en témoignent les figurants asiatiques censés jouer les natifs américains), mais comme le courant le voulait autrefois, cela a surtout son charme. Et Castellari cherche néanmoins à apporter son lot d'idées dans la réalisation pour rendre son film plus original, plus novateur. Parfois de manière très simple, comme cette double-apparition de Jonathan, qui confronte le plus vieux au plus jeune. Et nom d'une pipe, quel charisme, ce Franco Nero ! Quelle barbe !<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=16813">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-vcy3ju_KbHc/VmB-ArPn74I/AAAAAAAAB5c/pdE1PHJdm7U/s1600/monte_walsh_ver2_xlg.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-vcy3ju_KbHc/VmB-ArPn74I/AAAAAAAAB5c/pdE1PHJdm7U/s200/monte_walsh_ver2_xlg.jpg" width="138" /></a></div>
<u><b><i>Monte Walsh</i>, de William A. Fraker (1970)</b></u><br />
<br />
Encore un bel exemple de ces perles du Nouvel Hollywood qui sortent plus ou moins de nulle part, n'étant pas le fruit d'un grand auteur ou ne serait-ce que d'un réalisateur un minimum connu, William A. Fraker étant connu essentiellement pour ses travaux de directeur de la photographie. <i><b>Monte Walsh</b></i>, c'est l'Ouest comme on l'aime : celui des vieux cowboys, celui des vieux pistoleros qui ne sont plus dans leur temps, celui des légendes usées. Celui que prophétisait John Ford dans <i><b>L'Homme qui tua Liberty Valance</b></i>, celui que reprenait Don Siegel dans <i><b>Le Dernier des géants</b></i>. Dans un territoire en pleine mutation, où les villes murissent en parallèle d'une société moderne, les dinosaures Lee Marvin et Jack Palance errent en cherchant une place auprès de qui voudra bien d'eux. L'heure est à la désillusion, même en s'adaptant. Malgré la société moderne, le monde demeure injuste. Tout ce qu'il reste, peut-être, c'est l'amitié, celle qui sera toujours souveraine dans le western. L'amitié, et l'amour pour Jeanne Moreau, encore qu'il est aussi source de maux. Alors il faut se consoler sur la paisible et belle musique de John Barry, achevant une très belle découverte du genre.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=30082">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/--mMWU2mED1c/VmB9jzhmCEI/AAAAAAAAB5U/xkQZkcgs050/s1600/robert.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/--mMWU2mED1c/VmB9jzhmCEI/AAAAAAAAB5U/xkQZkcgs050/s200/robert.jpg" width="133" /></a><u><b><i>Robert et Robert</i>, de Claude Lelouch (1978)</b></u></div>
<br />
Deux loosers, deux Robert, Jacques Villeret et Charles Denner : je suis déjà conquis. Et Claude Lelouch aime ses loosers, comme il le montrait tendrement dans <i><b>Le Bon et les méchants</b></i>. Certes, <i><b>Robert et Robert</b></i> est bien moins inventif que ce dernier, peut-être plus convenu aussi, mais il n'en reste pas moins un film sacrément drôle dans son discours opposant à un système débile des arriérés notoires à la petite tendance sociopathe. Les confrontations entre le psychorigide Charles Denner et le décalé Jean-Claude Brialy sont hilarantes, face à cette machine qui calcule le conjoint parfait. Le comble est atteint lors d'un voyage "entre célibataires" au lieu si glamour qu'est Waterloo. Même si le scénario ne va relativement nulle part, il se suit avec un certain plaisir, par amour pour ses protagonistes à la fois beaux, touchants (surtout Villeret, évidemment) ploucs au possible et idiots. Mais ces idiots-là aussi, on en fait plus, hélas.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=17179"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=17179">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
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Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6423083980187720142.post-4327733956254988422015-11-27T00:51:00.000+01:002015-11-27T00:56:58.951+01:00[A propos de] La Grande Evasion : web-radio de musiques de films<div style="text-align: justify;">
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-n9kE8u0J7a0/VleYS3jWOxI/AAAAAAAAByQ/57VZ8RMYOUU/s1600/grandevasion.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="279" src="http://4.bp.blogspot.com/-n9kE8u0J7a0/VleYS3jWOxI/AAAAAAAAByQ/57VZ8RMYOUU/s400/grandevasion.jpg" width="540" /></a></div>
<br />
Il semblerait que le temps soit propice aux bonnes idées concernant la culture du 7ème art. Après l'ouverture récente de la salle <i>Les Fauvettes</i> par Gaumont-Pathé, je découvre <i>La Grande Évasion</i>, élégant et intéressant projet : une web-radio exclusivement centrée sur la musique du cinéma. Évidemment, un aficionados du genre comme moi ne peut pas y rester insensible.<br />
<br />
Au programme : de tout ! Pour le pire et pour le meilleur. L'exhaustivité de la programmation est peut-être sa limite. Car honnêtement, quel cinéphile, fervent mordu de musique de cinéma, souhaite écouter les compositions de Brian Tyler pour les Marvel ou la partition accompagnant une comédie lambda ? Mais passons. Car c'est aussi l'occasion de jouir d'un peu de Georges Delerue, de John Williams, d'Ennio Morricone, de Joe Hisaishi et même de Pierre Bachelet, ce qui ne se refuse jamais. Il faut donc parfois habilement jouer avec la fonction mute entre deux grands morceaux.<br />
<br />
Plus intéressant encore, les découvertes à faire parmi quelques morceaux moins connus des grands compositeurs, ou d'autres plus récents de jeunes talents. L'occasion de noter quelques albums dans un calepin, voire quelques films. Seule nuance, mais peut-être est-ce juste le hasard de mes écoutes : il semble y avoir peu de partitions antérieures aux années 60.<br />
<br />
Le tout saupoudré de quelques émissions ou mag' thématiques, c'est tout de même un agréable concept. C'est donc à découvrir, en attendant de voir comment le projet (d'ailleurs co-financé par Ulule) va évoluer !<br />
<br />
Ça s'écoute donc par ici : <a href="http://www.lagrandeevasion.fr/">http://www.lagrandeevasion.fr/</a></div>
Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6423083980187720142.post-52651592990494897302015-11-06T16:07:00.001+01:002015-11-24T02:35:09.903+01:00[Avis en vrac] Vus et revus en 2015 #7<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-foBuCFNcvSc/VjzBqpDgv4I/AAAAAAAABvU/VFWlvlO1h0A/s1600/Boton_01.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="304" src="http://1.bp.blogspot.com/-foBuCFNcvSc/VjzBqpDgv4I/AAAAAAAABvU/VFWlvlO1h0A/s640/Boton_01.jpg" width="540" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Le Bouton de Nacre</b></i>, de <span class="st">Patricio Guzmán (2015)</span></td></tr>
</tbody></table>
<u><b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></u><u><b><span style="font-size: large;">AU CINÉMA - ACTUALITÉS</span></b></u><br />
<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-GxgoUiDzA0g/Vhfpy8Y2O6I/AAAAAAAABp0/2S5JWWGTVc4/s1600/the%2Bmartian.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-GxgoUiDzA0g/Vhfpy8Y2O6I/AAAAAAAABp0/2S5JWWGTVc4/s200/the%2Bmartian.jpg" width="135" /></a><b><u><i>Seul sur Mars</i>, de Ridley Scott (2015)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
A l’aube de la possibilité d’un voyage sur la planète rouge,
longtemps exploitée au cinéma dans des<span style="color: #0000ee;"> <span style="color: black;">œuvres</span></span> plus ou moins fantasques,
plus ou moins réussies (dont il faudra surtout retenir le très
sous-estimé<i><b> Mission to Mars</b></i> de Brian De Palma
et bien entendu <i><b>Total Recall</b></i> de Paul Verhoeven), <i><b>Seul sur Mars</b></i> arrive à
point nommé. Transcendant le retour à la mode de la « hard SF » par une
déconstruction méthodique d’un genre marqué par le solennel, il est une
parenthèse ludique, optimiste et tout bonnement agréable, à la fois
dans la filmographie de son auteur mais aussi face au cinéma
hollywoodien contemporain. Mais il marque également, une fois de plus,
le talent hors-norme de sir Ridley Scott pour ses invitations à des
périples hors-du-commun qui forgent son identité de cinéaste démiurge.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Critique à lire sur Filmosphere.com :</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/seul-sur-mars-ridley-scott-2015">http://www.filmosphere.com/movies/seul-sur-mars-ridley-scott-2015</a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=56128">Fiche Cinelounge</a></div>
<br />
<br />
<div style="text-align: right;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-IgsFIq1Xz68/Vhfq5Oucr7I/AAAAAAAABp8/bYD_h5viw8M/s1600/ni%2Ble%2Bciel.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-IgsFIq1Xz68/Vhfq5Oucr7I/AAAAAAAABp8/bYD_h5viw8M/s200/ni%2Ble%2Bciel.jpg" width="147" /></a><u><b><i>Ni le ciel, ni la terre</i>, de Clément Cogitore (2015)</b></u></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
En voilà un splendide premier film ! <i><b>Ni le ciel, ni la terre</b></i> (quel beau titre) est materné par l'influence du <i><b>Désert des Tartares</b></i>, splendidement palpable mais jamais prépondérante. Le voyage est incroyable car Cogitore filme l'Afghanistan avec un ton réel certain, tout en conservant la force mystique de ces terres imprenables, évidemment trait important pour son récit. L'ambiance est pesante alors que l'on est en parallèle fasciné par le pays. Mettant en scène un conflit que la France n'aime pas avouer, le film parvient à rentrer dans le vif du sujet sans pour autant en avoir trop dit ou trop montré. C'est aussi un superbe rôle pour Jérémie Renier, comme tout le reste du casting, en phase avec l'esprit, avec les personnages, avec la belle ambition du film. Chapeau.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=59286">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-GuT5LgBqXKM/VjlOVWP5tHI/AAAAAAAABuM/5XAoK9ObRmg/s1600/bouton.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-GuT5LgBqXKM/VjlOVWP5tHI/AAAAAAAABuM/5XAoK9ObRmg/s200/bouton.jpg" width="154" /></a></div>
<u><b><i>Le Bouton de Nacre</i>, de <span class="st">Patricio Guzmán (2015)</span></b></u><br />
<span class="st"><br /></span>
<span class="st">Élégant, singulier, beau. C'en est même plutôt curieux, puisque l'on se retrouve face à un film aux thématiques vastes (l'eau, l'humanité, le cosmos, la culture) mais qui s'avère être finalement d'une simplicité des plus exemplaires. En dissertant autour de l'élément aquatique au Chili, </span><span class="st"><i><b>Le Bouton de Nacre </b></i>voyage dans le temps et l'espace à travers l'Histoire compliquée du pays. En fin de compte, c'est un peu un poème. Un poème qui parle de vie et de mort, comme l'océan lui-même en devient témoin, berceau des hommes pour les uns, cimetière insondable pour les autres. L'heure vingt passe à toute vitesse dans ce périple cinématographiquement superbe, qui vaut bien un coup de cœur. Largement de quoi me donner envie de me pencher un peu plus sur la filmographie de Patricio Guzm</span><span class="st">án.</span><br />
<br />
<span class="st"><a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=56341">Fiche Cinelounge </a></span><br />
<div style="text-align: right;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-L0H0GNhBPiM/VjfrZ6BEfBI/AAAAAAAABtk/cTx_TPfvWqY/s1600/saul.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-L0H0GNhBPiM/VjfrZ6BEfBI/AAAAAAAABto/bDyfjmykrjQ/s1600/saul.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-L0H0GNhBPiM/VjfrZ6BEfBI/AAAAAAAABto/bDyfjmykrjQ/s200/saul.jpg" width="140" /></a><u><b><i>Le Fils de Saul</i>, de László Nemes (2015)</b></u></div>
<div style="text-align: right;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Rude entreprise pour un premier film que d'attaquer les camps de la mort en fiction, alors que se multiplient les œuvres malhonnêtes sur la Seconde Guerre Mondiale. L'angle d'attaque de László Nemes est parfait : en s'attaquant au quotidien morbide des <i>sonderkommandos</i>, il évite la redite et surtout sait alors quoi montrer ou ne pas montrer. C'est là l'essentiel de la réussite du <i><b>Fils de Saul</b></i>. Dans un cadre 1.37 qui se voit justifié par la mise en scène et plus simplement l'écriture globale du film, tout est dit alors que le minimum a été montré. Le travail sur l'ambiance (visuelle et sonore) est impressionnant autant qu'il décrit une machinerie de la mort terrifiante, où les allemands sont d'ailleurs souvent en retrait, gardes-chiourmes au loin ou officiers en plein tourisme. C'est bien là le plus horrible, cette impression que le camp pourrait presque fonctionner seul, l'essentiel des bourreaux ou complices des bourreaux (dont, hélas, les <i>sonderkommandos</i>) étant eux-même prisonniers. Indirectement, le film pose des questions morales fascinantes. Reste peut-être ce personnage de Saul, dont mon intérêt pour sa quête n'a pas été toujours à la hauteur de "l'univers" qui l'entoure, ou même de ses camarades d'infortune. Néanmoins, une réussite qui force le respect.</div>
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=59139">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-EEsqA6NkoAk/VhftENKhHFI/AAAAAAAABqI/177_OvWAz_0/s1600/maryland.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-EEsqA6NkoAk/VhftENKhHFI/AAAAAAAABqI/177_OvWAz_0/s200/maryland.jpg" width="146" /></a></div>
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<u><b><i>Maryland</i>, d'Alice Winocour (2015)</b></u></div>
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La coïncidence du calendrier de sorties a voulu que <i><b>Maryland </b></i>soit distribué conjointement à <i><b>Ni le ciel, ni la terre</b></i>, ce qui est tout de même génial quand le film de Winocour est quelque part la suite de celui de Cogitore : le retour et la reconversion d'un traumatisé de guerre après l'Afghanistan. La co-scénariste de <i><b>Mustang</b></i> taille d'ailleurs ici un étonnant écho au film franco-turc, dans cette alternative de film de "forteresse". Car si dans l'un il fallait s'en échapper, dans l'autre se crée une sorte de huis-clos où il faut la protéger des envahisseurs. Matthias Schoenaerts, imposant, bestial, mais aussi fragile, s'impose encore une fois comme l'acteur du moment, peut-être au détriment d'une Diane Kruger plus anecdotique. Mais qu'importe, sacrée ambiance, sacrée maîtrise, et une fois de plus, un film politiquement pas anodin.</div>
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=59122">Fiche Cinelounge</a></div>
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-s6GC4JYn8i8/VjFUiA8KHyI/AAAAAAAABs8/onARM6VKv-k/s1600/irrationnal.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-s6GC4JYn8i8/VjFUiA8KHyI/AAAAAAAABs8/onARM6VKv-k/s200/irrationnal.jpg" width="134" /></a><u><b><i>L'Homme irrationnel</i>, de Woody Allen (2015)</b></u></div>
<br />
L'adage dit qu'avec Woody c'est un film sur deux. Mais je ne suis pas toujours d'accord : autant je trouve que <i><b>L'Homme irrationnel</b></i> est certes fort loin du merveilleux <i><b>Magic in the moonlight</b></i>, autant j'y ai trouvé un film agréable qui n'est ni vain, ni dénué d'intelligence. Alors, nous ne leurrons pas, outre ce bon vieux Woody, il faut saluer ses deux comédiens principaux qui éclairent comme magistralement tout le film. Allen semble amoureux d'Emma Stone lorsqu'il la filme, et à partir de là je suis d'ores et déjà conquis, d'autant plus avec un personnage si simple, si beau. En face, le certain cynisme avec lequel est traité le superficiel mais tendre (et quand même méprisable) personnage de Joaquin Phoenix complète parfaitement le charmant duo. Bien que l'intrigue mette une plombe à démarrer, les personnages me suffisent, jusqu'à ce dénouement à la fois facile et ingénieux. Et puis, fort heureusement, Allen peut encore compter sur le fidèle Darius Khondji pour éclairer ses images : car si ici il n'est pas question d'une photographie aussi léchée que son précédent, il est toujours bon de pouvoir délivrer des esthétiques aussi simples tout en étant aussi soignées. Et au moins Allen n'a pas besoin de hurler sur tous les toits qu'il tourne encore en pellicule.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=54838"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=54838">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-p8NyEfJcduU/VjFQRWRCGiI/AAAAAAAABso/jyF9Q7s-h5o/s1600/crimson.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-p8NyEfJcduU/VjFQRWRCGiI/AAAAAAAABso/jyF9Q7s-h5o/s200/crimson.jpg" width="135" /></a><u><b><i>Crismon Peak</i>, de Guillermo del Toro (2015)</b></u></div>
<br />
Parmi les quarante-sept mille six cent vingt-sept projets
entretenus par Guillermo del Toro, fort heureusement, certains voient le
jour, et l’auteur mexicain signe ici ce qu’il qualifie lui-même de
« son meilleur film ». Si <i><b>Crimson Peak</b></i> est indéniablement le fruit d’un
artisan expert en la matière, il est aussi, plus étonnement, l’un de ses
films les plus imparfaits. Exercice de style certes savant mais
laissant un goût d’inachevé, il expose peut-être ici les limites du
cinéaste au sein de la production américaine contemporaine, tout en
étant une parenthèse plus que bienvenue dans un genre en chute libre.<br />
<br />
Critique à lire sur Filmosphere.com :<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/actus/news/crimson-peak-guillermo-del-toro-2015">http://www.filmosphere.com/actus/news/crimson-peak-guillermo-del-toro-2015</a><br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=52482">Fiche Cinelounge</a></div>
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-umYAIdGt_9w/VjvjlfTq33I/AAAAAAAABuk/DEX7yVPxKic/s1600/the%2Bwalk.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-umYAIdGt_9w/VjvjlfTq33I/AAAAAAAABuk/DEX7yVPxKic/s200/the%2Bwalk.jpg" width="135" /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<u><b><i>The Walk : Rêver plus haut</i>, de Robert Zemeckis (2015)</b></u></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
La marque de Robert Zemeckis, formé à l’école Amblin, c’est
d’être un expérimentateur hors-normes au sein du cinéma américain. Un
certain nombre de ses œuvres peut se targuer d’un talent visuel pas loin
d’être visionnaire qui cache (ou non, parfois) un extravagant sens du
récit. C’est un pur cinéaste de l’artifice, mais qui prend la peine de
s’interroger dessus. Le vertigineux projet <b>The Walk</b> étant tout à fait
susceptible de s’accorder à ce genre d’ambition, il faut maintenant se
demander comment il peut arriver à transcender cette performance au-delà
d’un quelconque (mais potentiellement flamboyant) exercice de style. Le
paradoxe, c’est qu’en essayant justement d’aller plus loin, il tend à
se gaufrer assez maladroitement et signe un métrage complètement
hétérogène.<br />
<br />
Critique à lire sur Filmosphere.com :<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/the-walk-rever-plus-haut-robert-zemeckis-2015">http://www.filmosphere.com/movies/the-walk-rever-plus-haut-robert-zemeckis-2015</a><br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=55037">Fiche Cinelounge </a></div>
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-VmH33mtJ_GY/VgqahnblVzI/AAAAAAAABpI/slAW2Ys_6RE/s1600/everest.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-VmH33mtJ_GY/VgqahnblVzI/AAAAAAAABpI/slAW2Ys_6RE/s200/everest.jpg" width="126" /></a></div>
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<u><b><i>Everest</i>, de Baltasar Kormákur (2015)</b></u></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
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La perspective d'une sorte de survival sur la fameuse montagne himalayenne dans un film 3D a largement de quoi séduire, surtout depuis la redécouverte de l'incroyable <b><i>L’Épopée de l'Everest</i></b> de J.B.L. Noel. Mais pour faire court, c'est presque déconcertant de se dire que malgré le fait qu'il y ait presque un siècle séparant les deux films, <i><b>Everest</b></i> peine à proposer quelque chose de plus saisissant ou même impressionnant que le documentaire. Parce qu'il y a trop de personnages (pas toujours intéressants), trop d'apartés mélos, trop d'exposition, le film perd en intensité. Surtout que malgré quelques belles images dispersées çà et là, les prises de vue manquent de réel, trop chargées par divers effets, mouvements de caméra ou autre qui trahissent ce que le film tente de mettre en scène. Et en parallèle la stéréoscopie n'offre jamais vraiment quelque chose, conversion oblige. Du coup on se retrouve face à un petit film d'aventures, moyennement ambitieux, moyennement ficelé, moyennement réussi. Oubliable, hélas.</div>
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=53519" target="_blank"><br /></a></div>
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=53519" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-MH6HHMKJ1sc/VjfwDUNx8SI/AAAAAAAABtw/tyQkv0R90RM/s1600/pan_ver5.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-MH6HHMKJ1sc/VjfwDUNx8SI/AAAAAAAABtw/tyQkv0R90RM/s200/pan_ver5.jpg" width="134" /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<u><b><i>Pan</i>, de Joe Wright 2015)</b></u></div>
<br />
Aie aie aie ! Je l'attendais, le nouveau film du virtuose Joe Wright. <i><b>Pan</b></i>, c'était l'occasion pour le réalisateur britannique de s'éclater dans une production à gros budget potentiellement personnelle, comme Sam Raimi et son <i><b>Monde Fantastique d'Oz</b></i>. En réalité, c'est surtout l'occasion de salement s'échouer. Alors certes, le pire va aussi côtoyer le meilleur ou pas loin. Dans un prologue laborieux et peu convaincant, on retrouve d'emblée la scène d'action la plus inventive et plaisante du film, ressenti qui ne sera jamais vraiment renouvelé par la suite. Wright étale un univers bien trop convenu malgré ses petites fantaisies qui ne font qu’apparaître à l'écran, et surtout, ne prend pas le temps de développer ses personnages, tous interprétés soit par des comédiens absents devant leur fond vert (Rooney Mara ou le jeune Levi Miller), soit en roue libre (Hugh Jackman). Seul Garrett Hedlund semble un minimum porter le film... Il n'en reste finalement qu'une succession de péripéties pas très inspirées, malgré les efforts d'une mise en scène hélas charcutée par un montage trop abrupt ou une surcharge d'effets numérique peu maîtrisés. Quand, en parallèle, John Powell compose l'une de ses meilleures partitions, incroyable d'épique et de tons mélodieux, difficile de ne pas penser à un certain gâchis, peut-être provoqué par la Warner qui a conduit n'importe comment la production du film.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=53526">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-_PKGDl-ARlM/VjzkYv5-WYI/AAAAAAAABvk/qooeYfczYQI/s1600/vers.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-_PKGDl-ARlM/VjzkYv5-WYI/AAAAAAAABvk/qooeYfczYQI/s200/vers.JPG" width="149" /></a></div>
<div style="text-align: left;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-3USJM7H3VRM/VjFQtZXZTJI/AAAAAAAABsw/iaNVg08B2IM/s1600/vers.JPG" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a><u><b><i>Vers l'autre rive</i>, de Kiyoshi Kurosawa (2015)</b></u></div>
</div>
<br />
Je ne suis pas un familier de ce Kurosawa-là, et pour cause, <b><i>Vers l'autre rive</i></b> est ma première œuvre du bonhomme. Malheureusement je doute renouveler l'expérience, car je suis sorti relativement ennuyé de ce métrage certes plein de poésie et de bonnes idées, mais d'une sobriété excessive qui n'a pas remporté mon adhésion. Autant j'aime ce concept, j'aime la simplicité avec lequel il est amené, j'aime cette manière de ne pas chercher le rationnel, mais passé un cap la démarche devient presque abusive, et être largué pendant presque tout le récit finit par peser. Tadanobu Asano est tout à fait remarquable, mais la plombante Eri Fukatsu gâche trop souvent l'histoire, déjà assombrie par une direction photo grisâtre, typique de ce pâle numérique que je n'apprécie pas du tout, et que je retrouvais déjà dans <b><i>Still the Water</i></b>. Pas pour moi, hélas.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=59143">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-bnaoEe10Pwo/Vjvig_GYO4I/AAAAAAAABuc/a-dD7-fGqs8/s1600/en_mai_fais_ce_quil_te_plait_xlg.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-bnaoEe10Pwo/Vjvig_GYO4I/AAAAAAAABug/mx8pzPDU5wI/s1600/en_mai_fais_ce_quil_te_plait_xlg.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-bnaoEe10Pwo/Vjvig_GYO4I/AAAAAAAABug/mx8pzPDU5wI/s200/en_mai_fais_ce_quil_te_plait_xlg.jpg" width="146" /></a><u><b><i>En mai fais ce qu'il te plaît</i>, de Christian Carion (2015)</b></u></div>
<br />
Que c'est convenu, bon sang ! Autant de moyens pour un film qui semble n'avoir rien à dire sur son sujet, traité comme il le serait dans un vulgaire téléfilm. Où est l'âme dans <i><b>En mai, fais ce qu'il te plaît</b></i> ? Où est l'humain, le vrai ? Pas cette vision enjolivée de l'exode de 40. Où sont les pillages, où sont les abandons, où est la violence ? Une poignée de cadavres avec quelques tâches de sang proprettes, ça ne rime à rien pour un film de cette envergure. Autant c'est bien de préserver un film humaniste, autant si c'est pour un regard si convenu sur des évènements déjà battus et rebattus, ça n'est pas la peine. De plus, au vu de la situation actuelle, une vision plus politisée d'un tel exode aurait pu s'avérer très intéressante. Mais non, c'est une énième production polie, avec son casting désincarné qui récite platement toute ses lignes (même - et surtout - Olivier Gourmet, c'est désolant de l'admettre), sa flopée de <i>panzers</i> pour faire gros budget (en revanche, les avions en image de synthèse, ça se voit et ça n'est pas beau) et tous les écueils habituels : mise en scène académique, photographie plate, montage fade. Certes, il y a Ennio Morricone à la partition, mais il ne peut même pas se fendre d'une bonne utilisation de son œuvre. Ça n'est pas désespérément mauvais, finalement, c'est juste désespérément fade et sans idées. Quel gâchis.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=61145">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<u><b></b></u></div>
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<div style="text-align: left;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-tmYlcO6qfgE/Vhfv8NzLrLI/AAAAAAAABqU/f7XO-bBqVEo/s1600/visit.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-tmYlcO6qfgE/Vhfv8NzLrLI/AAAAAAAABqU/f7XO-bBqVEo/s200/visit.jpg" width="135" /></a> <u><b><i>The Visit</i>, de M. Night Shyamalan (2015)</b></u></div>
<br />
Dans la galaxie de mauvaises idées qui illuminent le paysage du
cinéma de genre américain contemporain, le nouveau film de M. Night
Shyamalan est susceptible de conférer au réalisateur d’Incassable le
titre de pire dégringolade artistique de l’histoire du cinéma, quelque
part aux côtés des Dario Argento et consorts. Projet certes personnel,
il témoigne toutefois de l’échec de l’auteur à chercher, depuis
maintenant des années, une réinvention de son cinéma, ici par le
found-footage et la ré-écriture de la grammaire cinématographique. En
résulte un certain moment de gêne, cliché, presque parodique, surtout
désolant.<br />
<br />
<br />
Critique à lire sur Filmosphere.com<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/the-visit-m-night-shyamalan-2015">http://www.filmosphere.com/movies/the-visit-m-night-shyamalan-2015</a><br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=52397">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<u><b><span style="font-size: large;">AU CINÉMA - RESSORTIES</span></b></u></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<i><br /></i></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-2p3VpjqZ1Gg/VgqdTsbDeiI/AAAAAAAABpU/wZuQLLeDprY/s1600/irma.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-2p3VpjqZ1Gg/VgqdTsbDeiI/AAAAAAAABpU/wZuQLLeDprY/s200/irma.jpg" width="136" /></a><u><b><span style="font-size: small;"><i>Irma la Douce</i>, de Billy Wilder (1963)</span></b></u></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">Comment peut-on ne pas aimer Billy Wilder ? Encore une fois, c'est ce que l'on se dit devant <b><i>Irma la Douce</i></b>. Portant ici une romance douce et osée, il expose sa maestria habituelle quant ses personnages qu'il affectionne tant. Mais surtout, ce qui impressionne, dès le premier plan, c'est l'incroyable travail de direction artistique, signée par l'immense Alexandre Trauner. Et dans la mesure où j'ai un immense faible pour les représentations hollywoodiennes de Paris, le film de Wilder y filme sûrement la plus réussie, orgasme constant pour les yeux dans cette myriade de détails et cette ambiance qui finalement révèle bien la patte décorative des directeurs artistiques français. Alors quand bien même le film est un brin longuet, du haut de ses deux heures et demi, il se dévore tout de même non sans passion, non sans être subjugué par tout ce charme, cette belle histoire, cet humour typique de Wilder, et ce couple Jack Lemmon / Shirley McLaine, ponctué par l'hilarant Lou Jacobi. <i>"But that's another story !"</i></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2636" target="_blank">Fiche Cinelounge </a></span><br />
<br />
<div style="text-align: right;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-5PWETbiBFGs/Vjfx8TByk-I/AAAAAAAABt8/0ElGvZIlobs/s1600/osterman.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-5PWETbiBFGs/Vjfx8TByk-I/AAAAAAAABt8/0ElGvZIlobs/s200/osterman.jpg" width="131" /></a><u><b><i>Osterman week-end</i>, de Sam Peckinpah (1983)</b></u></div>
<br />
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
L'ultime film de Sam Peckinpah est un objet complètement passionnant. C'est une œuvre largement plus imparfaite que ses grands chefs-d’œuvre à bien des égards, peut-être moins inventive cinématographiquement, et pourtant, il se dégage d'<b><i>Osterman week-end</i></b> une référence du film paranoïaque. Clôturant une vague surtout entamée dans les années 70 (comme dans <b><i>Conversation Secrète</i></b>) il y insère ici le média télévisuel (cher à Peckinpah, qui y a fait ses débuts), plus généralement la vidéo, qui change toute la donne et rend le film presque prophétique dans cette obsession de l'image qui caractérise si bien notre société (de surveillance) contemporaine. Il y a ce truc pervers dans la captation de l'image, comme un pouvoir sur les agissements de la victime, ce qui évidemment sied aux personnages de Peckinpah. Et il s'amuse de ce média qui est tantôt celui de la mort, tantôt celui de mensonge, ultimement celui de la vérité. Puis c'est aussi une rencontre géniale entre John Hurt, Rutger Hauer et Burt Lancaster. Largement de quoi pardonner les quelques confusions scénaristiques, qui ont également leur charme dans la mesure où elles participent à ce chaos mensonger ambiant, où les apparences non seulement ne sont pas ce qu'elles sont, mais en plus s'avère mortelles.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=3451"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=3451">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<div style="text-align: right;">
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-qdVsRD88xnI/ViQy-maKLdI/AAAAAAAABsg/CrEAsm08ZVE/s1600/bugsy.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-qdVsRD88xnI/ViQy-maKLdI/AAAAAAAABsg/CrEAsm08ZVE/s200/bugsy.jpg" width="150" /></a></div>
<div style="text-align: left;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-qdVsRD88xnI/ViQy-maKLdI/AAAAAAAABsc/FaOOD1uYfYg/s1600/bugsy.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a><u><b><i>Bugsy Malone</i>, d'Alan Parker (1976)</b></u></div>
</div>
<br />
<i><b>Bugsy Malone</b></i> (puisque son titre original est tellement plus beau) aurait pu être un film insupportable et braillard s'il n'était pas avant tout filmé avec l'intelligence du britannique Alan Parker. Car si faire un film de gangsters en comédie musicale avec des gamins, c'est alors tout un concept, il aurait pu vite s'épuiser sur l'autel de la plaisanterie. Mais non, par-dessus tout, c'est un vrai film de cinéma, un vrai film de gangsters, une vraie comédie musicale. Sans que ce soit le film le plus brillant de Parker, c'est finalement un fin hommage cinéphile, prenant comme tout malgré son léger ventre mou dans l'écriture avant la résolution. Enfin, c'est aussi l'occasion d'être une fois de plus sous le charme de la - déjà - magnifique et géniale Jodie Foster... Au passage, c'est quelque part désolant de constater comment l'influence de ce beau film d'Alan Parker s'est muée dans le cinéma français pour devenir <i><b>Big City</b></i>.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=8838">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<br />
<u><b>N.B.</b></u> : Oui, j'ai évidemment revu <i><b>Blade Runner</b></i> lors de sa sortie en salle, mais ayant déjà écrit quelques lignes récemment à son sujet, je ne veux pas m'aventurer à nouveau dans cet exercice incroyablement ardu qu'est parler de son film préféré.<br />
<br />
<br />
<span style="font-size: large;"><u><b>EN VIDÉO</b></u></span><br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-CVSSnTMd9I8/ViF27e31bXI/AAAAAAAABrk/fOVUi49KlXE/s1600/the%2Bcrossing%2B2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-CVSSnTMd9I8/ViF27e31bXI/AAAAAAAABrk/fOVUi49KlXE/s200/the%2Bcrossing%2B2.jpg" width="133" /></a></div>
<u><b><span style="font-size: small;"><i>The Crossing 2</i>, de John Woo (2015)</span></b></u><br />
<br />
<span style="font-size: small;">Je l'attendais très fermement, cette deuxième partie de l'épopée <i><b>The Crossing</b></i>. Dans un premier temps, il faut bien avouer que j'ai été totalement déboussolé par cette première demi-heure au montage et à la narration relativement chaotiques, entremêlant et répétant des chapitres du premier volet. Pourquoi John Woo force-t-il de la sorte son film de destins croisés ? Je l'ignore. Toutefois, il renoue, dans la deuxième heure, avec le grand cinéma mélodramatique dont il est capable, transcendant alors cette suite et éclipsant quelque peu les errances de son début. De la même manière que la première partie, à la douce influence de <b><i>Docteur Jivago</i></b>, il exploite ici, comme James Cameron dans <i><b>Titanic</b></i> (dont on peut soupçonner une certaine influence ici) la fresque socio-historique qui se noue autour de la fameuse catastrophe. Tout le final, somptueux, déchirant, révèle le potentiel de personnages que Woo aura eu peut-être un peu de mal à construire, mais qui finalement, en valaient bien la peine. Un montage de trois heures, réunissant les deux films, pourrait éventuellement transcender le potentiel chef-d’œuvre contenu dans les incroyables images de <b><i>The Crossing</i></b>.</span>
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<span style="font-size: small;"><br /></span>
<span style="font-size: small;"></span><br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=63052"><span style="font-size: small;">Fiche Cinelounge</span></a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-qkGyJt1Qn7k/Vhwxr1oJjyI/AAAAAAAABqk/itC52cP2k4Q/s1600/crimson_tide.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-qkGyJt1Qn7k/Vhwxr1oJjyI/AAAAAAAABqk/itC52cP2k4Q/s200/crimson_tide.jpg" width="150" /></a><u><b><span style="font-size: small;"><i>USS Alabama</i>, de Tony Scott (1995)</span></b></u></div>
<span style="font-size: small;"><br /></span>
<i><span style="font-size: small;">Revisionnage.</span></i><br />
<span style="font-size: small;"><br /></span>
<span style="font-size: small;">Je suis quelque part assez ébahi par la maîtrise de Tony Scott, qui arrive à s'introduire dans le genre fermé du "film de sous-marin", en passant juste après John McTiernan et son inimitable <b><i>A la poursuite d'Octobre Rouge</i></b>, sans souffrir de la comparaison. Au-delà de l'immense talent visuel du réalisateur disparu, il y a derrière <b><i>USS Alabama</i></b> un scénario surtout béton (d'ailleurs script-doctoré par un certain Quentin Tarantino, non crédité évidemment) posant finalement assez subtilement ses enjeux post-guerre froide. La hiérarchie au sein d'un pouvoir de fin du monde est remise en question, alors que le film aborde implicitement le racisme sans jamais en avoir vraiment parlé. A l'image, le face-à-face Denzel Washington et Gene Hackman bouffe la pellicule, transcendé par l'incroyable photographie aux couleurs saturées de Dariusz Wolski (aujourd'hui directeur de la photographie pour Ridley Scott, comme quoi) et l'imposante musique d'un Hans Zimmer, qui valait encore quelque chose à l'époque, ici secondé par Harry Gregson-Williams. Une des plus grandes réussites de son auteur.</span><br />
<span style="font-size: small;"><br /></span>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2955"><span style="font-size: small;">Fiche Cinelounge</span></a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-iSCLut8eYoY/Vhw0W-l3rsI/AAAAAAAABqw/XiZag3Xzgl0/s1600/tarzan%2Bescapes.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-iSCLut8eYoY/Vhw0W-l3rsI/AAAAAAAABqw/XiZag3Xzgl0/s200/tarzan%2Bescapes.jpg" width="133" /></a><u><b><span style="font-size: small;"><i>Tarzan s'évade</i>, de Richard Thorpe (1936)</span></b></u></div>
<br />
<span style="font-size: small;">Le code Hays est passé par là et cela se ressent. Exit l'érotisme qui faisait tout le charme de la saga. <i><b>Tarzan s'évade</b></i> devient un film d'aventure terriblement lambda, voire même assez foutraque à cause d'un sévère manque d'intrigue, et probablement de certains problèmes de production. Pas moins de cinq réalisateurs sont vraisemblablement passés dessus (dont William Wellman), pour le résultat le plus dispensable possible. Alors certes, quelques moments de bravoure sont toujours là, Johnny Weissmuller assure toujours le show... Mais que de déception face à cette soudaine pudeur apparue dans la saga !</span><br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=9935"><span style="font-size: small;">Fiche Cinelounge </span></a><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-H2opWuME0hw/Vhw4OBvL_jI/AAAAAAAABq8/LZRX23APY34/s1600/play%2Bmisty.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-H2opWuME0hw/Vhw4OBvL_jI/AAAAAAAABq8/LZRX23APY34/s200/play%2Bmisty.jpg" width="133" /></a><u><b><i>Un frisson dans la nuit</i>, de Clint Eastwood (1971)</b></u></div>
<br />
<i>Revisionnage. </i><br />
<br />
Ce qui est absolument remarquable, ça n'est pas tant qu'<i><b>Un frisson dans la nuit</b></i> soit un excellent premier film, mais c'est de se rendre compte à quel point il trace une ligne directrice programmatique dans la carrière de Clint Eastwood. Presque dès le premier plan d'ailleurs, cet incroyable travelling aérien, à la sobriété matricielle. Le film révèle évidemment le grand cinéaste du drame qu'est Eastwood, fin créateur de personnages, comme en témoigne sûrement cette séquence amoureuse sur fond de <i>"The First Time I Ever Saw Your Face"</i>. L'exploit est d'ailleurs double puisque lui-même, acteur, se maîtrise remarquablement bien dans son auto-direction. On pourra toujours imaginer les quelques conseils que lui aura prodigué son mentor Don Siegel, présent dans le casting. Costaud, le Clint.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1327">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-KEjGEYLWO-U/Vhw63UbVFPI/AAAAAAAABrI/5Y8SCU4OsIU/s1600/stage.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-KEjGEYLWO-U/Vhw63UbVFPI/AAAAAAAABrI/5Y8SCU4OsIU/s200/stage.jpg" width="132" /></a><u><b><i>La Chevauchée fantastique</i>, de John Ford (1939)</b></u></div>
<br />
Du western épique signé John Ford, c'est bel et bien <i><b>La Chevauchée fantastique</b></i>. Pour se dire à quel point le film est moderne (ou intemporel, c'est selon), il faut voir comment Ford façonne une action virtuose avec un rythme effréné, tout en prenant le soin de ne jamais délaisser ses personnages, sans pour autant les avoir démystifiés en en disant trop. Évidemment, c'est <i><b>Mad Max : Fury Road</b></i> avant l'heure (et Miller s'y réfère), mais c'est aussi l'instauration de tout ce qui configurera la figure archétypale du western américain, sous son plus beau jour. Rien que le premier plan sur John Wayne, l'iconisant de la manière la plus ultime qui soit, est un moment de cinématographie incroyable et unique. A voir et à revoir, comme un manuel de cinéma.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=3287">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-LT7LEWO8Ap4/Vh7VCeTzZ0I/AAAAAAAABrY/LkiuqvkVRqE/s1600/earthquake.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-LT7LEWO8Ap4/Vh7VCeTzZ0I/AAAAAAAABrY/LkiuqvkVRqE/s200/earthquake.jpg" width="130" /></a><u><b><i>Tremblements de terre</i>, de Mark Robson (1974)</b></u></div>
<br />
Avant <i><b>San Andreas</b></i>, il y avait <i><b>Tremblements de terre</b></i>, dont le film- catastrophe récent est quasiment un remake. Sorti presque en même temps que l'indélogeable <i><b>La Tour infernale</b></i>, il poursuit la mode entamée par <i><b>L'Aventure du Poséidon</b></i>. Sans que le film atteigne le génie du John Guillermin, il en demeure toutefois une aventure certes pas originale pour un sou, mais relativement bien fichue dans sa description du chaos de la catastrophe sismique. En dépit de son âge, le film est visuellement solide, voire même assez impressionnant parfois, tout en se payant le luxe de pouvoir compter sur un chouette casting : le viril Charlton Heston toute comme les apparitions plus légères de Walter Matthau (même s'il faut en revanche endurer l'insupportable - et devenue hideuse de surcroît - Ava Gardner). Alors certes, quelques passages frisent le ridicule, mais la conclusion surprend, et va jusqu'à faire ce que les productions d'aujourd'hui n'osent plus faire. Sympathique pour les amateurs du genre, en somme.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=6299"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=6299">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-TUN6xlCzklM/ViF6FmvtPAI/AAAAAAAABrw/wxmklYhJPS4/s1600/el%2Bdorado.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-TUN6xlCzklM/ViF6FmvtPAI/AAAAAAAABrw/wxmklYhJPS4/s200/el%2Bdorado.jpg" width="137" /></a></div>
<u><b><i>El Dorado</i>, de Howard Hawks (1966)</b></u><br />
<br />
Je trouve souvent très beaux ces westerns de la fin de l'ère classique, un peu perdus dans la nouvelle modernité qui s'installe dans le cinéma américain, et laissant la part belle à ces vieilles vedettes se moquant mutuellement de leur état déplorable. <b><i>El Dorado</i></b> peut évidemment s'apparenter à une forme d'écho vis-à-vis de <b><i>Rio Bravo</i></b>, mais peut-être plus décomplexé, l'âge des protagonistes jouant, et laissant la part belle à un esprit plus jeune, ici incarné par le pétaradant James Caan. C'est une histoire où les personnages sont superbes, extrêmement attachants. En parallèle, Hawks ne se prive pas de réaliser un génial western d'action, aux fusillades dynamiques, modernes, sans musique... Aucun doute sur le fait que Michael Mann soit allé (en partie, du moins) chercher chez Hawks sa manière si crue de filmer ses gunfights. Remarque un peu triviale, mais j'ai trouvé le sound-design des armes particulièrement réussi. Au moins autant que cette somptueuse chanson d'introduction. Bref, un beau western que voilà.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2077">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-fEjNwqZ9RDY/ViF_qgiyTjI/AAAAAAAABsA/MbGO9ADTVp8/s1600/les%2Bproies.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-fEjNwqZ9RDY/ViF_qgiyTjI/AAAAAAAABsA/MbGO9ADTVp8/s200/les%2Bproies.jpg" width="137" /></a><u><b><i>Les Proies</i>, de Don Siegel (1971)</b></u></div>
<i><br /></i>
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
Œuvre sûrement la plus méconnue de l'incroyable collaboration entre Don Siegel et Clint Eastwood, <b><i>Les Proies</i></b> figure sans aucun doute parmi ses plus grandes réussites, sorti la même année (excusez du peu) que <b><i>L'Inspecteur Harry</i></b> (trilogie de chef-d’œuvres complétée plus tard par <b><i>L'Evadé d'Alcatraz</i></b>). Parfait film du Nouvel Hollywood, montrant une fois de plus comment Siegel, ce vieux briscard élevé à la série B, a su se métamorphoser avec son temps, il comporte aussi l'une des meilleures interprétations d'Eastwood, tout simplement. Il transcende ici cette inquiétante figure fantomatique et perverse (comme il le fera aussi, légèrement différent, dans <b><i>L'Homme des hautes plaines</i></b>, sorti deux ans plus tard). Western qui finalement n'en est pas du tout un, film sur la guerre de Sécession sans bataille, romances multipliées sans amour, le film de Siegel exploite judicieusement cet envers du décor, comme l'envers de son acteur, finalement. Une tragédie glauque, terrifiante, géniale.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2268">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-ScH-GopX5HA/ViGBekWd5JI/AAAAAAAABsM/DgMXNgcviYM/s1600/rampage.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-ScH-GopX5HA/ViGBekWd5JI/AAAAAAAABsM/DgMXNgcviYM/s200/rampage.jpg" width="130" /></a></div>
<u><b><i>Le Sang du châtiment</i>, de William Friedkin (1987)</b></u><br />
<br />
Film plutôt compliqué pour son auteur (l'ayant complètement remonté dans une <i>director's cut</i> - version vue ici - qui change le fond politique du film), <b><i>Le Sang du châtiment</i></b> est en fin de compte autant maladroit que passionnant. Pas réellement abouti sur la forme, assez pauvre compte-tenu des films du même réalisateur, malgré quelques fulgurances visuelles, il pose tout de même des questions de fond réellement entraînantes sur le pour et le contre de la peine capitale. Moralement discutable, et se revendiquant comme tel, il expose froidement, dans ce montage alternatif, sa vision de la chose, assez intelligemment pensée pour remettre en question, le temps de quelques secondes, des principes pourtant déjà bien acquis dans la culture européenne. Si l'on veut d'ailleurs s'amuser à poursuivre le fameux parallèle entre les carrières de Michael Mann et William Friedkin, on pourra toujours remarquer que, d'une certaine manière, <i><b>Le Sang du châtiment</b></i> répond à des questions posées dans <b><i>Le Sixième sens </i></b><i>(Manhunter</i>, sorti l'année auparavant). Et inversement. Assez intrigant. <br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=14879">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-bmfdCIXCoDU/VjFWo5SmPDI/AAAAAAAABtI/ukdBnoa3WnI/s1600/westward.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-bmfdCIXCoDU/VjFWo5SmPDI/AAAAAAAABtI/ukdBnoa3WnI/s200/westward.jpg" width="127" /></a><u><b><i>Convoi de femmes</i>, de William A. Wellman (1951)</b></u></div>
<br />
On pense régulièrement que le western est un genre profondément macho. Pourtant, force est de constater que bien des grands westerns offrent des rôles de choix aux femmes, premiers rôles ou seconds rôles, et <b><i>Convoi de femmes</i></b> l’illustre encore mieux. L'enjeu est des plus primaires mais pourtant universel : amener des femelles à une tribu d'hommes perdue dans les confins de l'Ouest. Et la perspective d'un film d'aventures mettant en scène une majorité de protagonistes féminins marche parfaitement, sans que Wellman n'en face trop : chaque femme trouve une place juste et contribue à la survie du groupe dans des terres hostiles. Robert Taylor (qui n'a jamais été non plus un brillant acteur, malgré ses beaux rôles) se voit quasiment voler la vedette par son escorte féminine. Bref, un western moderne, honnête, dynamique, prenant, qu'il serait bon de redécouvrir.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=23446">Fiche Cinelounge</a><br />
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<i><br /></i>
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-p2AURsm-h4E/VjFX7hfTi1I/AAAAAAAABtU/x_1_6b9ZzRU/s1600/coogan.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-p2AURsm-h4E/VjFX7hfTi1I/AAAAAAAABtU/x_1_6b9ZzRU/s200/coogan.jpg" width="128" /></a><u><b><i>Un shérif à New-York</i>, de Don Siegel (1968)</b></u><br />
<br />
<i>Revisionnage. </i><br />
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Évidemment, <b><i>Un shérif à New-york</i></b> paraît plus anodin à la vue des autres collaborations entre Eastwood et Don Siegel. Pourtant le film, aussi imparfait soit-il, a de quoi largement préfigurer <b><i>L'Inspecteur Harry</i></b> tout en affirmant la volonté de Siegel de rentrer dans cette nouvelle mouvance jeune du Nouvel Hollywood (encore lui, décidément, on y revient tout le temps). Si le déroulement de l'action est tout ce qu'il y a de plus convenu, la manière avec laquelle Siegel le filme, filme cet univers moderne, cette nouvelle jeunesse décadente, recèle l'essentiel de l'intérêt du film, finalement assez moderne, et faisant habilement le pont entre l'Ouest et l'Est, l'époque classique et l'époque moderne. Et puis, une fois de plus, retrouver Eastwood dans cette figure autoritaire sans merci, cela ne se refuse pas, surtout chez Siegel, qui ne fait de cadeaux à personne.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2271">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-QVWq7eibMpY/Vjvm6EJJHeI/AAAAAAAABuw/jO8ew29Qn2E/s1600/duel.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-QVWq7eibMpY/Vjvm6EJJHeI/AAAAAAAABuw/jO8ew29Qn2E/s200/duel.jpg" width="148" /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<u><b><i>Duel</i>, de Steven Spielberg (1971)</b></u></div>
<br />
<i>Revisionnage.</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
Il y en a qui sont comme ça : à peine arrivés, ils cassent la baraque. Ce sont des Orson Welles, des Ridley Scott, des James Gray, que sais-je encore... Mieux : certains se payent le luxe de donner des leçons de cinéma avec un téléfilm. <b><i>Duel</i></b>, c'est évidemment tout ceci. C'est surtout incroyable. D'autant plus qu'avec la récente version restaurée en blu-ray, on peut enfin découvrir le film dans un format qui l'émancipe plus ou moins du média télévisuel original, désormais conforme à son exploitation cinématographique. Car si le cadre en 4/3 était déjà redoutablement anxiogène, aucun doute sur le fait que Spielberg sache alors déjà manier, avec une virtuosité incroyable, le moins étroit 1.85 avec lequel il fera des merveilles dans une bonne partie de sa carrière. Derrière ses formes d'exercice de style, c'est un pur film de son temps, où l'écriture de Richard Matheson confronte l'Amérique à elle-même, à son vide, à ses inquiétudes névrosées. Bref, à découvrir et à redécouvrir comme une leçon universelle, évidemment de mise en scène mais plus simplement d'écriture, ici prouesse d'efficacité et de simplicité. Peut-être que celui qui l'aura le mieux compris aujourd'hui, c'est George Miller et son <i><b>Fury Road</b></i>.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1155">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-eV4eGrbtfD8/VjvotAT7zuI/AAAAAAAABu8/HpRgvPtv8NQ/s1600/shootout.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-eV4eGrbtfD8/VjvotAT7zuI/AAAAAAAABu8/HpRgvPtv8NQ/s200/shootout.jpg" width="132" /></a></div>
<u><b><i>Quand siffle la dernière balle</i>, d'Henry Hathaway (1971)</b></u><br />
<br />
Évidemment, j'aime cette figure patriarcale de Gregory Peck, que ce soit au figurée (dans <i><b>Moby Dick</b></i>) ou au sens propre (dans <i><b>Du Silence et des ombres</b></i>), donc un film d'Hathaway tournant explicitement autour de la thématique ne peut que me charmer. Mais pas complètement, finalement. Alors certes, on va retrouver plein de valeurs solides qui sont plus ou moins propres au réalisateur, sans ici qu'il soit particulièrement inspiré, mais le plus gênant demeure la quête de parenté. Trop naïve, trop niaise même, elle semble ramollir le film et Peck lui-même. Et c'est bien dommage car le reste ne manque pas nécessairement de saveur ou même de violence, à laquelle Peck va évidemment répondre pour protéger sa progéniture imposée. Plus simplement, disons que c'est bien tourné, mais un peu convenu et peut-être un peu dispensable dans la filmographie d'Hathaway.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=13981">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-iIn6HXnfB54/VjzA8_pky8I/AAAAAAAABvM/Uyf-mudRnMc/s1600/mother.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-iIn6HXnfB54/VjzA8_pky8I/AAAAAAAABvM/Uyf-mudRnMc/s200/mother.jpg" width="134" /></a><u><b><i>Mother</i>, de Bong Joon-Ho (2009)</b></u></div>
<br />
Un film assez étonnant. Car si <i><b>Mother</b></i> reprend la plupart des codes ou ficelles du thriller à la coréenne, l'injection d'un ton éminemment plus dramatique et intime (bien que cette dimension soit souvent restée présente) lui donne sa singularité. Surtout grâce à ce personnage de la mère, évidemment, fascinante et belle, remarquablement interprétée par Kim Hye-Ja, qui lutte pour la vie de son enfant. Et Bong Joon-Ho a finalement bien compris la simplicité nécessaire pour traiter de cette histoire : contrairement à certain de ses homologues ou ses autres films, ici, pas de chichi. C'est alors très agréable de pouvoir voir un cinéma de ce genre, habitué à l'excès, revenir aux choses simples. Simples comme cette séquence d'ouverture, où la mère danse dans les herbes en friche. En parallèle, le film sonde un passé tumultueux, matriciel de la violence, à mettre en parallèle avec celui de la Corée. Bref, un beau film.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=782">Fiche Cinelounge</a><br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6423083980187720142.post-52226950780623588752015-10-07T21:48:00.000+02:002015-10-07T21:52:56.839+02:00[Critique] Prometheus - Ridley Scott (2012)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-mgb0mvJ4XmA/Vglu1mPiIEI/AAAAAAAABoo/CvgpV-BeXQQ/s1600/prometheus.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="http://2.bp.blogspot.com/-mgb0mvJ4XmA/Vglu1mPiIEI/AAAAAAAABoo/CvgpV-BeXQQ/s400/prometheus.jpg" width="270" /></a></div>
<span style="font-size: small;"><u>Réalisateur</u> : <b>Ridley Scott</b></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><u>Scénaristes</u> : <b>Jon Spaith, Damon Lindelof</b></span><br />
<div style="text-align: left;">
<br />
<span style="font-size: small;"><u>Avec</u> : <b>Noomi Rapace, Michael Fassbender, Charlize Theron</b></span></div>
<div style="text-align: left;">
<br />
<span style="font-size: small;"><u>Directeur de la photographie</u> : <b>Dariusz Wolski</b><u> </u></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><u>Compositeurs</u> : <b>Marc Streitenfeld, Harry Gregson-Williams</b></span> </div>
<div style="text-align: left;">
<br />
<span class="taxContent" style="font-size: small;"><u>Monteur</u> : </span><span style="font-size: small;"><b><span class="taxContent">Pietro Scalia</span></b></span> </div>
<div style="text-align: left;">
<br />
<span class="taxContent" style="font-size: small;"><span class="taxContent"><u>Genre</u> :<b> Science-fiction</b></span></span> </div>
<div style="text-align: left;">
<br />
<span class="taxContent" style="font-size: small;"><span class="taxContent"><u><span class="taxContent"><span class="taxContent">Nationalité</span></span></u><span class="taxContent"><span class="taxContent"> :</span></span><b><span class="taxContent"><span class="taxContent"><b> </b></span></span><span class="taxContent"><span class="taxContent">États-Unis, Royaume-Uni</span></span></b></span></span><span style="font-size: small;"><b>
</b><b>
</b></span>
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<span class="taxContent" style="font-size: small;"><span class="taxContent"><u>Durée</u> : <b>2h04</b></span></span>
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<span class="taxContent" style="font-size: small;"><span class="taxContent"><span class="taxContent"><span class="taxContent"><u>Année de sortie</u> :</span></span><b><span class="taxContent"><span class="taxContent"> 2012</span></span></b></span></span><br />
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<span class="taxContent" style="font-size: small;"><span class="taxContent"><b><span class="taxContent"><span class="taxContent"> </span></span></b></span></span><span style="font-size: small;"><a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=14318" target="_blank">Fiche Cinelounge</a></span></div>
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<span style="font-size: large;"><i><b>"</b><u><b>DAVID RÊVE-T-IL DE MOUTONS ÉLECTRIQUES ?</b></u><b>"</b></i></span></div>
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Dès l'ouverture, il n'y a pas de long plan panoramique sur l'espace transcendé par l'inquiétante et fantomatique musique de Jerry Goldsmith, il n'y a pas de vaisseau-château-hanté à la dérive, pas plus de bourdonnement étouffant... <i><b>Prometheus</b></i> n'est pas <b><i>Alien : le huitième passager</i></b>, ni une de ses suites. La comparaison est peut-être aplatie et trop évidente, mais il n'en reste pas moins bon de le rappeler quant à un film mal reçu, surtout mal interprété. Œuvre majeure mais complexe de la période contemporaine de Ridley Scott, il dessine une fois de plus le clivage qui règne entre le sir britannique et son public depuis l'échec de<b><i> Blade Runner</i></b>, entre temps trop peu ponctué par quelques (mais rares) succès tantôt commerciaux, tantôt juste d'estime. Comme d'autres, Ridley Scott est un cinéaste désormais en décalage avec son temps et son spectateur, et bien que film de science-fiction, genre revenu en grâce après <i><b>Avatar</b></i>, cette alternative à l'univers autrefois créé par Dan O'Bannon et Ronald Shusett ne pouvait souffrir que d'incompréhension.</div>
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-Lth8OF9Dr8A/VgVB31Ry5xI/AAAAAAAABno/1lVQyFOzWgs/s1600/vlcsnap-2015-02-03-02h11m02s98.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="221" src="http://3.bp.blogspot.com/-Lth8OF9Dr8A/VgVB31Ry5xI/AAAAAAAABno/1lVQyFOzWgs/s400/vlcsnap-2015-02-03-02h11m02s98.jpg" width="540" /></a></div>
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Ici, dès l'ouverture, Scott préfère convoquer Kubrick dans la découverte d'une planète - la nôtre, alors que la musique de Marc Streitenfeld, énigmatique sans être oppressante, avec une touche de majesté, invite à la découverte. Et c'est là où se façonne déjà <b><i>Prometheus</i></b>, où il devient programmatique sur ce qui va être central dans son récit : mythologie et exploration. Et c'est aussi là où l'ADN du film diverge de la saga originelle, bien que les racines soient les mêmes. Si l'approche mythologique d'<b><i>Alien </i></b>se traduisait par une sorte de cauchemar psychanalytique (un viol dans une forteresse délabrée), si l'exploration se résumait à l'incompréhension des "camionneurs de l'espace" face au <i>Nostromo </i>et à la silhouette funeste du fameux <i>Space Jokey</i>, <i><b>Prometheus</b></i> l'aborde alors d'un œil différent. Sans nécessairement avoir à démystifier son parent, presque à la manière de <i><b>2010 : L'Année du premier contact</b></i>, il explore et s'interroge sur son propre univers avec un regard devenu plus raffiné, tout en prenant soin de ne pas délivrer toutes les réponses (ce qui lui aura d'ailleurs été dûment reproché). Et pour mieux percevoir pourquoi ça n'est pas qu'un simple miroir déformant d'<i><b>Alien</b></i>, il faut sans doute se tourner vers ses personnages, qui peut-être illuminent mieux les volontés de son auteur.</div>
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En plaçant Elizabeth Shaw (la raffinée Noomi Rapace) au centre de son récit, qui en dépit de son statut de personnage féminin fort (récurrence chez Ridley Scott) ne partage pas grand chose avec Ellen Ripley, Scott est aussi explicite sur ses enjeux personnels : la croyance, sujet malgré tout fort chez l'auteur agnostique. Thème qui évidemment recoupe l'approche mythologique du film. Shaw s'apparente alors peut-être davantage à l'exploratrice qu'est Jodie Foster dans <b><i>Contact</i></b> de Robert Zemeckis : <b><i>Prometheus </i></b>est un film où l'on <i>"choisit de croire"</i>. Parallèlement à cette interprétation de la croyance à l'aube du XXIIème siècle, on peut aussi confronter celle qu'exploite plus tard Scott dans l'Antiquité d'<b><i>Exodus : Gods and Kings</i></b>. Mais c'est aussi un film où l'on choisit d'être, comme David (Michael Fassbender, ici au paroxysme de son incroyable magnétisme). Le nouvel "homme de synthèse" [1] ne ressemble véritablement à aucun des précédents, sans doute encore moins à l'inquiétant et dysfonctionnel Ash. En revanche, il faut sûrement établir une parenté avec un certain Roy Batty, le répliquant de <i><b>Blade Runner</b></i>, elle-même assez révélatrice. Les deux androïdes, aryens de surcroît, sont en quête d'humanité et d'émancipation. David est un être complexe, mais avec Shaw il est sûrement le reflet le plus exact du film, se pavanant d'ailleurs en citant Peter O'Toole dans <b><i>Lawrence d'Arabie</i></b>, un détail qui ne peut pas être fortuit ou gratuit quand on connaît la place qu'occupe David Lean chez Scott. C'est là peut-être l'un des plus grands centres d'intérêt du film, cet ambigu personnage aux questionnements infinis dans sa quête d'imperfection humaine, le seul qui, d'ailleurs, articule autant la mise en scène autour de lui, dans un malin jeu de centrage et d'excentrage dans les cadres par rapport aux autres protagonistes humains.<br />
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-jp6I_daWZ58/Vgh1z7w3wNI/AAAAAAAABn4/hzACKMyebxA/s1600/vlcsnap-2015-02-03-02h27m50s195.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="224" src="http://1.bp.blogspot.com/-jp6I_daWZ58/Vgh1z7w3wNI/AAAAAAAABn4/hzACKMyebxA/s400/vlcsnap-2015-02-03-02h27m50s195.jpg" width="540" /></a></div>
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Et comme il n'y a pas de création sans créateur, <i><b>Prometheus</b></i> prend un malin plaisir à confronter les uns avec les autres, systématiquement déçus de leurs Dieux, de leurs géniteurs, de gens qui ont bassement créé <i>"parce qu'ils le pouvaient"</i> comme l'explique on-ne-peut-plus-naturellement Holloway à David (une des raisons du mépris de ce dernier pour le scientifique, devenant par la suite son propre rat de laboratoire). Mais eux-mêmes, créateurs, rejettent leur invention, affiliant alors assez explicitement le film de Ridley Scott au <i>Frankenstein</i> de Mary Shelley, autrement intitulé... <i>Le Prométhée Moderne</i>. Maintenant, qui serait, originellement, le fameux docteur ? Le vieux dégénéré qu'est Peter Weyland ? Peut-être un peu, mais pas tant que cela, lui qui justement renie sa création naturelle pour préférer la synthétique, et qui a sans doute encore plus à voir avec Tyrell de <b><i>Blade Runner</i></b>, directeur de la corporation éponyme <span style="font-size: small;">[3]</span>. Il faut sûrement se tourner vers ces fameux Ingénieurs, divins par leur stature d'antiques grecs, mais finalement tellement humains dans leur vanité, leur goût du pouvoir, de la guerre (LV-223 est avant tout un laboratoire d'armes de destruction massive pour la guerre bactériologique, thématique d'ailleurs d'actualité s'il en est)... et leur mortalité. C'est une morale nihiliste, à l'issue toujours funeste bien que <i>"la vie trouve toujours son chemin"</i> pour citer un autre film traitant de création. Elle semble même être sans fin, condamnée à se répéter, comme d'autre part elle le fait ailleurs chez Ridley Scott (de <i><b>Kingdom of Heaven</b></i> à <i><b>Mensonges d'Etat</b></i> notamment), réalisateur systématiquement assez pessimiste dans sa description de l'humanité et de son système voué à l'échec, tant dans l'Histoire que dans les projections futures que permet la science-fiction.<br />
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Cette même science-fiction qui d'ailleurs, est le bastion idéal pour les expérimentations techniques de Ridley Scott, signant ici non seulement son premier film en numérique mais aussi en stéréoscopie (native, qui plus est, c'est à noter tant le geste devient quasiment rare à Hollywood). Soit dit en passant, cette parenthèse sur la forme technique n'est pas nécessairement gratuite : le changement de format va de paire avec les différences souhaitées par Ridley Scott. <i><b>Prometheus</b></i> enchaîne des citations picturales à la composition rarement égalée (entre autre cet incroyable plan large sur la tempête électro-magnétique qui convoque la palette de Gérôme), notamment permise par la technologie numérique et le contrôle de l'image, allant alors de paire avec le ton d'aventure plutôt épique observé par le film. D'ailleurs le "contrôle", c'est peut-être le terme qui qualifie le mieux la réalisation de Scott, ne laissant ici rien au hasard et millimètrant chaque mouvement de caméra ou chaque source lumineuse présente dans le cadre. Et comme le sujet impose cette rigueur autant que le travail en stéréoscopie, permettant de repenser la profondeur de champ ou le travail sur le décor (à noter la richesse du <i>production design</i> d'Arthur Max), Scott, en merveilleux architecte pictural, s'y retrouve pleinement, collaborant d'ailleurs avec Dariusz Wolski, lui-même autrefois directeur de la photographie chez Tony Scott. Au paroxysme de sa modernité, Ridley Scott parvient à faire la jonction quasiment idéale avec son passif.<br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-5TICGfszBcg/VglowRdLw5I/AAAAAAAABoY/zDJDRVjjHDU/s1600/vlcsnap-2015-09-28-18h20m12s674.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="224" src="http://4.bp.blogspot.com/-5TICGfszBcg/VglowRdLw5I/AAAAAAAABoY/zDJDRVjjHDU/s400/vlcsnap-2015-09-28-18h20m12s674.jpg" width="540" /></a></div>
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Et c'est là où <i><b>Prometheus</b></i> prend la dimension d'un film synthétique, autant pour la filmographie de Ridley Scott que pour le genre en question. En reprenant discrètement l'héritage d'<b><i>Alien</i></b> (comme en témoigne, par exemple, l'unique et subtile citation musicale de Jerry Goldsmith lors du briefing), il parvient toutefois à lorgner davantage du côté de la mythologie de <i><b>Blade Runne</b><b>r</b></i>. Mais il est aussi, au passage, une réponse, ou tout du moins une alternative, à <b><i>Avatar</i></b>, qui lui-même pouvait se voir comme une suite fantasmée de l'adaptation de K. Dick (cf. le montage<i> extended cut</i> [3]). Mais c'est peut-être aussi son tort pour certains. Dans sa synthèse et sa quête de modernité, il se retrouve à mi-chemin entre les exigences d'un studio à la recherche d'un "préquel/reboot" commercial et un film d'auteur peut-être plus exigeant. Largement amputé au montage (en dépit du travail soigné et précis de Pietro Scalia) et sans version longue, <i><b>Prometheus</b></i> peine également parfois a avoir une réelle homogénéité dans son écriture. S'y côtoient alors des séquences, dialogues, ambiances passionnantes (fruits de la proche collaboration entre Ridley Scott et ses deux scénaristes) mais aussi d'autres errements ou facilités dans la forme du récit (jamais dans le fond) qui rappellent davantage la nature chimérique du projet en lui-même. Mais si c'est le scénariste Damon Lindelof qui a notamment été visé par les critiques, il ne faut pas nécessairement perdre de vue que le script original de Jon Spaith (<i>"Alien : Engineers</i>") peinait justement à proposer plus qu'un simple préquel. L'ambition, aussi maladroitement puisse-t-elle s'exprimer parfois, injectée dans la ré-écriture, davantage façonnée par une mythologie du mystère façon <b><i>X-Files</i></b>, fait peut-être finalement toute la différence et contribue à créer un univers qui s'émancipe. Par conséquent, une nouvelle saga regorgeant de potentiel.<br />
<br />
Alors que Ridley Scott maintient depuis une allure de croisière qui force le respect, enchaînant des productions majeures, la mise en chantier de la suite de <i><b>Prometheus</b></i> (d'ailleurs récemment intitulée <b><i>Alien : Paradise Lost</i></b>, sans doute dans un soucis de commercialité vis-à-vis de la Fox) ouvre les perspectives les plus intéressantes qui soient. Signant ici un film important de son ère contemporaine, toutefois marqué par une réception largement en demi-teinte, il confirme sa position d'auteur assez unique en son genre à Hollywood, comme il l'a sûrement toujours été. Peut-être soumis à bien plus d'imperfections que ses nombreux illustres aînés dans la carrière de Ridley Scott, <i><b>Prometheus</b></i> se doit éventuellement d'être redécouvert, comme un certain nombre de films du réalisateur l'ont été avant une reconnaissance plus juste [4]. Aujourd'hui, Scott met de nouveau le cap vers l'espace dans <b><i>Seul sur Mars</i></b> (ma critique est à lire sur <a href="http://www.filmosphere.com/movies/seul-sur-mars-ridley-scott-2015/">Filmosphere.com</a>), qui peut également être perçu comme une forme de réponse positive à <i><b>Prometheus</b></i>, rendant le film d'autant plus intéressant, d'autant plus complémentaire et vital dans cette riche carrière de vieux maestro superactif.</div>
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-P7P-WWyFvtM/VhVTEU1sBYI/AAAAAAAABpk/GrA4DO1t8ow/s1600/vlcsnap-2015-02-03-02h26m28s148.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="224" src="http://3.bp.blogspot.com/-P7P-WWyFvtM/VhVTEU1sBYI/AAAAAAAABpk/GrA4DO1t8ow/s400/vlcsnap-2015-02-03-02h26m28s148.jpg" width="540" /></a></div>
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<span style="font-size: small;">[1] On en profitera tout de même pour noter que le choix du prénom, David, n'est peut-être pas anodin pour un androïde, succédant à Ash, Bishop et Call.</span><br />
<span style="font-size: small;"><br /></span>
<span style="font-size: small;">[2] D'ailleurs, ça n'est peut-être pas non plus un hasard si le bureau virtuel de Weyland
ressemble étrangement à celui de Tyrell, marqué par ses colonnes et sa
vue sur le paysage urbain baigné dans une lumière crépusculaire</span><br />
<span style="font-size: small;"><a href="http://i.imgur.com/ZEGLdoC.jpg">http://i.imgur.com/ZEGLdoC.jpg</a></span><br />
<span style="font-size: small;"><a href="http://i.imgur.com/wAbM1Ji.jpg" target="_blank">http://i.imgur.com/wAbM1Ji.jpg </a></span></div>
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<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
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<span style="font-size: small;">[3] La vision du futur d'<i><b>Avatar</b></i>, l'obsession de la conquête et de la colonisation rappellent les fameux "mondes extérieurs" dont il est régulièrement mention dans <b><i>Blade Runner</i></b>, où ont fui les terriens les plus nantis. Dans la version <i>extended cut</i>, toute l'ouverture du film se déroule dans une ville futuriste quasiment calquée sur le Los Angeles du film de Scott, marquée par les corporations industrielles qui communiquent d'un film à l'autre (Weyland-Yutani / Tyrell Corporation / RDA).</span><br />
<span style="font-size: small;">http://i.imgur.com/uGRY9gK.jpg </span></div>
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<span style="font-size: small;"><br /></span></div>
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<span style="font-size: small;">[4] Dont <b><i>Blade Runner</i></b>, redécouvert par le grand public grâce à sa <i>director's cut</i> en vidéo, puis également <b><i>Kingdom of Heaven</i></b>.</span></div>
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="304" src="https://www.youtube.com/embed/sftuxbvGwiU" width="540"></iframe></div>
Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6423083980187720142.post-48867765491073373202015-09-29T16:23:00.000+02:002015-09-29T16:23:09.817+02:00Un an !<div style="text-align: justify;">
<b>Youpi tralala, voilà, mon petit blog fête sa première année ! </b><br />
<br />
Merci à tous ceux qui m'ont encouragé et qui me lisent, et j'espère que d'une manière ou d'une autre, la lecture de ces différents articles vous aura fait découvrir ou redécouvrir des films, ou tout simplement fait passer un bon moment en discutant à propos du cinéma. Dans la mesure où je cherche toujours à faire évoluer le site, à le rendre plus interactif et plus dynamique, je suis d'ailleurs preneur de tout conseil ou critique ! Reste maintenant plus qu'à continuer cette petite aventure... (et à rattraper le monstrueux retard que j'ai dans mes articles !). </div>
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Et maintenant, place à la fête !</div>
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-4RCpNEiV6rA/VgqNdNhvQyI/AAAAAAAABo4/Sf7w5UVS1_4/s1600/party%2B2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="347" src="http://2.bp.blogspot.com/-4RCpNEiV6rA/VgqNdNhvQyI/AAAAAAAABo4/Sf7w5UVS1_4/s400/party%2B2.jpg" width="540" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
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Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6423083980187720142.post-90164467918894506222015-09-21T23:38:00.001+02:002015-11-09T14:55:26.981+01:00[Avis en vrac] Vus et revus en 2015 #6<div style="text-align: justify;">
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-dtGxspd_HFg/VgBy7fsYOMI/AAAAAAAABfs/u_Rf95ZdVUI/s1600/dheepan.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="359" src="http://1.bp.blogspot.com/-dtGxspd_HFg/VgBy7fsYOMI/AAAAAAAABfs/u_Rf95ZdVUI/s400/dheepan.jpg" width="540" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Dheepan</b></i>, de Jacques Audiard (2015)</td><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><br /></td><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><br /></td></tr>
</tbody></table>
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<br />
<span style="font-size: large;"><u><b>AU CINÉMA - ACTUALITÉS</b></u></span><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-Kcxn8JTHOoI/VgBz9IzFn6I/AAAAAAAABf8/wrpmWgCemWM/s1600/dheepan.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-Kcxn8JTHOoI/VgBz9IzFn6I/AAAAAAAABf8/wrpmWgCemWM/s200/dheepan.jpg" width="147" /></a><u><b><i>Dheepan</i>, de Jacques Audiard (2015)</b></u><br />
<br />
Il semblerait que le nouveau Jacques Audiard déchaîne les foudres, quoique personnellement je pense qu'il faille en attribuer une bonne partie au classique revers de la médaille de la Palme d'Or. Mais <i><b>Dheepan</b></i>, c'est quelque part un film qu'il faut aborder sous le bon angle, et peut-être pas depuis le prisme finalement assez déformant du film social, exercice auquel il aurait pu se prêter. Car bien que film tout de même très politique, au constat sévère, c'est surtout une histoire, avec des fulgurances plus ou moins fantastiques, qui est racontée (il faudrait d'ailleurs peut-être repenser à l'ancien titre, <i>"L'homme qui n'aimait plus la guerre"</i>). En mêlant le réel à l'irréel, Audiard est délibérément ambigü sur la nature de son film, jusqu'à même son (remarquable) final, en conjuguant cela évidemment à un sens formel hors-du-commun. Et bien qu'on puisse trouver parfois quelques facilités ou encore sûrement des imperfections sur lesquelles certains s'acharneront, elles contribuent peut-être aussi au charme du film, en témoignant de la complexité du projet. Mais il faut bien admettre qu'Audiard y a mis, d'une manière ou d'une autre, tout son cœur, et surtout toutes ses tripes.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=56312" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=56312" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-P4FcNmURLvo/VgB5xmTiacI/AAAAAAAABgI/6huMhGJgp0Q/s1600/rogue%2Bnation.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-P4FcNmURLvo/VgB5xmTiacI/AAAAAAAABgI/6huMhGJgp0Q/s200/rogue%2Bnation.jpg" width="128" /></a><b><u><i>Mission Impossible - Rogue Nation</i>, de Christopher McQuarrie (2015)</u></b></div>
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Après la très grande réussite de <i><b>Ghost Protocol</b></i>, il fallait avoir bien du courage pour essayer de faire mieux que Brad Bird. Mais si ma confiance en McQuarrie, scénariste de renom mais réalisateur peut-être moins achevé, était limitée, force est de croire que j'étais dans l'erreur. Il signe avec <i><b>Rogue Nation</b></i> un film d'action d'une assez grande maîtrise, peut-être au point d'être le meilleur opus avec le volet de DePalma. C'est un film où il y a un vrai sens de l'écriture pour amener l'aventure, ou les mésaventures du personnage d'Ethan Hunt. Point culminant atteint, évidemment, lors d'une scène remarquable à l'opéra en forme de remake du climax de <i><b>L'Homme qui en savait trop</b></i> (la version de 1956), sur fond de <i>Nessun Dorma</i>. Magistral. Et n'est-ce pas merveilleux, quelque part, d'avoir un film qui, de la sorte, fait cet hommage à Hitchcock, dans une licence cinématographique initialement entamée par DePalma ? 2015 apparaît comme un sacré cru d'action, et c'est assez rare pour qu'il faille le mentionner. Et enfin Tom Cruise, quel homme!<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=47086" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-iAnyslqxJQ4/VgB6hG_qV8I/AAAAAAAABgQ/Wgvk2aGxro0/s1600/program.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-iAnyslqxJQ4/VgB6hG_qV8I/AAAAAAAABgQ/Wgvk2aGxro0/s200/program.jpg" width="139" /></a><u><b><i>The Program</i>, de Stephen Frears (2015)</b></u><br />
<br />
Derrière ses airs de biopic "à la mode", le dernier film de Stephen Frears se paye tout de même un des scandales les plus intéressants de l'époque contemporaine. Parce que si la culpabilité de Lance Armstrong a aujourd'hui été reconnue, le personnage n'en reste pas moins passionnant, et ça Frears l'a très bien compris. <i><b>The Program</b></i> est de la sorte un film sur un coureur qui ne voulait que gagner quand c'était impossible, alors corrompu par un système qui lui a donné la possibilité d'être champion. C'est presque un personnage qui pourrait être quelque part entre le Mark Zuckerberg de <i><b>The Social Network</b></i> (film avec lequel le scénario du Frears, au ton parfois "sorkinien", partage quelques similitudes de traitement) et le Chris Kyle d'<i><b>American Sniper</b></i>... Et en dépit de ses agissements parfois hautement contestables, c'est un humain que jamais Frears ne méprise, plutôt fasciné par la personne, ses complexes et contradictions. C'est juste l'histoire d'un type qui s'est noyé dans le grand mensonge qu'était son rêve. En parallèle, Stephen Frears s'offre également quelques superbes scènes de course de vélo, peut-être trop rares tant elles sont remarquablement bien filmées, avec une touche d'esthétisme et une adrénaline qui pourrait presque convoquer <i><b>Rush</b></i>. Belle déconstruction d'un rêve américain chiqué.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=61830" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-Tkm_FwHw2Ao/VgB7Pl1bDeI/AAAAAAAABgc/rcTFhBSo-ak/s1600/life.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-Tkm_FwHw2Ao/VgB7Pl1bDeI/AAAAAAAABgc/rcTFhBSo-ak/s200/life.jpg" width="146" /></a><u><b><i>Life</i>, d'Anton Corbijn (2015)</b></u></div>
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Bien décidé à suivre de très près la (nouvelle) carrière de Robert Pattison, <i><b>Life</b></i> était un projet qui captait toute mon attention, cumulant à la fois réalisateur et acteur idéaux pour la (dé)construction d'un mythe de la jeunesse par la photographie. Cependant, quelque chose s'égare en route et le film de Corbijn perd peut-être davantage en intérêt au fur et à mesure qu'il se recentre sur James Dean. Car c'est là tout le reproche que j'ai sûrement à faire au film : James Dean. Outre le personnage, peut-être un peu trop plat pour que l'on s'y intéresse franchement, c'est surtout l'interprète Dane DeHaan qui plombe l'ensemble, enfermé dans la singerie de l'idole. Et immédiatement il y a un énorme décalage qui se créé avec Pattison, d'ailleurs fabuleux, et surtout libre de ne rien avoir à imiter. J'en viens alors à regretter que Corbijn n'ait pas laissé le personnage de Dean comme une ombre au-dessus du récit, une sorte de silhouette qui échappe toujours aux protagonistes du film, un personnage fuyant et insaisissable comme le décrit justement Pattison lui-même, en recentrant le récit sur le personnage de ce dernier, façon <i><b>Inside Llewyn Davis</b></i>. Malgré tout, <i><b>Life</b></i> reste un film intrigant dans les thématiques qu'il entreprend sur l'image, sur jouer, et sur la société américaine, car Corbijn est un cinéaste doué dans la dissection du vide existentiel de ses personnages, en plus d'être tout simplement un excellent metteur en scène (ici d'autant plus relevé par la très belle photographie de Charlotte Bruus Christensen). Mais même s'il en reste une œuvre intéressante, difficile de cacher tout de même une certaine déception.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=57067" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-0nsKTqn-C-s/VgB8LhEnAQI/AAAAAAAABgk/Xd2fFSfI0Fg/s1600/testament.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-0nsKTqn-C-s/VgB8LhEnAQI/AAAAAAAABgk/Xd2fFSfI0Fg/s200/testament.jpg" width="150" /></a><u><b><i>Le Tout Nouveau Testament</i>, de Jaco Van Dormael (2015)</b></u><br />
<br />
On s'accordera sûrement tous à dire que l'idée de base est géniale, Dieu péquenaud de première classe qui passe son temps à faire chier l'humanité. Mais comme souvent, avec les idées du genre, c'est assez facile que le soufflé s'effondre, ce qui est plus ou moins le cas du <i><b>Tout Nouveau Testament</b></i>. Mais pas complètement non plus. En fin de compte il y a peut-être avant tout un problème de scénario, qui a ses deux tiers, tourne en rond jusqu'au point d'en devenir parfois passablement laborieux, pour ne pas dire ennuyeux. L'idée d'apparence géniale est peut-être plus complexe que prévue à exploiter, et l'on s'en rend compte quand les séquences les plus géniales viennent directement tutoyer les moins convaincantes. Le ressenti est un alors un peu confus... Est-ce raté ? Est-ce à moitié réussi ? C'est tout de même intrigant. Dommage peut-être que, malgré quelques riches idées de mise en scène, Van Dormael reste parfois trop discret, d'autres fois peut-être trop directement dans la mimique de quelques fulgurances stylistiques tirées de Jean-Pierre Jeunet. Tout converge vers le mitigé, mais avec un certain soupçon d'agréable pour que le film mérite malgré tout d'être vu.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=59401" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-91YTJLaTiFI/VgB8ymAhScI/AAAAAAAABgs/5W9sQq59QbE/s1600/dead%2Blands.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-91YTJLaTiFI/VgB8ymAhScI/AAAAAAAABgs/5W9sQq59QbE/s200/dead%2Blands.jpg" width="138" /></a><u><b><i>The Dead Lands</i>, de Toa Fraser (2014)</b></u></div>
<i><br /></i>
<i>Vu exceptionnellement en salle, mais c'est un DTV.</i><br />
<br />
Une fresque guerrière et sanglante Maori, c'est une proposition de
cinéma que l'on ne voit pas tous les jours. Difficile de ne pas repenser
au fabuleux <i><b>Apocalypto</b></i>, mais c'est tout à l'honneur de <b><i>The <span class="ZmSearchResult" id="DWT801"><span class="ZmSearchResult" id="DWT805">Dead</span></span> <span class="ZmSearchResult" id="DWT803"><span class="ZmSearchResult" id="DWT807">Lands</span></span></i></b>
qui expose justement cette singulière ambition. Imparfait dans son
écriture, aux séquences parfois lourdingues, ou dans sa réalisation peut-être parce qu'il tâtonne un genre
peu représenté, c'est tout de même assez exotique et surtout
suffisamment direct, brut de décoffrage, pour gagner la sympathie du spectateur désireux
d'embarquer pour ce périple bien bourrin aux confins d'un monde où l'on a
tout à découvrir.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=57676" target="_blank">Fiche Cinelounge </a><i><br /></i><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-nH5ePQ95cqY/VgB9xxByuTI/AAAAAAAABg4/EOwJeUvMpr8/s1600/hokusai.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-nH5ePQ95cqY/VgB9xxByuTI/AAAAAAAABg4/EOwJeUvMpr8/s200/hokusai.jpg" width="141" /></a><b><u><i>Miss Hokusai</i>, de Keiichi Hara (2015)</u></b><br />
<br />
L'idée d'une production d'animation en rapport avec l'univers du peintre Hokusai a tout pour être intéressante. D'autant plus que <i><b>Miss Hokusai</b></i> s'intéresse à la fille de l'artiste, alter-égo dans l'ombre du paternel. Mais dans les faits, le film demeure hélas très décevant. La narration, globalement trop mal pensée, est incomplète, et à aucun moment les personnages ne parviennent à exister. Ainsi, l'émotion ne communique pas. Formellement, le film a de quoi laisser dubitatif, entre cette patte graphique très pauvre, malgré les citations picturales, ponctuée par quelques plans en 3D fort laids, trop souvent alourdis pas une musique omniprésente et pas forcément bien composée, notamment les morceaux rocks très génériques et un peu hors-sujet. Au ressortir, on a vraiment l'impression d'un sujet complètement gâché, c'est dommage, car ça et là dans le film, on distingue parfois quelques jolis moments ou jolies intentions.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=61805" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/--BvfSXVOSzk/VgCAEYgN4sI/AAAAAAAABhE/Fn0t_MTgjG4/s1600/NWA.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/--BvfSXVOSzk/VgCAEYgN4sI/AAAAAAAABhE/Fn0t_MTgjG4/s200/NWA.jpg" width="126" /></a><u><b><i>N.W.A. - Straight Outta Compton</i>, de F. Gary Gray (2015) </b></u></div>
<br />
Ça n’était sûrement qu’une question de temps avant que le groupe
culte N.W.A. ne passe à la moulinette du biopic, inévitable machine à
succès commerciaux qui, une fois de plus, fait ses preuves, vu le succès
outre-Atlantique du nouveau film de Felix Gary Gray. Portrait
hagiographique au possible, au point d’en devenir parfois fort
générique, <b><i>N.W.A. – Straight Outta Compton</i></b> n’est qu’une plate
transposition de la success story du groupe. Sans être toutefois
désagréable ni franchement raté, il laisse pourtant l’amère sensation
d’un film qui passe à côté de son sujet pour devenir un long spot
promotionnel de deux heures vingt.<br />
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Critique à lire sur Filmosphere :<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/n-w-a-straight-outta-compton-f-gary-gray-2015">http://www.filmosphere.com/movies/n-w-a-straight-outta-compton-f-gary-gray-2015</a><br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=55508" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-OEuMayB9Shs/VgCAMtBt2LI/AAAAAAAABhM/c8GXFr_bwwY/s1600/nina%2Bde%2Bfuego.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-OEuMayB9Shs/VgCAMtBt2LI/AAAAAAAABhM/c8GXFr_bwwY/s200/nina%2Bde%2Bfuego.jpg" width="150" /></a><u><b><i>La Nina de Fuego</i>, de Carlos Vermut (2015)</b></u><br />
<br />
Je ne peux que rester de marbre devant la pluie d'éloges reçues par <i><b>La Nina de Fuego</b></i>. Désespérément, j'aurais voulu aimer le film, pétri de bonnes intentions, mais dont je suis ressorti profondément ennuyé. Ennuyé par sa platitude ambiante, sa froideur trop facile, sa vacuité trop exposée. On a tous quelque part très bien compris où Carlos Vermus voulait en venir, mais dans sa démarche il en fait tellement trop qu'il perd l'intérêt de son film. Sa sobriété devient trop austère, voire presque repoussante à travers l'absence plus ou moins prononcée de direction de la photographie, quand, en parallèle, le montage paraît presque un peu gadget. Vermut tient pourtant çà et là de beaux moments, de bonnes idées évidemment (le mélange des "genres", ce que l'on montre ou l'on ne montre pas...), et surtout un beau casting, savamment dirigé. Mais pas assez pour affronter l'ennui plus ou moins colossal qu'est susceptible de procurer le film, hélas.<br />
<br />
Les plus curieux pourront toutefois découvrir <a href="http://www.filmosphere.com/actus/interviews/interview-carlos-vermut-et-barbara-lennie-pour-la-nina-de-fuego/" target="_blank">ma petite interview</a> du réalisateur, Carlos Vermut, et de l'actrice Barbara Lennie, sur Filmoshere (où vous pourrez d'ailleurs trouver <a href="http://www.filmosphere.com/movies/la-nina-de-fuego-carlos-vermut-2014/" target="_blank">une critique de Nicolas Gilli</a> autrement plus enthousiaste que moi !). <br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=57622" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-3oX0kT-nECE/VgCAUyyvK_I/AAAAAAAABhU/Ib4A5RFQbuc/s1600/pr%25C3%25A9monitions.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-3oX0kT-nECE/VgCAUyyvK_I/AAAAAAAABhU/Ib4A5RFQbuc/s200/pr%25C3%25A9monitions.jpg" width="146" /></a><u><b><i>Prémonitions</i>, d'Alfonso Poyart (2015)</b></u></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Je pense sincèrement qu'Anthony Hopkins devient sénile, enchaînant les pires navets possibles. Car comment ne pas se douter, devant le scénario de <i><b>Prémonitions</b></i>, qu'il s'agit d'un navet pur et dur ? Outre son écriture désolante et incohérente, chimère arriérée de <i><b>Minority Report</b></i> et <b><i>The Dead Zone</i></b>, accumulant tous les clichés possibles d'une enquête policière et du concept de la précognition, le film n'a rien pour lui, à tel point que c'en devient presque amateur. La réalisation bat tous les records tant la caméra semble parfois se placer de manière totalement aléatoire, jamais réfléchie, avec un cadrage plus qu'approximatif. La musique, omniprésente, constituée de couches électroniques plus ou moins inaudibles, est atroce. Enfin, bouquet final, un Colin Farrell absent, mollusque, dans un film qui vient (une nouvelle fois) entacher sa filmographie, lors d'une année où pourtant il aurait pu prétendre au prix d'interprétation grâce à <i><b>The Lobster</b></i>... Comment peut-on financer un projet aussi nul et amateur ?</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=57625" target="_blank">Fiche Cinelounge</a></div>
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<span style="font-size: large;"><u><b>AU CINÉMA - RESSORTIES</b></u></span><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-GLgRYDOcN1k/VgF8Znl-lWI/AAAAAAAABh0/QpHG23gqeyA/s1600/horde.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-GLgRYDOcN1k/VgF8Znl-lWI/AAAAAAAABh0/QpHG23gqeyA/s200/horde.jpg" width="133" /></a><u><b><i>La Horde sauvage</i>, de Sam Peckinpah (1969)</b></u><br />
<i><br /></i>
<i>Revisionnage - Retrospective Sam Peckinpah à la Cinémathèque française</i><br />
<br />
Pas la peine d'y aller par quatre chemins, <i><b>La Horde sauvage</b></i> est un des plus grands piliers du cinéma américain moderne. Dans cette concentration de violence physique et morale, Peckinpah dresse le portrait de toute une Amérique malade aux héros brisés. C'est un film où les héros ont mal au dos. Scorsese disait du film que les images de violence lui rappelaient à l'époque ce que l'on voyait quotidiennement à la télévision sur le Vietnam. Et quarante-cinq ans après ces images paraissent encore d'actualité, au-delà de l'esthétisme propre à Peckinpah, elles suintent encore le réel, celui d'un monde qui ne s'est pas encore affranchi de cette violence (et d'ailleurs c'est sûrement la matrice de la fusillade selon Michael Mann, également). Au panthéon du western, il a peut-être un des plus beaux castings possibles (Ryan, Holden, Borgnine, Oates...), certains magnifiquement trop vieux pour le rôle. Et puis, c'est peut-être le film qui a la réplique d'ouverture la plus programmatique de toute l'histoire du Cinéma, et ça n'est pas peu de le dire : <i>"If they move, kill'em !"</i>.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1135" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1135" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-M4_HxvjewzI/VgF7L3Sef6I/AAAAAAAABhs/YISwXs7lEoo/s1600/cit%25C3%25A9%2Bdes%2Bdangers.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-M4_HxvjewzI/VgF7L3Sef6I/AAAAAAAABhs/YISwXs7lEoo/s200/cit%25C3%25A9%2Bdes%2Bdangers.jpg" width="132" /></a><u><b><i>La Cité des dangers</i>, de Robert Aldrich (1975)</b></u></div>
<br />
Aldrich tardif, méconnu et globalement mal-aimé, <i><b>La Cité des dangers</b></i> n'est sans doute pas dans le panthéon de son auteur, mais est pourtant un beau film bien marqué par le Nouvel Hollywood. Peut-être est-on trop étouffé par cette noirceur ambiante, ce quotidien où tout est pourri jusqu'au héros lui-même, ce pauvre flic qui ne rechigne pas à enterrer des affaires. Une fois de plus on se retrouve face à un de ces films qui dissèque le mal-être de l'Amérique à l'heure de ses dérives les moins avouées. Et même si ça n'est pas le plus brillant du genre, il le fait quand même intelligemment, avec toute la sagesse de son réalisateur, qui au passage, sait tout de même remarquablement bien filmer Catherine Deneuve.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=43534" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-1ZRQLJXplV8/VgF-LSorRYI/AAAAAAAABiA/TDLJhb91LeI/s1600/groundhog.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-1ZRQLJXplV8/VgF-LSorRYI/AAAAAAAABiA/TDLJhb91LeI/s200/groundhog.jpg" width="130" /></a><u><b><i>Un jour sans fin</i>, de Harold Ramis (1993)</b></u><br />
<br />
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
Classique parmi les classiques. Harold Ramis n'aura malheureusement jamais su faire mieux ou même aussi bien qu'<i><b>Un jour sans fin</b></i>. Sans être nécessairement un modèle cinématographique, c'est toutefois une leçon d'écriture, entre le rythme de l'humour et la création de ses personnages enfermés dans cette affreuse boucle temporelle. Évidemment, c'est le rôle parfait pour l'acariâtre Bill Murray, que l'on aime détester comme souvent. C'est peut-être dommage que la réalisation ne soit parfois pas plus audacieuse, malgré une poignée de plans marquants (sur le réveil notamment), et malgré un montage qui lui, fait vraiment mouche. Enfin, on ne s'en lasse pas.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1274" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<span style="font-size: large;"><u><b>EN VIDÉO</b></u></span><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-Z_DTvnYmII8/VgGAJv5cwkI/AAAAAAAABiM/WXufYtTgTqY/s1600/aloha.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-Z_DTvnYmII8/VgGAJv5cwkI/AAAAAAAABiM/WXufYtTgTqY/s200/aloha.jpg" width="127" /></a><u><b><i>Aloha</i>, de Cameron Crowe (2015)</b></u><br />
<br />
Il semblerait que le destin s'acharne contre le dernier film du sympathique Cameron Crowe, puisqu'en plus de son lynchage en place public, <i><b>Aloha</b></i> jouit d'une annulation de sortie en salle par chez nous. L'incompréhension est de taille face à un film à la douceur rare, confirmant le don du réalisateur de <i><b>Jerry Maguire</b></i> pour le feel-good movie. Au casting de taille (avec de quoi tomber doublement amoureux entre Rachel McAdams et Emme Stone, remarquablement bien filmées) répondent des personnages profondément simples -jamais simplistes- et beau. Les relations qu'ils entretiennent façonnent d'ailleurs à elles-mêmes l'intérêt de tout le film, rendant plus ou moins superflu l'intrigue qui vient s'ajouter dessus, sûrement le plus important défaut du film. Mais qu'importe, c'est une sucrerie cinématographique qui vaut largement le détour, un film apaisant comme le cinéma américain n'en fait que trop peu, avec en prime, une des plus belles scènes (muette, de surcroît) de l'année.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=56668" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-N-mGCwTTNlg/VgGBIiZqGRI/AAAAAAAABiU/9zuXB-XMHLs/s1600/drag%2Bme.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-N-mGCwTTNlg/VgGBIiZqGRI/AAAAAAAABiU/9zuXB-XMHLs/s200/drag%2Bme.jpg" width="135" /></a><u><b><i>Jusqu’en Enfer,</i> de Sam Raimi (2009)</b></u></div>
<br />
Retour à « l’horrifique » (toujours entre guillemets) gagnant pour Sam Raimi, qui une fois de plus ne semble pas avoir perdu le mojo. <i><b>Jusqu’en Enfer</b></i> assure non seulement le haut niveau de divertissement propre à son auteur, mais toujours la certaine intelligence qui le caractérise : rien n’est jamais gratuit, ou quand ça l’est Raimi en joue évidemment. On y travaille les personnages et l’ambiance, à travers une mise en scène évidemment costaude, pour que le film ne se se résume jamais à un fade massacre de ses protagonistes comme la moyenne actuelle du genre le voudrait. <i><b>Jusqu’en Enfer</b></i> n’est certes pas dans les œuvres majeures de Raimi (peut-être parce qu’il fait plus redite que ses autres films), mais quand même, il y a de quoi valoir le détour dans ce trip horrifique assuré du début à la fin (et avec une sacrée fin !).<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=937" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=937" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-SR9P2eEcYXM/VgGFE1GsBQI/AAAAAAAABic/CfEgYM9X1fY/s1600/fat_city.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-SR9P2eEcYXM/VgGFE1GsBQI/AAAAAAAABic/CfEgYM9X1fY/s200/fat_city.jpg" width="126" /></a><u><i><b>Fat City, de John Huston (1972)</b></i></u><br />
<br />
Le Nouvel Hollywood à son paroxysme, c’est sans aucun doute <b><i>Fat City</i></b>. Bien sûrement le film le plus noir et déprimant de John Huston, c’est quelque part l’ « anti » <i><b>Rocky</b></i>. C’est un film où l’on surnage comme l’on peut d’échec en échec dans un univers où le rêve américain semble absent, ou tout du moins égaré. Si Jeff Bridges en impose en jeune loup, c’est surtout Stacey Keach (acteur malheureusement bien sous-estimé) qui vole la vedette, campant un personnage totalement échoué dans les abîmes de la dépression, qui au fur et à mesure de sa lutte, sombre encore plus… Par-dessus on retrouve évidemment la réalisation du grand maître classique hollywoodien, comme une petite baffe à tous les petits nouveaux qui leur dirait « moi aussi, des films comme ça, je peux en faire ». La classe.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=6349" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-RjjxVDNWdiQ/VgGGRySi3DI/AAAAAAAABik/65wGJzcDG3A/s1600/india.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-RjjxVDNWdiQ/VgGGRySi3DI/AAAAAAAABik/65wGJzcDG3A/s200/india.jpg" width="135" /></a><b><u><i>La Route des Indes</i>, de David Lean (1984)</u></b></div>
<br />
Étrange que ce dernier film de David Lean. On retrouve évidemment toute l’ampleur des fresques du cinéaste britannique, mais il y a là quelque chose de plus, quelque chose d’assez étonnant qu’il effleurait parfois dans <i><b>Lawrence d’Arabie</b></i> : une essence mystique. <i><b>La Route des Indes</b></i> apparaît alors comme une belle œuvre sur le karma, presque un testament d’un vieux dinosaure. Et même si c’est un film qui n’est quelque part plus dans son temps (David Lean ne se reconnaissant plus dans la tournure moderne que le cinéma a pris après les années 60 et 70), c’est tout de même assez grandiose, pas loin d’être aussi magnifique que les autres Lean. Une découverte assez étonnante, au ton plutôt inattendu, mais qui clôt d’une jolie manière une des plus grandes carrières du cinéma.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=5662" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-mx7MLHI82tE/VgGIT8ZhhbI/AAAAAAAABiw/R2M6HwrgK2s/s1600/razzia.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-mx7MLHI82tE/VgGIT8ZhhbI/AAAAAAAABiw/R2M6HwrgK2s/s200/razzia.jpg" width="150" /></a><u><b>Razzia sur la chnouf, d’Henri Decoin (1954)</b></u><br />
<br />
Encore un superbe cas de figure de film noir à la française, porté évidemment par son fort beau casting (Jean Gabin et Lino Ventura, mais aussi Magali Noël, d’ailleurs récemment décédée), mais surtout par un brillant scénario offrant au passage de sacrées répliques à ses protagonistes. <i><b>Razzia sur la chnouf</b></i>, c'est surtout son ambiance. Et ladite ambiance, évidemment paramètre majeur du genre, est réussie comme jamais, dans ces rues de Paris enfumées et ces troquets de mafiosis comme on en fait plus. Pour couronner le tout, un final encore parfait, finement ponctué par une punch-line bien Gabin comme il faut : <i>« J’suis là, eh pourri ! »</i>.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2603" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-Nf5-cwxWHNM/VgGI7TJCM1I/AAAAAAAABi4/AK6N3F4-71o/s1600/barrage.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-Nf5-cwxWHNM/VgGI7TJCM1I/AAAAAAAABi4/AK6N3F4-71o/s200/barrage.jpg" width="148" /></a><u><b><i>Les Briseurs de barrage</i>, de Michael Anderson (1954)</b></u></div>
<br />
Un excellent exemple du film classique se focalisant sur un fait historique peu connu pour le retranscrire de manière honnête et efficace. Quelque part, <i><b>Les Briseurs de barrage</b></i>, c’est tout l’inverse du récent et atroce <i><b>The Imitation Game</b></i>. Michael Anderson explore alors pleinement la géniale opération qu’il décrit dans son histoire. Surtout que si l’on excepte les effets spéciaux un peu vieillis des tirs de FLAC, le film est tout de même visuellement sacrément réussi, mettant totalement à l’honneur les appareils de l’opération. Sans qu’il n’y ait de surplus d’inventivité particulier dans la réalisation, c’est un film qui parvient à être constamment intéressant, efficacement réalisé et solidement interprété.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=9072" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-fVfGRJQ4_PI/VgGJ6RzdF_I/AAAAAAAABjE/m60zEE8XC9g/s1600/catch.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-fVfGRJQ4_PI/VgGJ6RzdF_I/AAAAAAAABjE/m60zEE8XC9g/s200/catch.jpg" width="135" /></a><u><b><i>Arrête-moi si tu peux</i>, de Steven Spielberg (2002)</b></u><br />
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<i>Revisionnage</i><br />
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Le début des années 2000 forme tout de même un sacré âge d’or pour le père Spielberg, enchaînant chef-d’œuvre sur chef-d’œuvre ou pas loin. <i><b>Arrête-moi si tu peux</b></i> parvient encore à transcender l’essence du cinéma classique spielbergien (ici sous la forme du biopic) avec un film diablement virtuose et une fois de plus brillamment écrit. Et à l’heure des biopics bien ternes et sans âme tristement taillés pour les Oscars, le film de Spielberg reluit encore davantage. Car s’il adapte bien sûr une histoire de base géniale, il ne s’y perd jamais, il ne compte pas simplement dessus pour réussir son film. Il réunit tous les éléments pour que le résultat soit brillant, inégalé, de son casting de choix, dirigé d’une main de maître comme il en a le secret (même Tom Hanks !) à sa maîtrise unique de la forme, entouré par ses géniaux collaborateurs habituels, John Williams à la musique et Janusz Kaminski à la photographie, Michael Kahn au montage… Bref, l’exemple-type, une fois de plus, de comment Spielberg parvient à sublimer le classique, et en tirer quelque chose que bien peu d’auteurs hollywoodiens (si jamais il y en a encore…) arrivent à faire. Vivement <i><b>Le Pont des Espions</b></i> !<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1162" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-JRpcL3bUUIU/VgGKv4wjCnI/AAAAAAAABjM/FN12kR3PREs/s1600/silence.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-JRpcL3bUUIU/VgGKv4wjCnI/AAAAAAAABjM/FN12kR3PREs/s200/silence.jpg" width="151" /></a><u><b><i>Le Grand silence</i>, de Sergio Corbucci (1968)</b></u></div>
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Il ne fallait jamais que quelques scènes de <b><i>La Prisonnière du Désert</i></b> pour se rendre compte que le western enneigé fonctionne immédiatement. Dans <b><i>Le Grand silence</i></b>, Corbucci affine l’atmosphère qu’il avait dans <i><b>Django</b></i>, ici plus mélancolique, poétique, mais aussi quelque part plus sèche en dépit du climat. Alors évidemment, c’est avant tout un duel de gueule, c’est avant tout Trintignant face à Kinski, de quoi faire tenir un film entier. Mais avec la liberté permise dans le western italien, Corbucci travaille une histoire plus originale, totalement détachée de quelconques stéréotypes et à la fin que l’on n’aura pas forcément vu venir, comme une sacrée baffe. Et puis, pour ne pas jurer avec le reste, Morricone y signe une de ses plus grandes partitions de western. Dans le top du spaghetti.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=6533" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-e_W0emiBWB0/VgGLNjwUamI/AAAAAAAABjY/2hLxc9r2auA/s1600/123.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-e_W0emiBWB0/VgGLNjwUamI/AAAAAAAABjY/2hLxc9r2auA/s200/123.jpg" width="149" /></a><u><b><i>Les pirates du métro</i>, de Joseph Sargent (1974)</b></u><br />
<br />
Comme beaucoup, je n’ai vu que le remake du regretté Tony Scott, sympathique série B quoi qu’un peu mineure dans la carrière (sous-estimée) du réalisateur. L’original, <b><i>Les Pirates du métro</i></b> (de son superbe titre français, cela va de soi), a quant à lui toutes les caractéristiques du polar des années 70, bien ancré dans un esprit de Nouvel Hollywood. Le héros, génialement amorphe, campé par le grandiose Walter Matthau, donne le ton d’un film capté sur le vif. L’intrigue, évidemment simple, marche néanmoins remarquablement très bien grâce à l’excellent travail d’écriture sur les personnages. En face, parmi les preneurs d’otage, le charismatique, froid et méthodique Robert Shaw en impose. Bref, une jolie petite pépite du genre qu’il ne faudrait pas oublier.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=4263" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=4263" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-lKevc2IzEUI/VgGNDeh9hsI/AAAAAAAABjk/9uK5kscsQJo/s1600/451.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-lKevc2IzEUI/VgGNDeh9hsI/AAAAAAAABjk/9uK5kscsQJo/s200/451.jpg" width="130" /></a><b><u><i>Fahrenheit 451</i>, de François Truffaut (1966)</u></b></div>
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<i>Revisionnage. </i><br />
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Bien que les cinéastes de la Nouvelle Vague se soient focalisés sur le monde contemporain, la perspective de la science-fiction les a vraisemblablement toujours attirés. Ainsi, quelque part, <i><b>Fahrenheit 451</b></i>, plutôt mésestimé dans la carrière de Truffaut, forme une sorte de diptyque du genre avec <i><b>Alphaville</b></i> de Godard, sorti l'année d'avant. Ce qui est très intéressant, c’est que dans ces univers futuristes dépouillés (peut-être un peu fauchés aussi), on va droit au but. Et alors le film devient intemporel, en dépit même de ses fulgurances kitchs et bien datées (qui toutefois ont leur charme). <i><b>Fahrenheit 451</b></i> est simple mais très beau. Comme la musique de Bernard Hermann qui l’accompagne, d’influence –évidemment- hitchcockienne mais largement moins sophistiquée qu’à l’accoutumée, plus harmonieuse peut-être. Un esprit qui reflète bien l’essence du film de Truffaut, sombre et glauque, mais à l’acte final d’un optimisme salvateur.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=564" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=564" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-vPKOhALUJ0Y/VgGOSn4nkKI/AAAAAAAABjs/JuaBjrP6ZdI/s1600/rififi.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-vPKOhALUJ0Y/VgGOSn4nkKI/AAAAAAAABjs/JuaBjrP6ZdI/s200/rififi.jpg" width="149" /></a><u><b><i>Du rififi chez les hommes</i>, de Jules Dassin (1955)</b></u><br />
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On imagine sans problème Melville s’identifier comme jamais devant un film comme <b><i>Du rififi chez les hommes</i></b> : des hommes tristes, une ville terne, un braquage mutique, des chapeaux et des impers… Le film de Jules Dassin, alors de passage dans le paysage cinématographique français, porte bien son qualificatif de noir. Désespérément noir, même. Et surtout, très moderne. Moderne comme la démarche de ses personnages, réels, jamais surjoués ou surécrits, moderne comme son ton photographique, moderne dans sa sobre et remarquable réalisation. En somme, du cinéma qui a la classe, du cinéma comme, une fois de plus, on n’en fait plus, comme on ne sait plus en faire semblerait-il.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=6769" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-9jzc7jOPhjA/VgGOuRKLcdI/AAAAAAAABj0/Ff1aMBzfomw/s1600/classe.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-9jzc7jOPhjA/VgGOuRKLcdI/AAAAAAAABj0/Ff1aMBzfomw/s200/classe.jpg" width="150" /></a><u><b><i>Classe tous risques,</i> de Claude Sautet (1960)</b></u></div>
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J'aime Claude Sautet, j'aime la simplicité de ses films et par-dessus tout les relations qu'y entretiennent ses personnages. <i><b>Classe tous risques</b></i> fonctionne à nouveau sur cette alchimie simple mais belle car avant tout emmenée par les comédiens qu'il faut : Ventura et Bébel. Quand bien même l'histoire est sûrement moins intense que dans les films plus tardifs du réalisateur, elle a tout de même de quoi proposer une belle aventure, quasiment "familiale" qui plus est. C'est un joli film d'amitié et de devoir, c'est du cinéma français comme on l'aime.</div>
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=10816" target="_blank"><br /></a></div>
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=10816" target="_blank">Fiche Cinelounge</a></div>
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<u><b><br /></b></u></div>
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-6NH92S2aLMQ/VgGvCT9MKKI/AAAAAAAABkU/DrRr8r5Jgh8/s1600/diable.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-6NH92S2aLMQ/VgGvCT9MKKI/AAAAAAAABkU/DrRr8r5Jgh8/s200/diable.jpg" width="150" /></a><u><b><i>J'ai rencontré le Diable</i>, de Kim Jee-Woon (2010)</b></u></div>
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J'entre dans un cycle de cinéma sud-coréen, afin de rattraper un peu tout ce courant qui m'a plutôt échappé jusqu'à présent. <i><b>J'ai rencontré le Diable</b></i> compile quelque part les archétypes cinématographiques qui façonnent le genre de thriller si spécial qu'affectionne ce pays : le drame d'un couple, la mort violente, la torture, le serial-killer, l'ambiance pesante... Mais tous ces "artifices", le film de Kim Jee-Woon les met au service de sa réflexion sur justement la violence gratuite, et quelque part, le surplus de "colère" que contient son cinéma national. Et quelque part c'est très fort d'avoir des scènes aussi intenses graphiquement (doux euphémisme) tout en étant capable de se mesurer encore, de réfléchir sur ce que l'on montre, pourquoi on le montre, et ce que cela engendre. Quant au reste, si évidemment il faut saluer les comédiens (dont le génial Choi Min-sik), la mise en scène de Kim Jee-Woon n'est elle pas en reste, inquiétante et atmosphérique, où chaque mouvement de caméra est pensé pour procurer une émotion particulière. </div>
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=7330" target="_blank"><br /></a></div>
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=7330" target="_blank">Fiche Cinelounge</a></div>
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-ixQYXb3EE48/VgGtOPB5n-I/AAAAAAAABkM/iZuW43pjjkA/s1600/star%2Bwars%2B4.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-ixQYXb3EE48/VgGtOPB5n-I/AAAAAAAABkM/iZuW43pjjkA/s200/star%2Bwars%2B4.jpg" width="136" /></a><br />
<div style="text-align: right;">
<u><b><i>Star Wars : Épisode IV : Un Nouvel Espoir</i>, de George Lucas (1977)</b></u></div>
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<i><br />Revisionnage.</i></div>
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Contrairement aux autres épisodes de la trilogie originale, je n'avais pas revu l'épisode IV depuis plus d'une dizaine d'années. En le redécouvrant, il y a de quoi être encore abasourdi par cette épique aventure galactique, qui malgré toutes ses imperfections (qui contribuent cela dit à son charme) fonctionne encore redoutablement bien. Dans <b><i>Un Nouvel Espoir</i></b>, George Lucas a finalement assez subtilement compris comment utiliser les grands archétypes dramaturgiques au service d'un cinéma plus jeune, plus dynamique, boosté en toile de fond par le contemporain Nouvel Hollywood. Sans nostalgie aucune, l'épopée est encore très belle, le concept est frais et parvient à proposer des personnages toujours entraînants, et des situations qui se prêtent à une mise en scène certes simple mais soignée de la part de Lucas. Et puis, le coucher des deux soleils au son de John Williams, il y a de quoi tenir un film rien que sur cela. </div>
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=891" target="_blank">Fiche Cinelounge</a></div>
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-RBYlAZ_zfws/VgGvkHiyraI/AAAAAAAABkc/PYaDDihm-p8/s1600/star%2Bwars%2B5.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-RBYlAZ_zfws/VgGvkHiyraI/AAAAAAAABkc/PYaDDihm-p8/s200/star%2Bwars%2B5.jpg" width="129" /></a><u><b><i>Star Wars : Épisode V : L'Empire contre-attaque</i>, d'Irvin Kershner (1980)</b></u></div>
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<i>Revisionnage.</i></div>
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On a tout dit sur <i><b>L'Empire contre-attaque</b></i>, c'est bien sûrement le meilleur volet de la saga et il figure sans doute au panthéon du space-opéra. Mais si le changement de ton fonctionne aussi bien dans le volet signé Kershner, c'est surtout parce qu'il est finalement très complémentaire de l'épisode IV, parvenant à étoffer l'univers avec un autre regard, sans sombrer dans une redite qui pourtant était envisageable. Le film multiplie les passages de bravoure plus ou moins encore inégalés (la bataille de Hoth fait toujours un sacré effet) tout en travaillant la tragédie qui se profile dans l'histoire. Les personnages prennent de l'épaisseur, le manichéisme se désamorce doucement et tout l'univers paraît plus vivant, plus complet. Le must de ce qu'a comme potentiel la saga, l'équilibre parfait entre l'épique et l'intime, qui, trente-cinq ans après, apparaît toujours comme un modèle du genre.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=892" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-7UvGSauMhjQ/VgG0C_jyq8I/AAAAAAAABko/YkI97QPPoI0/s1600/return%2Bof%2Bthe.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-7UvGSauMhjQ/VgG0C_jyq8I/AAAAAAAABko/YkI97QPPoI0/s200/return%2Bof%2Bthe.jpg" width="132" /></a><u><b><i>Star Wars Épisode VI : Le retour du Jedi,</i> de Richard Marquand (1984)</b></u></div>
<br />
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
L'opus de Richard Marquand, souvent un peu malmené car dans l'ombre de son prédécesseur, compile pourtant un certain nombre de réussites qui ont de quoi le laisser pas loin d'être aussi mémorable. <i><b>Le retour du Jedi </b></i>est un film constamment ou presque épique, techniquement encore à toute épreuve et malgré tout imparable dans son écriture, aussi classique soit-elle. On pourra toujours arguer que le final avec les Ewoks paraît décevant, et pourtant c'est tout de même une conclusion bien efficace, aussi facile soit-elle, pour une saga qui gardait malgré tout un air bon enfant. Et ce serait tout de même oublier l'affrontement final sur l'Etoile Noire, remarquable et puissant, porté par une des plus grandes compositions de John Williams, rien que ça, ou encore une bataille spatiale virtuose qui n'a pas forcément eu beaucoup d'équivalents depuis.</div>
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=897" target="_blank"><br /></a></div>
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=897" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-q9cl5r4bLL0/VgG08NZ0RfI/AAAAAAAABkw/nX2Eo-Y7r2I/s1600/SW%2BI.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-q9cl5r4bLL0/VgG08NZ0RfI/AAAAAAAABkw/nX2Eo-Y7r2I/s200/SW%2BI.jpg" width="133" /></a><u><b><i>Star Wars : Épisode I : La Menace fantôme</i>, de George Lucas (1999)</b></u><br />
<br />
<i>Revisionnage.</i><br />
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Si je me suis lancé avec plaisir dans le revisionnage de la trilogie originale, j'appréhendais peut-être davantage -comme beaucoup il faut croire- celui de la prélogie. Néanmoins, avec le temps qui a passé et l'acceptation de ces films, j'ai fini par tous les revoir plus ou moins à la hausse. Si <i><b>La Menace fantôme</b></i>, qui ouvre la marche, présente toujours sa kyrielle de défauts, de ses extravagances visuelles parfois un peu trop avant-gardiste à son ton trop bon enfant (ce coup-ci sans doute bien plus qu'<i><b>Un Nouvel Espoir</b></i>), il y a cependant de quoi être tout de même séduit par l'ampleur proposée et malgré tout la fraîcheur de l'ensemble, aussi bancal soit-il. Le problème étant finalement que chaque bonne idée (et il y en a) se voit systématiquement ou pas loin entachée par une autre fort mauvaise. Reste cette course de pod-racers toute droit tirée de <i><b>Ben-Hur</b></i>, sans doute scénaristiquement pas très cohérente et un peu gratuite, mais encore très impressionnante, et bien entendu ce combat final dont on a tant parlé, qui pour le coup est une grande réussite du film, qui malheureusement ne sera pas renouvelée dans les opus suivants. Toujours mitigé, mais j'y entrevois sûrement davantage les qualités et l'ambition de George Lucas qu'autrefois.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=898" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-9ODLrpGbe_4/VgG2Tod8mfI/AAAAAAAABk8/IikPEKYhFe8/s1600/SW%2BII.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-9ODLrpGbe_4/VgG2Tod8mfI/AAAAAAAABk8/IikPEKYhFe8/s200/SW%2BII.jpg" width="150" /></a><u><i><b>Star Wars Episode II : L'Attaque des clones</b></i><b>, de George Lucas (2002)</b></u></div>
<br />
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
Un cas plus compliqué. <i><b>L'Attaque des clones</b></i> est probablement le volet le plus raté de Star Wars. Parallèlement, c'est aussi l'un des plus ambitieux, et c'est dans cette soif d'ambition qu'il se perd parfois. Passé une scène d'ouverture catastrophique, le scénario se retrouve être anecdotique, alors que l'histoire en elle-même devrait être importante. Et même si l'ambition de Lucas est avant tout le visuel, aussi audacieux soit-il parfois, l'ensemble est plombé par un film aux enjeux faibles, trop mal écrit, trop mal dialogué pour réellement fonctionner. C'est dommage car les germes de la réussite sont là, le film en lui-même est une révolution technique, ce qui n'est jamais rien, l'histoire pourrait être intéressante, l'incursion de Christopher Lee donne forcément envie, la bataille de Geonosis est intéressante et John Williams délivre toujours de grandes envolées lyriques... Mais on en revient à un film plutôt raté, qui, toutefois, trouve à mes yeux aujourd'hui plus de grâce qu'autrefois, ne serait-ce que par sa soif d'ambition et son refus de se reposer sur des acquis.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=896" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-ndVB_mjgnkM/VgG3KaJSJPI/AAAAAAAABlE/SzJtH0I0sgs/s1600/SW%2BIII.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-ndVB_mjgnkM/VgG3KaJSJPI/AAAAAAAABlE/SzJtH0I0sgs/s200/SW%2BIII.jpg" width="133" /></a><u><b><i>Star Wars Episode III : La Revanche des Siths</i>, de George Lucas (2005)</b></u><br />
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<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
C'est finalement sur <i><b>La Revanche des Siths</b></i> que les expérimentations de <i><b>L'Attaque des clones</b></i> ont vraiment porté leurs fruits. Cette fois-ci, George Lucas ne se désintéresse pas du récit, bien qu'il conserve une écriture relativement balourde et toujours aussi mal dialoguée, et arrive, pour le coup, à concilier les ambitions dramaturgiques de la saga avec ses fantasmes visuels. Bien que conservant mille et un défaut (c'est d'ailleurs peut-être le volet où Nathalie Portman -qui n'a jamais brillé- joue le plus mal, peut-être plus mal qu'Hayden Christensen, c'est dire), c'est celui qui se révèle le plus équilibré à quasiment tous les niveaux. La scène d'ouverture, démente, donne le ton quant à l'ampleur du film, et l'intérêt demeure jusqu'à la fin ou pas loin, malgré les longueurs et autres séquences d'explications parfois peu convaincantes. Et bien que les multiples combats finaux sombrent parfois un peu dans le n'importe-quoi, la conclusion en elle-même du film, liant les deux trilogies, demeure la vraie réussite : sans trop en faire, George Lucas parvient à faire du vrai cinéma dans cet acte final muet où il peut enfin se recentrer sur ses enjeux. Il aura fallu du temps pour l'accepter, mais avec un peu de recul, c'est tout de même un beau moment de bravoure.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=899" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-4Wm_7atn0i4/VgLHWRa6ryI/AAAAAAAABlQ/xN0f8PdwG-Q/s1600/eclipse.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-4Wm_7atn0i4/VgLHWRa6ryI/AAAAAAAABlQ/xN0f8PdwG-Q/s200/eclipse.jpg" width="135" /></a><u><b><i>L’Éclipse</i>, de Michelangelo Antonioni (1962)</b></u></div>
<br />
Amateur d'Antonioni sans être toutefois connaisseur, il était impératif que je finisse par découvrir l'une de ses œuvres les plus majeures, <i><b>L’Éclipse</b></i>. Avant toute chose, on remarquera comme à l'époque, Alain Delon a bien su s'entourer et se tailler une carrière avec un nombre de grands maîtres dont peu de comédiens peuvent se vanter. Ici, c'est sans doute un de ses plus grands rôles, car il faut le voir, suractif, gambadant partout en trader maladif. Les scènes de bourse sont incroyables, au dynamisme qui paraît presque inédit pour Antonioni, qui les confronte à sa langueur plus traditionnel. C'est un beau film de contrastes, qui viennent renforcer son inimitable atmosphère. Toute la dernière partie entre dans une dimension au style encore plus prononcé, avec cette ville prenant des airs de western désolé, qu'évidemment, la caméra d'Antonioni vient épouser comme personne d'autre ne le fait, dans une photographie en noir et blanc marquante, qui force le respect, et achève ce grand film.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1665" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-Bs4AXAnD9vI/VgLIfjer_RI/AAAAAAAABlY/-pwCWsIJ2D8/s1600/chaser.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-Bs4AXAnD9vI/VgLIfjer_RI/AAAAAAAABlY/-pwCWsIJ2D8/s200/chaser.jpg" width="142" /></a><u><b><i>The Chaser</i>, de Na Hong-Jin (2007)</b></u><br />
<br />
Si <i><b>The Chaser</b></i> n'innove pas forcément au sein du thriller sud-coréen, il peut se fendre de l'efficacité record qui transcende habituellement le genre. Comme à l'accoutumée, le postulat de départ pose les bases de personnages autant singuliers que gauches, qui contribuent, d'une manière ou d'une autre, à construire l'atmosphère glauque, pour ne pas dire morbide, du film. L'interprétation géniale, notamment porté par Kim Yun-Seok (récemment remarquable dans <i><b>Sea Fog</b></i>), fait toujours mouche et permet au spectateur d'être saisit constamment à la gorge. Une fois de plus, un très chouette modèle du genre qui achève un peu plus le canon si particulier du genre en Corée du Sud, ce pays où les détraqués sont les rois du 7ème art.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=680" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-Vg3AI-aqrtM/VgLJd-GLwGI/AAAAAAAABlg/roms_KieA_Y/s1600/ricky.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-Vg3AI-aqrtM/VgLJd-GLwGI/AAAAAAAABlg/roms_KieA_Y/s200/ricky.jpg" width="134" /></a><u><b><i>Ricky Bobby, le roi du circuit</i>, de Adam McKay (2005)</b></u></div>
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De la comédie américaine impertinente et grasse comme on l'aime. <b><i>Ricky Bobby</i></b>, c'est évidemment la version arriérée du très bon <i><b>Jours de Tonnerre </b></i>de Tony Scott. Il y a une idée géniale qui se prête à faire de la bonne mise en scène (bien que celle-ci ne soit jamais transcendante non plus) de courses de voiture tout en s'en donnant à cœur joie sur la société américaine. D'un côté, Will Ferrell et le génial John C. Reilly se lâchent dans leurs personnages dégénérés, de l'autre Sasha Baron Cohen s'éclate dans sa parodie de pilote français gay, Jean Girard, résolument hilarante (l'accent y est aussi pour beaucoup). Bref, sans que ce soit non plus particulièrement original, c'est un film où il fait bon vivre, qui a de quoi astiquer nos zygomatiques (parfois très longuement !), et en plus il y a Amy Adams. Joie !<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=3636" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-jAF9sNjNN-Y/VgLKyULkW3I/AAAAAAAABlo/oDwCXA2R-MY/s1600/ender.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-jAF9sNjNN-Y/VgLKyULkW3I/AAAAAAAABlo/oDwCXA2R-MY/s200/ender.jpg" width="141" /></a></div>
<u><b><i>La Stratégie Ender</i>, de Gavin Hood (2013)</b></u><br />
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Voilà un projet qui déjà, sur le papier, a tout pour être mauvais : une fausse-bonne idée, un réalisateur calamiteux, un Harrison Ford "plus-has-been-tu-meurs" et Ben Kingsley. Car aussi malheureux cela soit-il, il faut bien s'avouer que neuf fois sur dix la présence de Ben Kingsley indique une catastrophe. Et <i><b>La Stratégie Ender</b></i>, sorte de ré-adaptation juvénile et attardée de <i><b>Starship Troopers</b></i> sur fond de jeu vidéo, en est une. Terriblement mal écrit, le film étale sa galerie de personnages insipides, ressassant sans fin les grands poncifs du genre. Ainsi, c'est un film où le méchant "bully" de l'académie militaire, en plus d'être très méchant, est laid. Et bête. Les inénarrables archétypes de l'aventure répondent tous à l'appel alors que l'on s'ennuie ferme dans ce film où rien d'intéressant ne se passe vraiment. La réalisation, trop plate pour cacher la faiblesse ambiante du production design et de toute la direction artistique, ne peut pas compenser quoi que ce soit. Tout au mieux, on retiendra les quelques efforts de la composition musicale de Steve Jablonsky. Un blockbuster déjà oublié, en somme.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=24793" target="_blank">Fiche Cinelounge</a></div>
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<u><b><br /></b></u></div>
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-M6vZlrWs3Dw/VgLLVRSEVlI/AAAAAAAABlw/VYNxbT6bhSk/s1600/JSA.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-M6vZlrWs3Dw/VgLLVRSEVlI/AAAAAAAABlw/VYNxbT6bhSk/s200/JSA.jpg" width="141" /></a><u><b><i>JSA (Joint Security Area)</i>, de Park Chan-Wook (2000)</b></u></div>
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La fameuse <i>Joint Security Area</i> est quelque chose qui fascine depuis longtemps, zone symbolisant le déchirement-même que connait la Corée, connue pour ses images aussi fortes qu'absurdes de ces soldats qui se font face toute la journée. Évidemment un endroit aussi fort, source de tout un traumatisme, est l'endroit idéal pour un film et Park Chan-Wook l'a bien compris. D'autant plus que <i><b>JSA</b></i> pourrait se présenter comme une sorte de polar presque bas-de-gamme sur fond d'investigation militaire, mais l'intrigue n'est que prétexte pour le réalisateur coréen à revenir sur les vrais enjeux dramatiques de son film et de son contexte. Et alors, il devient magnifique, d'une beauté vraiment rare et plus importante encore, c'est un film qui communique de l'espoir, malgré la tragédie qu'il décrit. Le traitement de l'amitié, source du salut, rappelle la thématique-fétiche de John Woo, sans doute une inspiration de l'auteur coréen. Peut-être pas subtil, mais tellement d'actualité qu'il devient sans doute un film nécessaire, aussi maladroit soit le qualificatif, dans le cinéma coréen. Sans distinction.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=299" target="_blank">Fiche Cinelounge</a></div>
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-afmXnZgu7vA/VgLMBtgEc_I/AAAAAAAABl4/ku1T_63rg80/s1600/king.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-afmXnZgu7vA/VgLMBtgEc_I/AAAAAAAABl4/ku1T_63rg80/s200/king.jpg" width="133" /></a><u><b><i>King Rising</i>, de Uwe Boll (2006)</b></u><br />
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Le voilà, le fameux blockbuster du tant aimé (et très sympathique) Uwe Boll ! C'est quelque chose. Mais avant tout, on doit se demander qui n'avait que cela à faire de financer à l'ami Boll un film à 80 millions de dollars ? Car sans surprise, <i><b>King Rising</b></i> est un navet galactique qui réussit tout de même l'exploit de dilapider son budget sans que cela se voit à l'écran. Alternative cheapissime au <i><b>Seigneur des Anneaux</b></i>, le film fait presque amateur. Ç’aurait pu être drôle si ça n'était pas aussi interminable. Tout y bat des records, de cette laideur de l'image insondable à ces costumes hideux façon cosplay, le casting totalement à la rue (Burt Reynolds, sérieusement...), la mise en scène évidemment atroce. Il n'y a pas à dire, Boll s'est surpassé. Pour couronner le tout, on se peut tout de même se délecter de ces amazones sauvages et sylvestres au décolleté fort intéressant, ou encore, pour les plus fougueux d'entre nous, des ninjas de l'armée royale. Car oui, il n'y a pas de nanar sans ninjas. Cosmique.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=904" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=904" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-cy-oj_KYMVs/VgLNFbNOJII/AAAAAAAABmA/k9gXN5ZKbOs/s1600/hulk.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-cy-oj_KYMVs/VgLNFbNOJII/AAAAAAAABmA/k9gXN5ZKbOs/s200/hulk.jpg" width="150" /></a><u><b><i>Hulk</i>, d'Ang Lee (2003)</b></u></div>
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<i>Revisionnage.</i><br />
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Si j'avais profondément détesté le <b><i>Hulk</i></b> d'Ang Lee à sa sortie, je le revois aujourd'hui légèrement à la hausse sans le trouver résolument réussi pour autant. Est-ce parce que les films de super-héros qui sortent aujourd'hui sont bien pires la plupart du temps ? C'est une éventualité. Bref. Ang Lee a tout de même bien saisi le potentiel de son personnage et les enjeux dramatiques de Bruce Banner (hélas très fadement campé par Eric Bana). De la sorte, il s'offre éventuellement d'assez jolies séquences malgré l'inévitable coup de vieux du film, ou encore ses élans de montage assez discutable bien que l'idée en elle-même soit louable. Car si les effets de montage sont un gimmick désormais connu chez Ang Lee, ici il abuse du procédé jusqu'à le rendre parfois un brin ridicule, d'autant plus que la technique n'est pas bien convaincante. L'idée aurait cependant vraiment pu être excellente si l'effet appliqué se rapprochait de celui utilisé dans la director's cut des <b><i>Guerriers de la nuit</i></b> de Walter Hill. Le reste de la réalisation est hélas beaucoup plus anodin, éventuellement ponctué par une partition de Danny Elfman sympathique sans être transcendante. Dommage que le final, vraisemblablement au cœur d'un problème de production, soit aussi inachevé. Donc, malgré tout, encore un peu mi-figue, mi-raison au sujet du film.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1968" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-XeaRuHEMuSQ/VgLNqIqA_bI/AAAAAAAABmI/ACeRCbbGgfA/s1600/hard%2Bday.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-XeaRuHEMuSQ/VgLNqIqA_bI/AAAAAAAABmI/ACeRCbbGgfA/s200/hard%2Bday.jpg" width="149" /></a><u><b><i>Hard Day</i>, de Seong-hoon Kim (2014)</b></u><br />
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<i><b>Hard Day</b></i> a de quoi laisser malheureusement un peu dubitatif, car passé tout un premier acte vraiment très réussi et excellemment mené, l'idée de base cache finalement un rouage scénaristique beaucoup plus convenu et la fraîcheur qu'apportait à priori le film s'estompe doucement. La journée de merde douloureusement traversée par le protagoniste principal suffit tout de même à rendre le film hautement sympathique, dans sa manière qu'il a à jouer avec les codes (désormais bien connus) du thriller sud-coréen, avec une touche d'humour noir qui est toujours le bienvenu, évidemment. Une petite production pas mémorable, mais tout de même plaisante en dépit de cette semi-déception, compte-tenu du potentiel du premier acte.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=52296" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=52296" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-cHXO2WAxF1Q/VgLOQ0IV-UI/AAAAAAAABmQ/YPObET4pjVQ/s1600/jur%25C3%25A9.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-cHXO2WAxF1Q/VgLOQ0IV-UI/AAAAAAAABmQ/YPObET4pjVQ/s200/jur%25C3%25A9.jpg" width="148" /></a><u><b><i>Le Septième juré</i>, de Georges Lautner (1962)</b></u></div>
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Sans aucun doute le film le plus sombre et glauque de Lautner. Mais <i><b>Le Septième juré</b></i>, c'est avant tout le projet très personnel de Blier, qu'il est même allé tourné dans son propre village. Les vingt premières minutes sont terrifiantes dans leur description de cette France un peu malade qui se croit bien portante. Sentiment qui atteint évidemment son paroxysme lors du fameux meurtre au son de Vivaldi. Blier y est terrifiant comme jamais il ne l'aura été. Par la suite, c'est une longue et lancinante descente aux Enfers, dans les abimes d'une société pourrie et corrompue à l'issue évidemment tragique et inéluctable. Dans un genre quasiment similaire, on pourrait penser à l'excellent <b><i>Enquête sur un citoyen au-delà de tout soupçon </i></b>d'Elio Petri. Bref, un grand film comme, pour changer... on en fait plus.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=33806" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=33806" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-nc6YP7zStFc/VgLP6mG5atI/AAAAAAAABmc/OmIswJAuLTk/s1600/far%2Bfrom.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-nc6YP7zStFc/VgLP6mG5atI/AAAAAAAABmc/OmIswJAuLTk/s200/far%2Bfrom.jpg" width="131" /></a></div>
<u><b><i>Loin de la foule déchaînée</i>, de John Schlesinger (1967)</b></u><br />
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Avec la sortie récente de la nouvelle adaptation signée Thomas Vinterberg, il était impératif que je vois la précédente faite par John Schlesinger. C'est assez curieux, puisque les deux versions se ressemblent plutôt, mais finissent par procurer un sentiment très différent. <b><i>Loin de la foule déchaînée</i></b> selon Schlesinger est une œuvre beaucoup plus naturaliste, peut-être davantage versée dans la fresque historique que le Vinterberg, autrement plus condensé et surtout plus romantique. On retrouve toutefois la grande beauté formelle qu'incombe le fait d'adapter Thomas Hardy, et on notera au passage que Vinterberg n'est parfois pas allé fort loin pour chercher l'inspiration des plans de sa version. Toutefois, encore une fois, les deux ont une identité très différente. En revanche, la beauté naturelle de Julie Christie ne compense pas la faiblesse de son jeu, parfois un brin pénible, surtout face à ses acolytes masculins, tous remarquables, encore plus pour l'immense Terence Stamp, sublime, devenant la réelle star du film. Pas aussi émouvant et réussi que la nouvelle adaptation, donc, mais c'est un autre regard assez intéressant, voire même assez instructif sur l'adaptation en général.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=9064" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-iU-OBq_mqjQ/VgLRugyQZhI/AAAAAAAABmo/aa3yuXj_N3E/s1600/guerre%2Bdu%2Bfeu.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-iU-OBq_mqjQ/VgLRugyQZhI/AAAAAAAABmo/aa3yuXj_N3E/s200/guerre%2Bdu%2Bfeu.jpg" width="148" /></a><u><b><i>La Guerre du feu</i>, de Jean-Jacques Annaud (1981)</b></u></div>
<br />
<i>Revisionnage. </i><br />
<br />
Plus de trente ans après<i><b> La Guerre du feu</b></i>, on doit pouvoir encore compter les films abordant la préhistoire (hors animation ou comédie) sur les doigts d'une main, ou pas loin. Pourquoi ce registre, pourtant passionnant sur le plan culturel et historique est-il aussi déserté ? Allez comprendre. Jean-Jacques Annaud saisit pourtant parfaitement tout le potentiel cinématographique dont il regorge : car c'est un "genre" où les enjeux sont puissants et universels (ici, la quête du feu, quoi de plus génial ?), visuellement ébouriffant et surtout intellectuellement riche dans sa description des prémices de l'humanité. Le feeling du film est unique et Annaud, compositeur pictural hors-norme, sait d'ailleurs l'imposer dès les premiers plans : le voyage temporel est immédiat. Brut de décoffrage, le film ne s'empêche pas toutefois quelques magnifiques séquences, dont évidemment la très forte rencontre avec les mammouths, que vient magnifier la composition de l'immense Philippe Sarde. Le film le plus unique de l'aventurier Jean-Jacques Annaud, vestige d'un cinéma perdu.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=5718" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=5718" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-vUgRVWsYnSs/VgLTgzOUv0I/AAAAAAAABm0/nvqBOYF_LL8/s1600/body.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-vUgRVWsYnSs/VgLTgzOUv0I/AAAAAAAABm0/nvqBOYF_LL8/s200/body.jpg" width="135" /></a><u><b><i>Mensonges d'Etat</i>, de Ridley Scott (2008)</b></u><br />
<i><br /></i>
<i>Revisionnage. </i><br />
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Sous ses airs de Ridley Scott efficace mais mineur, <i><b>Mensonges d’État</b></i> a pourtant toute sa place dans sa filmographie : volet agissant en diptyque avec <b><i>La Chute du faucon noir</i></b>, variant autour de la thématique "États-Unis police du monde : l'échec", et suite de <i><b>Kingdom of Heaven</b></i>, scénarisé également par William Monahan, qui se concluait sur des cartons introduisant la situation du présent film. Film hautement politique mais également thriller rondement mené, à la nervosité qui n'est évidemment pas sans rappeler celle du regretté frère Tony (la manière d'aborder la surveillance renvoie d'ailleurs évidemment au virtuose <i><b>Ennemi d’État</b></i>). Si bien entendu DiCaprio y brille, c'est aussi Russell Crowe qui domine le film, dans ce rôle d'homme de bureau façon <b><i>Révélations</i></b> qu'il sait si bien maîtriser. Bref, un film qu'il ne faut pas oublier dans une filmographie contemporaine bien dense.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2532" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-xZMzc2ZdrQs/VgLVOoHfHgI/AAAAAAAABnA/0dydIHSakpU/s1600/memories.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-xZMzc2ZdrQs/VgLVOoHfHgI/AAAAAAAABnA/0dydIHSakpU/s200/memories.jpg" width="150" /></a><u><b><i>Memories of Murder</i>, de Bong Joon-Ho (2003)</b></u></div>
<br />
On m'avait dûment vendu <i><b>Memories of Murder</b></i> comme une des matrices de <i><b>Zodiac</b></i> de David Fincher. Pas de doutes sur le fait que l'auteur américain y soit allé cherché de grandes influences, mais c'est dire la qualité du film de Bong Joon-Ho. Dans ce thriller froid et sordide où l'on retrouve encore toute une galerie de grotesques ou pathétiques personnages (tous génialement interprétés), c'est -paradoxalement- la beauté ambiante qui s'en dégage qui finit par marquer. Parce que c'est sublimement bien réalisé, évidemment, mais aussi finement écrit : c'est là sans doute le plus subtil du genre, là où justement les Coréens n'y arrivent pas toujours. A noter, également, la très belle musique de Tarô Iwashiro, qui encore récemment, a récidivé dans le sublime <b><i>The Crossing</i></b>. Bref, au panthéon du thriller sud-coréen, assurément.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=347" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=347" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<u><b><br /></b></u></div>
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-8riUC0DUUjs/VgLV-t5MP8I/AAAAAAAABnI/16AWbCr6DjU/s1600/tarzan%2B2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-8riUC0DUUjs/VgLV-t5MP8I/AAAAAAAABnI/16AWbCr6DjU/s200/tarzan%2B2.jpg" width="130" /></a></div>
<u><b><i>Tarzan et sa compagne</i>, de Jack Conway et Cedric Gibbons (1934)</b></u><br />
<br />
C'est véritablement amusant de voir tous ces films américains antérieurs au code Hays, car ils ne loupent alors jamais une occasion d'être plus ou moins explicite notamment dans tout ce qui est érotique, et il faut dire que l'érotisme filmé façon Hollywood classique est d'une grande beauté. C'est sûrement tout l'intérêt de <i><b>Tarzan et sa compagne</b></i>, l'érotisme omniprésent qui se dégage de la relation entre l'homme-singe et la légendaire Jane. Au grand mythe de l'aventure répond donc ce grand mythe érotique, qui se conjuguent dans une scène sous-marine franchement très belle dans ce qu'elle montre sans l'avoir vraiment montré. Pour le reste, évidemment ça ne reste qu'un petit film d'aventures plutôt lambda, mais qui se découvre sans déplaisir, essentiellement grâce à ce beau binôme formé par Johnny Weissmuller (quel homme, au passage) et Maureen O'Sullivan. Un film qui donne toujours autant envie d'aller faire du trapèze en pleine jungle, en beuglant le cultissime cri de Tarzan.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=9934" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<br /></div>
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-zwPTJtD-fws/VgLXJV7sXoI/AAAAAAAABnU/q-BVlm2hNx0/s1600/amant.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-zwPTJtD-fws/VgLXJV7sXoI/AAAAAAAABnU/q-BVlm2hNx0/s200/amant.jpg" width="133" /></a><u><b><i>L'Amant</i>, de Jean-Jacques Annaud (1992)</b></u></div>
<br />
<i>Revisionnage. </i><br />
<br />
Jean-Jacques Annaud, c'est quelque part notre Werner Herzog national, notre aventurier cinématographique dont la carrière se disperse aux quatre coins du globes. Et c'est aussi pour cela qu'on l'aime, pour cette manière si spéciale qu'il a d'aller capturer des endroits du bout du monde avec un œil d'esthète emprunt de plein de romantisme. <i><b>L'Amant</b></i>, c'est exactement cela. En une poignée de plans Annaud réussit un voyage incroyable et surtout passionné. Et c'est justement son romantisme idéalisé qui transcende la magnifique histoire de Marguerite Duras (au prix d'une brouille avec elle, toutefois), couplé (c'est le mot) ici avec un érotisme à littéralement tomber par terre. Mais tout ceci ne marche peut-être que parce qu'Annaud filme le binôme idéal, à l'alchimie parfaite, entre l'innocente mais sensuelle Jane Marsch et le magnétique Tony Leung. Dans tous les sens du terme, <i><b>L'Amant</b></i> est une vraie aventure, et définitivement un des sommets de la cinématographie de son auteur, dont on ne se lassera jamais de savourer des images au charme inimitable, où l'ampleur d'un David Lean vient épouser une touche française plus intime.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=7202" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-afrR2JEax70/VgLYaXTtSMI/AAAAAAAABnc/Wayx5a9wHFQ/s1600/sergent%2Bnoir.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-afrR2JEax70/VgLYaXTtSMI/AAAAAAAABnc/Wayx5a9wHFQ/s200/sergent%2Bnoir.jpg" width="150" /></a></div>
<u><b><i>Le Sergent noir</i>, de John Ford (1960)</b></u><br />
<br />
C'est quelque part très intriguant comme les années 60 poussent John Ford à déconstruire la mythologie du western (à laquelle il a lui-même largement contribué évidemment), entre <i><b>L'Homme qui Tua Liberty Valance</b></i>, <i><b>Les Cheyennes</b></i> ou même un peu avant, <i><b>Les Cavaliers</b></i>, qui d'une manière ou d'une autre préfigurent un regard moderne sur des thématiques qui vont plus tard être au centre des préoccupations du Nouvel Hollywood. <i><b>Le Sergent noir</b></i> s'inscrit lui-aussi dans cette logique. Avant tout, quel régal d'avoir l'inimitable Woody Strode en vedette, sûrement plus que jamais magnifié par la caméra de Ford, qui en fait l'homme fort et viril du western par excellence, le survivant de l'Ouest... le vrai Américain, finalement. Et là-dessus le film est très moderne, il n'est pas dans une logique misérabiliste, alors que John Ford se lance littéralement à fond dans son sujet. Optant pour l'élégante forme du "film de procès" (toutefois allégé par les traditionnelles drôleries du cinéaste), il déconstruit avec finesse la thématique raciste, tant dans l'imagerie du western que dans la société américaine contemporaine. Et tout sonne juste. Si Jeffrey Hunter s'impose peut-être un peu moins, c'est surtout la sublime Constance Towers qui sera la co-vedette de Strode, confirmant qu'elle mérite bien plus que cette trop mince carrière.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=12168" target="_blank">Fiche Cinelounge</a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-6423083980187720142.post-69614858957872783052015-08-06T23:49:00.000+02:002015-08-16T18:39:13.134+02:00[Avis en vrac] Vus et revus en 2015 #5<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-fO6W42HE4vA/VcPV4t4rvfI/AAAAAAAABe0/DOaDxSN4nJg/s1600/mustang%2Bimage.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="292" src="http://3.bp.blogspot.com/-fO6W42HE4vA/VcPV4t4rvfI/AAAAAAAABe0/DOaDxSN4nJg/s640/mustang%2Bimage.jpg" width="540" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Mustang</b></i>, de <span class="st">Deniz Gamze Ergüven (2015)</span><u><b><span class="st"><br /></span></b></u></td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-fO6W42HE4vA/VcPV4t4rvfI/AAAAAAAABew/HqhYOzCjfsw/s1600/mustang%2Bimage.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<br />
<span style="font-size: large;"><u><b>AU CINÉMA - ACTUALITÉS</b></u></span><br />
<br />
<br />
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-41-51ysUClQ/VcIdmeS7wyI/AAAAAAAABYA/i8Xrl3XhTK0/s1600/mustang.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-41-51ysUClQ/VcIdmeS7wyI/AAAAAAAABYA/i8Xrl3XhTK0/s200/mustang.jpg" width="150" /></a><u><b><i>Mustang</i>, de <span class="st">Deniz Gamze Ergüven (2015)</span></b></u><br />
<div style="text-align: justify;">
<br />
<span class="st">En voilà un beau film. <b><i>Mustang</i></b> travaille à travers une histoire intime et familiale toute l'ampleur du problème face auquel la Turquie se confronte, ce pays de paradoxes et d'oppositions entre sa modernité et ses traditions culturelles. Mais c'est aussi plus que cela, puisque le (premier, rien que ça) film de la franco-turque Deniz Gamze Ergüven cultive une douce mais intéressante relation avec le genre, en prenant parfois des airs de teen-movie estival comme de film carcéral. Immense réussite du film : l'interprétation globale, à commencer par la plus jeune </span>fille campant Lale, somptueux personnage. Malgré quelques petites entorses à la subtilité (notamment une avec le personnage de l'oncle), le film n'en demeure pas moins une grande réussite, beau dans ce qu'il raconte, beau cinématographiquement... et avec une musique de Warren Ellis, mais que demande le peuple ?</div>
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=59398" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-0ab_4d8Y4TQ/VcId62MII_I/AAAAAAAABYI/7y_u9Styv_I/s1600/fran%25C3%25A7ais.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-0ab_4d8Y4TQ/VcId62MII_I/AAAAAAAABYI/7y_u9Styv_I/s200/fran%25C3%25A7ais.jpg" width="146" /></a><u><b><i>Un Français</i>, de Diastème (2015)</b></u></div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Je dois confesser que je suis allé plutôt à reculons voir <b><i>Un Français</i></b>, que j'estimais curieusement un peu trop médiatisé pour un soi-disant film censuré. Fort heureusement, le long-métrage de Diastème est au-delà de cela. C'est un film bourré d'envie et d'idées, au propos peut-être pas si fort et décapant que nous l'aurions espéré, mais au moins juste et assez fin. A part quelques moments de trop (la copine alcoolique et facho était dispensable), jamais le film ne s'embourbe dans un vilain manichéisme putassier. Assez modestement, il ne fait que retranscrire le parcours de quelqu'un qui se cherche et qui a dû se planter pour se trouver. La réalisation, constituée majoritairement de longs plans remarquablement bien fichus, en impose à plus d'une reprise, dès le premier plan d'ailleurs. A l'image, un excellent casting, dirigé avec précision. Malgré la perte de rythme du troisième acte qui ne sait plus forcément où en venir, Diastème parvient à relier son film à l'époque contemporaine sans tomber dans la prise de position vulgaire et opportuniste. Pas mal.</div>
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=57933" target="_blank"><br /></a></div>
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=57933" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-6U5SKo88sRM/VcIeL5kYCdI/AAAAAAAABYQ/Z14qJfnbGLs/s1600/1001%2Bnuits.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-6U5SKo88sRM/VcIeL5kYCdI/AAAAAAAABYQ/Z14qJfnbGLs/s200/1001%2Bnuits.jpg" width="150" /></a><u><b><i>Les Mille et une Nuits : volume 1, L'inquiet</i>, de Miguel Gomes (2015)</b></u><br />
<br />
Il faut vraisemblablement croire que le dernier film de Miguel Gomes a déçu ceux qui avaient adoré <i><b>Tabou</b></i>. Partant vierges de connaissances vis-à-vis de la filmographie du cinéaste portugais, j'ai éprouvé un réel intérêt devant <i><b>Les Mille et une Nuit</b></i>s malgré la pléthore de défauts qu'on pourra sûrement lui imputer. Certes, ça n'est pas toujours subtil. Certes, on peut questionner la démarche du réalisateur quand à certains passages trop démonstratifs. Certes, ça n'est qu'un tiers du film... Mais j'ai été touché par cette manière de transposer de la sorte la situation du Portugal en pleine austérité. L'idée n'est peut-être quelque part pas des plus originales et pourtant elle marche, Gomes s'y retrouve et son discours fait mouche. Et puis, certains plans sont tellement beaux que c'en est enivrant, comme celui, bien entendu, de Shéhérazade sur son bateau, cheveux aux vents. Mention spéciale pour la bande-sonore : non seulement les morceaux sont excellents mais en plus ils sont remarquablement bien insérés dans le montage. Hâte de voir la suite, donc, avant d'émettre un jugement définitif sur l'ensemble.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=55912" target="_blank">Fiche Cinelounge</a></div>
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<u><b><br /></b></u></div>
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-KMeJs3ZG4KY/VcIeW9VKZtI/AAAAAAAABYY/7NnRM2wPs3A/s1600/welcome.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-KMeJs3ZG4KY/VcIeW9VKZtI/AAAAAAAABYY/7NnRM2wPs3A/s200/welcome.jpg" width="135" /></a><u><b><i>Welcome to Leith</i>, de Michael Beach Nichols et Christopher K. Walker (2015)</b></u></div>
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<br /></div>
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J'avais, par le plus grand des hasards, vaguement entendu parler du fameux Cobb il y a quelques années lors de son passage dans le show de Trisha, sans savoir réellement dans quoi il était impliqué. <i><b>Welcome to Leith</b></i> fait la lumière sur des évènements résolument passionnants qui, outre le fait de platement dénoncer le nouveau bastion néo-nazi américain, pose des questions quant à la politique à observer dans une telle époque. C'est littéralement impressionnant de voir toute cette bande de dégénérés (et j'insiste sur le mot) parvenir à se réfugier derrière le fameux premier amendement américain. <i><b>Welcome to Leith</b></i> expose non seulement les limites de la liberté d'expression mais également celle de la démocratie. Certaines situations dévoilées, à la limite de l'improbable, sont tout de même terrifiantes. C'est une histoire assez incroyable. Dommage parfois que le documentaire ait quelques airs de reportage télévisuel, mais l'intention et le sujet l'emportent. Et malgré tout, on a presque envie d'aller vivre à Leith, dans cette ville du bout du monde qui semble encore sur la Frontière, là où l'on vit le western tous les jours.</div>
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=56265" target="_blank"><br /></a></div>
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=56265" target="_blank">Fiche Cinelounge</a></div>
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<br />
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-Wz2EExCOnfY/VcIekn4vtDI/AAAAAAAABYg/0iQQH1SPbyo/s1600/while.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-Wz2EExCOnfY/VcIekn4vtDI/AAAAAAAABYg/0iQQH1SPbyo/s200/while.jpg" width="127" /></a><u><b><i>While We're Young</i>, de Noah Baumbach (2015)</b></u><br />
<br />
Devant <i><b>While We're Young</b></i>, on pourrait s'attendre à une sorte d'énième (mais peut-être sympathique) feel-good movie sur fond de complémentarité générationnelle. En vérité le film est même plutôt l'inverse en cherchant à diagnostiquer justement le phonème de société qu'est une "génération". C'est peut-être souvent maladroit voire parfois un peu facile, mais le regard est modeste, juste, et évite par ailleurs l’écueil du jugement dans son final. Ben Stiller, encore une fois excellent, contribue à porter le film au côté d'un casting vraiment chouette. Son alchimie avec Naomi Watts est parfaite. Étrange, imparfait... inachevé sûrement, mais pourtant assez intéressant, assez inattendu. Et puis, un film qui met en scène le "<i>Love theme"</i> de <b><i>Blade Runner</i></b> ne peut pas être mauvais !<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=47741" target="_blank">Fiche Cinelounge</a></div>
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-nIx7eHJuME8/VcIevIahu6I/AAAAAAAABYo/9qO-VA1DXxE/s1600/alias.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-nIx7eHJuME8/VcIevIahu6I/AAAAAAAABYo/9qO-VA1DXxE/s200/alias.jpg" width="140" /></a><u><b><i>Alias Maria</i>, de José Luis Rugeles (2015)</b></u></div>
<br />
Présenté en catégorie <i>Un Certain Regard</i> à Cannes, <i><b>Alias Maria</b></i> débarque avec une certaine ambition qui d'ores et déjà lui permet tout de même de tirer son épingle du jeu. En confrontant le film de guerre, façonné dans le quotidien de la guerilla de Colombie, et le drame maternel, Rugeles a en main les outils idéaux pour questionner les thématiques d'actualité de son pays. La plongée dans le chaos ambiant est évidemment très intéressante et surtout dans l'ensemble assez juste, malgré le manque global de subtilité du film, ou alors son rythme (très) brinquebalant. Il n'en reste pas moins une belle tentative, audacieuse, bien maladroite donc, mais quand même sincère.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=59548" target="_blank"> Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-zX0P15-ark0/VcIe9vCbjOI/AAAAAAAABYw/gU-fHBy6688/s1600/microbe.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-zX0P15-ark0/VcIe9vCbjOI/AAAAAAAABYw/gU-fHBy6688/s200/microbe.jpg" width="146" /></a></div>
<div style="text-align: left;">
<u><b><i>Microbe et Gasoil</i>, de Michel Gondry (2015)</b></u></div>
<br />
Dans la pittoresque boîte à idées qui sert de tête à Michel
Gondry réside l’un des savoir-faire de cinéaste les plus appréciables du
paysage cinématographique français actuel. Avec une carrière riche,
transgenre et internationale, Gondry, passé <i><b>L’écume des Jours</b></i>, s’est
recentré sur des projets plus modestes, toutefois très personnels, comme
<i><b>Microbe et Gasoil</b></i> en témoigne. Road movie juvénile sur fond de (trop ?)
classique voyage initiatique, le dernier Gondry semble être quelque
part la continuité de <i><b>The We and the I</b></i>.<br />
<br />
A lire sur Filmosphere :<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/microbe-et-gasoil-michel-gondry-2015/">http://www.filmosphere.com/movies/microbe-et-gasoil-michel-gondry-2015/</a><br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=60360" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-sr6s857wUz4/VcIfke7AboI/AAAAAAAABY4/HmoGyei6LYE/s1600/southpaw.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-sr6s857wUz4/VcIfke7AboI/AAAAAAAABY4/HmoGyei6LYE/s200/southpaw.jpg" width="134" /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<u><b><i>La Rage au ventre</i>, d'Antoine Fuqua (2015)</b></u></div>
<br />
Je n'arrive pas à cerner Antoine Fuqua. Le réalisateur jadis connu pour <i><b>Training Day</b></i>, capable de bonnes idées et sans doute capable d'être un bon cinéaste, semble inapte à vraiment réussir un film. Depuis le plutôt surprenant <i><b>L’Élite de Brooklyn</b></i>, devenu son film le plus intéressant justement par sa sobriété et sa certaine intelligence en dépit de son côté "James Gray du pauvre", Fuqua s'enterre dans des productions bêtes et sans intérêt. Et malgré son aspect global, c'est plutôt le cas de <i><b>La Rage au ventre</b></i> également. Finalement ça n'est qu'un pauvre film de "performances" où tout le monde en fait des caisses pour récolter une statuette dorée. Mais ça ne cache pas un scénario d'une certaine pauvreté, recyclant ce qui a déjà été maintes fois fait au sein du film de boxe (ne serait-ce que <i><b>Rocky V</b></i>...) sans jamais être capable de proposer autre chose que la "performance" de son interprète principal, Jake Gyllenhaal, sûrement très investi, mais finalement peu crédible. Le film s'enfonce alors dans son manque d'originalité, accumulant des effets de style qui ne sont pas franchement le point fort de Fuqua, essayant en parallèle de construire un drame bien intentionné mais trop convenu, ne fonctionnant pas vraiment. <i><b>La Rage au ventre</b></i> n'est pas détestable, mais quand on se dit que le chef-d’œuvre de Michael Mann <i><b>Ali</b></i> est sorti il y a près de quinze ans, un film de boxe où chaque mouvement de caméra se ré-inventait, on se demande quand même quel est l'intérêt du film de Fuqua.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=61035" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-0GBrny8RiwE/VcIfwVaMBdI/AAAAAAAABZA/M8LnNFjEUmM/s1600/ant.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-0GBrny8RiwE/VcIfwVaMBdI/AAAAAAAABZA/M8LnNFjEUmM/s200/ant.jpg" width="141" /></a></div>
<u><b><i>Ant-Man</i>, de Peyton Reed (2015)</b></u><br />
<br />
Il suffit d'une fraction de ce qu'il reste du script d'Edgar Wright et Joe Cornish pour faire d'<i><b>Ant-Man</b></i> le "meilleur" (par-là entendons "moins pire") Marvel de la "phase 2", c'est dire. Mais c'est aussi d'autant plus désolant de constater tout ce potentiel gâché, sacrifié sur l'autel du formatage désormais habituel venant de la firme des super-héros. Réalisation inexistante, acteurs en perdition, personnages unilatéraux et archétypaux (dont un méchant... méchant !), direction photographique absente... C'est encore un de ces navires sans capitaine à la barre. On reconnaît ça là et chaque élément de mise en scène ou de dialogue propre à Edgar Wright (dont, par exemple, le train miniature, mais aussi le très drôle dialogue dans la voiture entre le héros et Michael Pena). On sauvera peut-être également le visuel des effets-spéciaux, malheureusement alourdi par la fameuse inexistence de la mise en scène de Peyton Reed... Pas aussi catastrophique qu'<i><b>Avengers : L'ère d'Ultron</b></i>, donc, mais il y a de quoi en vouloir sévèrement à Kevin Feige d'avoir sabordé de la sorte le projet si personnel qu'a longtemps entretenu le brillant Edgar Wright. Marvel, la firme où l'on vire les gens qui ont des idées.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=29057" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=29057" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-xMU8_92OCKE/VcIgL6IDcdI/AAAAAAAABZI/xFWzXjlCTUk/s1600/office.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-xMU8_92OCKE/VcIgL6IDcdI/AAAAAAAABZI/xFWzXjlCTUk/s200/office.jpg" width="139" /></a><u><b><i>Office</i>, de Won-Chan Hong (2015)</b></u></div>
<br />
Le courant des thrillers violents sud-coréens a-t-il atteint ses limites ? On se le demande face à <i><b>Office</b></i>, parodie totale et risible de tout ce que l'on aura préalablement aperçu dans le genre. Et pourtant le réalisateur semble être-là, collaborateur tantôt à la production et à la photographie sur <i><b>The Chaser</b></i>, tantôt à l'écriture sur <i><b>The Murderer</b></i>. Mais n'est pas réalisateur qui veut... Ici, rien ne semble aller. Déjà, pas ce scénario franchement grotesque qui a aucun moment n'arrive à gérer de l'empathie (ou ne serait-ce de l'antipathie) pour ses protagonistes. Tout est bêtement froid et mécanique, résultat encore plus avarié par une interprétation globalement désastreuse, et une réalisation des plus anodines... Le pseudo huis-clos du bureau devient laborieux et surtout répétitif, dans un film où le ton n'évolue jamais. C'est pire que mauvais, c'est juste ennuyant au possible. Je veux bien que les films en séance de minuit à Cannes ne soient pas forcément des chef-d’œuvre, mais tout de même... Cela fait deux fois que le festival me fait le coup avec un pareil navet.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=60418" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-xR4kAD_Rp18/VcIgW9NenWI/AAAAAAAABZQ/Aebt8ShF2SE/s1600/fantastiques.jpeg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-xR4kAD_Rp18/VcIgW9NenWI/AAAAAAAABZQ/Aebt8ShF2SE/s200/fantastiques.jpeg" width="134" /></a><u><b><i>Les 4 Fantastique</i>, de Josh Trank (2015)</b></u><br />
<br />
<i>"Boarf, ça ne peut pas être pire que les deux précedents films"</i>. A la sortie du reboot des <i><b>4 Fantastiques</b></i>, on peut quand même se poser la question. Le film de Josh Trank est passablement un échec intégral, s'échouant dans tout ce qu'il entreprend (pour le peu qu'il entreprend) et accomplissant le miracle d'être laborieux et ennuyeux comme la mort alors que le film ne fait qu'une heure quarante. Il y a avant tout un sévère problème de scénario, mal agencé, mal rythmé, faisant qu'au bout de la moitié du film il ne s'est toujours rien passé. Les personnages sont transparents et les enjeux du film sont absents : on regarde platement, dans l'acte final, un déluge d'explosions et de destruction sans en être affecté d'une manière ou d'une autre. D'autant plus que, chose regrettable dans le genre, la bonne majorité des trucages numériques est complètement ratée. Échec ultime, quand la musique bénéficie des soins de Marco Beltrami et de l'immense Philip Glass, pour un résultat des plus anodins et génériques, n'incluant même pas, dans le montage du film, le meilleur morceau de l'album n'étant autre que le premier. Incroyable qu'on en arrive là. A la sortie, j'en venais presque à me demander si je n'avais pas "préféré" <i><b>Avengers : L'ère d'Ultron</b></i>... Quelle catastrophe. On est en tout cas bien loin du modèle cinématographique imposé encore récemment par Bryan Singer dans <i><b>X : Men : Days of Future Past</b></i>.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=52556" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><u><b>AU CINÉMA - RESSORTIES</b></u></span></div>
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-pbwljxPF1XU/VcI3HgEc-sI/AAAAAAAABZg/IIeXAJHdxi0/s1600/walkabout.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-pbwljxPF1XU/VcI3HgEc-sI/AAAAAAAABZg/IIeXAJHdxi0/s200/walkabout.jpg" width="150" /></a><u><b><i>La Randonnée</i>, de Nicolas Roeg (1971)</b></u><br />
<u><b><br /></b></u>
Quelle claque. Décidément le cinéma australien n'a pas fini de me surprendre... Quelque part, <i><b>La Randonnée</b></i>, c'est un peu l'anti-<b><i>Wake in Fright </i></b>(sorti d'ailleurs la même année, comme quoi). Si le film de Kotchef, traumatisant au possible, donne envie de fuir le continent, celui de Roeg, malgré sa régulière dureté, donne envie de s'y perdre. Accumulant des images marquantes confondantes de beauté, Roeg décrit un périple incroyable donnant à découvrir une sorte de terre perdue. Rarement on aura si bien capté l'essence d'une terre, et comme me le faisait remarquer un ami, rarement on aura si bien filmé des animaux sauvages dans une fiction. Pour couronner le tout, la musique divine et mémorable de John Barry vient consacrer le film à son rang de chef-d’œuvre... Une grande expérience.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=3662" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-s7phlqzvkkI/VcI3SWFDldI/AAAAAAAABZo/8KaJkpsIjNA/s1600/being%2Bthere.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-s7phlqzvkkI/VcI3SWFDldI/AAAAAAAABZo/8KaJkpsIjNA/s200/being%2Bthere.jpg" width="130" /></a><u><b><i>Bienvenue Mister Chance</i>, de Hal Ashby (1979)</b></u></div>
<br />
En lisant le pitch, on pourrait s'attendre à une sorte de Blake Edwards, où l'on retrouve de nouveau Peter Sellers (dans son dernier rôle d'ailleurs). Mais que nenni... Quelle surprise. <i><b>Bienvenue Mister Chance</b></i> n'est pas une histoire de comédie (quoique le film est capable d'être très drôle), mais plutôt un drame d'une émotion à la fois inattendue et superbe, incroyablement juste. Derrière le ton naïf et mélancolique du film se cache une œuvre à la fois grande et simple sur la société, le monde contemporain... mais sur les gens, aussi. Tout ceci capté avec une élégante simplicité par Hal Ashby, dont l'image est magnifié par le talentueux Caleb Deschanel à la photographie. Peter Sellers, impérial, y détient peut-être son meilleur rôle (avec <i><b>The Party</b></i>), mais plus généralement, tout le casting est d'une justesse record. Alors on se demande où le film nous emmène, que raconte-t-il finalement... jusqu'à ce final. Quel final. Quel film !<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=4915" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=4915" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-ntpWWXa5nUg/VcI3wVRiSvI/AAAAAAAABZw/IcZVZjFp92A/s1600/dead%2Bringers.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-ntpWWXa5nUg/VcI3wVRiSvI/AAAAAAAABZw/IcZVZjFp92A/s200/dead%2Bringers.jpg" width="134" /></a></div>
<u><b><i>Faux-semblants</i>, de David Cronenberg (1988)</b></u><br />
<br />
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
Le cinéma de David Cronenberg, c'est quelque chose. Mais le cinéma de Cronenberg en salle, c'est une expérience encore différente. C'est étouffant. On se retrouve pris à la gorge par les obsessions malsaines de ce réalisateur que l'on aime tant, ces ambiances lourdes qu'il impose à chacun de ses films ou pas loin. Et évidemment, avec <i><b>Faux-semblants</b></i>, cela ne peut-être que le cas. Ce qui aurait pu devenir un bête film à performance dans les mains d'un autre devient un film d'une beauté rare dans les mains de Cronenberg. Car c'est là le plus absurde (ou le plus magnifique, c'est selon) : en dépit de l'horreur contée par le cinéaste, il arrive à créer des personnages résolument beaux, et ne perd jamais de vue que ce qu'il fait, en premier lieu, ça n'est pas de l'horreur, mais un drame. Bien entendu, c'est encore mieux quand on a un Jeremy Irons grandiose en deux exemplaires, ainsi qu'un Howard Shore très, très inspiré. Définitivement un film majeur de Cronenberg<br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-uxhiTGxb6FE/VcI39uruvAI/AAAAAAAABZ4/K0GRleyX8SE/s1600/midnight.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-uxhiTGxb6FE/VcI39uruvAI/AAAAAAAABZ4/K0GRleyX8SE/s200/midnight.jpg" width="130" /></a><br />
<div style="text-align: right;">
<u><b><i>Midnight Express</i>, d'Alan Parker (1978)</b></u></div>
<i><br /></i>
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
Je redoutais quelque part le revisionnage de <b><i>Midnight Express</i></b>, film marquant s'il en est, mais susceptible d'être trop ancré dans son époque. Enfin, cela dit, quel film ne l'est pas ? Et si le film-culte d'Alan Parker l'est évidemment, solidement attaché à son temps par la géniale partition électronique de Giorgio Moroder, il n'en reste pas moins un solide morceau de cinéma de la part d'un grand réalisateur britannique trop souvent oublié. Ça n'est pas un film qui mise sur sa subtilité, Parker y va les pieds dans le plat, et pourtant il arrive à tout faire fonctionner, à rendre cette fresque carcérale vivante et prenante. Voire plutôt belle, même dans ses passages les plus (délibérément) kitchs, qui viennent ponctuer l'ambiance de ce lieu misérable où le salut paraît absent. Un film qui fait encore son effet, donc.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2166" target="_blank"><br /></a>
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<u><b><br /></b></u>
<u><b><br /></b></u>
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-Ihlp0hiN_JY/VcI4mdlnC8I/AAAAAAAABaE/1zBDgQgMSe4/s1600/touch%2Bof%2Bzen.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-Ihlp0hiN_JY/VcI4mdlnC8I/AAAAAAAABaE/1zBDgQgMSe4/s200/touch%2Bof%2Bzen.jpg" width="149" /></a><u><b><i>A Touch of Zen</i>, de King Hu (1971)</b></u><br />
<br />
Assez grande déception... Si j'avais beaucoup aimé le dynamique et westernien <b><i>Dragon Inn</i></b> du même King Hu, j'attendais quasiment un chef-d'oeuvre de la fresque de trois heures <b><i>A Touch of Zen</i></b>. Principalement, le film se perd régulièrement dans les limbes d'un scénario assez chaotique, partant d'une idée simple et efficace, mais non seulement démesurément étiré en longueur, et surtout affublé d'une sorte d'épilogue presque hors-sujet malgré ses moments épiques. On se demande qu'est-ce que raconte le film, où va-t-il, là où ces enjeux étaient plus limpides -et efficaces- dans <i><b>Dragon Inn</b></i>. Et pourtant, par-dessus tous ces défauts, il y a quand même une très belle mise en scène (malgré ses lourdeurs ou les instrusions intempestives de la musique, un peu typique du genre) et surtout un visuel vraiment remarquable, tant dans la direction artistique globale que dans la photographie... Très impressionnant et surtout très dépaysant de ce côté-là. Le premier combat dans la forêt de bambous laisse une image très forte. Si globalement, c'est à ce point-là foutraque, c'est peut-être car le tournage a été infernal... Enfin c'est sans doute une pièce maîtresse du genre et du cinéma taïwanais, une jolie oeuvre à découvrir, mais je m'attendais vraiment à être transcendé.<br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-q1kzjEYSKP0/VcI6Jzl2T4I/AAAAAAAABaQ/Wv-leXt6xgg/s1600/key.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-q1kzjEYSKP0/VcI6Jzl2T4I/AAAAAAAABaQ/Wv-leXt6xgg/s200/key.jpg" width="149" /></a><u><b><i>Key Largo</i>, de John Huston (1948)</b></u></div>
<br />
Film
noir culte s'il en est, je n'avais pourtant jamais vu ce classique de
John Huston. Je ressors toutefois très légèrement déçu de <b><i>Key Largo</i></b>,
attendant (peut-être à tort) un grand chef-d’œuvre, et me retrouvant à
la fin "uniquement" avec un fort bon film. Film maîtrisé, toutefois,
impeccablement, du début à la fin. Grand film d'ambiance, une fois de
plus, et si ça n'est pas le charisme incroyable du couple Bogart/Bacall
qui l'emporte, c'est surtout le grand Edward G. Robinson, qui ici domine
tout le métrage de son incroyable présence. La tension est très
présente, totalement exacerbée par l'incroyable tempête qui se passe
autour de ce huis-clos. Pas mal du tout, quand même.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1628" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-5HUuujnvRSc/VcI6SltkXeI/AAAAAAAABaY/Rt5dn9_lY_E/s1600/chateau.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-5HUuujnvRSc/VcI6SltkXeI/AAAAAAAABaY/Rt5dn9_lY_E/s200/chateau.jpg" width="150" /></a></div>
<u><b><i>Le Château dans le ciel</i>, de Hayao Miyazaki (1986)</b></u><br />
<br />
Pour une raison qui m'échappe je n'ai jamais pris le temps de vraiment découvrir la carrière de Miyazaki en dehors de ses plus connus (<i><b>Princesse Mononoké</b></i> et <i><b>Le Voyage de Chihiro</b></i>) et son dernier (<i><b>Le Vent se lève</b></i>). Si <i><b>Le Château dans le ciel</b></i> faisait parti de ceux qui m'intéressaient le plus, je ne suis pas déçu du voyage, une grande ode d'une poésie sublime, que le cinéaste dédie, comme souvent, aux éléments. En transposant dans son univers des thèmes forts et marquants de son pays (notamment son rapport complexe à l'industrie comme son souvenir douloureux de la technologie au service de la destruction), Miyazaki transcende l'intelligence de l'animation. Mais finalement, c'est un film libre, libre de rêver et de s'envoler. Comme Miyazaki, et sans doute, comme son spectateur, doucement bercé par les mélodies de Joe Hisaishi.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=121" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-lVtsA7Y4T7M/VcI6xAK43uI/AAAAAAAABag/MEh2DoHlFyE/s1600/lady.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-lVtsA7Y4T7M/VcI6xAK43uI/AAAAAAAABag/MEh2DoHlFyE/s200/lady.jpg" width="130" /></a><u><b><i>La Dame de Shanghai</i>, d'Orson Welles (1946)</b></u></div>
<br />
Alors qu'une rétrospective Orson Welles bat son plein à l'occasion du "centenaire" du cinéaste, impossible de ne pas en profiter pour découvrir <i><b>La Dame de Shanghai</b></i>. Encore un de ces films où la patte de Welles transpire dans chaque plan ou pas loin, lui qui a eu cette capacité à filmer des gros plans en noir et blanc comme personne d'autre, sondant les esprits rotors pour ne pas dire dérangés qui parsèment ses œuvres. Et le film est exactement cela, alors que l'on se demande où sa construction scénaristique nous emmène, alors que l'on sait que le piège est omniprésent... jusqu'à un climax final incroyable, mémorable et visionnaire, reprenant les obsessions surréalistes de Welles. Et puis, pour achever le charme de la production, comme si cela ne suffisait pas, il faut bien entendu saluer la prestation de Welles lui-même, ce garçon au charme magnétique, pas forcément beau, mais dont on arrive à tomber presque immédiatement amoureux à la moindre parole qu'il prononce. Plutôt puissant.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2614" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2614" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<span style="font-size: large;"><u><b>EN VIDÉO</b></u></span></div>
<div style="text-align: justify;">
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<u><b><br /></b></u>
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-abqHl-ER1UU/VcI7nZREY4I/AAAAAAAABas/bkJgJWjjq5U/s1600/crossing.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-abqHl-ER1UU/VcI7nZREY4I/AAAAAAAABas/bkJgJWjjq5U/s200/crossing.jpg" width="143" /></a><u><b><i>The Crossing - Part 1</i>, de John Woo (2014)</b></u><br />
<br />
Il se faisait attendre, le nouveau John Woo, surtout après le glorieux retour en Chine que constitue l'épique inégalé <b><i>Les Trois Royaumes</i></b>. Si Woo renoue une fois de plus avec l'épique dans <i><b>The Crossing</b></i>, il en fait également une fresque historique plus intimiste et encore plus poétique, cette fois-ci emprunte d'une essence largement inspirée par David Lean, plus particulièrement <i><b>Docteur Jivago</b></i>. Il s'y décrit un morceau de l'histoire de Chine complexe et douloureux (le film y est d'ailleurs très mal reçu), justement retranscrit à travers ses beaux personnages, qui demeurent éventuellement inachevés à cause de la segmentation du métrage. Mais encore une fois, un grand John Woo se taille devant nos yeux, et encore une fois on constate que l'auteur hong-kongais n'a jamais perdu de vue sa thématique principale : aussi importante soit l'histoire, aussi démesurée soit l'échelle, il n'en reste pas moins, encore une fois, un simple et beau film d'amitié. Vivement la suite !<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=47002" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-d0NkVQS0eT0/VcI8H78HAKI/AAAAAAAABa0/g8_TEhgJrtM/s1600/black%2Bsea.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-d0NkVQS0eT0/VcI8H78HAKI/AAAAAAAABa0/g8_TEhgJrtM/s200/black%2Bsea.jpg" width="134" /></a><u><b><i>Black Sea</i>, de Kevin McDonald (2014)</b></u></div>
<br />
Malheureuse destinée pour le dernier film de Kevin McDonald qui ne peut même pas jouir d'une sortie en bonne et due forme par chez nous. Dans le sous-genre dernièrement très malmené qu'est "le film de sous-marin" (dont les productions DTV ne se comptent plus), le talentueux et éclectique Kevin McDonald arrive à tirer son épingle du jeu dans <i><b>Black Sea</b></i>, mélangeant les genres et inspirations pour façonner son histoire de chasse au trésor. Évidemment, les références inéluctables à <i><b>Das Boot</b></i> ou encore <i><b>à A la poursuite d'Octobre Rouge</b></i> sont là, mais le film a sa propre identité, son propre ton visuel et dramatique, extrêmement bien fichu. D'ailleurs, dans un premier temps, McDonald ne s'aligne pas sur les conventions du genre et tout le premier acte du film, en forme de drame social, va puiser quasiment chez Ken Loach. C'est dire la diversité du cinéaste. C'est peut-être dommage que le dernier tiers du film devienne sûrement assez prévisible, mais ça n'en reste pas moins une belle aventure, assez angoissante, bénéficiant d'un beau casting et remarquablement bien réalisée, avec, en sus, une photographie des plus incroyables, il faut le souligner.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=54230" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-o_M9AcJ0SYk/VcI8aQtjr7I/AAAAAAAABa8/F0XpGGe1nJg/s1600/presidio.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-o_M9AcJ0SYk/VcI8aQtjr7I/AAAAAAAABa8/F0XpGGe1nJg/s200/presidio.jpg" width="136" /></a><u><i><b>Presidio, base militaire San Fransisco, </b></i><b>de Peter Hyams (1988)</b></u></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
Si j'ai une vraie sympathie pour l'habile faiseur qu'est capable d'être Peter Hyams (dont il faut surtout retenir <i><b>Outland</b></i>, <i><b>Capricorn One</b></i> et <i><b>2010 : L'année du premier contact</b></i>), il faut bien avouer que <i><b>Presidio, base militaire San Fransisco</b></i> n'est rien d'autre qu'un petit polar pas très ambitieux sur fond d'enquête au sein de l'armée. L'intrigue n'offre rien de spécial, Sean Connery fait juste acte de présence et il ne faut pas forcément compter sur le charisme de Mark Harmon comme personnage principal. Même si le film n'est pas désagréable pour autant, il s'oublie bien vite, trop anecdotique, trop banal. Quitte à apprécier une enquête militaire, autant revoir le maîtrisé <i><b>Des hommes d'honneur</b></i> de Rob Reiner.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=3578" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-YPLxdo9rleg/VcI8ukBAtII/AAAAAAAABbE/GEYq7bpgeAE/s1600/general.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-YPLxdo9rleg/VcI8ukBAtII/AAAAAAAABbE/GEYq7bpgeAE/s200/general.jpg" width="138" /></a><u><b><i>Le général della Rovere</i>, de Roberto Rossellini (1959)</b></u></div>
<br />
Film passionnant mais extrêmement dur sur l'opportunisme en temps de guerre, <i><b>Le général della Rovere</b></i> ne sombre jamais dans la fresque moralisatrice et parvient à conserver toute les subtilités appréciables du néo-réalisme italien. Les situations décrites sont déprimantes alors que l'on voit le personnage principal s'enfoncer sous ses mensonges et son hypocrisie. Mais le pire, dans tout cela, est que tout respire le réel, ces enjeux nous parlent encore. Évidemment Vittorio De Sica porte remarquablement bien le film, dans un rôle à la complexité qui se tisse au fur et à mesure de son avancement dans les limbes de son imposture, jusqu'à un final puissant, à l'insu de quelques longueurs toutefois. Une belle découverte.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=16714" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=16714" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-V9VJW7686Ww/VcI9JSsq1CI/AAAAAAAABbM/yZ5SQJCRjnE/s1600/neverending%2B2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-V9VJW7686Ww/VcI9JSsq1CI/AAAAAAAABbM/yZ5SQJCRjnE/s200/neverending%2B2.jpg" width="133" /></a><u><b><i>L'Histoire sans fin II</i>, de George T. Miller (1990)</b></u><br />
<br />
Après avoir redécouvert le très beau premier volet signé Wolfgang Petersen, il fallait bien voir sa suite, largement moins fameuse. Pour l'anecdote, j'ai pensé tout le long que le réalisateur (crédité George Miller, donc) n'était autre que l'Australien bien célèbre que nous aimons, qui se serait retrouvé on-ne-sait-trop comment sur ce film de commande. Fort heureusement, j'étais dans l'erreur. Car <i><b>L'Histoire sans fin II</b></i> (le titre a tout de même une connotation ridicule, du coup) semble un peu être l'archétype de la suite opportuniste sans grandes idées. On retrouve l'univers, mais construit cette fois-ci avec une direction artistique des plus improbables qui donne cette sensation d'être parfois dans un mauvais trip au LSD. L'histoire, inintéressante et surfaite, ne prend jamais, alors que l'on va d'endroit en endroit et que l'on enchaîne des péripéties un peu vaines... Le film n'est pas pour autant foncièrement désagréable car le charme kitchouno-ringard opère, on ne s'ennuie jamais vraiment, mais on est tout de même bien loin de la maestria du premier. Il y a une autre suite, d'ailleurs, paraît-il...<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=7102" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-NyVdcu7FmIA/VcI9XDe2vSI/AAAAAAAABbU/p111T8cvTYg/s1600/after%2Bearth.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-NyVdcu7FmIA/VcI9XDe2vSI/AAAAAAAABbU/p111T8cvTYg/s200/after%2Bearth.jpg" width="134" /></a><u><b><i>After Earth</i>, de M. Night Shyamalan (2013)</b></u></div>
<br />
Quelle curiosité maladive m'a poussé à voir le dernier film de Shyamalan, je l'ignore. Car c'est un film qui a d'ores et déjà tout pour être raté : un réalisateur qui a perdu le mojo depuis longtemps, un acteur-producteur mauvais et imbuvable, ainsi que, pour couronner le tout, son propre fils qu'il tente d'ériger en star internationale en dépit de son charisme de bigorneau sous anesthésie générale. Pourtant <i><b>After Earth</b></i> aurait pu être bien. C'est intéressant de voir cette Terre devenue une planète étrangère et hostile (elle ne l'est pas tant que ça, finalement, dans le film), autant inconnue pour nous que l'est Pandora dans <i><b>Avatar</b></i>. Mais à aucun moment les idées ne sont vraiment exploitées, même si l'on sent Shyamalan essayant tout de même de donner un peu d'ampleur, en vain, à sa mise en scène. Totalement compressé par Will Smith (aussi producteur et auteur de l'histoire, donc) et ses projets personnels pour son fils, à aucun moment le réalisateur ne peut proposer quelque chose d'autre, et il en va de même pour le talentueux James Newton Howard. D'une bêtise insondable et d'un manque d'ambition invraisemblable, <i><b>After Earth </b></i>se retrouve à être un blockbuster d'une nullité qui n'a pour égal que la mégalomanie de son commanditaire.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=22974" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-ALPbyu2yBfg/VcI9jvQIDyI/AAAAAAAABbc/uHKx3FMJGAQ/s1600/croods.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-ALPbyu2yBfg/VcI9jvQIDyI/AAAAAAAABbc/uHKx3FMJGAQ/s200/croods.jpg" width="134" /></a>
<u><b><i>Les Croods</i>, de Chris Sanders et Kirk De Micco (2013)</b></u><br />
<br />
Si je n'en attendais rien de particulier, il faut dire que j'ai été plutôt positivement surpris par <i><b>Les Croods</b></i>, un film d'animation plutôt riche et intelligent, ce que la bande-annonce, à l'époque de la sortie, ne laissait pas vraiment entrevoir. Avant tout, on distingue l'ambition et la patte visuelle de Chris Sanders, co-réalisateur de l'excellent <i><b>Dragons</b></i>, qui ici joue avec son univers pour proposer une mise en scène inventive et surtout très efficace. Mais surtout, au-delà de tout cet aspect formel très luxuriant (la direction artistique est vraiment réussie), il y a un sens de l'intelligence dans l'écriture, une réflexion sur les personnages et sur la famille honnête et bien pensée. Dommage peut-être que, malgré une séquence très forte, la fin soit plus convenue, ou que d'autres péripéties du film soient moins originales, ce qui rend sûrement le film plus bancal ou moins complet que <i><b>Dragons</b></i>, mais il n'en demeure pas moins plutôt chouette. Ça passe tout seul, en somme.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=40089" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-oE3-Dvd0p0U/VcI-E4pH5pI/AAAAAAAABbo/RJieADgdV2s/s1600/hannibal.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-oE3-Dvd0p0U/VcI-E4pH5pI/AAAAAAAABbo/RJieADgdV2s/s200/hannibal.jpg" width="133" /></a><u><b><i>Hannibal</i>, de Ridley Scott (2001)</b></u></div>
<br />
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
<i><b>Gladiator </b></i>à peine bouclé, Ridley Scott se retrouvait déjà sur la suite du <i><b>Silence des Agneaux</b></i>, le plutôt boudé <i><b>Hannibal</b></i>. Il faut dire que l'adaptation qu'en fait Scott (d'après un très bon script adapté notamment par Steven Zaillian) marque un clivage plutôt net avec le précédent film de Jonathan Demme, tout comme avec le bouquin de Thomas Harris en lui-même. Malgré un début franchement raté (il faut malheureusement dire ce qu'il en est), Ridley Scott mène un film saisissant qui transforme l'histoire du tueur en une peinture de conte fantastique, jusqu'à évoquer directement, dans un dernier chapitre, <i>La Belle et la Bête</i>, référence du genre chère au cœur de Ridley Scott. La tension prend alors une tournure différente, ici plus maniérée, plus référencée, plus littéraire, peut-être d'ailleurs plus en phase avec le personnage de Lecter. Dommage que le personnage de Starling paraisse moins approfondi, alors que l'on regrette l'absence de Jodie Foster au profit d'une Julianne Moore moins inspirée. Rien toutefois qui ne vienne entacher le tableau de ce film finalement vraiment réussi, formellement incroyable (les citations picturales sont remarquables) et accompagné, par ailleurs, d'une splendide composition d'opéra créée pour le film (pas mal !), <i>Vide cor meum</i>, signée Patrick Cassidy, que l'on retrouvera d'ailleurs dans la bande-son de <b><i>Kingdom of Heaven</i></b>.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1638" target="_blank">Fiche Cinelounge </a><br />
<br />
Un petit mot également sur <i><b>Breaking the silence: The Making of "Hannibal"</b></i>, de Charles de Laurizika : comme d'habitude désormais chez Ridley Scott, un long-métrage documentaire sur les coulisses plutôt intéressant signé par Laurizika. Cependant, il est peut-être moins percutant que les autres, passant plus de temps sur des détails mineurs ou même sur Hans Zimmer, alors qu'on en a fait le tour. Le documentaire semble par ailleurs lui attribuer la composition <i>Vide cor meum</i>, ce qui est un peu dommage quand elle a été signée par Patrick Cassidy. Mais l'ensemble demeure intéressant et certaines anecdotes valent le coup. Car il faut bien imaginer la tête du blasé Ridley Scott regardant avec scepticisme Dino de Laurentiis débarquer sur le plateau de Gladiator, en compagnie de Bon Jovi (!), pour lui proposer un film Hannibal, avant que Scott ne réponde <i>"tu sais, je suis en train de finir un péplum, alors enchaîner directement avec des éléphants dans la montagne, bon..."</i>.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=58163" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-oKQid8-eRnw/VcI-j3IaYdI/AAAAAAAABbw/vhd41BsHETs/s1600/indy.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-oKQid8-eRnw/VcI-j3IaYdI/AAAAAAAABbw/vhd41BsHETs/s200/indy.jpg" width="129" /></a></div>
<u><b><i>Indiana Jones et le Royaume du crâne de cristal</i>, de Steven Spielberg (2008)</b></u><br />
<i><br /></i>
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
Il fallait, un jour où l'autre, que je redonne une chance à ce Spielberg. Bien qu'en revoyant sensiblement <i><b>Indiana Jones et le Royaume du crâne de crista</b></i>l à la hausse, il n'en demeure pas moins un film malheureusement très faible et surtout bâclé. Pas la peine d'en chercher les causes bien loin, car tout le long du film, le manque d'envie de Steven Spielberg transpire à l'écran, vraisemblablement pas aussi enthousiaste que George Lucas à l'idée de faire un nouvel Indy. Du coup, le film s'égare entre séquences hors-sujet, univers too much et tunnels explicatifs très lourds, platement filmés par Spielberg. Quelques séquences efficaces (la poursuite en moto, par exemple) noyées dans des péripéties grotesques auxquelles on ne croit pas. Même la photographie de Janusz Kaminski paraît hors-sujet, loin du travail de celle de Douglas Slocombe. Seul John Williams fait le boulot (malgré la curieuse incursion d'un morceau de <i><b>La Guerre des mondes</b></i>), un minimum inspiré. Toutefois, plus inspiré que ce déprimant casting d'acteurs en roue libre. Toujours bien mitigé, donc, pour rester courtois.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1171" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-jyrOFIqsXMs/VcI-2ya0GsI/AAAAAAAABb4/fWPHCAoYG5A/s1600/canardeur.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-jyrOFIqsXMs/VcI-2ya0GsI/AAAAAAAABb4/fWPHCAoYG5A/s200/canardeur.jpg" width="122" /></a><u><b><i>Le Canardeur</i>, de Michael Cimino (1974)</b></u></div>
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<i>Revisionnage.</i><br />
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Beau début de carrière pour Michael Cimino, propulsé par Clint Eastwood et sa fameuse firme Malpaso. <i><b>Le Canardeur</b></i> a ce vrai esprit de liberté made in Nouvel Hollywood, toujours ponctué par la désillusion et un certain pessimisme qui se cache derrière la naïveté apparente de l'histoire. Le film aurait pu paraître vain mais finalement il est beau, car Michael Cimino créé, comme ce sera le cas dans le reste de sa carrière, des personnages qui ont en eux des morceaux d'Amérique, les rêves autant que les démons. Bien plus sobre et modeste que les films suivant de Cimino, évidemment, mais peut-être déjà très programmatique.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=932" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=932" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-KkzWEbd2o8k/VcI_KL6msaI/AAAAAAAABcA/tMKm0eyUmhU/s1600/cloudy.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-KkzWEbd2o8k/VcI_KL6msaI/AAAAAAAABcA/tMKm0eyUmhU/s200/cloudy.jpg" width="157" /></a></div>
<u><b><i>L'Île des Miam-Nimaux - Tempête de boulette géantes 2</i>, de Cody Cameron et Kris Pearn (2014)</b></u><br />
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Si le premier film, signé Phil Lord et Chris Miller, était hautement sympathique et inventif, la perspective d'une suite où ils seraient absents de la réalisation avait de quoi laisser dubitatif. Et ça ne manque pas, <i><b>L'Île des Miam-Nimaux</b></i> est évidemment beaucoup moins bien. Et ce, à tous les niveaux. Tout est moins riche, que ce soit dans la réalisation ou même la recherche des gags, parfois très feignante. Ceci dit, certains nagent au-dessus du reste et font mouche, comme le coup de la bombe festive. Le film n'est pas désagréable non plus, il se suit, et éventuellement c'est plaisant de découvrir tout ce petit monde de bouffe qui prend vit. Mais l'ensemble a vite ses limites à cause d'une histoire plutôt faible et d'un méchant franchement pénible. Compte-tenu de la réussite du premier, il faut quand même bien avouer que c'est plutôt oubliable.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=43456" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-uxqzCT8BQEM/VcOzD2-oWAI/AAAAAAAABck/ICKU0bVMp1Q/s1600/chronos.jpeg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-uxqzCT8BQEM/VcOzD2-oWAI/AAAAAAAABck/ICKU0bVMp1Q/s200/chronos.jpeg" width="144" /></a><u><b><i>Chronos</i>, de Ron Fricke (1985)</b></u></div>
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Attention immense chef-d’œuvre. Avant de mener à bien <i><b>Baraka</b></i> (et peu avant, <i><b>Sacred Site</b></i>, un film malheureusement disparu - pour l'instant), Ron Fricke a pu donc s'expérimenter à la réalisation sur <i><b>Chronos</b></i>. Et le résultat, ma parole, quel résultat ! Quelle expérience cinématographique. Immédiatement, en utilisant toutefois les mêmes procédés, il parvient à s'émanciper efficacement du cinéma de Godfrey Reggio (pour qui il a été directeur de la photographie) en proposant une expérience sensorielle encore différente. Plus axé sur un seul thème (ici, assez simplement, le temps, sous toutes ses définitions et formes) que les films suivant du réalisateur, <i><b>Chronos</b></i> se digère d'une traite et laisse K.O., comme une authentique baffe. Dans une séquence qui, littéralement, accélère jusqu'à en remonter le temps, on est tellement happé par ce qu'il se déroule sous nos yeux que l'on croit remonter dans le temps également. Et, comme si cela ne suffisait pas, il y a, en plus, cette immense partition de Michael Stearns venant sublimer un peu plus l'expérience du film. A découvrir impérativement. Mieux : à vivre.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=28600" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-3ou4J44B5mg/VcOzxXT_2pI/AAAAAAAABcs/e8i4wUsofDw/s1600/amazing.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-3ou4J44B5mg/VcOzxXT_2pI/AAAAAAAABcs/e8i4wUsofDw/s200/amazing.jpg" width="134" /></a><u><b><i>The Amazing Spider-man : Le Destin d'un héros</i>, de Mark Webb (2014)</b></u><br />
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Je l'avoue : je l'ai cherché. Mais quelque part, j'ai été surpris, puisque <b><i>The Amazing Spider-man : Le Destin d'un héros </i></b>(quel chouette titre français, cela va de soit) parvient à évacuer le côté extrêmement lambda et générique du premier volet pour présenter une œuvre de mauvais goût total, une sorte d'expérience empirique qui cherche un peu les limites du genre. Ici, ça n'est même plus drôle comme l'était <i><b>Batman & Robin</b></i>, on va encore au-delà, d'autant plus que le film se prend très au sérieux. C'est d'un navrant rare. Tout, mais absolument tout, est intégralement moche. La réalisation s'embourbe dans des délires de too much n'allant nulle part, filmant platement des personnages tantôt fades, tantôt carrément ridicules. C'est un film où le ridicule est maître-mot. Enfin, pour couronner le tout, la bouillie d'Hans Zimmer à la musique, signant sans doute sa pire partition (c'est dire), ponctuée par un remix dubstep du <i>Beau Danube bleu</i> de Strauss. On ne pouvait pas tomber plus bas. Et parce que le film fait quasiment deux heures et demi, de ce fait, intenable, insupportable, incroyable de nullité, il devient sûrement le pire film de super-héros que j'ai jamais vu. Voilà, c'est dit.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=44537" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-fxNuGOpXibs/VcO0RdUEfxI/AAAAAAAABc0/pkplybBNutQ/s1600/conan%2B2.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-fxNuGOpXibs/VcO0RdUEfxI/AAAAAAAABc0/pkplybBNutQ/s200/conan%2B2.jpg" width="131" /></a><u><b><i>Conan le destructeur</i>, de Richard Fleischer (1984)</b></u></div>
<i><br /></i>
<i>Revisionnage. </i><br />
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La fin de carrière de Richard Fleischer aura sans doute été un peu rude, bouffée par des films de commande pas forcément glorieux. Si faire une suite au chef-d’œuvre de John Milius avait de quoi donner quelque chose de tout aussi bon, reste que la tâche n'est pas aisée, encore moins lorsque l'on se retrouve à réaliser une production aussi cheap. Évidemment, <i><b>Conan le destructeur</b></i> n'est pas très bon. Néanmoins, il a pour lui ce charme désuet de certaines des productions signées De Laurentiis, avec toutefois quelques moments de bravoure dans des combats bien sanglants, et la musique de Poledouris toujours présente, bien que largement moins inspirée. En somme, l'archétype de la suite pas terrible pour laquelle on conserve tout de même une certaine affection. Ça n'est pas malhonnête, c'est juste gentiment raté.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=3289" target="_blank">Fiche Cinelounge </a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-jeZs-qYV1ks/VcO0fhvhM5I/AAAAAAAABc8/jfnCZ0zxzzI/s1600/2010.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-jeZs-qYV1ks/VcO0fhvhM5I/AAAAAAAABc8/jfnCZ0zxzzI/s200/2010.jpg" width="133" /></a><u><b><i>2010 : L'Année du premier contact,</i> de Peter Hyams (1984</b></u>)<br />
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<i>Revisionnage.</i><br />
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Passer après <i><b>2001, l'Odyssée de l'espace</b></i>, c'est sûrement la tâche la moins aisée qu'il soit pour un réalisateur. Et pourtant, la suite est logique, les bouquins de Clarke offrent le matériau de base. Efficace faiseur hollywoodien, Peter Hyams parvient, plus ou moins étonnement, à signer avec <i><b>2010 : L'Année du premier contact</b></i>, son meilleur film, mais également une fresque de science-fiction très sous-estimée car malheureusement (ou évidemment) dans l'ombre du Kubrick. Et pourtant. Et pourtant, le début est raté, le film met beaucoup trop de temps à démarrer dans une exposition qui ne marche pas, résumant assez platement les enjeux. Cela dit, pendant le voyage, la magie opère, et Hyams (également scénariste de l'adaptation) a l'intelligence de ne jamais démystifier le film de Kubrick. En quête de réponses, le film pose de nouvelles questions. Le contexte concret de <i><b>2010</b></i> (en pleine guerre froide, donc, en compagnie d'un équipage américano-sovietique) fait voir les enjeux depuis une autre perspective. La philosophie du film devient alors politique, mais avant tout belle, dans ce final incroyable, inattendu, et encore une fois, qui a le bon sens de ne jamais chercher à marcher sur les plates-bandes de <i><b>2001</b></i>, préfigurant ici d'une certaine manière <i><b>The Abyss</b></i> de James Cameron. D'autant plus que, techniquement, le film est franchement incroyable et tout au moins aussi impressionnant (ou pas loin) que son illustre prédécesseur. Une vraie redécouverte.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=8651" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-4NNHvUJi2tQ/VcO0ztnk3oI/AAAAAAAABdE/Sgv00aAva7M/s1600/olympus.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-4NNHvUJi2tQ/VcO0ztnk3oI/AAAAAAAABdE/Sgv00aAva7M/s200/olympus.jpg" width="134" /></a><u><b><i>La Chute de la Maison Blanche</i>, d'Antoine Fuqua (2013)</b></u></div>
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Après le chef-d’œuvre de Roland Emmerich, <i><b>White House Down</b></i>, il fallait bien que je découvre l'équivalent signé Antoine Fuqua, <i><b>La Chute de la Maison Blanche</b></i>. Ici, le ton est quand même résolument plus solennel et premier degré, dans un actionner médiocre qui n'est pas loin de certains DTV. Il faut malheureusement mettre en avant la profonde nullité de casting, coincé entre Gerard Butler qui décidément n'est pas très talentueux, et Aaron Eckart qu'il faut croire déjà has-been. Quant au reste, tout est déjà-vu, l'action n'étant pas spécialement inventive même dans sa vague démesure. Par honnêteté, il faut admettre que la violence bien crue est tout de même bienvenue, permettant à l'ensemble de se suivre sans trop s'ennuyer, malgré la certaine nullité ambiante.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=41775" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-OQfukcb3unw/VcO1Bt9yHjI/AAAAAAAABdM/bZdmNz2GhkA/s1600/amadeus.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-OQfukcb3unw/VcO1Bt9yHjI/AAAAAAAABdM/bZdmNz2GhkA/s200/amadeus.jpg" width="131" /></a><u><b><i>Amadeus</i>, de Milos Forman (1984)</b></u><br />
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<i>Revisionnage, version director's cut. </i><br />
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Si malheureusement de nos jours on peut presque percevoir <i><b>Amadeus</b></i> de Milos Forman comme un des films matriciels de toute cette mode de biopics insipides, on doit alors se demander comment la pomme a pu tomber si loin de l'arbre. C'est un film qui a parfaitement compris l'exercice d'apparence facile mais finalement incroyablement compliqué qu'est le biopic. En prenant toutes les libertés nécessaires à la construction d'un personnage résolument unique, Forman ne se contente pas de livrer une plate fantaisie dans l'univers du maître autrichien. C'est avant tout un film somptueux, somptueux sur les relations qu'entretiennent ses personnages, finalement assez subtilement taillés au-delà de la rivalité Mozart/Salieri. Mais si Forman prend des libertés conséquentes pour traiter comme bon lui semble son personnage principal, il n'en reste pas moins également le plus bel hommage possible à sa musique, relevée ici par une cinématographie franchement impressionnante et une pléiade de comédiens possédés par l'histoire. Non seulement un grand film, évidemment, mais sans doute un modèle du genre, encore aujourd'hui, moderne et virtuose.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=54" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-gDAeaCkTLWk/VcO2ggR8E7I/AAAAAAAABdY/_hZI1HNnoGY/s1600/red%2Bheat.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-gDAeaCkTLWk/VcO2ggR8E7I/AAAAAAAABdY/_hZI1HNnoGY/s200/red%2Bheat.jpg" width="128" /></a><u><b><i>Double Détente</i>, de Walter Hill (1988)</b></u></div>
<br />
<i><b>Double Détente</b></i> est sans doute un film qui aurait pu être génial, mais traité trop platement par Walter Hill alors sorti de son âge d'or. Entasser les clichés éculés sur l'Union Soviétique, c'est certes rigolo, mais ça a également vite ses limites, et ça ne compense malheureusement pas la faiblesse de l'histoire ni même le tandem qui ne marche pas véritablement bien, sans alchimie. Certes, Arnold Schwarzenegger cabotine complètement pour notre plus grand plaisir, on en redemande encore, d'ailleurs. Mais finalement, le film n'est pas aussi généreux qu'il devrait l'être, pas assez déjanté, pas assez explosif.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=3540" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-HeysGJXRzwY/VcO26xt48uI/AAAAAAAABdg/2vONLF89InM/s1600/un%2Bseul%2Bbras.png" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-HeysGJXRzwY/VcO26xt48uI/AAAAAAAABdg/2vONLF89InM/s200/un%2Bseul%2Bbras.png" width="140" /></a><u><b><i>Un seul bras les tua tous</i>, de Chang Cheh (1967)</b></u><br />
<br />
Je ne suis pas forcément très familier avec le genre du Wu Xia Pian, mais j’ai apprécié tout ce que j’en ai vu, notamment les films de Tsui Hark. Ici, peu de doute sur le fait que la trilogie de Chang Cheh soit un pilier du genre. Le premier volet, <i><b>Un seul bras les tua tous</b></i>, a beau être longuet dans sa mise en place, impression d’autant plus renforcée par le jeu totalement à côté de la plaque des acteurs, il n’en dégage pas moins un charme unique qui atteint des pics remarquables lors des scènes de combat. Et finalement, tout va droit au but dans l’écriture, jusqu’à offrir un dernier tiers composé presque uniquement de combats parfois très impressionnants, iconisant idéalement ce sabreur manchot qu’il ne faut pas embêter.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=4235" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-f39FWpCJ2CE/VcPPLOpwBAI/AAAAAAAABdw/VUUxRoYoKJc/s1600/un%2Bseul%2Bbras%2B2.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-f39FWpCJ2CE/VcPPLOpwBAI/AAAAAAAABdw/VUUxRoYoKJc/s200/un%2Bseul%2Bbras%2B2.jpg" width="146" /></a><u><b><i>Le Bras de la vengeance</i>, de Chang Cheh (1969)</b></u></div>
<br />
J’ai lu à plus d’une reprise que <i><b>Le Bras de la vengeance</b></i> n’était pas forcément aussi bien que le premier volet, et pourtant j’ai pris tout autant de plaisir. Car si le scénario expédie des enjeux peu probants, tout n’est que prétexte à des combats orgiaques et dantesques face aux sbires des différents bad-guys, qui ont tous leur petite particularité. L’ambition du film est quelque part quintuplée, les affrontements s’envolent comme on l’aime et la violence poussive fait mouche. Encore une fois, le dernier tiers, constitué uniquement de combats, prend des dimensions impressionnantes, et la réalisation de Chang Cheh sait mettre en valeur les chorégraphies incroyables performées par tous les combattants. On finit même par se demander combien il y a de morts dans ce film tellement on ne s’y retrouve plus. Ça, c’est de la vraie générosité.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=4236" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-bJuV9fBXsT8/VcPPgzXYOHI/AAAAAAAABd4/3XTsE22hiGA/s1600/un%2Bseul%2Bbras%2B3.jpeg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-bJuV9fBXsT8/VcPPgzXYOHI/AAAAAAAABd4/3XTsE22hiGA/s200/un%2Bseul%2Bbras%2B3.jpeg" width="156" /></a><i><u><b>La Rage du tigre</b></u></i><u><b>, de Chang Cheh (1971)</b></u><br />
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Déjà un « reboot », comme on dit désormais, mais l’on sent bien que Chang Cheh a des idées fraîches en tête pour concevoir un nouveau personnage du sabreur manchot dans <i><b>La Rage du tigre</b></i>. Le réalisateur synthétise toutes les réussites des deux précédents volets, y apporte un ton dramatique autrement plus intense et réussi et bien entendu propose des combats qui poussent la virtuosité des chorégraphies encore plus loin. Bien qu’il faille surtout attendre le grand final pour avoir son compte en terme de décès par arme blanche, difficile d’en ressortir déçu, d’autant plus lorsqu’une étrange mais intéressante ambiance façon <i><b>La Horde Sauvag</b><b>e</b></i> en ressort. Reste le plus curieux : les régulières incursions musicales de partitions d’autres films, comme celle d’<i><b>Au service de secret de sa majesté </b></i>ou encore de <i><b>L’or pour les braves</b></i>.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=18527" target="_blank">Fiche Cinelounge </a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-7q1SKcf6UQc/VcPPw5VEhoI/AAAAAAAABeA/FxkLQr14XhU/s1600/nuit%2Bam%25C3%25A9ricaine.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-7q1SKcf6UQc/VcPPw5VEhoI/AAAAAAAABeA/FxkLQr14XhU/s200/nuit%2Bam%25C3%25A9ricaine.jpg" width="151" /></a> <u><b><i>La Nuit américaine</i>, de François Truffaut (1973)</b></u></div>
<br />
<i>Revisionnage.</i><br />
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Sans aucun doute mon Truffaut préféré, également un de mes films préférés tout simplement, <i><b>La Nuit américaine</b></i> accomplit cet exploit de prendre la température au sein de la conception d'un art très daté et datable et d'être toutefois encore aujourd'hui complètement dans le vrai, ou pas loin. C'est toujours fascinant de voir ce petit univers s’affairer autour de la conception d'un film vraisemblablement médiocre (<i>Je vous présente Marie</i>), alors que Truffaut arrive à y transcender l'esprit du cinéma, l'esprit de cinéaste. Beau, simple, constant, c'est à voir et à revoir, comme une leçon de cinéma modeste et pourtant totale. Le film-somme des amoureux du 7ème art...<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1955" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1955" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-g2GU79OKlQg/VcPQHlwp8xI/AAAAAAAABeI/W27I_j0bCsQ/s1600/pirates.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-g2GU79OKlQg/VcPQHlwp8xI/AAAAAAAABeI/W27I_j0bCsQ/s200/pirates.jpg" width="135" /></a></div>
<u><b><i>Les Pirates ! Bons à rien, mauvais en tout</i>, de Peter Lord et Jeff Newitt (2012)</b></u><br />
<br />
Pas non plus totalement désagréable, parfois capable d'être vraiment drôle, <i><b>Les Pirates !</b></i> est tout de même un film bougrement faible de la part du studio Aardman. C'est une production qui manque terriblement de consistance et surtout d'intelligence, reposant trop souvent sur sa patte technique et artistique pour proposer quelque chose. C'est bien, mais fort limité, et surtout ça n'est pas dans l'esprit du studio, ça n'est pas forcément ce qui dicte ses réussites. Il y a même parfois une overdose d'effets visuels, ce qui trahit quand même l'esprit si atypique de ces productions. Tout l'univers du film s'estompe alors bien rapidement, vite oublié (car vite oubliable). Les personnages ne sont pas particulièrement marquants et le scénario finalement trop convenu, loin de la richesse et de la subtilité que pouvaient proposer <i><b>Chicken Run</b></i> ou plus récemment <i><b>Shaun le mouton</b></i>.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=18780" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-Co6AfIv7HoM/VcPQUIHdJsI/AAAAAAAABeQ/f5jdVi7j8PQ/s1600/antoine.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-Co6AfIv7HoM/VcPQUIHdJsI/AAAAAAAABeQ/f5jdVi7j8PQ/s200/antoine.jpg" width="149" /></a><u><b><i>Antoine et Antoinette</i>, de Jacques Becker (1947)</b></u></div>
<br />
C'est peut-être dans un film aussi simple que l'on se dit que le cinéma, c'est vraiment magique. Dans <b><i>Antoine et Antoinette</i></b>, on a une sorte de fenêtre ouverte sur le quotidien (ou pas loin) du Paris du lendemain de la guerre, avec la vie de ce petit couple beau et modeste. C'est vrai que les péripéties du scénario peuvent du coup paraître accessoires, aujourd'hui ça n'est plus forcément l'élément le plus intéressant du film, mais bel et bien sa manière d'arriver à capturer un bout de vie. Toutefois, on s'y prend quand même, car perdre un ticket de loto gagnant, c'est une histoire classique que l'on s'est tous imaginé un jour, maintes fois reprises par la suite, et pourtant, quelque part, cela marche encore. Dommage que le dénouement paraisse un peu plus aléatoire, cela dit. Rien qui n'empêche, cependant, un très beau film.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=24100" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=24100" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-IU73wnT5zWg/VcPQmgR5qGI/AAAAAAAABeY/SqHgVy8Pp1k/s1600/poison.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-IU73wnT5zWg/VcPQmgR5qGI/AAAAAAAABeY/SqHgVy8Pp1k/s200/poison.jpg" width="150" /></a><u><b><i>La Poison</i>, de Sasha Guitry (1951)</b></u><br />
<i><br /></i>
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
Si j'avais des souvenirs assez nets du sympathique remake de Jean Becker scénarisé par Japrisot (<i><b>Un crime au Paradis</b></i>), je ne me souvenais plus que le matériau d'origine était autrement plus audacieux, voire trash. <i><b>La Poison </b></i>est un film qui finalement ne fait pas de concessions sur son sujet et va au bout de ces idées. Tantôt plouc, tantôt macho comme il faut, le scénario de Guitry se construit avant tout sur une science de la répartie absolument imparable, assurant son ton comique évidemment célèbre. Toutefois, le film s’embarrasse aussi de quelques lourdeurs, quelques errances de rythme dont Guitry a souvent du mal à se détacher. Enfin, évidemment, il faut saluer, comme toujours, la prestation du fabuleux Michel Simon, qui pourrait déjà porter le film à lui tout seul, et qui est d'autant plus brillant lorsqu'il prononce les textes de Guitry.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=13656" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<br />
<div style="text-align: right;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-jF0iV_zUT10/VcPVpp3JssI/AAAAAAAABeo/PYCtlN-1AKU/s1600/aces.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-jF0iV_zUT10/VcPVpp3JssI/AAAAAAAABeo/PYCtlN-1AKU/s200/aces.jpg" width="131" /></a><u><b><i>Le Tigre du ciel</i>, de Jack Gold (1976)</b></u></div>
<br />
Les films d’aviation, c’est ma marotte. Je n’avais résolument jamais entendu parler du <i><b>Tigre du ciel </b></i>jusqu’à ce que je le voie, ayant par ailleurs craint qu’il soit systématiquement dans l’ombre du chef-d’œuvre <i><b>Le Crépuscule des aigles</b></i>. Même si les deux films ont évidémment maintes similarités, le Jack Gold est assez singulier dans sa description du conflit, largement moins épique et davantage concentré sur le quotidien, la condition de pilote au sein de ce mode de guerre un peu "nouveau", où d'ailleurs les scènes de combat sont vraiment très bien photographiées. On navigue alors entre un ton mélancolique et naïf, mais évidemment aussi très pessismite, jusque dans ce final déprimant au possible. Enfin, comment ne pas saluer ce brillant casting, où le jeune Peter First parvient à exister entre les brillants Malcom McDowell et Christopher Plummer. Un jolie trouvaille du genre.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=19905" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.com6tag:blogger.com,1999:blog-6423083980187720142.post-89756711447725434442015-07-14T19:35:00.001+02:002015-07-14T19:56:04.691+02:00[Critique] Sorcerer (Le convoi de la peur), de William Friedkin - 1977<br />
<span style="font-size: small;"><span class="taxContent"><span class="taxContent"><b><span class="taxContent"><span class="taxContent"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-OI9pbg67bi0/VaUTz1nPNiI/AAAAAAAABWM/kpw25xi2E0g/s1600/poster26_extlarge.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="http://2.bp.blogspot.com/-OI9pbg67bi0/VaUTz1nPNiI/AAAAAAAABWM/kpw25xi2E0g/s400/poster26_extlarge.jpg" width="300" /></a></span></span></b></span></span></span><span style="font-size: small;"><u>Réalisateur</u> : <b>William Friedkin</b></span><br />
<br />
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: small;"><u>Scénariste</u> : <b>Walon Green</b></span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: small;"><u>D'après</u> : <b><i>"Le salaire de la peur"</i> de Georges Arnaud</b></span><br />
<br />
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: small;"><u>Avec</u> :<b> Roy Scheider, Bruno Cremer, Amidou, Francesco Rabal</b></span></div>
<br />
<span style="font-size: small;"><u>Directeurs de la photographie</u> : <b>Dick Bush, John M. Stephens</b></span><br />
<br />
<u>Compositeur</u> : <b>Tangerine Dream</b><span style="font-size: small;"><span class="taxContent"><u> </u></span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span class="taxContent"><u>Monteurs</u> : </span><b><span class="taxContent">Bud Smith, Robert K. Lambert</span></b></span><span style="font-size: small;"><b> </b></span></div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<span style="font-size: small;"><span class="taxContent"><span class="taxContent"><u>Genre</u> :<b> Aventure</b></span></span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span class="taxContent"><span class="taxContent"><span style="font-size: small;"><span class="taxContent"><span class="taxContent"><u><span class="taxContent"><span class="taxContent">Nationalité</span></span></u><span class="taxContent"><span class="taxContent"> :</span></span></span></span></span><b><span style="font-size: small;"><span class="taxContent"><span class="taxContent"><b><span class="taxContent"><span class="taxContent"><b> </b></span></span></b></span></span><span class="taxContent"><span class="taxContent"><span class="taxContent"><span class="taxContent">États-Unis</span></span></span></span> </span></b></span></span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span class="taxContent"><span class="taxContent"><span style="font-size: small;"><span class="taxContent"><span class="taxContent"><u>Durée</u> :</span></span></span><b><span style="font-size: small;"><span class="taxContent"><span class="taxContent"> </span></span><span class="taxContent"><span class="taxContent">2h01</span></span> </span></b></span></span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span class="taxContent"><span class="taxContent"><span style="font-size: small;"><span class="taxContent"><span class="taxContent"><span class="taxContent"><span class="taxContent"><u>Date de sortie</u> :</span></span></span></span><b><span class="taxContent"><span class="taxContent"><span class="taxContent"><span class="taxContent">1977, ressortie en version restaurée le 15 juillet 2015</span></span></span></span> </b></span></span></span></span><br />
<br />
<div itemprop="description" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span class="taxContent"><span class="taxContent"><span style="font-size: small;"><u>Synopsis</u> :</span></span></span></span> Quatre étrangers de nationalités différentes, chacun recherché
dans son pays, s'associent pour conduire un chargement de nitroglycérine
à travers la jungle sud-américaine…<br />
Un voyage au coeur des ténèbres…</div>
<div itemprop="description">
<br /></div>
<div itemprop="description">
<br /></div>
<div itemprop="description" style="text-align: justify;">
A l'occasion de la ressortie de <i><b>Sorcerer</b></i> par La Rabbia, j'en profite pour remettre à jour une ancienne critique de cette version restaurée, rédigée alors qu'elle avait été présentée à la Cinémathèque française au festival <i>Toute la mémoire du mond</i>e. En parallèle, je vous invite à consulter <a href="http://www.filmosphere.com/movies/sorcerer-william-friedkin-1977/" target="_blank">l'excellente critique de Nicolas Gilli pour Filmosphere</a> ainsi que, bien entendu, <a href="http://www.filmosphere.com/actus/interviews/interview-la-legende-william-friedkin/" target="_blank">la (passionnante) interview</a> réalisée par mes soins toujours sur Filmosphere et <a href="https://youtu.be/56AzibwSEqU?t=56m20s" target="_blank">mon intervention au sujet du film</a> dans le FDBF de ce mois-ci.</div>
<div itemprop="description" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div itemprop="description" style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><i><b>"VOYAGE AU BOUT DU STYX"</b></i></span></div>
<div itemprop="description" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div itemprop="description" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>« En 1977,</i> s’exprime notre ami Billy<i>, les gens avaient un choix à
faire, ils avaient deux possibilités. Soit ils allaient voir <b>Star Wars</b>,
soit ils allaient voir <b>Sorcerer</b> (<b>Le Convoi de la Peur</b>). Évidemment, qui
avait envie de voir un film aussi déprimant et noir que <b>Sorcerer</b> ? Même
moi il me déprime ! »</i>. De ces mots marqués par une certaine légèreté,
William Friedkin esquisse un tournant majeur de l’histoire du cinéma
américain dans lequel son chef-d’œuvre maudit est impliqué : le
crépuscule du Nouvel Hollywood. Retour sur ce véritable (et littéral)
voyage au bout de l’Enfer qu’est <b>Le Convoi de la Peur</b>, ressuscité aujourd'hui en salle par La Rabbia sous son titre original.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-Hb8eVSaOVQw/VaVGvmXAr-I/AAAAAAAABW0/2Tuivn1I5QQ/s1600/143890.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="112" src="http://4.bp.blogspot.com/-Hb8eVSaOVQw/VaVGvmXAr-I/AAAAAAAABW0/2Tuivn1I5QQ/s200/143890.jpg" width="200" /></a><a href="http://3.bp.blogspot.com/-Dd7s96Xtius/VaVGwtULYSI/AAAAAAAABW4/V9rkqNvl1sU/s1600/143907.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"></a>Au milieu des années 70, William Friedkin est le patron d’Hollywood.
Les succès consécutifs, artistiques et commerciaux, de <i><b>French Connection</b></i>
et de <i><b>L’Exorciste</b></i> lui permettent d’envisager n’importe quel projet.
Friedkin jette son dévolu sur le roman de Georges Arnaud, <i>Le Salaire de
la Peur,</i> préalablement adapté au cinéma dans le chef-d’œuvre éponyme
d’Henri-Georges Clouzot. Bien qu’évidemment profondément influencé par
le cinéma français, sa vision du projet est fixe : son film ne sera pas
un simple remake du Clouzot, mais bel et bien une nouvelle adaptation.
Une nuance minime mais qui néanmoins s’avère finalement vitale à la
compréhension de <i><b>Sorcerer</b></i> et à la complémentarité qu’il forme
avec la vision du grand cinéaste français.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Deux studios majors s’associent sur le film : Paramount et Universal.
Friedkin s’entoure d’un casting impressionnant : Steve McQueen, Lino
Ventura et Marcello Mastroianni. On en arrive à un tel point où
finalement, la production se retrouve confrontée à un premier problème :
l’égo de son propre auteur. Par la suite, on comprendra que l'égo, finalement, demeure le point central du film de Friedkin. Par orgueil, ainsi que des suites de divers
problèmes, Friedkin perd son casting (je vous invite à consulter <a href="http://www.cinematheque.fr/fr/dans-salles/rencontres-conferences/espace-videos/master-class-william-friedkin-propos-sorcerer,v,701.html" target="_blank">sa masterclass de la Cinémathèque française</a> à ce propos). Finalement,
c’est avec Roy Scheider, Bruno Cremer, Amidou et Fransesco Rabal que le
réalisateur se lance dans un tournage homérique… Naît de tout ce chaos <i><b>Sorcerer</b></i>, entreprise trop invraisemblable et démesurée pour que tout se déroule comme prévu.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-r2JVI0T0yvU/VaVGwS_jVNI/AAAAAAAABXI/Zo0jv3UCCYU/s1600/143906.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="112" src="http://3.bp.blogspot.com/-r2JVI0T0yvU/VaVGwS_jVNI/AAAAAAAABXI/Zo0jv3UCCYU/s200/143906.jpg" width="200" /></a>Comme toujours chez William Friedkin, on assiste à un cinéma de
personnages. Plus que jamais, ici, c’est un esprit de fresque(s) qui est
installé : compte-tenu du format du film, rarement un prologue n’aura
été aussi long et aussi varié. Quatre chapitres décrivent les
mésaventures des protagonistes qui les ont inéluctablement conduit à se
retrouver plus tard dans un village perdu et oublié de l’Amérique du Sud. On est
peut-être en présence du pan cinématographique le plus synthétique de la
carrière de Friedkin, passée comme future. Un chapitre sur le
gangstérisme new-yorkais reprend le canon de <i><b>French Connection</b></i>, un en
Israël développe plus que jamais l’approche documentaire du cinéaste (et
préfigure totalement, par ailleurs, <i><b>Munich</b></i> de Steven Spielberg), un
évoque le cinéma français (de Clouzot à Verneuil) et un, plus court, le premier, décrit quasiment le
thriller sobre des années 70, mettant en scène un assassinat en Amérique
du Sud.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Derrière ce long prologue, aucune gratuité ne règne : tout sert la
caractérisation des personnages. Impossible pour Friedkin et Walon
Green, le scénariste (auteur notamment du script de <i><b>La horde sauvage</b></i>), de concevoir la descente aux Enfers qu’ils vont
vivre sans comprendre un minimum les enjeux et sensibilités de chacun.
Un travail de caractérisation qui ne manque pas de rappeler celui opéré
par le scénariste John Milius sur <i><b>Apocalypse Now</b></i>, sorti deux ans plus
tard ou encore la longue caractérisation des personnages dans <i><b>Das Boot</b></i>.
Continuellement des films qui évoquent une longue et tragique remontée
métaphorique du Styx. Si le film de Friedkin est certes plus court que les chefs-d’œuvre de Coppola ou Petersen, son turbulent voyage est tout aussi dense, et requiert alors la même profondeur des personnages, les mêmes méandres de leur instable psychologie dans lesquels on est susceptible de se perdre.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-oKOYvmz5MwQ/VaVHK6OTDpI/AAAAAAAABXM/IQ_nzrl5xKw/s1600/143892.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="112" src="http://2.bp.blogspot.com/-oKOYvmz5MwQ/VaVHK6OTDpI/AAAAAAAABXM/IQ_nzrl5xKw/s200/143892.jpg" width="200" /></a>Tous les éléments se mettent en place pour relier le destin des
personnages à travers ce fameux périple, mettant en scène deux nouveaux
personnages : deux camions chargés de nitroglycérine, dont un <span style="font-size: small;">nommé</span> <i>
Sorcerer</i>, baptisant de la sorte le film avec un trait de mysticisme bienvenu. Dans l’univers de William Friedkin, aux allures parfois
shamaniques, les engins démoniaques de <i><b>Sorcerer</b></i> figurent probablement parmi
les symboles les plus représentatifs. Il hérite quelque part d’un autre
cinéaste de sa génération, un certain Steven Spielberg, qui avait capté six ans plus tôt la bestialité de la machine dans son premier film, <i><b>Duel</b></i>.
Ici, le paroxysme est atteint ; la machine est. Deux démons mécaniques
sont ainsi lancés dans la forêt amazonienne, elle-même dernier personnage de l'aventure, ogre glouton qui ingère tous les autres protagonistes.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Dès lors, l’identité du film s’articule autour d’une ambiguïté, une
frontière extrêmement mince séparant le film d’aventure et le film
fantastique, là où la version de Clouzot était parfaitement ancrée dans
un seul genre. Lorsque le fantastique est traité avec une approche
formelle réaliste, il n’en est que plus terrifiant : aussi surréalistes
soient les situations auxquelles sont confrontés nos personnages
(pensons à la légendaire séquence du pont, une scène de suspens
gravée à jamais dans les annales du genre), les répercussions n’en sont
que plus concrètes, physiques. L’homme est déchu progressivement au
cours de l’avancement de l’intrigue, jusqu’à se retrouver perdu dans un
paysage lunaire au sein d’une des passages les plus déroutants du
cinéma américain des années 70, rappelant dans son montage bien des
essais de l’expérimentalisme d’alors. Sa marque de fabrique dans le
montage est également toujours présente, ces flashs en cut très rapides,
empruntés chez Richard Fleischer dans <i><b>L’étrangleur de Boston</b></i>, l’ayant
lui-même emprunté à un autre auteur cher à Friedkin, Alain Resnais, dans
<i><b>Hiroshima mon amour</b></i>.</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-2KhNxhXZ15Q/VaVGwPc4bUI/AAAAAAAABW8/ywF5bm5wC3Q/s1600/143905.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="112" src="http://3.bp.blogspot.com/-2KhNxhXZ15Q/VaVGwPc4bUI/AAAAAAAABW8/ywF5bm5wC3Q/s200/143905.jpg" width="200" /></a>Afin de porter à l’écran toute l’essence de son métrage, Friedkin
emploie tous les outils cinématographiques à sa disposition et les
pousse dans leurs derniers retranchements. Il porte jusque dans l’image
les contradictions qui déterminent sa propre identité : en forêt, la
rugosité de son style de captation s’oppose finalement au traitement
photographique la mettant en valeur, fascinante comme jamais. Tout comme
dans <i><b>L’Exorciste</b></i>, Friedkin s’amuse à jouer avec la fascination du
spectateur pour le Mal et ce qu’il évoque porté à l’écran. Il nous fait
nous intriguer sur cette partition signée Tangerine Dream s’inscrivant
dans un registre musical encore peu défini au cinéma : l’électronique,
avant la vague plus populaire amenée par Vangelis et Giorgio Moroder. Tangerine Dream affirme un style
définitivement hypnotisant dans son surréalisme sonore que l'on retrouvera
finalement plus tard dans <i><b>La Forteresse Noire</b></i> de Michael Mann (des travaux bien éloignés
de la catastrophe musicale commise dans le montage américain de <i><b>Legend</b></i> par le même groupe, d'ailleurs). Dans la continuité de <i><b>L’Exorciste</b></i>, <i><b>Sorcerer</b></i> présente par
ailleurs un des travaux sonores les plus remarquables de son temps,
parachevant l’expérience sensitive que représente le film.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
On le sait, le cinéma de William Friedkin s’articule également autour
d’une grande loterie de la mort (qu’on observe dans <i><b>French Connection</b></i>,
<i><b>Police Fédérale Los Angeles</b></i> et bien d’autres) qui rend incertaine
l’issue des protagonistes. Évidemment, Friedkin y prend un malin plaisir
et pousse ses acteurs au bout pour façonner l’empathie du spectateur.
Tous, sans exception, tutoient le sommet de leur carrière. Quand bien même on a connu Bruno Cremer dans des rôles de baroudeurs tels celui dans <i><b>La 317ème Section </b></i>ou de personnages ambivalents comme dans <i><b>Le bon et les méchants</b></i> (film dans lequel Friedkin l'a découvert), qui aurait cru voir un jour l'acteur français de la sorte ? C’est peut-être à nouveau là que la
caractérisation du début prend tout son sens pour casser cette image
plus tard. Tel Werner Herzog sur <i><b>Aguirre, la Colère de Dieu</b></i>, on ressent
l’obsession du directeur d’acteur derrière la caméra cherchant les
limites de ses comédiens (et plus généralement, celles de toute son
équipe). Plus sagement, Friedkin nous a par ailleurs confessé <i>« plus
jamais je ne ferai ça, c’était de la folie ! »</i>.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Bien des éléments font que <i><b>Sorcerer</b></i> est une expérience cinématographique à
voir au moins une fois dans sa vie, si possible en salle puisque désormais nous en avons la possibilité. Il synthétise l’esprit complexe et
rotor de son auteur de la même manière que le cinéma nihiliste de son
temps. Après toutes ces années passées dans l’oubli, <i><b>Sorcerer</b></i> fait sans doute partie de ces grands films réhabilités, à voir et à revoir, où tout reste encore
à dire, tant nous n’avons encore fini de sonder le film comme lui-même
nous sonde. Fascinant autant traumatisant.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=5538" target="_blank">Fiche Cinelounge</a> </div>
<div itemprop="description" style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><span class="taxContent"><span class="taxContent"><span style="font-size: small;"><b> </b></span></span></span></span> </div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/z7fkOExVi6I" width="560"></iframe></div>
Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6423083980187720142.post-26080718955849317982015-06-14T23:45:00.003+02:002015-06-18T19:02:24.066+02:00[Avis en vrac] Vus et revus en 2015 #4<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-wJ9UEV-vn3U/VYL3rxPL6gI/AAAAAAAABVc/L9_HKq3csqE/s1600/vlcsnap-2015-04-02-22h03m36s126.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="224" src="http://4.bp.blogspot.com/-wJ9UEV-vn3U/VYL3rxPL6gI/AAAAAAAABVc/L9_HKq3csqE/s320/vlcsnap-2015-04-02-22h03m36s126.jpg" width="540" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><b>Loin de la foule déchaînée</b></i>, de Thomas Vinterberg (2015)</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<u><span style="font-size: large;"><b>AU CINÉMA - ACTUALIT</b><b><b>É</b></b></span><b><span style="font-size: large;">S</span></b></u><br />
<br />
<br />
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-LCEuYsK8Pbs/VX1yokKnGII/AAAAAAAABM8/x8g3YR-ABHk/s1600/fury%2Broad.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-LCEuYsK8Pbs/VX1yokKnGII/AAAAAAAABM8/x8g3YR-ABHk/s200/fury%2Broad.jpg" width="136" /></a><u><b><i>Mad Max : Fury Road</i>, de George Miller (2015)</b></u><br />
<br />
Tadadadada <i><b>Mad Max</b></i> ! Tadadadada <i><b>Mad Max </b></i>! On a pendant longtemps scandé son nom en attendant en quelque sort le messie du blockbuster contemporain. Car à n'en pas douter, s'il y a bien quelque chose de plus apocalyptique que l'univers de Max Rockatansky, c'est le paysage des super-productions actuelles. Trêve de plaisanteries, faisons court : <i><b>Mad Max : Fury Road</b></i> est possiblement le tournant de blockbuster d'action le plus important depuis <i><b>Terminator 2 : Le Jugement Dernier</b></i> ou <i><b>Une Journée en Enfer</b></i>. En ré-inventant le story-telling dans le genre, notamment en faisant dialoguer son film par l'action, George Miller (71 ans, rien que ça) met quarante longueurs d'avance à presque tout Hollywood. Il livre avec son dernier film un chef-d'oeuvre définitif, peut-être son film-somme, un film d'action virtuose sans discontinuité, à l'intelligence rare, une sorte de miroir déformant de bien des thématiques actuelles que le réalisateur vient sublimer dans ce gigantesque film finalement très humaniste. Incroyablissime.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=19973" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<br />
<div style="text-align: right;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-ekMMfTUROQY/VX1y3dI6oEI/AAAAAAAABNE/AbtYyIvsNIw/s1600/far%2Bfrom.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-ekMMfTUROQY/VX1y3dI6oEI/AAAAAAAABNE/AbtYyIvsNIw/s200/far%2Bfrom.jpg" width="135" /></a><u><b><i>Loin de la foule déchaînée</i>, de Thomas Vinterberg (2015)</b></u></div>
<br />
Qui aurait soupçonné un jour Thomas Vinterberg, auteur de <i><b>Festen</b></i>
et pilier du Dogme 95, d’ouvrir un film en rendant hommage à John Ford ?
Et pourtant la surprise est bien là. En adaptant un classique de la
littérature britannique de Thomas Hardy, préalablement porté à l’écran
par John Schlesinger (et plus librement par Stephen Frears dans <i><b>Tamara
Drewe</b></i>), Vinterberg s’émancipe définitivement de la première partie de sa
carrière, tout en conservant son audace visuelle. Derrière ses airs qui
pourraient paraître trop classiques ou trop soignés, <i><b>Loin de la foule
déchaînée</b></i> défait l’académisme qui a longtemps gangréné l’adaptation de
classiques littéraires pour offrir une fresque passionnée qui s’inscrit
comme un des films les plus riches de 2015.<br />
<br />
Critique à lire sur Filmosphere :<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/loin-de-la-foule-dechainee-thomas-vinterberg-2015/" target="_blank">http://www.filmosphere.com/movies/loin-de-la-foule-dechainee-thomas-vinterberg-2015/</a><br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=50174" target="_blank">Fiche Cinelounge</a></div>
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<br /></div>
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<br />
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-AvmR1hYkqyk/VX1zFOdS4XI/AAAAAAAABNM/TNjE5FXD-T8/s1600/sicario.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-AvmR1hYkqyk/VX1zFOdS4XI/AAAAAAAABNM/TNjE5FXD-T8/s200/sicario.jpg" width="129" /></a><u><b><i>Sicario</i>, de Denis Villeneuve (2015)</b></u><br />
<i><br />Festival de Cannes, compétition officielle.</i><br />
<br />
Pleins feux sur Denis Villeneuve, qui après le très remarqué
Incendies, l’imposant <b><i>Prisoners</i></b> et le vertigineux <i><b>Enemy</b></i>, parvient avec
<i><b>Sicario</b></i> à imposer au Festival de Cannes un thriller d’action étouffant
et jusqu’au-boutiste. Ici quelque part entre <i><b>Cartel</b></i> de Ridley Scott et
<i><b>Zero Dark Thirty</b></i> de Kathryn Bigelow, Villeneuve se confirme une fois de
plus et établit brillamment sa position fraîche mais désormais
d’envergure au sein du cinéma américain contemporain. Une inquiétante
mais saisissante essence de rage cinématographique, que demander de
mieux au milieu de la pas forcément probante sélection 2015 de Thierry
Frémaux ?<br />
<br />
Critique à lire sur Filmosphere :<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/sicario-denis-villeneuve-2015/" target="_blank">http://www.filmosphere.com/movies/sicario-denis-villeneuve-2015/</a><br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=55399" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-atrMdb_z3XI/VX1zbJeGyMI/AAAAAAAABNU/gNRHmHfWQA4/s1600/tiger%2Bmountain.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-atrMdb_z3XI/VX1zbJeGyMI/AAAAAAAABNU/gNRHmHfWQA4/s200/tiger%2Bmountain.jpg" width="142" /></a><u><b><i>La Bataille de la Montagne du Tigre</i>, de Tsui Hark (2015)</b></u></div>
<br />
Des ralentis improbables, du mobilier qui vole, de la 3D et des Chinois en action : pas de doute, on est bien chez Tsui Hark. <i><b>La Bataille de la Montagne du Tigre</b></i> s'inscrit probablement parmi les meilleurs films de la période contemporaine du grand maître hong-kongais et offre au spectateur tout ce qu'il pouvait fantasmer à propos d'un tel sujet : un générosité en or massif soulignée par une immense maestria de mise en scène qui jamais ne cède à la bêtise, assumant son pendant parfois joyeusement grotesque. En dépit d'éventuelles longueurs dans le rythme (le film est quand même plutôt long) ou de quelques confusions dans l'écriture, l'épique est tout de même présent tout le long, notamment au cours de trois immenses scènes d'action qui comme toujours offrent leur lot de jamais vu ou pas loin. Et puis cette 3D, mes bonnes gens, ça c'est du spectacle !<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=54720" target="_blank">Fiche Cinelounge </a><br />
<br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-w-55BukneZI/VX2JVqRolTI/AAAAAAAABPg/SQQ3xGVzPNc/s1600/Trois_souvenirs_de_ma_jeunesse.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-w-55BukneZI/VX2JVqRolTI/AAAAAAAABPg/SQQ3xGVzPNc/s200/Trois_souvenirs_de_ma_jeunesse.jpg" width="146" /></a><u><b><i>Trois souvenirs de ma jeunesse</i>, d'Arnaud Desplechin (2015)</b></u><br />
<br />
<i>Festival de Cannes, Quinzaine des réalisateurs.</i><br />
<br />
Malheureusement pas un fin connaisseur de Desplechin (c'est un tort auquel je vais remédier) j'avais toutefois été plutôt très emballé par <i><b>Jimmy P. : psychothérapie d'un Indien des plaines</b></i>. Coup de cœur renouvelé avec le très beau <b><i>Trois souvenirs de ma jeunesse</i></b>, sincère œuvre au parfum d'intime boosté par une très belle ambition cinématographique. Desplechin travaille très habilement le souvenir dans ces univers passés un peu fantasmés qu'il décrit, légèrement décalés (ce que le jeu des acteurs rend admirablement bien), avec une touche de mélancolie extrêmement bien vue qui participe à la beauté de l'ensemble. Avec ces <i>"Je me souviens..."</i> de Mathieu Amalric (toujours très juste, comme d'habitude), difficile de ne pas repenser un peu à <b><i>Amarcord</i></b> de Fellini : en résulte un film d'expériences de vie, quelque chose qui respire le vrai et qui nous touche.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=53342" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<div style="text-align: left;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-CqyuZMwsnnU/VX2JipPPm2I/AAAAAAAABSU/aWBxD1IqcHw/s1600/youth.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-CqyuZMwsnnU/VX2JipPPm2I/AAAAAAAABSU/aWBxD1IqcHw/s200/youth.jpg" width="146" /></a><u><b><i>Youth</i>, de Paulo Sorrentino (2015)</b></u></div>
<br />
<div style="text-align: left;">
<i>Festival de Cannes, compétition officielle. </i></div>
<br />
Fort heureusement, il y a aura toujours des auteurs un peu en
dehors du temps pour entretenir la flamme du grotesque. Et grotesque,
non, pas dans son sens péjoratif, simplement dans son sens artistique, à
prendre comme un courant d’air frais un peu indescriptible, avec une
sorte de charme suranné évidemment plaisant, et un soupçon de cynisme.
Tout ceci n’a pas disparu avec Fellini, et Paolo Sorrentino, avec <i><b>Youth</b></i>,
le prouve à nouveau après <i><b>La Grande Bellez</b></i>a, qui d’ailleurs n’avait pas
laissé indifférent la Croisette en 2013 et avait même récolté la petite
statuette en or américaine l’année suivante.<br />
<br />
Critique à lire sur Filmosphere :<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/youth-paolo-sorrentino-2015/" target="_blank">http://www.filmosphere.com/movies/youth-paolo-sorrentino-2015/</a> <br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=58535" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<br />
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-BZuKOfBkxs8/VX2JgtlAj7I/AAAAAAAABSI/gUoa-qAxFFQ/s1600/tomorrowland.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-BZuKOfBkxs8/VX2JgtlAj7I/AAAAAAAABSI/gUoa-qAxFFQ/s200/tomorrowland.jpg" width="135" /></a><u><b><i>A la poursuite de demain</i>, de Brad Bird (2015)</b></u><br />
<br />
Dire que j'attendais très vivement le nouveau film de Brad Bird aurait été un doux euphémisme. <i><b>A la poursuite de demain</b></i> (merci les traducteurs, encore une fois) m'inspirait quelque chose d'aussi épique, créatif et original que le très réussi <i><b>Jupiter : le destin de l'univers</b></i> (merci les traducteurs bis). J'ai dû malheureusement revoir rapidement mes exigences à la baisse vis-à-vis de cette nouvelle production Disney : certes loin d'être mauvaise et blindée de bonnes idées, il y a quelque chose qui ne prend pas là-dedans. Avant tout il y a sûrement un problème de construction dans l'histoire : le rythme est trop laborieux et presque l'intégralité du film n'est finalement que de l'exposition, construite dans d'interminables dialogues explicatifs (souvent dans une voiture) d'ailleurs très platement filmés par Brad Bird en champ / contre-champ. Le scénario n'arrive pas franchement à exploiter pleinement son propre concept, se perd dans des péripéties un peu superflues ou dans d'autres ajouts qui entachent le tableau, notamment ce bad-guy dont le récit n'a pourtant pas besoin (le personnage en lui-même est intéressant, dommage qu'il soit vil). Et pourtant tout le reste est là ou pas loin : il y a cet esprit créatif que l'on dirait presque hérité d'Amblin, cette touche un peu artisanale façon Joe Johnston (la présence d'une sorte de simili-<i><b>Rocketeer</b></i> m'influe peut-être) et des moments de bravoure dans la réalisation de Brad Bird, notamment un élégant long-plan de découverte de Tomorrowland. Mais le film manque d'unité, voire parfois un peu de passion (en témoigne une énième partition peu inspirée de Giacchino, qui ne se renouvelle plus), dans cette production laissée quelque peu à l'abandon par Disney. La 3D aurait même été la bienvenue. C'est d'autant plus dommage de se retrouver face à ce film fort bien intentionné, sans doute plutôt sympathique, mais peut-être un peu anecdotique par son caractère inachevé.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=40945" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-jeo5tg1g_Qs/VX2JVrlvVSI/AAAAAAAABPQ/JZuoC6dnyTA/s1600/inside%2Bout.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-jeo5tg1g_Qs/VX2JVrlvVSI/AAAAAAAABPQ/JZuoC6dnyTA/s200/inside%2Bout.jpg" width="149" /></a><u><b><i>Vice-versa</i>, de Pete Docter et Ronnie Del Carmen (2015)</b></u></div>
<br />
<i>Festival de Cannes, hors-compétition.</i><br />
<br />
Le studio à la petite lampe de bureau qui sautille traverse depuis
désormais quelques années une certaine crise prenant la forme d’une
panne créative. Depuis la somptueuse conclusion <i><b>Toy Story 3</b></i>
(qui bien évidemment va être gâchée par une suite), Pixar n’est pas
parvenu à livrer une production réellement réussie, alternant suites
inutiles (<i><b>Cars 2</b></i>, <i><b>Monsters University</b></i>) ou productions originales peu inspirées (<i><b>Rebelle</b></i>). Pourtant, il semblerait que <i><b>Vice Versa</b></i>,
présenté en hors-compétition au 68ème festival de Cannes, ait su
générer un enthousiasme collectif parmi ses spectateurs. L’engouement
est tel que l’on s’interroge sincèrement dessus, comme si le public
s’était résolu à niveler ses exigences par le bas, portant aux nues une
nouvelle production certes pas désagréable, mais tout de même loin de ce
qu’a pu offrir le même studio jadis.<br />
<br />
A lire sur Filmosphere :<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/vice-versa-pete-docter-ronaldo-del-carmen-2015/" target="_blank">http://www.filmosphere.com/movies/vice-versa-pete-docter-ronaldo-del-carmen-2015/</a><br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=50267" target="_blank">Fiche Cinelounge </a><br />
<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-fpUKLtOG0G4/VX2JdoX1QHI/AAAAAAAABR4/wIx1bf_MLUs/s1600/taxi%2Bteheran.png" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-fpUKLtOG0G4/VX2JdoX1QHI/AAAAAAAABR4/wIx1bf_MLUs/s200/taxi%2Bteheran.png" width="150" /></a></div>
<div style="text-align: left;">
<u><b><i>Taxi Téhéran</i>, de Jafar Panahi (2015)</b></u></div>
<br />
C'est compliqué de se prononcer sur le nouveau film de Panahi : que faut-il remarquer, que faut-il retenir ? Juste le concept ? L'idée de faire un film pour un réalisateur à qui c'est interdit ? Le film en lui-même n'est pas forcément génial, mais comment avoir une opinion dessus en faisant fi de son contexte ? <i><b>Taxi Téhéran</b></i> ouvre une fenêtre sur l'Iran qui semble avant tout destinée au spectateur occidental. L'idée du film est très bonne mais malheureusement peu approfondie, finalement le concept du taxi n'est exploité que pendant le premier tiers. Le reste devient une affaire plus personnelle pour Panahi, avec parfois ce désagréable sentiment de pleurnicherie, qui toutefois se conjugue à quelques passages d'une grande beauté (la dame aux fleurs). Je reste toutefois un peu embêté vis-à-vis du dispositif de mise en scène : c'est dommage d'essayer de faire passer pour du vrai toutes ces situations trop écrites, on avait déjà compris où Panahi voulait en venir. C'est tout de même à voir, car bien que très maladroit, ça reste une création qu'il faut encourager, et un regard quand même instructif, bien que sans doute un peu unilatéral, sur un quotidien que nous ne connaissons pas forcément bien.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=56347" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/--cAxfAzTAl4/VX2JPVjsGBI/AAAAAAAABO4/jM3y2s61Zi0/s1600/carol.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/--cAxfAzTAl4/VX2JPVjsGBI/AAAAAAAABO4/jM3y2s61Zi0/s200/carol.jpg" width="144" /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<u><b><i>Carol</i>, de Todd Haynes (2015)</b></u></div>
<br />
<i>Festival de Cannes, compétition officielle. </i><br />
<br />
Œuvre fortement attendue à Cannes, de par son sujet, son casting et bien entendu son réalisateur, <i><b>Carol</b></i> se sera dûment fait attendre dans la carrière de Todd Haynes,
consacrant toutes ses dernières années depuis le très intéressant <i><b>I’m
Not There</b></i> (2007) à la production télévisuelle. Malheureusement, derrière
ses airs élégants et d’actualité, Carol prend la forme d’un film peu
passionné, voire presque trop académique dans sa description d’une
relation lesbienne dans l’Amérique des années 50.<i> </i><br />
<i><br /></i>
Critique à lire sur Filmosphere :<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/carol-todd-haynes-2015" target="_blank">http://www.filmosphere.com/movies/carol-todd-haynes-2015</a><br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=49911"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=49911" target="_blank">Fiche Cinelounge </a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-pagEBCGcQSE/VX2JYGTgIdI/AAAAAAAABQI/Woz8HpXC9wY/s1600/la%2Bloi%2Bdu%2Bmarch%25C3%25A9.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-pagEBCGcQSE/VX2JYGTgIdI/AAAAAAAABQI/Woz8HpXC9wY/s200/la%2Bloi%2Bdu%2Bmarch%25C3%25A9.jpg" width="150" /></a></div>
<div style="text-align: left;">
<u><b><i>La Loi du marché</i>, de Stéphane Brizé (2015)</b></u></div>
<br />
<i>Festival de Cannes, compétition officielle. </i><br />
<br />
Il est courant de voir certains détracteurs du Festival de
Cannes pester contre l’absence de cinéma « de genre » en compétition
officielle (bien que le cru 2015 tende plutôt à prouver le contraire
malgré son hétérogénéité qualitative), mais quoi qu’il en soit, force
est de constater que la France le représente bien, avec l’aide de
Stéphane Brizé, ce fameux « genre ». Car <i><b>La Loi du marché</b></i>, c’est un pur
film de genre. Oui. Entendez par là le film qui applique platement et
méthodiquement ce qui a plus ou moins codifié au cours de ces vingt
dernières années le film social contemporain. Énième œuvre de la sorte
qui n’a rien à dire sur son sujet, <i><b>La Loi du marché</b></i> est un drame
automatisé qui n’a pour lui que son acteur principal (d’ailleurs lauréat
du prix d’interprétation masculin).<br />
<br />
Critique à lire sur Filmosphere :<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/la-loi-du-marche-stephane-brize-2015/" target="_blank">http://www.filmosphere.com/movies/la-loi-du-marche-stephane-brize-2015</a><br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=59138" target="_blank">Fiche Cinelounge </a><br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-XQWXy2PuS-U/VX24b4Yd7GI/AAAAAAAABSk/JrVYiue4h_g/s1600/maggie.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-XQWXy2PuS-U/VX24b4Yd7GI/AAAAAAAABSk/JrVYiue4h_g/s200/maggie.jpg" width="135" /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<u><b><i>Maggie</i>, de Henry Hobson (2015)</b></u></div>
<br />
Au-delà de mon traditionnel haussement d'épaules face à une énième production avec des zombies (ça commence à bien faire quand même), j'ai toutefois un certain intérêt pour le concept de <i><b>Maggie</b></i>. L'idée de percevoir cette sorte de fin du monde depuis la modeste campagne américaine, sans faire justement un film de zombies mais plutôt un drame à l'ambiance apocalyptique, pourrait s'avérer vraiment intéressant. Malheureux, le film de Hobson n'a franchement pas vraiment d'idées du début à la fin, exploite très platement un univers de zombies vu et revu, et s'avère finalement foutrement laborieux et ennuyant, sous ses airs pauvres de cinéma d'auteur indépendant américain. Tout est terne, l'image est terne, le scénario est terne, l'ambition est terne. Schwarzenegger veut sans doute bien faire et il a toute ma sympathie, mais on reste trop en surface et Hobson se content de faire des gros plans sur l'acteur herculéen qui pleure. Encore une fois dommage car le concept est là, j'aime cette campagne profonde, j'aime ce sentiment d'Americana. Mais rendre hommage un peu grossièrement aux <i><b>Moissons du Ciel</b></i>, ça ne suffit pas vraiment.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=54108" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-V7E-tlPGwk4/VX2JTRBTUuI/AAAAAAAABO0/NZToLLx6DT4/s1600/ex%2Bmachina.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-V7E-tlPGwk4/VX2JTRBTUuI/AAAAAAAABO0/NZToLLx6DT4/s200/ex%2Bmachina.jpg" width="134" /></a></div>
<div style="text-align: left;">
<u><b><i>Ex Machina</i>, de Alex Garland (2015)</b></u></div>
<br />
Dans le scope usé et usant des "films de robots" <b><i>Ex Machina</i></b> se pointe l'air de rien comme l'authentique film de trop prouvant l’obsolescence de la thématique à l'heure de la dématérialisation. Après le très mauvais <b><i>Chappie</i></b> et l'agréable mais limité <b><i>Automata</i></b>, cette production SF britannique ressasse une fois de plus les grandes thématiques du genre sans être capable d'apporter quelque chose, sans les transcender. De nouveau le mythe de l'androïde féminin est au premier plan, à croire qu'avec les près de quatre-vingt dix années séparant le film de <i><b>Metropolis</b></i>, on ne peut pas apporter un concept plus frais. Et sans citer le Lang, rien de ce que propose <i><b>Ex Machina</b></i> n'aura pas été préalablement traité dans <i><b>Blade Runner</b></i> ou <i><b>I.A. : Intelligence Artificielle</b></i>. Ici l'on a affaire une fois de plus à une anticipation fade et désespérément lisse, ce film à la mise en scène toute propre et toute calculée, sans beaucoup d'âme, au dernier tiers à la bêtise insondable qui ôte le peu de sympathie que l'on pourrait avoir pour le film d'Alex Garland. Terriblement oubliable.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=53536" target="_blank">Fiche Cinelounge </a><br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-Jt3nrtMGmxE/VX2Jb7niu_I/AAAAAAAABRU/9_Ju9PShlGE/s1600/san%2Bandreas.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-Jt3nrtMGmxE/VX2Jb7niu_I/AAAAAAAABRU/9_Ju9PShlGE/s200/san%2Bandreas.jpg" width="135" /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<u><b><i>San Andreas</i>, de Brad Peyton (2015)</b></u></div>
<br />
On pensait le genre du film catastrophe plutôt éteint depuis le franchement con <i><b>2012</b></i>, mais force est de croire qu'il a encore des héritiers. En soit, un film avec Dwayne Johnson qui sauve l'humanité dans une Californie qui s'effondre a toute mon intention, pour la simple et bonne raison que j'éprouve une réelle adoration pour le bonhomme. Toutefois, <i><b>San Andreas </b></i>ne déroge pas à la règle : on tient ici un blockbuster crétin XXL qui écule tous les poncifs du genre que l'on imaginait désormais enterrés. Je pensais que le personnage de Johnson allait être confrontés à de réels dilemmes (vu son métier de sauveteur), mais même pas, il faut une fois de plus sauver la famille. Pour le reste, c'est de la réalisation sans âme qui peine du coup à trouver de l'ampleur (on imputera les quelques sympathiques plans larges ou panoramas de destruction au superviseur SFX Colin Strause), de la musique moche façon Brian Tyler et des péripéties automatiques. Paul Giamatti vient (encore !) cachetonner. On retient toutefois la superbe plastique d'Alexandra Daddario, dont le moulant débardeur vaut bien tous les tremblements de terre du monde.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=53530" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-ZXZiCgf94AA/VX2JYx8EfyI/AAAAAAAABQQ/WFw6z6IadIk/s1600/louder%2Bthan%2Bbombs.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-ZXZiCgf94AA/VX2JYx8EfyI/AAAAAAAABQQ/WFw6z6IadIk/s200/louder%2Bthan%2Bbombs.jpg" width="139" /></a></div>
<div style="text-align: left;">
<u><b><i>Plus fort que les bombes</i>, de Joaquim Trier (2015)</b></u></div>
<br />
<i>Festival de Cannes, compétition officielle.</i><br />
<br />
Difficile est la tâche pour l’auteur remarqué en festival que de
réitérer sa « performance », évidemment attendue au tournant. Douche
froide plutôt notable pour Joaquim Trier qui, après <b><i>Oslo 31 août</i></b>,
revient ici aux commandes de <i><b>Plus fort que les bombes</b></i>, film propulsé par
un casting de choix, mais finalement condamné à errer dans les
profondeurs insondables du drame laborieux et totalement creux. D’un
ennui terrassant, le troisième métrage de Trier échoue dans presque tout ce
qu’il entreprend, ne laissant à son spectateur que ce sentiment bien
désagréable de la caricature du film auteuriste pour festival.<br />
<br />
Critique à lire sur Filmosphere :<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/plus-fort-que-les-bombes-joachim-trier-2015/" target="_blank">http://www.filmosphere.com/movies/plus-fort-que-les-bombes-joachim-trier-2015/</a><br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=45061" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=45061" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<br />
<div style="text-align: right;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-VZFS1w6ZJW4/VX3wsnFVvyI/AAAAAAAABTQ/0MbNHHVC3Hk/s1600/jurassic%2Bworld.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-VZFS1w6ZJW4/VX3wsnFVvyI/AAAAAAAABTQ/0MbNHHVC3Hk/s200/jurassic%2Bworld.jpg" width="146" /></a><u><b><i>Jurassic World</i>, de Colin Trevorrow (2015)</b></u></div>
<br />
Alors qu’un septuagénaire australien semble avoir redéfini les
codes du blockbuster post-moderne, <i><b>Jurassic World</b></i> de Colin Trevorrow
pointe le bout de son museau. La comparaison avec<i><b> Fury Road</b></i> est en
quelque sorte inévitable, puisque dans un cas comme dans l’autre il
s’agit de la reprise d’une licence cinématographique connue. S’armant
d’un pitch toutefois aguicheur basé sur le concept idéal au possible
pour une éventuelle suite de la saga initiée par Steven Spielberg, <i><b>
Jurassic World </b></i>s’échoue dans les limbes du blockbuster générique, une
production de plus sans grand intérêt ni grande ambition autre que celle
de surfer sur la licence exploitée.<br />
<br />
Critique à lire sur Filmosphere :<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/jurassic-world-colin-trevorrow-2015/" target="_blank">http://www.filmosphere.com/movies/jurassic-world-colin-trevorrow-2015</a><br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=43993" target="_blank">Fiche Cinelounge </a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-7f2vBylfbJw/VX2JYh16MzI/AAAAAAAABRc/PIXv_0uFgUg/s1600/labyrinthe%2Bdu%2Bsilence.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-7f2vBylfbJw/VX2JYh16MzI/AAAAAAAABRc/PIXv_0uFgUg/s200/labyrinthe%2Bdu%2Bsilence.jpg" width="147" /></a></div>
<div style="text-align: left;">
<u><b><i>Le Labyrinthe du Silence</i>, de Giulio Riccarelli (2014)</b></u></div>
<br />
Énième film bien formaté de chasse aux sorcières, <i><b>Le Labyrinthe du silence</b></i> est une production moralement extrêmement discutable dans sa revisite hautement basique d'une période complexe. En se permettant de juger l'Histoire, de manière binaire et simpliste qui plus est (<i>"tout le monde est nazi sauf ceux qui ont dit non"</i>), le film passe totalement à côté de son sujet et en oublie justement les enjeux moraux et de responsabilité les plus profonds, ne tenant jamais compte de son contexte. Il préfère sombrer dans le larmoyant et le pathos irrespectueux, notamment dans cette scène atroce de prise de conscience boostée à la musique ultra-larmoyante. A l'arrivée, c'est juste téléfilmesque, malhonnête et vulgaire. A ceux qui veulent un film qui respire le vrai sur l'après-guerre en Allemagne et sur la dénazification, je ne peux que conseiller <i><b>Verboten!</b></i> de Samuel Fuller, à ceux qui veulent revenir sur la justice vis-à-vis d'anciens nazis, il faut impérativement voir <i><b>Jugement à Nuremberg</b></i> de Stanley Kramer. C'est autre chose !<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=57614" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-kQkNisD05Lc/VX2JZvQi4_I/AAAAAAAABQg/UE3oqMqRWYc/s1600/marguerite%2Bet%2Bjulien.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-kQkNisD05Lc/VX2JZvQi4_I/AAAAAAAABQg/UE3oqMqRWYc/s200/marguerite%2Bet%2Bjulien.jpg" width="146" /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<u><b><i>Marguerite et Julien</i>, de Valérie Donzellie (2015)</b></u></div>
<br />
<i>Festival de Cannes, compétition officielle. </i><br />
<br />
Quel engrenage est brisé dans le cinéma français pour qu’un film
comme <i><b>Marguerite et Julien</b></i> se retrouve en compétition au Festival de
Cannes ? Bien que Valérie Donzelli soit parvenue à se faire remarquer
avec <i><b>La Guerre est déclarée</b></i>, elle présente ici un nouveau film pompeux
et presque mégalomane dans son sens le plus détestable possible, une
roue libre cinématographique de mauvais auteur qui se complaît derrière
ses très vaines images. <i><b>Marguerite et Julien</b></i>, c’est un peu le pompon de
ces productions dont on se demande comment elles ont été encadrées tant
c’est ouvertement désespérant du premier au dernier photogramme. Retour
sur l’un des principaux challengers pour la Palme de Plomb de cette
édition 2015.<br />
<br />
Critique à lire sur Filmosphere :<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/marguerite-et-julien-valerie-donzelli-2015/" target="_blank">http://www.filmosphere.com/movies/marguerite-et-julien-valerie-donzelli-2015/</a><br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=59137" target="_blank">Fiche Cinelounge </a><br />
<br />
<br />
<span style="font-size: large;"><u><b>AU CINÉMA - RESSORTIES</b></u></span><br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-ikg3enmpeGs/VX2JXGyVm-I/AAAAAAAABQA/FyutHIzFtow/s1600/l%2527arm%25C3%25A9e%2Bdes%2Bombres.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-ikg3enmpeGs/VX2JXGyVm-I/AAAAAAAABQA/FyutHIzFtow/s200/l%2527arm%25C3%25A9e%2Bdes%2Bombres.jpg" width="150" /></a></div>
<u><b><i>L'Armée des Ombres</i>, de Jean-Pierre Melville (1969)</b></u><br />
<br />
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
L’ambiance habituelle des lumières qui s’éteignent dans la salle
de projection laisse place à une lourde atmosphère. Premier plan. Les
bottes de la Wehrmacht claquent sur les Champs-Élysées. Plus de
quarante-cinq ans après la sortie du film, le coup de poing d’entrée de
jeu, signé Jean-Pierre Melville, est toujours intact. La sinistre image
réinstaure un contexte de trauma qui jamais ne s’échappera du spectateur
de <i><b>L’Armée des Ombres</b></i>, et qui ne s’est probablement jamais échappé non
plus depuis le premier visionnage. La ressortie en salle, en version
restaurée, de l’un des chefs-d’œuvre définitifs du genre, est l’occasion
parfaite de convier dans notre esprit, une fois de plus, ces mauvais
souvenirs d’une jeunesse lointaine. Lointaine et pourtant tellement
proche, tellement là, tellement palpable.<br />
<br />
Critique à lire sur Filmosphere :<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/larmee-des-ombres-jean-pierre-melville-1969/">http://www.filmosphere.com/movies/larmee-des-ombres-jean-pierre-melville-1969/</a><br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=981" target="_blank">Fiche Cinelounge </a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-Pm1oxIDaA50/VX2JRNKLL3I/AAAAAAAABOg/tuGgNdoBlhw/s1600/doulos.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-Pm1oxIDaA50/VX2JRNKLL3I/AAAAAAAABOg/tuGgNdoBlhw/s200/doulos.jpg" width="145" /></a></div>
<u><b><i>Le Doulos</i>, de Jean-Pierre Melville (1962)</b></u><br />
<br />
On ne s'étendra pas outre-mesure sur le genre grandiose qu'est le film noir à la française, surtout chez Melville : <i><b>Le Doulos</b></i>, c'est génial et ça n'est pas une surprise. On retrouve Serge Reggiani, une fois de plus formidable derrière ses airs renfermés et blasés, contrastant évidemment avec le côté bon vivant de Jean-Paul Belmondo avec qui l'affiche est partagée. Ambiance formidable mais surtout scénario richissime, dans ces manipulations qui nous emmènent on-ne-sait-trop où, jusqu'à une révélation incroyable, aucunement gratuite, et trouvant un écho d'autant plus beau dans le final du film. Encore un film dont on est heureux de sortir déprimé.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1180" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1180" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-waiJNdViNco/VX2JP0ZdrcI/AAAAAAAABOI/VTsqmZoHKOI/s1600/cercle%2Brouge.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-waiJNdViNco/VX2JP0ZdrcI/AAAAAAAABOI/VTsqmZoHKOI/s200/cercle%2Brouge.jpg" width="137" /></a></div>
<u><b><i>Le Cercle Rouge</i>, de Jean-Pierre Melville (1970)</b></u><br />
<br />
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
Avec un tel quator d'acteurs (Delon, Bourvil, Montand, Volonte), on ne peut sortir que repus du<i><b> Cercle Rouge</b></i>, où l'on sent bien Jean-Pierre Melville sur la dernière lancée de sa carrière, tout du moins atteignant son paroxysme entre cette oeuvre-ci et <i><b>L'Armée des Ombres</b></i>, son film précédent. Dément film de casse empruntant tout de même pas mal à Jules Dassin et son génial <b>Du Rififi chez les hommes</b> (notamment le casse en lui-même, totalement mutique), c'est encore quelque part un de ces films noirs peu aimables, et tant mieux. L'univers dépressif de Melville trouve ici une résonance parfaite dans une réplique du film, "Tous coupables !", que l'on se résigne à accepter à contre-cœur. C'est toujours aussi puissant.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=927" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-2oMZTvGvu_s/VX2JimKcrMI/AAAAAAAABSY/UBwI8sr7jzI/s1600/un%2Bflic.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-2oMZTvGvu_s/VX2JimKcrMI/AAAAAAAABSY/UBwI8sr7jzI/s200/un%2Bflic.jpg" width="145" /></a></div>
<u><b><br /></b></u>
<u><b><i>Un Flic</i>, de Jean-Pierre Melville (1972)</b></u><br />
<br />
Échec de taille clôturant la carrière de son réalisateur, <i><b>Un Flic </b></i>est le film où Melville s'est le plus radicalisé : il est quelque part à sa carrière ce que <i><b>Miami Vice</b></i> est à celle de Michael Mann (histoire de rester dans un de ses héritiers). Mais sans doute à contrario du film de Mann, la radicalisation de Melville ne débouche pas sur une de ses meilleures œuvres : quand bien même le début est exceptionnel (une fois de plus, cet incroyable casse à l'ambiance sonore bercée par l'inquiétant bruit de la mer), on ne sait pas où Melville nous emmène. C'est un film opaque, au scénario parfois brumeux, et malheureusement un peu plombé par Alain Delon, totalement en roue libre, qui en fait pour le coup des tonnes dans cette sorte de revisite de Harry Callahan (dont le film est sorti la même année). Esthétiquement, le film repousse toutes les barrières de la sobriété classique melvillienne et offre un environnement encore plus dépouillé, épuré et monochrome que d'habitude, ne le rendant pas forcément évident à la digestion. A voir tout de même, et peut-être à redécouvrir plus tardivement.<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1610" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-KaAwKjsuUpk/VX2JRy5sJUI/AAAAAAAABOc/NvnmoThqPbI/s1600/dragon%2Binn.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-KaAwKjsuUpk/VX2JRy5sJUI/AAAAAAAABOc/NvnmoThqPbI/s200/dragon%2Binn.jpg" width="153" /></a></div>
<u><b><i>Dragon Inn</i>, de King Hu (1967)</b></u><br />
<br />
Parmi la petite flopée de films qui existent autour de cette fameuse auberge du dragon, j'avais vu la récente (et deuxième) version de Tsui Hark qui m'avait laissée un brin dubitatif avec toute sa confusion dans l'écriture, malgré son immense richesse cinématographique. J'en viens du coup à me demander comment Tsui Hark a pu rendre aussi confus un scénario pourtant aussi clair et génial que celui de <i><b>Dragon Inn</b></i>, C'est fabuleux de retrouver de la sorte une équivalence des codes que l'on avait alors en Europe avec les films de Leone. L'ambiance est lente et les personnages taciturnes, mais il y a un certain penchant aux traits d'esprits, le tout dans ces incroyables cadres cinémascope que la version restaurée dévoile sous leur plus beau jour. Sans doute un point de référence majeur pour tous les amateurs de <span class="st">武俠片... euh, pardon, de </span><span class="st">wu xia pian<i>.</i></span><br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=9084" target="_blank"><span class="st">Fiche Cinelounge</span></a><br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=7771" target="_blank"><br /></a>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-9ViQnmltTbU/VX2JaTQbe5I/AAAAAAAABRs/2q619IbZNZs/s1600/navigator.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-9ViQnmltTbU/VX2JaTQbe5I/AAAAAAAABRs/2q619IbZNZs/s200/navigator.jpg" width="126" /></a></div>
<u><b><i>La Croisière du Navigator</i>, de Donald Crisp et Buster Keaton (1924)</b></u><br />
<br />
<i>Revisionnage, ciné-concert.<u><b><br /></b></u></i><br />
<br />
Je dois avouer que je suis passablement déçu dans ma redécouverte de<i><b> La Croisière du Navigator</b></i> : je conservais le souvenir d'un Keaton totalement épique et finalement, bien qu'extrêmement sympathique, le film ne brille pas parmi les plus géniaux de l'auteur burlesque. Plus simplement le film n'est pas forcément bien rythmé, laborieux dans son exposition (c'est un peu le cas du <i><b>Mécano de la Général</b></i> aussi) mais surtout son rythme de croisière (c'est le cas de le dire) par rapport aux scènes de gag n'est pas forcément hétérogène. On pourra évidemment recenser des scènes géniales, profondément hilarantes (la scène sous-marine ou le visage du capitaine au hublot), mais il manque éventuellement le souffle sur-inventif des autres films de Keaton. Enfin, après, on ne va pas se mentir non plus, ça reste quand même très bien !<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=7771" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-iolMrN_sKvw/VX2JUOKxjjI/AAAAAAAABPI/k8Xcg49Gb1I/s1600/femmes%2Bentre.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-iolMrN_sKvw/VX2JUOKxjjI/AAAAAAAABPI/k8Xcg49Gb1I/s1600/femmes%2Bentre.jpg" width="135" /></a></div>
<u><b><i>Femmes entre elles</i>, de Michelangelo Antonioni (1955)</b></u><br />
<br />
J'ai profité de la rétrospective Antonioni à la Cinémathèque pour découvrir, en plus de l'exposition (d'ailleurs décevante), <i><b>Femmes entre elles</b></i>, qui m'était totalement inconnu. Curieux Antonioni, pour le moins que l'on puisse dire, que ce film qui, en simplifiant de manière un peu abusive, prend pour intrigue les potins féminins. Antonioni cultive toutefois de très beaux personnages, très variés dans la description qu'ils font à travers eux des mœurs de la société italienne. Il y a évidemment dedans l'esprit du néo-réalisme italien, et l'étude de ses thèmes forts, mais il manque peut-être d'ampleur, parfois de profondeur ou tout simplement de rythme, sans doute trop lent pour ce qu'il décrit. Un regard toutefois intéressant sur le quotidien de cette caste féminine bourgeoise.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1668" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1668" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><u><b>EN VIDÉO</b></u></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<br />
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-91nftjdP7gU/VX2JUOt-UQI/AAAAAAAABPc/AzvbmmIFscQ/s1600/everest.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-91nftjdP7gU/VX2JUOt-UQI/AAAAAAAABPc/AzvbmmIFscQ/s200/everest.jpg" width="146" /></a><u><b><i>L'Epopée de l'Everest</i>, de John Noel (1924)</b></u><br />
<br />
A l’heure où la moindre parcelle terrestre semble avoir été
photographiée par toute sorte d’appareils numériques et montrée sur
Youtube ou exhibée par Google, on ne se rend peut-être plus compte de
l’immense valeur de <i><b>L’Epopée de l’Everest</b></i>, tout
fraichement restauré par le BFI (British Film Institute). Six décades
avant que les endroits les plus mystiques du globe soient magnifiées par
Godfrey Reggio et Ron Fricke, le documentaire du capitaine John Noel
s’embarquait déjà dans une aventure incroyable aux confins d’un monde
alors inconnu. Il en résulte un véritable trésor, ces images qui ont le
privilège d’avoir été les premières à impressionner sur pellicule des
lieux et personnes qu’alors beaucoup n’avaient jamais vus, voire jamais
entendu parler, autrement que dans de vagues récits d’exploration. Et
c’est également un peu notre privilège de redécouvrir ces images
inédites, avant-gardistes, impressionnantes et majestueuses.<br />
<br />
Critique à lire sur Filmosphere :<br />
<a href="http://www.filmosphere.com/movies/lepopee-de-leverest-j-b-l-noel-1924">http://www.filmosphere.com/movies/lepopee-de-leverest-j-b-l-noel-1924</a><br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=60088" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-CZWws8juTng/VX2JN3QLvaI/AAAAAAAABPM/FQkBgfhZv_E/s1600/alien.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-CZWws8juTng/VX2JN3QLvaI/AAAAAAAABPM/FQkBgfhZv_E/s200/alien.jpg" width="153" /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<u><b><i>Alien, le huitième passager</i>, de Ridley Scott (1979)</b></u></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>Revisionnage (director's cut).</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
C'est impressionnant de se dire qu'<b><i>Alien, le huitième passager</i></b>, a soufflé tranquillement l'an passé ses trente-cinq bougies. Le vernis injecté par Ridley Scott qui le recouvre semble définitivement à l'épreuve du temps. Parce qu'<i><b>Alien</b></i> est la métaphore d'un cauchemar, il en est peut-être d'autant plus universel, aux antipodes d'être un simple film horrifique. L'angoisse est psychologique et Ridley Scott comme Dan O'Bannon l'ont compris dans cette revisite psychologique freudienne d'un film fantastique aux allures parfois médiévales, ce qui rend, d'ailleurs, le choix de Ridley Scott pour réaliser encore plus brillant.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=916" target="_blank">Fiche Cinelounge</a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-cRGhl4qCXss/VX2JbZqLQHI/AAAAAAAABRM/-DeqUXeWrZI/s1600/polar%2Bexpress.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-cRGhl4qCXss/VX2JbZqLQHI/AAAAAAAABRM/-DeqUXeWrZI/s200/polar%2Bexpress.jpg" width="135" /></a><u><b><i>Le Pôle Express</i>, de Robert Zemeckis (2004)</b></u></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>Revisionnage (3D).</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Après avoir totalement redécouvert <i><b>La Légende de Beowulf</b></i>, je me devais d'entreprendre une rétrospective du pan de carrière en animation chez Robert Zemeckis. Je n'avais jamais conservé un souvenir chaleureux de son premier du genre, <b><i>Le Pôle Express</i></b>, et force est de constater qu'une fois de plus j'étais dans l'erreur. C'est un film profondément virtuose et il faut avant tout saluer l'audace de la technologie, la fameuse performance-capture, couplée à celle de faire un film en 3D bien avant le retour à la mode de la technologie avec Avatar. Artistiquement, le film est d'une immense richesse et guidé d'une main de maître pendant toute sa première moitié, incroyable d'aventures épiques, d'ailleurs soutenues par la partition très inspirée d'Alan Silvestri, qui permettent à Zemeckis de profiter pleinement de la liberté offerte par la technologie. La deuxième moitié, et notamment la fin, tombe éventuellement plus à plat, prisonniers d'une naïveté de Noël peut-être trop abondante, mais au moins on peut y sentir la sincère générosité de Zemeckis, qui mine de rien, sera parvenu à proposer une aventure en animation impressionnante et radicalement différente de ce qu'on faisait alors.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=3298" target="_blank">Fiche Cinelounge</a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-MwxAibjyfrA/VX2JZTXhzOI/AAAAAAAABQc/Kgb7k_Kvt1M/s1600/les%2Bvisiteurs.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-MwxAibjyfrA/VX2JZTXhzOI/AAAAAAAABQc/Kgb7k_Kvt1M/s200/les%2Bvisiteurs.jpg" width="146" /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<u><b><i>Les Visiteurs</i>, de Jean-Marie Poiré (1993)</b></u></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<i>Revisionnage.</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
A l'heure où se tourne un troisième opus bien douteux (en réalité quatrième mais il y en a un dont-il-ne-faut-pas-mentionner-l'existence) et où le genre de la comédie française est critique, je souhaitais me replonger dans <i><b>Les Visiteurs</b></i>, que pendant longtemps j'ai connu par cœur. Et pour être très franc, j'y vois encore et toujours une comédie remarquable, dans son "savant" dosage entre un humour certes gras mais percutant et un sens du rythme vraiment sur le fil (sauf peut-être le dernier quart, un peu laborieux). Et avec le recul que l'on a aujourd'hui, c'est quand même plaisant de retrouver une comédie qui a un minimum d'ambition, un réel concept cinématographique à proposer que Jean-Marie Poiré s'amuse à exploiter. Et puis, quelque part, réussir à maîtriser la roue libre de Christian Clavier, c'est vrai exploit !<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1635" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
<br />
<br />
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-xkW7JtrPVM8/VX2JZ3VGJeI/AAAAAAAABQw/BpeKL36dP-4/s1600/minority%2Breport.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-xkW7JtrPVM8/VX2JZ3VGJeI/AAAAAAAABQw/BpeKL36dP-4/s200/minority%2Breport.jpg" width="134" /></a><u><b><i>Minority Report</i>, de Steven Spielberg (2002)</b></u><br />
<br />
<i>Revisionnage. </i><br />
<br />
<b><i>Minority Report</i></b> est peut-être le Spielberg que j'ai le plus revu (<b><i>Les Aventuriers de l'Arche Perdu</i></b> à part, que j'ai du voir trente fois), et pourtant je continue à être sidéré par ce que je découvre et redécouvre à chaque revisionnage. Formant une sorte de diptyque d'anticipation aux côtés de <i><b>I.A. : Intelligence Artificielle </b></i>(que j'ai revu très nettement à la hausse il y a peu), l'adaptation de K. Dick selon Spielberg figure au panthéon du genre, remarquable blockbuster vertigineux du premier au dernier photogramme, modèle d'intelligence dans son écriture et de finesse dans sa mise en scène. Tom Cruise y trouve, bien entendu, un de ses meilleurs rôles (tout comme son autre collaboration avec Spielberg dans <i><b>La Guerre des Mondes</b></i>), dans cette fresque d'anticipation façonnée tel un diamant, somptueux et translucide, dans lequel on se perd au milieu de tous ces reflets trompeurs. Chef-d’œuvre.<br />
<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=866" target="_blank">Fiche Cinelounge</a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-oC_xUEgZCjA/VX2JOdMpu3I/AAAAAAAABN8/TzAAEQ-PqUk/s1600/baraka.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-oC_xUEgZCjA/VX2JOdMpu3I/AAAAAAAABN8/TzAAEQ-PqUk/s200/baraka.jpg" width="133" /></a></div>
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<u><b><i>Baraka</i>, de Ron Fricke (1992)</b></u></div>
<br />
J'avais découvert Ron Fricke en tant que réalisateur directement avec <i><b>Samsara</b></i>, qui m'avait alors totalement sonné, me laissant une claque cinématographique inégalable. Bien que son grand frère <i><b>Baraka </b></i>soit également d'une maîtrise bouleversante et d'une complémentarité géniale vu les vingt ans qui sépare les deux films, jouant évidemment sur le contexte, je le considère moins comme un achèvement total que le dernier Fricke. Il n'en reste pas moins une expérience cinématographique intense, portée par tous ces essais formels hallucinants qui capturent un monde comme jamais il ne l'a été auparavant, avec un regard autant fasciné que réaliste.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=11554" target="_blank">Fiche Cinelounge</a></div>
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-x4rJwmBWAy8/VX2JQdMacTI/AAAAAAAABOw/h5ElluopruM/s1600/conan.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-x4rJwmBWAy8/VX2JQdMacTI/AAAAAAAABOw/h5ElluopruM/s200/conan.jpg" width="133" /></a></div>
<u><b><i>Conan le Barbare</i>, de John Milius (1982)</b></u><br />
<br />
<i>Revisionnage.</i> <br />
<br />
Définissant quasiment à lui tout seul le genre de l'heroic-fantasy à la sauce épique, <i><b>Conan le Barbare </b></i>(tout comme <i><b>Legend</b></i> dans une approche plus enchanteresse - au passage Ridley Scott avait également Conan comme projet quelques années auparavant en collaboration avec Oliver Stone) se trimballe pourtant l'image d'un film daté et usé, kitch et idiot, alors qu'il n'est ni plus ni moins qu'un opéra virtuose coordonné par l'audacieux John Milius. Il y a une vraie science de cinéma là-dedans, de cette économie de dialogue (certaines scènes viennent quasiment du cinéma muet), ponctuée par la fresque musicale de Basil Poledouris, à cette ampleur de la mise en scène, vestige d'un autre temps, qui vient sublimer ses héros mythologiques. Et puis, un film où le souhait du héros est <i>"d'anéantir les ennemis, avoir leurs femmes à ses pieds et écouter leurs lamentations"</i> ne peut être qu'un bon film, par Krom !<br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2959" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-jtUNltp5Om0/VX2JdRqH19I/AAAAAAAABR0/pDrRIc1SX18/s1600/spivet.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-jtUNltp5Om0/VX2JdRqH19I/AAAAAAAABR0/pDrRIc1SX18/s200/spivet.jpg" width="140" /></a></div>
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<u><b><i>L'Extravagant Voyage du jeune et prodigieux T.S. Spivet</i>, de Jean-Pierre Jeunet (2013)</b></u></div>
<br />
<i>Revisionnage (3D).</i><br />
<br />
J'avais vivement défendu <i><b>T.S. Spivet </b></i>(pour faire court) lors de sa sortie (<a href="http://www.senscritique.com/film/L_Extravagant_Voyage_du_jeune_et_prodigieux_T_S_Spivet/critique/26729526">cf ancienne critique pour feu Cineheroes</a> - j'écrivais quand même vachement moins bien à l'époque !), et le revisionnage me confirme cette impression. Quand bien même on a de quoi être franchement dubitatif sur certains points d'écriture (encore une fois, la séquence du talk-show manque vraiment de subtilité et vient gâcher l'équilibre global), impossible de ne pas être emporté par le voyage que propose Jeunet. C'est un peu comme chez Méliès, on est dedans, on découvre naïvement quelque chose de tout nouveau (en plus avec cette impressionnante 3D) avec des yeux de bambin. Jolie fable initiatique sur l'enfance et son éphémère fragilité, <b><i>T.S. Spivet </i></b>donne une fraîche respiration à la carrière de Jeunet (même si son échec commercial sévère risque d'avoir de graves répercussions).<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=35388" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-mLgoBLQ0K-I/VX2JghIgygI/AAAAAAAABSE/8CdPI-ci2rQ/s1600/world%2Binvasion.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-mLgoBLQ0K-I/VX2JghIgygI/AAAAAAAABSE/8CdPI-ci2rQ/s200/world%2Binvasion.jpg" width="134" /></a><u><b><i>World Invasion : Battle Los Angeles</i>, de Jonathan Liebesman (2009)</b></u><br />
<br />
J'en viens à me demander si <b><i>World Invasion : Battle Los Angeles</i></b> n'est pas l'un des blockbusters les plus inconsistants jamais vus. Car c'est incroyable, ici on atteint un niveau d'amateurisme et de feignantise qui paraît presque record pour un genre qui a déjà pas mal de concurrence à ce niveau-là. Rejeton informe né d'un accouplement non approuvé entre <i><b>La Chute du Faucon Noir</b></i> et <i><b>La Guerre des Mondes</b></i>, le film de Liebesman (en compétition officielle pour être le pire metteur en scène américain actuel) n'a décidément rien pour lui. Ni cette réalisation illisible et baclée qui ne donne de l'ampleur à aucune scène, ni de direction artistique (rarement vu un minimum syndical aussi... minimum), ni de sens de l'écriture de l'action ou des personnages, ni un minimum d'ambition... Non, rien. On dirait une sorte de parodie de shoot'em up débile mais finalement à prendre très au sérieux, et avec un bon fond nauséabond bien fascisto-militariste comme on l'aime.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=10956" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=10956" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-8XMdeQV9ljw/VX2JaiiK2uI/AAAAAAAABRw/Eh3wB9gBnDs/s1600/one%2Bfrom%2Bthe%2Bheart.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-8XMdeQV9ljw/VX2JaiiK2uI/AAAAAAAABRw/Eh3wB9gBnDs/s200/one%2Bfrom%2Bthe%2Bheart.jpg" width="135" /></a><u><b><i>Coup de Coeur</i>, de Francis Ford Coppola (1982)</b></u></div>
<br />
Et si le chef-d’œuvre définitif de Coppola était <i><b>Coup de Coeur</b></i>, le film qui lui a valu d'être un paria à Hollywood ? Plus qu'Apocalypse Now, c'est un peu le résultat de la folie de son auteur, qui ici pousse le bouchon jusqu'au bout, jusqu'au maximum du maximum, comme Michael Cimino dans <i><b>La Porte du Paradis</b></i>. Mais comme l'ami Cimino, quelque part, le plantage est assuré également. Pourtant tout est là, mais pour le spectateur cela implique d'accrocher au délire du cinéaste, de le suivre dans les méandres d'une histoire d'amour visuelle totalement inédite et visionnaire, trop avant-gardiste pour être immédiatement comprise. Et du coup, c'est comme l'amour, c'est fou. On finit par se perdre dans le charme de Natasha Kinski qui danse dans ce studio flashy éclairé aux néons d'un Las Vegas factice. Une pure expérience de cinéma, un grand Coppola, un grand film.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=6599" target="_blank">Fiche Cinelounge</a></div>
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-rq1e8Yetl34/VX2JO2O171I/AAAAAAAABPE/zh869stTIlo/s1600/blade%2Brunner.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-rq1e8Yetl34/VX2JO2O171I/AAAAAAAABPE/zh869stTIlo/s200/blade%2Brunner.jpg" width="132" /></a></div>
<u><b><i>Blade Runner</i>, de Ridley Scott (1982)</b></u></div>
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<i><br /></i></div>
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<i>Revisionnage. </i><br />
<br />
N'y allons pas par quatre chemin, <i><b>Blade Runner</b></i> est mon film préféré et sans doute beaucoup ici l'auront déjà constaté. Bientôt 35 balais et le film de Ridley Scott révèle encore et toujours son pan visionnaire. En transcendant (une fois de plus) la science-fiction sans faire un film de science-fiction, ici mélange de genres et de mythologies, Scott détient les clés de l'universalité et l'atemporalité de son chef-d’œuvre. Le revoir, c'est être encore une fois sidéré par cette direction artistique visionnaire signée Syd Mead, ces effets visuels avant-gardistes de Trumbull, cette photographie atmosphérique de Cronenwerth, et bien entendu, l'écriture royale de Fancher et Peoples, adaptant judicieusement K. Dick. L'écho de cette immense maestria ne se retrouve que dans l’œil émerveillé du spectateur, jouissant de ce terrible spectacle, ce même œil qui répond à l'ouverture du film. <i>"Si seulement vous pouviez voir ce que j'ai vu avec ces yeux"</i>, murmure Roy Batty (l'immense Rutger Hauer) à l'architecte de son regard perçant... Mais pourtant, on a l'impression d'avoir tout vu au sortir de <i><b>Blade Runner</b></i>. </div>
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J'attends par ailleurs d'un pied ferme la suite, projet sur lequel je suis évidemment resté longtemps dubitatif, avant d'être enchanté par le choix du prodigieux Denis Villeneuve pour la mettre en scène.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=913" target="_blank">Fiche Cinelounge</a></div>
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-mm4mxMdJeFM/VX2JbAR1SOI/AAAAAAAABRI/E05YpVkBCJg/s1600/pi.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-mm4mxMdJeFM/VX2JbAR1SOI/AAAAAAAABRI/E05YpVkBCJg/s200/pi.jpg" width="135" /></a><u><b><i>L'Odyssée de Pi</i>, d'Ang lee (2012)</b></u></div>
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<i>"Tout ça pour ça ?"</i>, voilà le sentiment que m'a laissé le dernier film d'Ang Lee. Le périple spirituel et fort lourdeau qu'est <i><b>L'Odyssée de Pi</b></i> n'aura décidément pas su gagner mon intérêt. Il faut questionner d'abord l'écriture, trop peu subtile, trop appuyée, entachant l'éventuelle poésie visuelle sur laquelle se repose Ang Lee. Le personnage de Pi, fadasse au possible, n'est pas le vecteur idéal pour les enjeux que souhaite mettre en scène le film. Alors pour le spectateur ennuyé il faut lentement patienter devant les gesticulations peu crédibles de ce jeune homme sur fond vert, jusqu'à ce quelconque twist censé faire sens mais finalement plus désappointant qu'autre chose. Les quelques effets stylistiques d'Ang Lee dans sa mise en scène ou son montage si singulier peuvent éventuellement redonner un peu d'épice au tout, mais globalement, pas de quoi rattraper la fadeur de ce plat un peu trop niais et indigeste. Et puis, sur un plan subjectif, avoir Gérard Depardieu dans son film pour en faire juste ça, c'est plus désolant qu'autre chose.</div>
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=17927" target="_blank">Fiche Cinelounge</a></div>
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-qhEE2fxGVaM/VX2JVagQ1LI/AAAAAAAABPk/zLGuBwUzo6s/s1600/frankenweenie.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-qhEE2fxGVaM/VX2JVagQ1LI/AAAAAAAABPk/zLGuBwUzo6s/s200/frankenweenie.jpg" width="134" /></a></div>
<u><b><i>Frankenweenie</i>, de Tim Burton (2012)</b></u><br />
<br />
Après l'ignoble <b><i>Alice au pays des merveilles</i></b> et le bouffon <b><i>Dark Shadows</i></b>, il fallait bien que j'essaye de me rabibocher tant bien que mal avec Tim Burton. <i><b>Frankenweenie</b></i> lui permet de remonter la rude pente, sans toutefois me convaincre entièrement. Avant toute chose, et à contrario de ses derniers films, c'est justement un film bien intentionné, modeste et honnête. En auto-remakant une de ses oeuvres fondatrices, Burton revient aux sources de son succès mais également y trouve ses limites : le film qu'il délivre n'est jamais surprenant et est globalement peu audacieux. Ressassant les références cinématographiques qu'on lui connaît, parfois à l'excès (le moulin en feu de <i><b>Frankenstein</b></i>, déjà présent dans <i><b>Sleepy Hollow</b></i>, fait quand même de trop), il fait quelque part du sur-place. Mais l'ensemble n'est pas désagréable, plutôt adroitement mis en scène et surtout l'ambiance a malgré tout son charme.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=14398" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-h0Qu6uxRm24/VX2JbyLyOqI/AAAAAAAABRY/pqtdFdqPXKY/s1600/scooge.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-h0Qu6uxRm24/VX2JbyLyOqI/AAAAAAAABRY/pqtdFdqPXKY/s200/scooge.jpg" width="134" /></a></div>
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<u><b><i>Le Drôle de Noël de Scrooge</i>, de Robert Zemeckis (2009)</b></u></div>
<i><br /></i>
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
Décidément, mon revisionnage (que j'ai pourtant appréhendé) de la trilogie d'animation de Robert Zemeckis aura été pour le meilleur. <i><b>Le Drôle de Noël de Scrooge</b></i> est encore une fois une fresque numérique assez incroyable, constamment virtuose et enchanteresse. Comme pour <i><b>Le Pôle Expres</b></i>s, il faut adhérer à l'ambiance de Noël, qui parfois en fait trop dans son mélo ou ses bons sentiments, mais Zemeckis a l'intelligence d'en faire quelque chose avec ces beaux personnages adaptés depuis Dickens. Du coup, on se perd dans la beauté de cet univers, décrit avec la maestria d'un grand conteur d'histoires. Et voir ces deux beaux et naïfs contes ponctués par le sanglant <b><i>La Légende de Beowulf </i></b>donne une singularité inimitable à cette "saga".<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=3748" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/--jc_0pmokkg/VX3zJ-V-NKI/AAAAAAAABTc/kEdtFWU6kvo/s1600/coup%2Bde%2Bt%25C3%25AAte.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/--jc_0pmokkg/VX3zJ-V-NKI/AAAAAAAABTc/kEdtFWU6kvo/s200/coup%2Bde%2Bt%25C3%25AAte.jpg" width="146" /></a></div>
<u><b><i>Coup de tête</i>, de Jean-Jacques Annaud (1979)</b></u><br />
<br />
C'est bien là l’œuvre de la jeunesse d'un réalisateur. Dans <i><b>Coup de têt</b></i>e, on sent le Jean-Jacques Annaud chevelu et hargneux dans sa jeunesse, dans ce film qui respire plutôt bien l'esprit contestataire de sa génération. On retrouve évidemment le tumultueux Patrick Dewaere, fabuleux comme souvent, et toujours en rage contre les instances bourgeoises. C'est un film de fouteur de merde comme on l'aime. Peut-être pas aussi incisif et libre comme un Blier, mais l'esprit est là. Tout est là pour souligner les clivages de l'époque et du contexte, notamment ces dialogues ou situations comme l'on en fait plus. Je ne soupçonnais pas forcément Annaud de pouvoir faire du cinéma insolent comme cela, mais tant mieux. Reste à voir son premier film, <b><i>Noirs et blancs en couleur</i></b>, semblant être dans le même esprit.</div>
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1810" target="_blank">Fiche Cinelounge </a></div>
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-vaHjH8jOfuY/VX2JWbUvN7I/AAAAAAAABP0/d705jZgEYm0/s1600/jingle%2Ball%2Bthe%2Bway.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-vaHjH8jOfuY/VX2JWbUvN7I/AAAAAAAABP0/d705jZgEYm0/s200/jingle%2Ball%2Bthe%2Bway.jpg" width="134" /></a></div>
<div style="text-align: right;">
<u><b><i>La Course au jouet</i>, de Brian Levant (1996)</b></u></div>
<br />
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
Arnold Schwarzenegger père de famille qui doit trouver un jouet pour son gosse, ça c'est un enjeu incroyable tout de même ! <i><b>La Course au jouet</b></i> est à ranger soigneusement dans les autres comédies de l'acteur, ces fameux "mauvais films sympathiques". Ici peut-être un peu moins agréable que les autres, car moins rythmé et moins inventif. Mais tout de même, on renoue avec ces moments de cabotinage de Schwarzenegger, ponctués par des punchlines insensées comme il faut (<i>"Put the cookie down !"</i>) et des moments de bravoure plus toc que jamais. C'est con, mais ça ne fait pas de mal.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=2834" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-Z1XsLrYJOiI/VX2JcTxF7JI/AAAAAAAABRg/z1Zb6t3VcXg/s1600/speed%2Bracer.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-Z1XsLrYJOiI/VX2JcTxF7JI/AAAAAAAABRg/z1Zb6t3VcXg/s200/speed%2Bracer.jpg" width="135" /></a><u><b><i> Speed Racer</i>, d'Andy et Larry/Lana Wachowsky (2008)</b></u><br />
<i><br /></i>
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
Je fais partie des spectateurs qui avaient été laissés totalement sur le bas-côté de la route face à <i><b>Speed Racer</b></i>. Mais quelque part, le film des Wachowsky est un peu comme <b><i>La Légende de Beowulf </i></b>de Robert Zemeckis : c'était (et c'est toujours ?) le cinéma de demain, et il fallait l'accepter pour entrer dans l'univers. Avec plus de recul, on se rend compte de l'incroyable virtuosité qui transcende chaque plan ou presque du film des Wachowsky. D'autant plus que <i><b>Speed Racer </b></i>ne sombre pas dans le décorum numérique vulgaire et ne reste pas un simple exercice de style : c'est la belle prolongation des valeurs et thématiques entretenues par le duo de cinéastes. Une pure expérience cinématographique, une prise de risque rare de la part des producteurs hollywoodiens.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=4565" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=4565" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-RzO5DG6vRVM/VX2JN4zWSfI/AAAAAAAABNw/v3azDdHzE-0/s1600/american%2Bgangster.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-RzO5DG6vRVM/VX2JN4zWSfI/AAAAAAAABNw/v3azDdHzE-0/s200/american%2Bgangster.jpg" width="141" /></a><u><b><i>American Gangster</i>, de Ridley Scott (2007)</b></u></div>
<br />
<i>Revisionnage - version longue.</i><br />
<br />
Nouvelle fresque venant compléter l'incroyable arc du genre de Ridley Scott, <i><b>American Gangster</b></i> est peut-être l'un de ses plus sobres. Traitée quasiment de manière documentariste avec ses cadres (pour une fois) en 1.85, prenant subtilement la température de son époque grâce au remarquable scénario de Steven Zaillian, cette épopée dans le gangstérisme marque une fois de plus la modernité de son réalisateur et sa capacité à être protéiforme, tout en conservant un style inimitable. Ridley Scott parvient à traiter des personnages forts sans s'enfermer dans les limites de "l'histoire vraie" ou du classicisme hollywoodien : pas de compromis sur ce qui est montré. C'est l'occasion d'offrir à Denzel Washington l'un de ses meilleurs rôles, et confirmer la polyvalence de Russell Crowe, à mi-chemin entre flic musclé et clochard grassouillet. <br />
<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1316" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-GzgZgEihyFk/VX2JX3hGugI/AAAAAAAABQk/6gxUnNKCKJw/s1600/l%2527ours.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-GzgZgEihyFk/VX2JX3hGugI/AAAAAAAABQk/6gxUnNKCKJw/s200/l%2527ours.jpg" width="146" /></a></div>
<u><b><i>L'Ours</i>, de Jean-Jacques Annaud (1988)</b></u><br />
<br />
<i>Revisionnage.</i><br />
<br />
Je sais que je me répète, mais une fois de plus : pfioulala, du cinéma comme on en fait plus. Car <i><b>L'Ours</b></i> n'est pas simplement du cinéma de grand faiseur d'images, c'est du cinéma de grand raconteur. Jean-Jacques Annaud travaille avec une passion percutante dans chaque plan cette épopée simple et universelle. Il y a la quête de la survie, mais plus simplement, c'est surtout la quête de la vie. Et quelle beauté. Avec ce grand sens de la poésie (merci à l'incroyable musique de Philippe Sarde) sachant toutefois garder sa légèreté, on ressort enchanté de l'aventure. Et puis, il faut voir Annaud, sur le plateau, heureux comme un gamin, clamant que de toute façon c'est Claude Berri qui paye tout et que lui son boulot c'est de ramener un grand film. Ça c'est du cinéma.<br />
<a href="http://l'ours/" target="_blank"><br /></a>
<a href="http://l'ours/" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<div style="text-align: right;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-wUBTGuMjKCo/VX2JQkL0P7I/AAAAAAAABOo/PMAJPHdpGp8/s1600/dahlia%2Bnoir.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-wUBTGuMjKCo/VX2JQkL0P7I/AAAAAAAABOo/PMAJPHdpGp8/s200/dahlia%2Bnoir.jpg" width="135" /></a><u><b><i>Le Dahlia Noir</i>, de Brian De Palma (2005)</b></u></div>
<br />
Les années 2000 n'auront pas été facile pour Brian De Palma, peinant à franchir vraiment le pas vers ce nouveau cinéma. Avec <i><b>Le Dahlia Noir</b></i> il tient le sujet idéal, évidemment. Malheureusement, ce qui aurait pu devenir l'un de ses films majeurs se voit tristement tronqué, inachevé (une heure de film a été coupée pour la sortie cinéma). Bien entendu il reste toujours l'incroyable savoir faire de mise en scène de Brian De Palma, on ne compte plus les plans étourdissants. Mais le montage a tellement haché le scénario que non seulement il perd dans l'intensité de ses personnages, mais l'enquête elle-même devient confuse. Et c'est bien dommage, car malgré un casting peu inspiré (notamment Scarlett Johansson, trop vulgaire et lisse pour le rôle), tous les éléments sont là : l'histoire, son auteur, le réalisateur idéal, Vilmos Zsigmond à la photo et Mark Isham à la musique. Suffisament pour délivrer un film agréable, pas assez pour le chef-d'oeuvre que l'on aurait pu attendre.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=1112" target="_blank"><br /></a>
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-LOXGMPgEc7o/VX2JWuGCxII/AAAAAAAABPo/u1OtFZCgYyk/s1600/junior.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-LOXGMPgEc7o/VX2JWuGCxII/AAAAAAAABPo/u1OtFZCgYyk/s200/junior.jpg" width="135" /></a></div>
<u><b><i>Junior</i>, d'Ivan Reitman (1994)</b></u><br />
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Il faut quand même saluer l'audace de l'auteur original de <b><i>Junior</i></b>, suffisamment courageux (ou insensé) pour lancer au milieu d'une réunion de production <i>"et si on faisait un film avec Arnold Schwarzenegger qui tombe enceinte ?"</i>. Car tout le long du film il faut tout de même s'imaginer ce concept juste inimaginable. Néanmoins il témoigne du certain sens d'autodérision d'Arnie qu'il aura toujours su mettre au service de ses comédies. Dommage qu'Ivan Reitman ne réitère jamais vraiment l'inventivité du <i><b>Jour sans fin</b></i>, laissant ici surtout Schwarzenegger<i> </i>cabotiner à fond avec Danny DeVito à ses côtés. C'est toujours un peu nul, mais ça se mange sans faim.<br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-_Dt8VlDCQQQ/VX30ksTnfOI/AAAAAAAABTo/zgpuZcKg9mA/s1600/gone%2Bin%2B60.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-_Dt8VlDCQQQ/VX30ksTnfOI/AAAAAAAABTo/zgpuZcKg9mA/s200/gone%2Bin%2B60.jpg" width="136" /></a><u><b><i>60 secondes chrono</i>, de Dominic Sena (2000)</b></u></div>
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<i>Revisionnage.</i><br />
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J'ai vu <i><b>60 secondes chrono</b></i> lorsqu'il est sorti en salles, je m'en souviens bien, j'avais une dizaine d'années et j'avais déjà trouvé cela franchement désolant. Quelle motivation m'a poussé à le revoir, je l'ignore. Toutefois, j'en tire tout de même le concept de base, qui en lui-même est génial. Mais sans doute faut-il l'imputer à l’œuvre originale des seventies, ayant l'air autrement plus cool. Ici, rien à sauver, le mauvais goût d'un réalisateur comme Dominic Sena innonde tout l'écran : c'est mal filmé, sans intention si ce n'est d'affreux effets, Nicolas Cage est absent (est-ce mieux que quand il est en roue libre ? Bonne question), Angelina Jolie est affreuse... Heureusement que Robert Duvall est là, même s'il vient seulement toucher son chèque.<br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-jn90d24_sPU/VX302waGYdI/AAAAAAAABTw/3CWKzE2Ayk8/s1600/unbreakable.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://2.bp.blogspot.com/-jn90d24_sPU/VX302waGYdI/AAAAAAAABTw/3CWKzE2Ayk8/s200/unbreakable.jpg" width="135" /></a><u><b><i>Incassable</i>, de M. Night Shyamalan (2000)</b></u><br />
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Filmographie de Shyamalan bouclée avec ce qui est sans doute son grand (et unique ?) chef-d’œuvre. Remarquable d'intelligence, encore plus intéressant à l'heure de l'overdose des super-héros, <i><b>Incassable</b></i> semble avoir tout compris à son sujet et les thèmes que la "culture" des super-héros peut inspirer. De bout en bout, c'est brillant et propulsé par une immense mise en scène (qui dès le premier plan, d'une simplicité rare mais fabuleuse, en impose). Et quant au reste, d'une part on retrouve une grande partition de James Newton Howard, de l'autre part un duo d'acteurs formidable, Bruce Willis et Samuel L. Jackson, peut-être leurs meilleurs rôles. Une grande réussite.<br />
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<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=977" target="_blank">Fiche Cinelounge</a><br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-Xl0JbKBQom0/VX31GrSS3iI/AAAAAAAABT4/svj5bx4CpxQ/s1600/the%2Bfly.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://4.bp.blogspot.com/-Xl0JbKBQom0/VX31GrSS3iI/AAAAAAAABT4/svj5bx4CpxQ/s200/the%2Bfly.jpg" width="126" /></a></div>
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<u><b><i>La Mouche</i>, de David Cronenberg (1986)</b></u></div>
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<i>Revisionnage.</i><br />
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Quasiment trente ans après, l'horreur organique du classique de David Cronenberg fait sans aucun doute mouche (!). Les thématiques de toujours de Cronenberg, présentes au cœur de <i><b>La Mouche</b></i>, la contagion et la métamorphose, seront toujours d'actualité par sa manière de les aborder, avec des cas pratiques (comme ce film) ou plus imagés (dans <b><i>A History of violence</i></b>). Et c'est toujours formidable (ou souvent) car Cronenberg ne recule devant rien et <i><b>La Mouche</b></i> est un film qui va au bout des choses. Mais même dans l'affrosité qu'il décrit, Cronenberg n'oublie pas le plus important : le drame de ses personnages. Alors cette mutation horrifique prend une tournure tragique authentique de grand cinéaste. Reste à voir l'original.<br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-W6CESChV79Q/VX31gKfdoXI/AAAAAAAABUA/A55FRUE5JjU/s1600/cloudy%2Bwith.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-W6CESChV79Q/VX31gKfdoXI/AAAAAAAABUA/A55FRUE5JjU/s200/cloudy%2Bwith.jpg" width="134" /></a></div>
<u><b><i>Tempête de boulettes géantes</i>, de Phil Lord et Chris Miller (2009)</b></u><br />
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Avec un titre français de la sorte, difficile de savoir à quoi s'attendre. Néanmoins il me parait désormais impossible de douter du talent du duo de réalisateurs Lord et Miller, depuis<i><b> 21 Jump street </b></i>et sa suite, et bien entendu le prodigieux film <i><b>Lego : La grande aventure</b></i>. <i><b>Tempête de boulettes géantes</b></i> demeure dans le même esprit, c'est-à-dire d'une part un vrai film d'animation généreux et bien pensé, mais surtout à l'humour constamment percutant, détournant les réflexions critiques sur la société de consommation alimentaire. Un vrai petit plaisir du début à la fin, qu'il ne faudrait pas rater malgré son titre français peu accrocheur (voire repoussant). Et en plus, c'est de la 3D bien fichue.<br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-MoLUaexcD-A/VX31pQ9DrAI/AAAAAAAABUI/5wJNib9ppbg/s1600/gi%2Bjane.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-MoLUaexcD-A/VX31pQ9DrAI/AAAAAAAABUI/5wJNib9ppbg/s200/gi%2Bjane.jpg" width="133" /></a><u><b><i>A armes égales</i>, de Ridley Scott (1997)</b></u></div>
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<i>Revisionnage.</i><br />
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Sans aucun doute le film de Ridley Scott le plus mal considéré, <i><b>A armes égales</b></i> n'en demeure pas moins un point plutôt intéressant de sa carrière, bien que film mineur témoin d'une époque difficile pour le cinéaste. C'est un film qui parvient tout de même à clore l'arc de Scott sur l'émancipation féminine (avec bien entendu <i><b>Alien</b></i> et <i><b>Thelma & Louise</b></i>), expérimente la manière de filmer la guerre (en amont de <i><b>La Chute du Faucon Noir</b></i>) et a même un côté diptyque avec <i><b>USS Alabama</b></i> de Tony Scott (avec lequel il partage certaines thématiques, quelques plans identiques et aussi la présence de Viggo Mortensen), sorti deux ans plus tôt. Et parce qu'il est plutôt habilement mis en scène par Ridley Scott (malgré ces affreux zooms dans la scène de combat finale, on sent l'expérimentation mais ça ne marche pas du tout), malgré son écriture un peu balourde ou sa pléthore d'autres défauts, le film est finalement loin d'être désagréable, et loin d'être l’œuvre la plus inintéressante de la filmographie de son auteur. Pas une mauvaise redécouverte.<br />
<a href="http://www.cinelounge.org/?page=film&num=5391" target="_blank"><br /></a>
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-EnWKEkxaIDA/VX314tiwKvI/AAAAAAAABUQ/iY04cdKkLUA/s1600/the%2Binterview.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://1.bp.blogspot.com/-EnWKEkxaIDA/VX314tiwKvI/AAAAAAAABUQ/iY04cdKkLUA/s200/the%2Binterview.jpg" width="134" /></a></div>
<u><b><i>L'interview qui tue !</i>, de Evan Goldberg et Seth Rogen (2015)</b></u><br />
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Ah, le voilà, le fameux film qui a failli déclencher la Troisième Guerre Mondiale ? Il y a de quoi être tout de même déçu par <i><b>L'interview qui tue !</b></i>, car vu le potentiel d'une comédie trash sur la Corée du Nord, c'est dommage de se retrouver à l'arrivée avec cette comédie vaguement sympathique mais somme toute pas vraiment audacieuse (comparé au tumulte qu'elle a causé). Certaines idées sont là, certaines situations sont même hilarantes (le début avec Eminem tape très fort), et James Franco s'en donne à cœur joie, mais passé un cap le film ne propose plus grand chose et se résout de manière quelque peu automatique. Peu de chances donc que le film soit retenu dans un bouquin d'Histoire au sein des futures causes du prochain conflit nucléaire.<br />
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Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6423083980187720142.post-58252177165343144972015-05-12T16:11:00.001+02:002015-05-12T16:12:12.965+02:00FDBF - Le Festival des bons films<div style="text-align: justify;">
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-ewGKfSokY2Y/VVIJMNQri2I/AAAAAAAABMo/4KedpnI2CzU/s1600/FDBF%2B2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="84" src="http://3.bp.blogspot.com/-ewGKfSokY2Y/VVIJMNQri2I/AAAAAAAABMo/4KedpnI2CzU/s640/FDBF%2B2.jpg" width="540" /></a></div>
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Avec mon ami Alexis Hyaumet (écrivant également pour <a href="http://www.filmosphere.com/">Filmosphere</a>), j'ai participé à la création d'une nouvelle web-émission cinéma : <i>le Festival des bons films</i>. Le principe se veut simple mais convivial : confronter un "jury", composé d'invités, aux films et sujets du moments, mais aussi d'anciennes œuvres qui jouissent d'une ressortie (vidéo et cinéma). De la sorte, l'émission est chapitrée en plusieurs sections, ce qui d'ailleurs permet de faire une pause pour l'écouter en plusieurs fois vu son format long.<br />
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Le pilote est tout neuf et fait office de prototype : ne soyez donc pas alarmé par les défauts techniques ou encore d'autres aspects à améliorer ! Toutefois j'espère que ce concept naissant vous plaira et que le prochain (et du coup véritable premier) épisode vous emballera encore plus !</div>
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Les liens pour écouter ou voir le pilote :</div>
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<a href="https://soundcloud.com/le-festival-des-bons-films/fdbf-00-pilot?utm_source=soundcloud&utm_campaign=share&utm_medium=facebook">Version audio sur Soundcloud</a></div>
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<a href="https://www.youtube.com/watch?v=cHIi6JJl9y4&feature=share">Version vidéo sur Youtube</a> (la vidéo est assez rudimentaire car l'émission se veut avant tout audio, toutefois la prochaine sera du coup plus appliquée sur ce point !)</div>
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Et les pages de l'émission :</div>
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<a href="https://twitter.com/Le_FDBF">Twitter</a></div>
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<a href="https://www.facebook.com/pages/Le-Festival-des-bons-films/451715484986831?ref=ts&fref=ts">Facebook</a></div>
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N'hésitez pas à formuler toute sorte de retour et à partager comme bon vous semble !</div>
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<br />Lt Schafferhttp://www.blogger.com/profile/07814171525307953274noreply@blogger.com0